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Cine debate con Aterriza como Puedas. El Humor y lo Correcto ¿Nos podemos reír de todo?

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Entradas al cine debate / Plan de Meetup

  1. Acerca de “Aterriza como puedas”
    1. El género spoof, Zero Hours! y las películas de catastrofes de los 70s
    2. Los gags más políticamente incorrectos de Airplane
      1. El interrogatorio al niño en la cabina
      2. La niña del café: “Lo tomo negro… como a mis hombres”
      3. La escena del “jive” subtitulado
      4. El chiste del aborto
      5. Otto, el piloto automático hinchable
      6. Conclusión sobre los gags
  2. Los temas del coloquio
    1. El humor “incorrecto”: ¿transgresión o pereza?
    2. El deadpan como arma: actores serios diciendo barbaridades
    3. Traducción y doblaje: el chiste que muta
  3. Otras cuestiones acerca de la película
    1. Los actores principales
    2. ¿Cuándo se estrenó la película?
    3. Premios y reconocimientos
    4. La música de la película
  4. Punto de encuentro y planning de la velada
  5. ¿Cómo será el coloquio?
  6. ¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas
  7. ¿Cómo hacer las reservas y pagos a Happening Madrid de cada una de las experiencias?
  8. ¿Qué es Happening Madrid?
  9. ¿Cómo apuntarte a nuestras experiencias? Los enlaces

Este martes, en nuestro Cine Debate “Un Conejo con Ojo” despegamos en el vuelo 209 rumbo al humor más turbulento con Aterriza como puedas (Airplane!, 1980), clásico que revolucionó la comedia y redefinió el género del spoof. Obra de culto y espejo provocador de su tiempo, esta sátira delirante nos servirá de punto de partida para reflexionar —desde 2026— sobre los límites del humor, lo políticamente correcto y cómo ha envejecido la comedia vez hizo temblar los cimientos del humor americano de la época.

Un conejo con ojo es un cine debate organizado por Big Tree Books y Happening Madrid para las tardes de los martes, desde el corazón más castizo de Madrid. Unas veladas para disfrutar del cine y, sobre todo, para pensarlo en voz alta, discutir, disentir y compartir ideas alrededor de una pantalla compartida.

Información y Reservas

Acerca de “Aterriza como puedas”

En Aterriza como puedas (Airplane!, 1980) el trío ZAZ –Jim Abrahams y los hermanos David y Jerry Zucker– construye una comedia hilarante a partir del molde más serio posible: el cine de catástrofes aéreas de los 70. La película parasita deliberadamente el esqueleto narrativo de Zero Hour! (1957), reutiliza situaciones y diálogos, y los distorsiona lo justo para empujarlos al territorio del absurdo, del chiste visual, del doble sentido y del gag recurrente.

El resultado es una metralleta de humor: 87 minutos de chistes encadenados, juegos de lenguaje, puns, running jokes y apariciones imposibles, donde prácticamente todo puede convertirse en remate, desde un anuncio de aeropuerto hasta un plano de cabina. En su tiempo, fue uno de los éxitos más inesperados del inicio de los 80: costó relativamente poco, arrasó en taquilla, obtuvo nominaciones al Globo de Oro como mejor comedia o musical, al BAFTA por su guion y ganó el premio del Sindicato de Guionistas al mejor guion adaptado de comedia.

Junto con las películas de los Monty Python, la cinta fijó las coordenadas del humor absurdo moderno, apoyándose en la tradición anárquica de títulos como Sopa de ganso, que ya había demostrado que los géneros más solemnes podían convertirse en campo de minas cómico. Aterriza como puedas se ríe de la cotidianidad –un café, un manual de vuelo, una conversación trivial– y la empuja hasta convertirla en caricatura, en un universo donde lo “normal” es precisamente lo primero que salta por los aires.

Sinopsis de “Aterriza como puedas”

El vuelo 209 de la Trans American despega de Los Ángeles con destino a Chicago. Entre los pasajeros viajan misioneros, ancianos, niños, un jugador de baloncesto famoso, una pareja en crisis y un ex piloto de combate con miedo a volar, Ted Striker, que intenta reconquistar a su ex, la azafata Elaine Dickinson.[8][1]

Tras una intoxicación alimentaria, la tripulación cae indispuesta y el avión se queda prácticamente sin nadie capaz de tomar los mandos. Ted, traumatizado por su pasado en combate, es el único que puede intentar aterrizar la nave con la ayuda de Elaine, del controlador McCroskey desde tierra y de un doctor de gesto inmutable, el inolvidable Dr. Rumack. Sobre esta premisa absolutamente seria, la película construye una orgía de situaciones imposibles, chistes físicos, diálogos delirantes y una galería de personajes que van del patetismo al surrealismo sin pedir perdón.

Enlaces de “Aterriza como puedas”

Ficha

https://www.filmaffinity.com/es/film445878.html

Tráiler

El género spoof, Zero Hours! y las películas de catastrofes de los 70s

El género spoof es la vertiente más extrema de la parodia cinematográfica: toma tramas, personajes y clichés de películas reconocibles y los reproduce casi al calco para deformarlos con humor absurdo, chistes a bocajarro y una acumulación de gags que desactiva la seriedad del original. En el caso de Aterriza como puedas (Airplane!, 1980), el molde argumental viene prácticamente entero de Zero Hour! (1957), un drama aéreo en el que la intoxicación alimentaria de pasajeros y tripulación obliga a un piloto traumatizado por la guerra a volver a tomar los mandos, hasta el punto de que muchos diálogos y escenas se repiten casi palabra por palabra, solo que cambiando la interpretación grave por un tono completamente disparatado. Sobre esa base, la película funciona también como burla del cine de catástrofes de los 70, especialmente de la saga Aeropuerto (desde Airport, 1970, y sus secuelas como Aeropuerto 75), que fijó el modelo del reparto coral, el accidente inminente y el suspense en cabina y torre de control; Aterriza como puedas mantiene todos esos elementos de melodrama aéreo, pero los convierte en una sucesión frenética de chistes que dinamitan, con cariño y crueldad a la vez, los códigos solemnes del género.

Los gags más políticamente incorrectos de Airplane

Ver hoy Aterriza como puedas es entrar en una zona de turbulencias morales donde el humor “incorrecto” deja de ser etiqueta cool y se convierte en campo de análisis. No todo lo que incomoda es valiente, ni todo lo que ha envejecido mal fue alguna vez brillante: algunos chistes apuntan al género y a sus solemnidades; otros, directamente, se apoyan en estereotipos que hoy leemos con mucha menos paciencia.

El interrogatorio al niño en la cabina

Qué es: Joey, un niño, entra en la cabina y el copiloto entabla con él una conversación en apariencia amable que rápidamente deriva en una serie de preguntas llenas de insinuaciones sexuales: sobre “hombres desnudos”, “vestuarios”, “gladiadores” o “prisiones turcas”. La comicidad se construye a partir de la incomodidad y del equívoco: un adulto diciendo lo indecible con sonrisa cordial.

Por qué hoy chirría: en 1980 se podía leer como humor incómodo y algo gamberro; en 2026, el subtexto es imposible de esquivar. Lo que escuchamos roza el acoso verbal a un menor, envuelto en la coartada del chascarrillo veloz. El gag nos obliga a ver cómo la sexualización infantil se usaba como combustible cómico sin apenas filtro.

Qué revela de la época: cierta tolerancia a usar lo sexual como broma universal, incluso cuando el encuadre ético es turbio. La infancia se convierte en disfraz para contenidos adultos: si lo dice un niño, se relativiza el impacto.

La niña del café: “Lo tomo negro… como a mis hombres”

Qué es: en la cabina de pasajeros, una niña recibe una taza de café y responde, con aplomo adulto, que lo toma negro “como a mis hombres”. La escena dura un suspiro, el avión sigue su curso y el gag se pierde entre otras veinte bromas.

Por qué hoy chirría: el chiste opera en dos frentes. Por un lado, sexualiza a una menor, cuya gracia reside en hablar como si fuera una mujer experimentada en clave de seducción. Por otro, utiliza la raza como ingrediente rápido, no para pensar el racismo sino para explotarlo como guiño picante de sobremesa.

Qué revela de la época: esa confianza casi ciega en que “si lo dice un niño es gracioso”, aunque el contenido sea impropio, y en que los marcadores raciales pueden usarse como recurso cómico sin grandes consecuencias.

La escena del “jive” subtitulado

Qué es: dos pasajeros negros conversan en “jive”, una jerga asociada a una comunidad concreta, mientras los personajes blancos no entienden nada; entra en escena una señora blanca que asegura “hablar jive” y el diálogo se “traduce” mediante subtítulos blanquísimos, de tono casi sitcom de los 50.

Por qué hoy chirría: el gag convierte una forma de habla en pantomima, en lengua “exótica” cuya mera existencia se vuelve chiste. El dispositivo cómico funciona desde una mirada que trata ese lenguaje como raro, ininteligible, útil solo como detonante de risa. En términos contemporáneos, roza la apropiación y el estereotipo.

Matiz importante: hay lecturas que sostienen que la broma apunta a la torpeza del mainstream blanco más que al habla negra, subrayando que quienes quedan en evidencia son los que no entienden nada. Esa defensa existe, pero no anula el hecho de que el efecto cómico dependa de una caricatura.

El chiste del aborto

Qué es: en medio del caos general, aparece un gag en torno al aborto mencionado como alternativa “sensata” en un cruce de diálogos: el tema entra, golpea como remate y desaparece sin desarrollo ni contexto. El procedimiento es claro: se toma un asunto inflamable y se utiliza como punchline de shock.

Por qué hoy chirría: los debates sobre derechos reproductivos, coerción, trauma y autonomía corporal han ganado visibilidad y densidad en estas décadas. En ese marco, la broma se percibe como una banalización de un conflicto íntimo y político que difícilmente cabe en una frase lanzada al vuelo.

Qué revela de la época: una cultura del “todo vale” en buena parte de la comedia mainstream, en la que lo tabú se usa como chispa antes que como materia de reflexión.

Otto, el piloto automático hinchable

Qué es: el piloto automático del avión resulta ser un muñeco hinchable, Otto, que se activa inflándolo; la película explota la idea con humor físico y una batería de insinuaciones sexuales, incluyendo toqueteos y gag final con la “pareja” de Otto.

Por qué hoy chirría: el muñeco convierte literalmente el cuerpo en objeto, y la aparición de su compañera refuerza la mirada de una sexualidad de gag rápido, muy masculina, donde la dignidad y el consentimiento desaparecen tras la coartada de que “solo es un hinchable”. Precisamente por eso muchos de estos chistes se leen hoy como producto de su tiempo, fósiles de una manera de entender el deseo y el cuerpo que ha quedado en evidencia.

Conclusión sobre los gags

Estos ejemplos que hemos señalado muestran cómo Aterriza como puedas funciona hoy también  como documento histórico además de simple comedia. La película revela una época en la que la risa mainstream se construía sin apenas freno a partir de cuerpos, razas, infancia y sexualidad, usando lo tabú como combustible rápido sin preguntarse demasiado por el coste simbólico. Los gags del niño en la cabina o de la niña del café exhiben una naturalización de la sexualización infantil; la escena del “jive” se apoya en una mirada blanca que convierte una forma de habla negra en objeto de exotización; el chiste del aborto reduce un conflicto político y emocional complejo a un fogonazo de shock; y Otto condensa una visión profundamente objetualizadora del cuerpo y del deseo. Nada de esto “anula” la potencia cómica, ni borra su importancia en la historia del spoof, pero sí obliga a desplazar la pregunta: ya no es solo “¿de qué nos reímos?”, sino “¿a costa de quién?” y “qué parte de esa risa dependía de estructuras de poder y cegueras culturales que hoy vemos con mucha más nitidez”.

La película, con el transcurso de los años, se ha convertido en una privilegiada herramienta para pensar en los límites del humor. Nos habla de quien tenía derecho a bromear, sobre qué y quién quedaba en el lado del golpe.

Los temas del coloquio

Podemos considerar que el tema central sobre el que nos habla Aterriza como puedas es la naturaleza del humor absurdo y del spoof: cómo se puede dinamitar un género entero desde dentro, manteniendo intactos sus códigos visuales y narrativos mientras se desarma su solemnidad a golpe de gag. A partir de ahí, se abren varias líneas de conversación: el humor “incorrecto”, el deadpan (“chistes con cara de poker”) como arma cómica, el papel del doblaje y la traducción, y la herencia de esta película en el cine de comedia posterior.

El humor “incorrecto”: ¿transgresión o pereza?

Cuando se dice que Aterriza como puedas es “poco políticamente correcta”, conviene afinarlo un poco más. Hay chistes que apuntan a estructuras de poder y a la rigidez de los géneros –se ríen del cine de catástrofes, de la masculinidad heroica, de la épica de manual– y otros que se sostienen en estereotipos raciales, sexuales o de género que hoy resultan, como mínimo, incómodos. No todo lo que ofende es valiente, ni todo lo que envejece mal era genial.

¿Qué gags te parecen “intocables” por su ingeniería cómica, y cuáles te sacan de la película por su enfoque?
¿Hasta qué punto el contexto histórico explica un chiste… y hasta qué punto solo lo excusa?
¿La corrección política limita el humor o lo obliga a ser más inteligente?

El deadpan como arma: actores serios diciendo barbaridades

Uno de los grandes hallazgos del film es su reparto: rostros asociados a registros serios –Leslie Nielsen, Robert Stack, Lloyd Bridges, Peter Graves– diciendo barbaridades con la solemnidad de un parte de guerra. El humor nace de la colisión entre lo que se dice y cómo se dice: la película imita la textura dramática del cine de desastres, pero vacía de gravedad sus diálogos.

¿Por qué funciona mejor el chiste cuando el actor lo hace desde la seriedad en vez de la simpatía?
¿Qué diferencia hay entre humor absurdo y humor tonto?
¿Hasta qué punto el deadpan ha influido en comedias posteriores que imitan esta seriedad desquiciada?

Traducción y doblaje: el chiste que muta

En una comedia tan dependiente del juego verbal, el doblaje y la traducción se convierten en campo de minas: hay bromas intraducibles, juegos de palabras que se reinventan y referencias culturales que viajan mal. El doblaje español de Aterriza como puedas, muy querido por parte del público, casi configura una película paralela, con sus propias ocurrencias y modulaciones.

¿Qué chistes sobreviven mejor: los visuales o los verbales?
¿Hay momentos en los que el doblaje español “mejora” el chiste original, o simplemente crea otros nuevos?
¿Crees que en una película como esta es preferible verla en VOSE o en doblaje, y por qué?

Otras cuestiones acerca de la película

Los actores principales

  • Robert Hays como Ted Striker, ex piloto de combate con trauma y miedo a volar, convocado de nuevo al mando en la peor situación posible.[11][1]
  • Julie Hagerty como Elaine Dickinson, azafata y ex pareja de Ted, decidida a salvar el vuelo mientras lidia con la neurosis de su antiguo amor.[13][11]
  • Leslie Nielsen como el Dr. Rumack, médico de gesto imperturbable cuya seriedad absoluta se convierte en uno de los motores cómicos de la película.[2][11]
  • Reparto coral que incluye, entre otros, a Kareem Abdul-Jabbar, Lloyd Bridges, Peter Graves, Robert Stack y Barbara Billingsley, todos ellos puestos al servicio del disparate con una entrega demoledora.[13][1]

¿Cuándo se estrenó la película?

La película se estrenó en 1980, en plena fiebre por el cine de catástrofes y con el recuerdo fresco de la saga Airport, que había marcado la década anterior. Aquello que parecía un producto menor y gamberro acabó entrando en listas de “mejores comedias de la historia” y, con el tiempo, fue seleccionada para preservación en el National Film Registry de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos por su relevancia cultural y estética.

Premios y reconocimientos

Aterriza como puedas fue reconocida por la industria y por la crítica:

  • Nominación al Globo de Oro a la mejor película (Comedia o musical).
  • Nominación al BAFTA al mejor guion.
  • Premio del Sindicato de Guionistas de América (WGA) al mejor guion adaptado de comedia.
  • Inclusión en el National Film Registry en 2010, como obra de especial importancia histórica.

La música de la película

La banda sonora corre a cargo de Elmer Bernstein, compositor asociado habitualmente a dramas y películas serias, que aquí decide tomarse la comedia completamente en serio. Su partitura suena como si estuviera acompañando un drama aeronáutico respetable: fanfarrias, tensión, clímax orquestales, todo al servicio de una historia que, en realidad, se dedica a dinamitar el género.[2]

Esa seriedad musical amplifica el absurdo: cuanto más épica suena la orquesta, más claro queda que lo que vemos es un avión lleno de gags, un desastre que no deja de ser un parque temático del disparate.

Punto de encuentro y planning de la velada

El punto de encuentro será en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) el próximo martes a las 19:30h.

Las veladas se dividirán en tres partes. La primera media hora la dedicaremos a tomar algo, a presentar la película y a conocernos. Después a las 20:00h tendremos la proyección. Todas las proyecciones se realizan en VOSE. Para finalizar tendremos un coloquio que durará hasta las 23:00h.

¿Cómo será el coloquio?

Los encuentros son participativos y queremos conocer vuestra opinión para que se pueda generar un debate abierto y constructivo. No es necesario conocimiento de cine para participar y es más, huimos del conversador pedante ya que para ellos tenemos a la wikipedia. ¡Queremos que cada martes seamos capaces de generar algo fantástico y diferente!. ¡Queremos saber lo que sientes y que seas capaz de contarlo!

A partir del tema de discusión y de lo visto en la película, las historias personales son bienvenidas y además, son una buena forma de dar a conocer lo que pensamos y lo que sentimos. ¡Nuestro deseo es que participes y seas activo!

Cine y el debate siempre van de la mano, y por eso queremos que te hagas fan de nuestro conejo blanco con un solo ojo.

¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas

El coste de inscripción a la sesión de debate y coloquio es de 5€

Reservar por whatsapp en cualquiera de estos números

Ángel (https://wa.me/+34640743115)

María (https://wa.me/+3463063998)

Las plazas son muy limitadas

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Cine Debate con (500) Days of Summer. Expectativas y realidad en el amor romántico.

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Entradas al cine debate / Plan de Meetup

  1. Acerca de (500) Days of Summer
    1. Sinopsis de (500) Days of Summer
    2. Los temas del coloquio
    3. Expectativas, idealización y narrador poco fiable
    4. Amor romántico, cine y cultura pop
    5. Duelo, aprendizaje y “final feliz”
    6. Otras cuestiones acerca de la película
      1. Director, guion y reparto
      2. ¿Cuándo se estrenó la película?
      3. Premios y recepción
      4. La música de la película
  2. Punto de encuentro y planning de la velada
  3. ¿Cómo será el coloquio?
  4. ¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas
  5. ¿Cómo hacer las reservas y pagos a Happening Madrid de cada una de las experiencias?
  6. ¿Qué es Happening Madrid?
  7. ¿Cómo apuntarte a nuestras experiencias? Los enlaces

Este próximo martes en nuestro cine debate “Un Conejo con Ojo” veremos la singular (500) Days of Summer, ópera prima del director estadounidense Marc Webb, en nuestro cine fórum semanal “Un conejo con ojo” en Big Tree Books. Esta película melancólica juega con el espectador y desmonta la típica comedia romántica colocándonos dentro de la cabeza de Tom, un joven que confunde el enamoramiento con el destino y el mito del alma gemela con la realidad compleja de las relaciones. A través de una narración no lineal vamos saltando adelante y atrás en los 500 días que dura su historia con Summer, viendo cómo sus expectativas chocan una y otra vez con lo que realmente ocurre.

(500) Days of Summer se estrenó en 2009 y está protagonizada por Joseph Gordon‑Levitt y Zooey Deschanel, quienes dan vida a Tom Hansen y Summer Finn con una química tan magnética como contradictoria. Desde entonces se ha convertido en una película de culto por su forma de hablar del amor, del desamor y de la necesidad de reconstruirse, con una banda sonora muy presente que homenajea a The Smiths y un uso muy creativo del montaje y la voz en off.

(500) Days of Summer no es una historia de amor, sino una historia sobre cómo miramos el amor, cómo lo idealizamos y cómo aprendemos (o no) de lo que nos ocurre.

Un conejo con ojo es un cine debate organizado por Big Tree Books y Happening Madrid para las tardes de los martes desde el corazón más castizo de Madrid. Unas veladas para disfrutar del cine y hacerlo pensando y dialogando. Hazte fan de nuestro conejo blanco con un solo ojo.

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Acerca de (500) Days of Summer

En (500) Days of Summer (2009), el director Marc Webb construye un relato fragmentado y lleno de idas y venidas temporales a partir del recuerdo de Tom, un joven que trabaja escribiendo felicitaciones y que está convencido de que solo será feliz cuando encuentre al amor de su vida. La película arranca con una advertencia clara del narrador: “Ésta es una historia de chico conoce a chica, pero no es una historia de amor”, marcando desde el principio el juego con las expectativas del espectador.

La estructura no lineal nos permite ver la relación en distintos momentos, yuxtaponiendo días luminosos con días sombríos, lo que desmonta la ilusión romántica de Tom y nos hace tomar conciencia de sus proyecciones sobre Summer. Summer, por su parte, es una joven que dice abiertamente que no cree en el amor con mayúsculas ni en las etiquetas de pareja, pero aun así acepta embarcarse en una relación ambigua con él. Entre ambos se despliega un recorrido que mezcla humor, dolor, autoconocimiento y una mirada generacional muy ligada a la cultura pop, la música indie y la cinefilia.

Sinopsis de (500) Days of Summer

Tom Hansen es un arquitecto frustrado que trabaja escribiendo tarjetas de felicitación y que vive convencido de que el destino le tiene reservada a “la elegida”. Cuando llega a la oficina Summer Finn, la nueva asistente de su jefe, Tom siente que por fin ha encontrado esa señal que llevaba años esperando: comparten gustos musicales, sensibilidad y una forma aparentemente similar de entender el mundo.

La película nos muestra, a saltos, momentos de felicidad y de ruptura: citas, paseos, noches de karaoke, discusiones en un bar, silencios incómodos y, finalmente, la separación. Mientras Tom insiste en leer la relación como una gran historia romántica, Summer le recuerda desde el principio que no quiere “algo serio”, que no cree en los finales de cuento ni en las etiquetas. Tras la ruptura, Tom se hunde, revisa una y otra vez los recuerdos y, a través de ese proceso, empieza a cuestionar no solo lo que ocurrió con Summer, sino también su idea misma del amor y de sí mismo.

El film culmina con un giro irónico cuando Tom, ya encaminado hacia una vida más acorde con su vocación de arquitecto, conoce a otra chica… llamada Autumn, cerrando el círculo con un guiño entre lo esperanzador y lo ambiguo.

Los temas del coloquio

Podemos considerar que el tema central de (500) Days of Summer es el choque entre expectativa y realidad en las relaciones afectivas. La película muestra cómo Tom proyecta sobre Summer una fantasía de alma gemela, construida a partir de canciones, películas (“malinterpretación” de El graduado incluida) y clichés románticos, mientras ignora lo que ella le está diciendo de forma directa. Así, el film funciona casi como un espejo incómodo de la idealización: nos invita a preguntarnos cuánto de lo que vivimos tiene que ver con la otra persona y cuánto con nuestro propio guion interno.

Junto a este eje principal, la película explora otros temas: la diferencia de expectativas en una misma relación, el papel de la cultura pop en la construcción del amor romántico, la dificultad de aceptar un “no es para tanto” donde esperábamos un “para siempre” y el proceso de duelo y reconstrucción personal tras una ruptura. También propone una mirada interesante sobre la perspectiva: casi todo lo vemos desde la visión sesgada de Tom, lo que convierte a Summer en un personaje parcialmente inaccesible, leído desde sus deseos y frustraciones.

Como preguntas generales que nos podemos hacer después de ver la película, te propongo:

  • ¿Cómo ves la relación entre Tom y Summer? ¿Crees que alguna vez están realmente en la misma página o siempre están en historias distintas dentro de la misma relación?
  • El narrador insiste en que “no es una historia de amor”. ¿Estás de acuerdo o te parece que sí lo es, pero de otro tipo (amor propio, amor maduro, etc.)?
  • La secuencia de “expectativas vs. realidad” en la fiesta es uno de los momentos clave de la película. ¿Qué te hizo sentir? ¿Te has visto alguna vez en una situación parecida?
  • ¿Consideras que Tom es un romántico “inocente” o ves también comportamientos tóxicos en su manera de aferrarse a una historia que ya no existe?
  • ¿Te parece que la película “culpa” a Summer o, por el contrario, intenta desmontar la figura de la chica idealizada y devolverle su complejidad?

Expectativas, idealización y narrador poco fiable

Uno de los puntos más interesantes del film es cómo usa el montaje, la voz en off y la estructura de los 500 días para mostrarnos un narrador poco fiable: casi todo lo que vemos está filtrado por la memoria de Tom. Eso nos lleva a preguntarnos hasta qué punto estamos ante “lo que pasó” o ante “lo que él recuerda/cree que pasó”. Las mismas escenas pueden verse primero como momentos mágicos y, al revisarlas más tarde, como señales de que algo no iba bien (gestos de desinterés, silencios, cambios de tono).

Preguntas posibles para el debate:

  • ¿En qué escenas notas más claramente que la película está contada desde el punto de vista de Tom y no de forma “objetiva”?[4]
  • Si la historia estuviera narrada desde el punto de vista de Summer, ¿cómo crees que cambiaría? ¿La veríamos como más coherente y menos “cruel”?[7][6]
  • ¿Qué te sugiere la decisión de jugar con la cronología (ir y venir entre días felices y tristes) en tu manera de empatizar con los personajes?

Amor romántico, cine y cultura pop

(500) Days of Summer dialoga continuamente con otras películas, con canciones y con el imaginario de las comedias románticas clásicas. Tom ha construido su visión del amor a partir de esas referencias, lo que le lleva a leer su historia como un guion predestinado en lugar de como una relación concreta, con sus límites y contradicciones.

Más preguntas para el coloquio:

  • ¿Qué papel crees que juegan la música y las citas cinéfilas en la construcción de la relación de Tom y Summer? ¿Refuerzan el vínculo o lo distorsionan?
  • La película critica, en cierto modo, las comedias románticas… pero utiliza muchos de sus recursos formales (montajes musicales, voz en off, humor, finales “cerrados”). ¿Te parece coherente esta paradoja?
  • ¿Hasta qué punto la cultura pop influye en cómo esperamos que sea una relación? ¿Te reconoces en ese tipo de influencias?

Duelo, aprendizaje y “final feliz”

El tramo final de la película se centra más en Tom después de Summer: su crisis, su caída a lo más hondo y su decisión de reenfocar su vida hacia la arquitectura y hacia una manera más realista de entender el amor. El encuentro posterior con Summer, ya casada, sirve como espejo de todo el recorrido: lo que para él fue una historia destinada a durar para siempre, para ella fue una relación importante pero situada en un momento concreto de su vida.

Algunas preguntas posibles:

  • ¿Crees que Tom realmente aprende algo de lo que le ocurre o simplemente se consuela con la aparición de Autumn?
  • ¿Ves el final como optimista, cínico o irónico? ¿Qué te sugiere ese juego de nombres “Summer/Autumn”?
  • ¿Sientes que la película invita a revisar nuestras ideas sobre el “final feliz” o se queda en una variación ingeniosa de la fórmula romántica?

Otras cuestiones acerca de la película

Director, guion y reparto

  • Director: Marc Webb, en su debut en el largometraje, después de una carrera previa ligada al videoclip, algo que se nota en el ritmo, el uso de la música y ciertos recursos visuales.
  • Guion: Scott Neustadter y Michael H. Weber, que construyen una estructura en 500 días no cronológicos, jugando con la reiteración y el contraste.
  • Tom Hansen: Joseph Gordon‑Levitt, que encarna a un protagonista vulnerable, idealista y, a veces, ciego ante la realidad que tiene delante.
  • Summer Finn: Zooey Deschanel, que da vida a una figura enigmática y carismática, más compleja de lo que el propio Tom está dispuesto a admitir.
  • Aparecen también Chloë Grace Moretz como la hermana pequeña de Tom, que funciona como una especie de conciencia crítica, y pequeños papeles como el de Minka Kelly (Autumn).

https://www.filmaffinity.com/es/film917377.html

¿Cuándo se estrenó la película?

La película se estrenó en 2009, presentándose en festivales como Sundance y consolidándose rápidamente como una de las comedias románticas “alternativas” más comentadas de su década.

Premios y recepción

(500) Days of Summer obtuvo un notable éxito de crítica y fue nominada, entre otros reconocimientos, a dos Globos de Oro (Mejor película – comedia o musical y Mejor actor de comedia/musical para Joseph Gordon‑Levitt). Además, figura con frecuencia en listas de películas que renovaron el género romántico al introducir una mirada más ambivalente y autoconsciente sobre el amor.[8][7][2]

La música de la película

La banda sonora de (500) Days of Summer es un elemento clave en la construcción del tono y de la relación entre los protagonistas, con temas de grupos como The Smiths, Regina Spektor o Wolfmother, entre otros. Una escena muy recordada es aquella en la que Tom y Summer conectan por su amor compartido a The Smiths, que funciona casi como “señal” de afinidad romántica dentro del universo cultural indie de la época.[8][4][2]

Podemos también abrir preguntas sobre esto:

  • ¿Qué canciones o momentos musicales de la película se te quedaron más grabados? ¿Por qué?
  • ¿Crees que la banda sonora refuerza la idealización de Tom o ayuda a matizarla?

Punto de encuentro y planning de la velada

El punto de encuentro será en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) el próximo martes a las 19:30h.

Las veladas se dividirán en tres partes. La primera media hora la dedicaremos a tomar algo, a presentar la película y a conocernos. Después a las 20:00h tendremos la proyección. Todas las proyecciones se realizan en VOSE. Para finalizar tendremos un coloquio que durará hasta las 23:00h.

¿Cómo será el coloquio?

Los encuentros son participativos y queremos conocer vuestra opinión para que se pueda generar un debate abierto y constructivo. No es necesario conocimiento de cine para participar y es más, huimos del conversador pedante ya que para ellos tenemos a la wikipedia. ¡Queremos que cada martes seamos capaces de generar algo fantástico y diferente!. ¡Queremos saber lo que sientes y que seas capaz de contarlo!

A partir del tema de discusión y de lo visto en la película, las historias personales son bienvenidas y además, son una buena forma de dar a conocer lo que pensamos y lo que sentimos. ¡Nuestro deseo es que participes y seas activo!

Cine y el debate siempre van de la mano, y por eso queremos que te hagas fan de nuestro conejo blanco con un solo ojo.

¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas

El coste de inscripción a la sesión de debate y coloquio es de 5€

Reservar por whatsapp en cualquiera de estos números

Ángel (https://wa.me/+34640743115)

María (https://wa.me/+3463063998)

Las plazas son muy limitadas

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¿Qué es Happening Madrid?

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Cine Debate con Hierro 3. Del amor invisible y silencioso

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Entradas al cine debate / Plan de Meetup

  1. Acerca de “Hierro 3”
    1. Sinopsis de Hierro 3
    2. Enlaces de Hierro 3
      1. Ficha
      2. Tráiler
  2. Los temas del coloquio
    1. La violencia de género y las relaciones abusivas
    2. Hierro 3 y su significado en la película. Lo relegado e insignificante
    3. Las casas vacías
    4. El ser solitario. El que no se ve
  3. Otras cuestiones acerca de la película
    1. Los actores principales
    2. ¿Cuándo se estrenó la película?
    3. Premios y reconocimientos
    4. La música de la película
  4. Punto de encuentro y planning de la velada
  5. ¿Cómo será el coloquio?
  6. ¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas
  7. ¿Cómo hacer las reservas y pagos a Happening Madrid de cada una de las experiencias?
  8. ¿Qué es Happening Madrid?
  9. ¿Cómo apuntarte a nuestras experiencias? Los enlaces

Este próximo martes en nuestro cine debate “Un Conejo con Ojo” veremos la magistral Hierro 3 del director coreano Kim Ki-duk en nuestro cine fórum semanal Un Conejo con Ojo. Esta película del silencio, con muy pocos diálogos, más que hablar nos muestra cosas. Nos muestra otras formas de existir, relacionarse y amar. Nos pone ante nuestros ojos la barbaríe de las relaciones abusivas y sus consecuencias. Con una enorme fuerza visual nos hace ensoñar y como espectadores tenemos que explicar la historia que vemos en pantalla. Nos obliga a participar activamente en ese transcurrir.

Hierro 3 el año 2004 ganó el premio al mejor director en el festival de Venecia y el premio a la mejor película en el festival de Valladolid.

Hierro 3 no invita a reflexionar sobre el sentido de la posesión y de la pertenencia, el vacío y la capacidad de conectar con los demás de maneras distintas e insospechadas mientras revisitamos la soledad, el amor no convencional, la comunicación mas allá de las palabras dentro de un universo visual hipnótico y minimalista.

Un conejo con ojo es un cine debate organizado por Big Tree Books y Happening Madrid para las tardes de los martes desde el corazón más castizo de Madrid. Unas veladas para disfrutar del cine y hacerlo pensando y dialogando. Hazte fan de nuestro conejo blanco con un solo ojo.

Información y Reservas

Acerca de “Hierro 3”

En Hierro 3 (2004), el director corenao Kim Ki-duk teje una historia de silencios que hablan más alto que cualquier palabra, de amores invisibles que desafían las normas y de vidas marginales que encuentran su sentido. El título está inspirado en el palo de golf hierro 3, que es el que menos se utiliza, a modo de eco de sus personajes que son almas perdidas que transitan por un mundo que las ignora. Almas ignoradas y sutiles que sin embargo, dejan una impronta imborrable. La historia de Tae-suk y  Sun-hwa protagonizadas por Jae Hee y Lee Seung-yeon se estrenó en el Festival de Venecia en donde ganó el León de Plata y cautivó con su poesía visual.

Hierro 3 es una de las obras más conocidas y valoradas de Kim Ki-duk, siendo muy apreciada por su poesía visual y su capacidad de transmitir emociones profundas sin el uso de la palabras. Es una referencia del cine de autor y de su manera de tratar temas universales como el amor y la libertad de una manera tan única.

Sinopsis de Hierro 3

Tae-suk es un joven que lleva una vida fuera de lo común. Su rutina consiste en ocupar temporalmente viviendas ajenas cuando sabe que sus propietarios están ausentes. No roba ni daña los hogares; por el contrario, deja una huella casi invisible: duerme en camas que no le pertenecen, come un poco de lo que encuentra en las neveras y devuelve el gesto de esta hospitalidad involuntaria reparando pequeños desperfectos o haciendo la colada. Es como un fantasma que pasa desapercibido, dejando los espacios incluso mejores de cómo los encontró.

Sun-hwa, en cambio, vive atrapada en un matrimonio que la ha reducido a una sombra de lo que era. Antaño una hermosa modelo, ahora está confinada en una lujosa prisión bajo el control de un marido abusivo. Su existencia está marcada por el silencio y el dolor, en una casa tan fría como los lujos que la adornan.

Cuando Tae-suk entra en la casa de Sun-hwa, sus mundos chocan y, al mismo tiempo, se entrelazan. Sin palabras, reconocen en el otro un alma gemela. Unidos por un vínculo invisible pero profundo, comienzan un viaje juntos, compartiendo una existencia que desafía las normas convencionales. Como figuras etéreas, se mueven por el mundo sin dejar huellas, aceptando en silencio su destino peculiar y extraño, donde el amor y la libertad se entrelazan de manera poética.

Enlaces de Hierro 3

Ficha

https://www.filmaffinity.com/es/film477052.html

Tráiler

Los temas del coloquio

Podemos considerar que el tema principal sobre el que no habla la película “Hierro 3” es la conexión y comunicación humana más allá de las palabras y las normas convencionales. En la trama podemos ver como dos almas pueden encontrarse y complementarse en medio de la soledad, el dolor y el vacío existencial. La película aborda el amor como un vínculo silencioso, casi místico, y reflexiona sobre cómo los seres humanos pueden escapar de las estructuras sociales y emocionales opresivas para encontrar una forma de libertad personal y espiritual

Y junto a este tema principal camina la sombre de las relaciones abusivas y la violencia de género que invisibilizan a las personas que lo sufren.

Como preguntas generales que nos podemos después de ver el filme están las siguientes:

¿Qué opinas de la relación entre Tae-suk y Sun-hwa? ¿Crees que su conexión es más poderosa al desarrollarse sin palabras?

En un mundo donde el lenguaje es tan importante, ¿es posible construir relaciones significativas a través de gestos y miradas como lo hacen los protagonistas?

¿Cómo interpretas el silencio entre los personajes? ¿Es un refugio, una limitación, o una forma superior de comunicación?

¿Crees que la película propone un modelo de amor ideal o simplemente muestra una excepción dentro de la sociedad?

¿Cómo interpreta la película el impacto de la violencia de género en la vida de Sun-hwa?

La violencia de género y las relaciones abusivas

La violencia doméstica, como un viento invisible pero implacable, se filtra entre las paredes de las casas, de la intimidad. De esa intimidad en donde irrumpe nuestro protagonista Tae-Suk. La violencia en la intimidad del hogar y el abuso van sofocando poco a poco a quienes la padecen hasta despojarlas de su esencia. En Hierro 3, Kim Ki-duk aborda este tema desde una perspectiva sutil y silenciosa, pero profundamente conmovedora. Sun-hwa, la protagonista, vive atrapada en una cárcel dorada, un hogar lleno de lujos que no protege, sino que aísla. Su marido, a la vez opresor y amo de ese espacio, utiliza el control como una herramienta de poder, relegándola a una sombra de sí misma, un espectro de lo que alguna vez fue, esa bella modelo.

Hay un contraste entre la opulencia de su entorno y la emocional en la que se encuentra sumida. Sun-hwa no solo está prisionera de su matrimonio, sino también de una sociedad que ignorar su sufrimiento. La violencia que la asfixia no necesita gritos constantes ni golpes visibles; es el silencio impuesto, la mirada evasiva y la soledad forzada. En la quietud de su existencia, el abuso se convierte en un eco interminable que le recuerda su pérdida de libertad.

Cuando Tae-suk irrumpe en su vida, lo hace como un fantasma que trae consigo una brisa fresca, casi imperceptible, pero capaz de cambiarlo todo. No hay palabras entre ellos, pero tampoco las necesitan. En su conexión silenciosa, Sun-hwa redescubre algo que creía perdido: la sensación de ser vista, entendida y valorada. Mientras su marido utiliza el silencio como un arma de control, Tae-suk lo convierte en un refugio, un espacio de libertad donde ella puede respirar sin miedo.

Kim Ki-duk no muestra un enfrentamiento directo ni una liberación heroica, porque el abuso rara vez permite resoluciones simples. La transformación de Sun-hwa es interna, casi imperceptible, como una flor que comienza a abrirse tras un largo invierno. En la no hay respuestas fáciles pero, gracias a su poesía visual y exploración de los silencios nos muestra un camino para ser libres.

Las preguntas que nos podemos hacer sobre este tema podrían ser las siguientes

¿Qué te transmite la transformación de Sun-hwa a lo largo de la trama?
¿Qué simboliza la casa lujosa donde vive Sun-hwa? ¿Es un espacio de protección o una prisión?
Kim Ki-duk aborda la violencia de género de forma sutil ¿Crees que este enfoque es efectivo?
¿Cómo se representa la invisibilidad de las víctimas de violencia de género a través del personaje de Sun-hwa?
El silencio en la relación de Sun-hwa con su marido contrasta con el silencio en su relación con Tae-suk. ¿Qué diferencia hay entre estos dos tipos de silencio?
¿Qué crítica crees que hace la película hacia las estructuras sociales que perpetúan las relaciones abusivas?
¿Por qué crees que las dinámicas de control y abuso son tan difíciles de visibilizar en la sociedad?
En la película, el abuso parece «normalizado» en el entorno de Sun-hwa. ¿Qué nos dice esto sobre cómo la sociedad trata la violencia de género?
¿Cómo interpreta cada uno la liberación de Sun-hwa? ¿Es completa o queda limitada por las circunstancias?
¿Qué papel juega la conexión con Tae-suk en su proceso de liberación? ¿Es él quien la salva, o ella misma encuentra su fortaleza?
¿Crees que la película da esperanza a las víctimas de violencia de género o se mantiene en una visión más realista?
¿Qué emociones o pensamientos te genera el tratamiento de las relaciones abusivas en Hierro 3?
¿Qué aspectos de la película te hicieron reflexionar sobre el impacto de la violencia de género en la vida de las personas?
¿Crees que el arte, como el cine, puede ayudar a visibilizar las relaciones abusivas y contribuir a su prevención?

Hierro 3 y su significado en la película. Lo relegado e insignificante

El palo de golf Hierro 3 es un símbolo de lo relegado e insignificante. En este deporte, el palo de hierro 3 es uno de los menos utilizados, considerado difícil de manejar y poco práctico para la mayoría de los jugadores. Se le ve como una herramienta que rara vez se elige, relegada a un segundo plano.

Tae-suk y Sun-hwa son, de alguna manera, como ese palo: marginados, invisibles, y considerados poco importantes por la sociedad.

La violencia en la película está muy asociada al palo de golf. El marido violento y abusador de Sun-hwa utiliza este palo de golf como arma de intimidación y control. Es un símbolo de violencia, opresión y abuso dentro de la película. Sin embargo, la transformación de este símbolo violento en un título poético es un reflejo de cómo la película trata los temas de dolor y sufrimiento, encontrando belleza  en medio de ellos.

¿Qué emociones te genera el uso del palo de golf en las escenas de abuso? ¿Cómo refuerza esto la narrativa sobre la opresión y el control?
¿Tae-suk y Sun-hwa son marginados e invisibles para la sociedad, al igual que el Hierro 3 lo es en el golf. ¿Qué crítica social crees que hace la película a través de esta metáfora?
¿Cómo transforma la película la percepción de lo «insignificante»?
 ¿Crees que los actos de Tae-suk y Sun-hwa logran darle un significado distinto a su existencia?
¿Qué nos enseña el simbolismo del Hierro 3 sobre el valor de las cosas (y personas) que la sociedad tiende a ignorar o menospreciar?

Las casas vacías

Si ves colgada propaganda en la cerradura de una puerta durante mucho tiempo es que esa casa está vacía: esta es la idea inicial sobre la que Kim Ki-duk fue pertreñando Hierro 3: La idea de un ser solitario que va ocupando casas vacías, pero no lo hace con intención de ocuparlas, sino que solo reposa brevemente dándoles calidez. Tampoco roba. A cambio él hace algo positivo por aquellos que viven allí: arregla algo, hace la colada, o cualquier otra acción positiva.

¿Qué crees que simbolizan las casas vacías en la película?
¿Representan soledad, desapego o una búsqueda de conexión? ¿Cómo crees que reflejan el estado emocional de Tae-suk y su forma de interactuar con el mundo?
¿Qué mensaje transmite Tae-suk al dejar las casas en mejor estado del que las encontró?
¿Es un acto de redención, una forma de comunicación o simplemente un reflejo de su deseo de dar algo positivo a un mundo que lo ignora?
¿Cómo cambia la percepción de «invadir» casas vacías cuando Tae-suk no roba ni daña, sino que cuida?
¿Crees que esto desafía nuestras ideas sobre la propiedad, el hogar y el significado de «pertenecer» a un espacio?

El ser solitario. El que no se ve

Solo un ser solitario pretendería vivir de esa forma. En el Catálogo de los Seres Imaginarios de Jorge Luis Borges aparece el llamado Esquivo. El Esquivo siempre está detrás de algo. Por más vueltas que diera un hombre, siempre lo tenía detrás y por eso nadie lo ha visto.

Es un ser que escapa constantemente a la percepción directa, lo que lo convierte en una metáfora del misterio, de lo que es inalcanzable o de lo que está oculto a la vista. La idea del Esquivo también puede interpretarse como una reflexión sobre la imposibilidad de conocer completamente algo o alguien, ya que siempre hay algo que permanece oculto, fuera del alcance de nuestra comprensión.

Este concepto de invisibilidad y ocultamiento tiene una fuerte resonancia con los temas de la identidad, la soledad y la evasión, que Borges explora a través de esta figura fantástica.

Las escenas que veréis en la película a este respecto os encantarán.

¿Cómo interpretas la relación entre Tae-suk y el concepto del Esquivo de Borges?
¿Crees que su vida errante y su forma de ser invisible reflejan una metáfora del Esquivo  de Borges, alguien que se oculta detrás de todo pero nunca es visto?
En la película, Tae-suk se mueve entre las casas sin dejar rastro. ¿Qué simboliza esta invisibilidad?
¿Es una forma de liberación o, por el contrario, una condena a la soledad y a la desconexión del mundo que lo rodea?
¿Cómo conecta la idea del Esquivo con el tema de la soledad y la búsqueda de identidad en Hierro 3?
¿Crees que la invisibilidad de Tae-suk es una manera de escapar de la sociedad o una forma de encontrar su verdadero ser?

Otras cuestiones acerca de la película

Los actores principales

Lee Seung-yeon como Sun-hwa: La mujer atrapada en un matrimonio abusivo que encuentra una nueva esperanza al conectar con Tae-suk.

Jae Hee como Tae-suk: El joven errante cuya vida silenciosa y desapegada le lleva a conectar con Sun-hwa.

Kwon Hyuk-ho como el esposo abusivo de Sun-hwa.

¿Cuándo se estrenó la película?

La película se estrenó el 7 de septiembre de 2004 en el Festival de Cine de Venecia, donde recibió una cálida acogida por su estilo único y su poderosa narrativa visual.

Premios y reconocimientos

Hierro 3 es una película aclamada internacionalmente y que ha ganado en varios festivales:

León de Plata a la Mejor Dirección en el Festival Internacional de Cine de Venecia (2004).
Premio FIPRESCI en Venecia por su audaz propuesta cinematográfica.
Premio a Mejor Película Asiática en el Festival de Cine de Bangkok (2005).
Gran Premio del Jurado en el Festival de Cine de Oporto, Fantasporto (2005).
Reconocimientos en festivales como los Blue Dragon Awards en Corea del Sur.

La música de la película

El tema musical central de Hierro 3 es una pieza instrumental titulada «Gafsa» de Natacha Atlas. Preciosa melodía que es recurrente a lo largo de la película y construye su atmósfera.

Natacha Atlas es una cantante egipcio-británica que es pionera en la fusión de la música árabe y del norte de áfrica con la electrónica.

El tema elegido para la película es del año 1997 y se grabó en el álbum Halim.

Aquí os dejo una completa ficha de este disco

https://www.discogs.com/es/release/114342-Natacha-Atlas-Halim

Gafsa es una ciudad de Túnez. La canción está cantada en árabe y es una bella canción de amor que dice lo siguiente

Soplaron los vientos del amor en mi mente
trayéndome el saludo del ser amado.
Soplaron los vientos del amor en mi mente
trayéndome el saludo del ser amado.

Me dice: «Vuelve, querido mío,
ven al encuentro, aunque seas un extraño».
Me dice: «Vuelve, querido mío,
ven al encuentro, aunque seas un extraño».

Le respondí: «Ella fue quien perturbó mi ser»,
y ella dijo: «Mi deseo está cumplido».
Le respondí: «Ella fue quien perturbó mi ser»,
y ella dijo: «Mi deseo está cumplido».

Apareció desde su alta torre
y dijo: «Tus palabras son extrañas».

Regresa, amor mío,
no tengo suerte en este mundo.
Eres mi amor, pero
no puedes ser legítimamente mío.

¡Ay, noche, oh mis ojos!
Regresa, amor mío,
no tengo suerte en este mundo.
Eres mi amor, pero
no puedes ser legítimamente mío.

¡Ay, noche!

Soplaron los vientos del amor en mi mente
trayéndome el saludo del ser amado.
Soplaron los vientos del amor en mi mente
trayéndome el saludo del ser amado.

Trayéndome el saludo del ser amado,
trayéndome el saludo del ser amado.

Punto de encuentro y planning de la velada

El punto de encuentro será en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) el próximo martes a las 19:30h.

Las veladas se dividirán en tres partes. La primera media hora la dedicaremos a tomar algo, a presentar la película y a conocernos. Después a las 20:00h tendremos la proyección. Todas las proyecciones se realizan en VOSE. Para finalizar tendremos un coloquio que durará hasta las 23:00h.

¿Cómo será el coloquio?

Los encuentros son participativos y queremos conocer vuestra opinión para que se pueda generar un debate abierto y constructivo. No es necesario conocimiento de cine para participar y es más, huimos del conversador pedante ya que para ellos tenemos a la wikipedia. ¡Queremos que cada martes seamos capaces de generar algo fantástico y diferente!. ¡Queremos saber lo que sientes y que seas capaz de contarlo!

A partir del tema de discusión y de lo visto en la película, las historias personales son bienvenidas y además, son una buena forma de dar a conocer lo que pensamos y lo que sentimos. ¡Nuestro deseo es que participes y seas activo!

Cine y el debate siempre van de la mano, y por eso queremos que te hagas fan de nuestro conejo blanco con un solo ojo.

¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas

El coste de inscripción a la sesión de debate y coloquio es de 5€

Reservar por whatsapp en cualquiera de estos números

Ángel (https://wa.me/+34640743115)

María (https://wa.me/+3463063998)

Las plazas son muy limitadas

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Cine Debate con El día de la marmota – Solo cuando ames llegará un nuevo amanecer

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Entradas al cine debate / Plan de Meetup

  1. Acerca de “El día de la marmota”
    1. Sinopsis de “El día de la marmota”
    2. Enlaces de “El día de la marmota”
      1. Ficha
      2. Tráiler
      3. Premios
      4. Otros enlaces
  2. Los temas del coloquio de El Día de la Marmota (Atrapado en el tiempo)
    1. El eterno retorno
    2. El sentido de la vida
    3. El mito de la segunda oportunidad infinita
    4. Amor y obsesión
    5. Moral sin consecuencias: ¿qué harías si el mañana no existiera?
    6. ¿La rutina con tiempo puede transformar a las personas?
    7. La crítica a la cotidianidad que esconde el día de la marmota
  3. ¿Porqué y dónde se celebra el Día de la marmota?
  4. La vida real de la marmota Phil
  5. Frases de la película El Día de la Marmota (Atrapado en El Tiempo)
  6. Algunas curiosidades sobre la película
    1. Phil marmota, Phil meteorólogo y Feel (sentimiento)
    2. Woodstock
    3. Pensilvania Polka
    4. I got you babe
  7. Punto de encuentro y planning de la velada
  8. ¿Cómo será el coloquio?
  9. ¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas
  10. ¿Cómo hacer las reservas y pagos a Happening Madrid de cada una de las experiencias?
  11. ¿Qué es Happening Madrid?
  12. ¿Cómo apuntarte a nuestras experiencias? Los enlaces
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Este próximo martes en nuestro cine debate “Un Conejo con Ojo” vamos a ver y hablar de El día de la marmota (Groundhog Day, 1993), una maravillosa película de culto sobre los ciclos temporales, como llegar a ser la mejor versión de uno mismo y aprender a vivir. Romántica, divertida, icónica y que nunca aburre aunque se haya visto cien veces. Tendremos una velada para explorar la repetición infinita de lo cotidiano y la posibilidad de transformarnos en alguien mucho mejor.

Veremos al carismático Bill Murray haciendo de Phil Connors, un meteorólogo egocéntrico y cínico, atrapado en el tiempo en un bucle temporal que le hará revivir una y otra vez el mismo día. Enfrentado a esta extraña paradoja, tendrá que decidir cómo vivir su eternidad en el 2 de febrero en Punxsutawney, un pueblecito que odia mucho Phil. ¿Estará condenado a repetir lo mismo para siempre o podrá cambiar su destino?

Y sobre todo esto será de lo que charlaremos en nuestra próxima sesión de Un conejo con ojo el próximo martes las 19:30h.

Un conejo con ojo es un cine debate organizado por Big Tree Books y Happening Madrid para las tardes de los martes desde el corazón más castizo de Madrid. Unas veladas para disfrutar del cine y hacerlo pensando y dialogando. Hazte fan de nuestro conejo blanco con un solo ojo.

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Acerca de “El día de la marmota”

Atrapado en el tiempo, El día de la marmota o Groundhog Day es una película de cine fantástico y comedia romántica americana de año 1993. Su director es Harold Ramis. La película que inicialmente fue denostada por la crítica, ha trascendido a su época y se convertido en una película de culto, convirtiéndose en una referencia en la cultura popular y en una exploración fascinante del destino, el tiempo y la posibilidad de transformación.

En la peli podremos ver a Bill Murray dando vida al sarcástico Phil Connors; a Andy McDowell haciendo de Rita, productora del programa llena de humanidad y confianza en el prójimo, y a Chris Elliot que encarna al cámara Larry.

A día de hoy es aclamada por los mismos que años atrás la condenaban al ostracismo, en 2006 fue votada como una de las 50 mejores comedias de la historia del cine por la revista de cine Premiere y en la actualidad ocupa el octavo puesto en la lista de las mejores películas americanas de género fantástico. ( AFI’s 10 Top 10,)

Sin lugar a duda Atrapado en el Tiempo (El día de la marmota en su traducción literal del inglés) es una de las películas que más veces he visto a lo largo de mi vida. Jamás aburre y siempre hace que vuelvas a sonreír o reír a carcajadas. Una vez que la vuelves a ver, da igual cuantas veces la hayas visto antes, siempre pasas horas e incluso días pensando en ella y su mensaje.

Atrapado en el tiempo

La idea de Atrapado en el tiempo es bien simple: El continuo retorno. ¿Qué pasaría si te despertaras siempre en el mismo día? Eso es lo que le pasa a nuestro protagonista Phil. Phil pasa unos 10.000 años en un bucle temporal que se repite en el mismo día: El día de la marmota que se celebra cada 2 de febrero en algunos pueblos de Estado Unidos y Canadá. Es decir, Phil tiene la posibilidad de poder revivir 3.650.000 veces el mismo día.

Con mucho humor la película nos invita a hacer una exploración profunda de la transformación personal a lo largo de incontables repeticiones. Phil experimenta incredulidad, nihilismo, desesperación,  apatía, aceptación, hasta que poco a poco descubre que si utiliza su situación para mejorar y ayudar a los demás se estará también ayudando a sí mismo. Es un viaje crecimiento interior en el que solo verá un nuevo amanecer el día que aprenda a amar de verdad.

Todo esto es lo que ha convertido a El día de la marmota (o Atrapado en el tiempo) un clásico de culto que sigue apasionando a todos los públicos.

Sinopsis de “El día de la marmota”

Phil, que es el papel interpretado por Bill Murray, es un meteorólogo de una cadena de televisión americana. Todos los años le toca cubrir el acontecimiento del Día de la Marmota en el pueblo de Punxsutawney (Condado de Jefferson en Pensilvania). Phil es bastante cretino, creído y falto de empatía. No consiente que los sentimientos se cuelen en su vida y, mucho menos en su corazón. Su actitud es bastante repulsiva frente a la encantadora Rita (Andy McDowell), que es la productora del programa, y al cámara Larry (Chris Elliot). Phil es un hombre frustrado en sus ambiciones y aburrido con su trabajo, y en su arrogancia piensa que su carrera profesional no avanza todo lo rápido que merecería.

En el Día de la Marmota, que es cada 2 de febrero, el comportamiento de una marmota decide si el invierno está a punto de acabar o, por el contrario, tardará 5 semanas más en hacerlo.

Después de la grabación del show de Phil, tanto del animalito como del humano, el pequeño equipo tiene que volver a Pittsburgh. El regreso no es posible por culpa de una tormenta de nieve y tienen que volver y dormir de nuevo en Punxsutawney

A la mañana siguiente Phil descubre que sigue en el mismo día. La canción I got your Baby en la versión Sonny & Cher de 1965 le volverá a despertar los próximos 3.650.000.

Phil pasa por diversos momentos:  Asombro, desesperación, aceptación

Haga lo que haga ese día sus actos no tendrán consecuencias y volverá, en un bucle infinito temporal, a ser las 6 de la mañana del 2 de Febrero.

Enlaces de “El día de la marmota”

Ficha

Atrapado en el tiempo, El día de la marmota o Groundhog Day es una película americana de cine fantástico y comedia romántica americana de año 1993. Su director es Harold Ramis. Se estrenó en 1993 y dura 101’. La historia original es de Danny Rubin que es coguionista junto con el director.

https://www.filmaffinity.com/es/film245798.html

Tráiler

Premios

En su momento no recibió grandes premios en su momento. Su reconocimiento llegó con posterioridad.  Algunos de los premios y nominaciones que obtuvo incluyen:

Premios BAFTA (1994): Mejor Guion Original para Danny Rubin y Harold Ramis.

Premios de la Sociedad Nacional de Críticos de Cine (1993): Mejor Actor para Bill Murray (segundo puesto).

Premios Saturn (Academia de Ciencia Ficción, Fantasía y Terror) (1994): Nominación a Mejor Película de Fantasía.

Premios Hugo (1994): Nominada a Mejor Presentación Dramática.

Otros enlaces

Wikipedia

https://es.wikipedia.org/wiki/Groundhog_Day

IMDb – Groundhog Day (1993)

https://www.imdb.com/title/tt0107048/

Rotten Tomatoes – Groundhog Day

https://www.rottentomatoes.com/m/groundhog_day

Roger Ebert – Crítica original de Groundhog Day

https://www.rogerebert.com/reviews/groundhog-day-1993

The Making of Groundhog Day – Harold Ramis

Los temas del coloquio de El Día de la Marmota (Atrapado en el tiempo)

La rutina del día a día como prisión temporal y también como oportunidad para encontrar el sentido de la vida es uno de los temas centrales de la película.

El eterno retorno

El día de la marmota nos plantea un dilema existencial: si tuviéramos que revivir el mismo día una y otra vez, ¿qué haríamos? ¿intentaríamos mejorar, o simplemente nos resignaríamos? Phil Connors pasa por todas las situaciones emocionales posibles, negación, enfado, disfrute irresponsable, desesperación, apatía  y, finalmente, transformación.

Al ver la evolución de Phil nos damos cuenta de que cada día, aunque parezca igual que el anterior, es una oportunidad para crecer si lo afrontamos de otra manera.

¿Cómo cambiarías si supieras que tienes tiempo infinito para hacerlo?
¿Es posible cambiar sin un evento externo que nos obligue a hacerlo?

El sentido de la vida

Phil empieza a preguntarse cuál es el propósito de su existencia cuando se da cuenta de que nada de lo que hace tiene consecuencias permanentes. Este cuestionamiento filosófico está en la línea de los pensamientos existencialistas, que nos invitan a encontrar significado en la vida a través de nuestras propias elecciones.

¿Crees que Phil encuentra el sentido de su vida al final de la película?
¿Cuál es el motor que transforma  a Phil en la repetición y lo lleva a mejorar?

1.15-21H

El mito de la segunda oportunidad infinita

Con el tiempo, Phil se da cuenta de que corregir errores de forma infinita no lo hace más feliz ni le da propósito a su vida. La película nos plantea una idea interesante: ¿qué pasaría si la vida nos diera oportunidades ilimitadas para enmendar nuestros fallos? ¿Nos haría mejores o nos llevaría a un estado de apatía? En la historia, Phil solo encuentra sentido a su existencia cuando deja de intentar «corregir» su entorno y comienza a vivir con autenticidad, aprendiendo y evolucionando de manera genuina.

En la vida real, los errores y las oportunidades perdidas nos enseñan lecciones importantes. La incertidumbre y la irreversibilidad de nuestras decisiones dan valor a nuestras acciones.

¿Qué pasaría si puedes corregir indefinidamente los errores de tu vida?
¿Seguiríamos esforzándonos por mejorar? ¿Lo dejaríamos para después?

Amor y obsesión

Uno de sus principales objetivos de Phil dentro de su bucle temporal es conquistar a Rita, que representa para él la mujer perfecta ideal. Phil, gracias a su ventaja temporal, aprende todo sobre ella: sus gustos, sus valores y sus sueños, y se moldea a sí mismo en la versión perfecta que ella espera para conquista su amor. Sin embargo, cada vez que esta cerca, la falsedad de su estrategia queda en evidencia y Rita lo rechaza.

La película nos dice que el amor no se puede obtener a partir de muchos intentos y de manipulación, sino con una conexión auténtica que surge solo de la transformación personal. Que el esfuerzo y la perseverancia pueden garantizar el amor de alguien es una idea romántica equivocada y apunta hacia que solo la transformación interna que posibilite la conexión lo hace viable.

¿Es realmente válido dedicar toda una vida a intentar conquistar a una persona, o el amor solo surge cuando dejamos de perseguirlo como un objetivo?
¿Dedicarías toda una vida a conquistar al amor de tus sueños?

Moral sin consecuencias: ¿qué harías si el mañana no existiera?

En El día de la marmota, Phil Connors descubre que al estar atrapado en un bucle temporal donde cada día es exactamente igual al anterior, sus actos no tienen consecuencias. Al principio, esta falta de consecuencias lo lleva a un comportamiento hedonista y egoísta: roba dinero, manipula a la gente, come sin control y se burla de todos a su alrededor. Sin miedo al futuro, siente que puede hacer lo que quiera sin que haya repercusiones.

Con el tiempo descubre que esta aparente «libertad» no le da satisfacción. Sin consecuencias, sus actos pierden significado y el placer se convierte en hastío. Al final, Phil comprende que la verdadera satisfacción no está en actuar sin límites, sino en encontrar propósito, conectar con los demás y mejorar como persona, incluso cuando nadie está mirando.

¿Nuestras acciones están guiadas por nuestras convicciones o por el miedo a las consecuencias?
¿Seguiríamos actuando con ética si supiéramos que el mundo se reinicia al día siguiente?
¿Harías lo que quisieras si supieras que no hay un mañana y tus actos no tienen consecuencias?

¿La rutina con tiempo puede transformar a las personas?

Phil Connors comienza como un hombre arrogante, egocéntrico y cínico. Su visión del mundo está basada en el desprecio por los demás y en la creencia de que nada ni nadie puede cambiarlo. Sin embargo, al quedar atrapado en un bucle temporal y vivir el mismo día una y otra vez, se enfrenta a una posibilidad única: el cambio no es inmediato ni impuesto por factores externos, sino resultado de una repetición interminable que lo obliga a mirarse a sí mismo y evolucionar.

En un primer momento, Phil utiliza el tiempo infinito para su beneficio: manipula situaciones, intenta conquistar a Rita a través del engaño y se aprovecha de su conocimiento del día para satisfacer sus propios deseos. Pero con el paso de los días (o años, según algunas teorías), el vacío existencial se hace evidente y descubre que la única forma de escapar de su ciclo es convertirse en una mejor persona, no por conveniencia, sino por elección genuina.

Esta transformación nos lleva a cuestionar si el cambio es inevitable cuando el tiempo es infinito. Si alguien como Phil, con suficiente repetición y experiencia, logra pasar de ser un capullo integral a un hombre noble, ¿implica esto que cualquier persona, con el tiempo suficiente, podría volverse mejor? ¿O hay quienes nunca cambiarían, sin importar cuántas oportunidades tengan?

¿Que un capullo integral se convierta en un tipo excelente es solo cuestión de tiempo?

La crítica a la cotidianidad que esconde el día de la marmota

Es posible que muchos de nosotros vivamos una vida bastante “marmotil” y nuestros días pasen haciendo poco más o menos lo mismo. Levantarnos a la misma hora, ducharnos, desayunar, ir al trabajo en transporte público, comer, gimnasio, de nuevo oficina, a veces una caña afterwork, cenar y a dormir.

Así, un día tras otro, podemos llegar a pensar que estamos encerrados en el mismo día. Creemos que no existe posibilidad de salvación para nosotros y solo deseamos que un agente externo del tipo lotería o similar nos saque de nuestro particular bucle temporal.

Sin embargo, para poder disfrutar, como le pasa a Phil cuando coge las riendas de su único día, tenemos que tomar el control y provocar variaciones.

Tenemos que dejar de pensar en nosotros mismos y pensar en los demás. Tenemos que darnos cuenta de que en la generosidad y conocimiento está nuestra posibilidad de salvación.

Es eso exactamente lo que hace Phil. Pase de ser un capullo a ser un tipo genial. Pensar, que según algunas fuenes,  solo ha necesitado 3.650.000 días.

De verdad ¿No crees que tú lo puedes mejorar?

Em definitiva, para que el tiempo avance y tengamos un nuevo amanecer es necesario estar abierto al mundo. Si permaneces cerrado y ensimismado en ti mismo el tiempo no avanzas, tú no avanzas. Cuando te abres al mundo y a los demás abandonando el egocentrismo el tiempo, como tu vida, fluye.

¿Porqué y dónde se celebra el Día de la marmota?

El Día de la Marmota es el 2 de febrero. Es decir, en mitad del tiempo transcurrido entre el solsticio de invierno y el equinoccio de primavera.  De manera análoga Halloween se encuentra entre el equinoccio de otoño y el solsticio de invierno. En otras partes del mundo, como en Europa Occidental, lo que se celebra en estas fechas es el Carnaval.  Sin embargo, en este caso, la fecha es variable por la primera luna llena de la primavera. Es decir, el Carnaval se sitúa 40 días antes que la primera luna llena después del equinoccio de primavera.

Volviendo al tema marmotil que nos ocupa, este día se celebra en ciertos lugares de Estados Unidos y Canadá. El lugar más conocido de su celebración se encuentra en el Condado de Jefferson en Pensilvania y se llama Punxsutawney. La marmota predictora se llama siempre Phil. Notar que es igual que el nombre de nuestro protagonista en la película El día de la Marmota (The GroundHod Day o Atrapado en el Tiempo).

El día de la marmota es un método folclórico que usan los granjeros para saber cuándo acabará el invierno. Si la marmota al salir no ve su sombra, por ser un día nublado, entonces no volverá a la madriguera y eso significa que el invierno termino ya.  Pero si la marmota ve su sombra, porque el día es soleado, significa que el invierno durará todavía seis semanas más.

¿Es un método fiable? Pues parece ser que no. La precisión marmotil está en un bajísimo 39%.

El día de la marmota se lleva celebrando dese 1887.

La vida real de la marmota Phil

Phil vive a cuerpo de rey en Punxsutawney. Esta marmota no está en una madriguera. Nuestro Phil vive en una madriguera de temperatura controlada por los humanos en el centro de Punxsutawney en la plaza Barclay. Tampoco Phil tiene necesidad de salir a buscar pareja ya que también se encargan de sus apetitos sexuales. Aunque generalmente las marmotas no tienen pareja estable Phil si. A Phil le buscan la supermegachachi marmota para que cohabite con ella.

Con todos estos datos parece ser que nuestro bicho cuando le sacan a hacer su show no parece que vaya muy entusiasmado.

Si alguna vez vais a ver este bonito pueblo habréis de saber que podéis ver el hogar de Phil desde una cristalera dispuesta para ello en la biblioteca de Punxutawney.

Frases de la película El Día de la Marmota (Atrapado en El Tiempo)

Phil/:¿»Alguna vez ha tenido un Deja Vu, señora Lancaster?

Sra Lancaster:»Creo que no pero puedo preguntar en la cocina»

No sólo sobreviví a un atropello. No sólo exploté ayer. He sido apuñalado, envenenado, congelado, ahorcado y quemado (mirada incrédula de la camarera) y cada día me despierto sin un solo rasguño. Soy inmortal.

– ¿Va a ver a la marmota?- Sí, así es.

– ¿La primavera empezará pronto?

– Predigo el 21 de marzo.

– ¡Buena suposición! ¡Creo que ése es de verdad el 1er. día de la primavera!

Estuve en las Islas Vírgenes una vez. Conocí a una chica. Comimos langosta, tomamos piña colada. Al anochecer hicimos el amor como animales. Ese fue un buen día. ¿Por qué ese día no se repitió una y otra vez?

– ¿Qué harías si estuvieses anclado en un lugar y todos los días fueran iguales sin importar lo que hicieras?

– Eso resume mi vida.

– Déjenme hacerles una pregunta. ¿Y si no hubiera un mañana?

– ¿Si no hubiera un mañana? Entonces no habría consecuencias. No tendría resaca.

– Podríamos hacer lo que quisiéramos.

– ¿Sabes qué día es hoy?
– No, ¿cuál?
– Hoy es mañana

Lo que quería decir era que creo que eres la persona más dulce, más hermosa que jamás he conocido. Nunca vi a nadie más amable con la gente que tú. La primera vez que te vi algo me ocurrió. Nunca te lo dije, pero supe que quería abrazarte con mucha fuerza. No me merezco a alguien como tu pero si pudiera te juro que te amaría el resto de mi vida.

Y en este enlace todavía tenéis alguna mas

https://netotem.com/frases-de-cine-atrapado-en-el-tiempo-1993

Algunas curiosidades sobre la película

Phil marmota, Phil meteorólogo y Feel (sentimiento)

Phil, el metereólogo, y Phil, la marmota se llaman igual. Además también suena como feel. Es justo los sentimientos lo que le falta a nuestro amigo al principio de la película y necesita muchos miles de días para conseguirlo.

En la vida real ambos Phil no se llevaron muy bien durante el rodaje. Phil marmota mordió a Phil metereólogo que tuvo que ser vacunado.

Woodstock

La película se rodó en Woodstock en el estado de Illinois. Aquí tenéis un enlace con el wlaking tour y los sitios de la peli:

http://www.woodstockgroundhog.org/

Este pueblo encentra separado de Punxsutawney en 547 millas. Woodstock es el lugar donde en 1969 se hizo el famoso festival.

Pensilvania Polka

La canción que se escucha insistentemente durante el festejo es Pensilvania Polka. Aquí la tenéis:

Pennsylvania Polka es una canción popular de polka que se hizo famosa en la década de los 40 del pasado siglo gracias a Frankie Yankovic, uno de los músicos más influyentes en la historia de este género en los Estados Unidos que tue conocido como el rey de la polka. La canción fue escrita por Lester Lee y Zeke Manners en 1942.

Strike up the music, the band has begun,

The Pennsylvania Polka!

Pick out your partner and join in the fun,

The Pennsylvania Polka!

I got you babe

5:59, 6:00 y vuelve a sonar la canción. ¡El martirio se repite! La canción con la que todas las mañanas se despierta Phil es «I Got You Babe». «I Got You Babe» es la canción más famosa de Sonny & Cher y la que los catapultó a la fama en 1965. Se convirtió en su primer gran éxito, alcanzando el número 1 en el Billboard Hot 100 y es todo un himno del amor juvenil de los años 60 y de la contracultura que puso en órbita a la pareja y acabó convirtiéndose en una de las más emblemáticas de la música pop de los años 60.

Esta canción aparece en el número 444 de las 500 mejores canciones de todos los tiempos según la revista Rolling Stone

La canción ha sido usada en numerosas películas y series, pero nada comparado con su aparición en el Día de la Marmota en 1993. Cada mañana suena en el despertador de la habitación de Bead and Breakfast de Phil Connors, y es el símbolo de que el ciclo vuelve a comenzar.

Ha sido versionada por múltiples artistas, incluyendo UB40 & Chrissie Hynde, quienes la llevaron nuevamente a las listas de éxitos en los 80.

Punto de encuentro y planning de la velada

El punto de encuentro será en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) el próximo martes a las 19:30h.

Las veladas se dividirán en tres partes. La primera media hora la dedicaremos a tomar algo, a presentar la película y a conocernos. Después a las 20:00h tendremos la proyección. Todas las proyecciones se realizan en VOSE. Para finalizar tendremos un coloquio que durará hasta las 23:00h.

¿Cómo será el coloquio?

Los encuentros son participativos y queremos conocer vuestra opinión para que se pueda generar un debate abierto y constructivo. No es necesario conocimiento de cine para participar y es más, huimos del conversador pedante ya que para ellos tenemos a la wikipedia. ¡Queremos que cada martes seamos capaces de generar algo fantástico y diferente!. ¡Queremos saber lo que sientes y que seas capaz de contarlo!

A partir del tema de discusión y de lo visto en la película, las historias personales son bienvenidas y además, son una buena forma de dar a conocer lo que pensamos y lo que sentimos. ¡Nuestro deseo es que participes y seas activo!

Cine y el debate siempre van de la mano, y por eso queremos que te hagas fan de nuestro conejo blanco con un solo ojo.

¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas

El coste de inscripción a la sesión de debate y coloquio es gratuita para los socios de Happening Madrid y para el resto aquello con lo que deseéis y podáis participar. Se puede  reservar en entradium en este enlace:

https://entradium.com/events/cine-debate-de-los-martes

donde tendréis varias opciones a elegir:

Las invitaciones gratuitas para los socios
La reserva gratuita para hacer luego la aportación que se desee a la finalización del coloquio
Los que deseen hacer una aportación de 3€
Los que deseen hacer una aportación de 5€

y además debes de reservar por whatsapp en cualquiera de estos números

Ángel (https://wa.me/+34640743115)
María (https://wa.me/+3463063998)

Las plazas son muy limitadas

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Ausencias. Ciclo de enero de 2026 en nuestro Cine Debate “Un conejo con ojo” 

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  1. Intro
  2. 6/1/26. The Vanishing (George Sluizer, 1988). La obsesión frente a lo inacabado.
  3. 13/01 L’Avventura  (Michelangelo Antonioni, 1960). La incomunicación y el vacío moderno.
  4. 20/1 Caché (Michael Haneke, 2005). La culpa y la memoria reprimida.
  5. 27/01 Picnic at Hanging Rock (Peter Weir, 1975). El misterio y la imposibilidad de comprender.
  6. Punto de encuentro y planning de la velada
  7. ¿Cómo será el coloquio?
  8. ¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas
Información y reservas

Intro

Enero es un mes que invita a reflexionar sobre lo que ya no está. El año que comienza sustituye al que se ha ido, y en ese tránsito se filtran el silencio, la introspección y cierta sensación de soledad. No en vano, a este mes se le asocia el llamado “Blue Monday”, ese día que simboliza el bajón emocional del invierno. 

Desde nuestro cine debate “Un conejo con ojo”, hemos querido dedicar enero a las ausencias: a las presencias que se desvanecen, a los huecos que permanecen abiertos, a lo que desaparece y sin embargo sigue determinándolo todo. 

Las cuatro películas que conforman este ciclo —The Vanishing, L’Avventura, Caché y Picnic at Hanging Rock— proponen una reflexión audiovisual sobre la desaparición como estado moral y emocional, más allá del misterio o de cualquier resolución narrativa. Cada historia nos hace pensar en cómo la ausencia transforma miradas, relaciones y narraciones. 

El ciclo Ausentes son cuatro propuestasque atraviesan el territorio del vacío, del silencio y de lo inacabado. Son películas que nos invitan a mirar de frente aquello que se escapa y que no está. Un enfoque que nos hará descubrir una nueva manera de sentir y de pensar el cine.

Todos los martes de enero de 2026 a las 19:30h en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17).

6/1/26. The Vanishing (George Sluizer, 1988). La obsesión frente a lo inacabado.

La desaparición de una joven en una gasolinera se convierte en el detonante de una obsesión que consume los años y destruye la posibilidad de seguir viviendo. George Sluizer filma con precisión glacial una de las obras más perturbadoras del cine europeo contemporáneo. 

Aquí, la necesidad de saber se revela como una trampa moral: conocer la verdad tiene un precio insoportable. The Vanishing nos enfrenta a la pregunta de si el deseo de certeza puede anular la vida misma.

 Preguntas para el debate 

– ¿Qué nos impulsa realmente a necesitar saberlo todo? 
– ¿Puede la búsqueda de respuestas convertirse en un modo de no aceptar la pérdida?
– ¿Hasta qué punto es posible convivir con la incertidumbre?

Ficha

https://www.filmaffinity.com/es/film627268.html

13/01 L’Avventura  (Michelangelo Antonioni, 1960). La incomunicación y el vacío moderno.

Antonioni convirtió la desaparición de una mujer durante un viaje por el Mediterráneo en un punto de inflexión del cine moderno. Aquí la ausencia se transforma en una forma de mirar. La búsqueda se diluye y el deseo se desplaza, hasta que el vacío se vuelve paisaje. 

La desaparición se convierte en experiencia. La película retrata la incomunicación, la incapacidad de los vínculos y el desconcierto existencial de una sociedad donde nadie parece poder conectar con el otro.

Preguntas para el debate 

– ¿Qué refleja la película sobre la dificultad de sentir en un mundo saturado de presencia?
¿Por qué la desaparición funciona como metáfora de la crisis de sentido?
¿Cómo consigue Antonioni convertir la ausencia en forma estética?

Ficha

https://www.filmaffinity.com/es/film376399.html

20/1 Caché (Michael Haneke, 2005). La culpa y la memoria reprimida.

Un matrimonio comienza a recibir cintas de vídeo anónimas que muestran su propia vida cotidiana. No falta un cuerpo, sino una responsabilidad. Michael Haneke convierte la desaparición en un espejo incómodo donde se revelan la culpa y la negación colectiva. 

A través de la mirada y la vigilancia, el film indaga en la fragilidad de la verdad y en la violencia de lo que se ha querido olvidar. Caché es una reflexión inquietante sobre la memoria silenciada y la responsabilidad moral.

Preguntas para el debate 

– ¿Qué mecanismos usamos para ocultar lo que no queremos recordar?
– ¿Hasta qué punto la mirada puede ser también una forma de violencia?
– ¿Somos, como sociedad, responsables de las desapariciones que decidimos no mirar?

Ficha

https://www.filmaffinity.com/es/film420247.html

27/01 Picnic at Hanging Rock (Peter Weir, 1975). El misterio y la imposibilidad de comprender.

Durante una excursión escolar en el año 1900, varias jóvenes desaparecen en una formación rocosa. Nadie comprende qué ha pasado. Peter Weir filma uno de los misterios más poéticos del cine, donde el tiempo parece suspenderse y el paisaje adquiere una fuerza hipnótica. 

No hay respuestas, solo un vacío que desarma cualquier intento de explicación racional. Picnic at Hanging Rock nos enfrenta a los límites del conocimiento y al poder de lo inexplicable.

Preguntas para el debate 

– ¿Por qué necesitamos una explicación frente a lo que no podemos entender?
– ¿Qué papel juega la naturaleza como presencia ambigua o fuerza indomable?
– ¿Qué ocurre cuando el cine decide no cerrar el relato?

Ficha

https://www.filmaffinity.com/es/film213266.html

Punto de encuentro y planning de la velada

El punto de encuentro será en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) el próximo martes a las 19:30h.
Las veladas se dividirán en tres partes. La primera media hora la dedicaremos a tomar algo, a presentar la película y a conocernos. Después a las 20:00h tendremos la proyección. Todas las proyecciones se realizan en VOSE. Para finalizar tendremos un coloquio que durará hasta las 23:00h.

¿Cómo será el coloquio?

Los encuentros son participativos y queremos conocer vuestra opinión para que se pueda generar un debate abierto y constructivo. No es necesario conocimiento de cine para participar y es más, huimos del conversador pedante ya que para ellos tenemos a la wikipedia. ¡Queremos que cada martes seamos capaces de generar algo fantástico y diferente!. ¡Queremos saber lo que sientes y que seas capaz de contarlo!
A partir del tema de discusión y de lo visto en la película, las historias personales son bienvenidas y además, son una buena forma de dar a conocer lo que pensamos y lo que sentimos. ¡Nuestro deseo es que participes y seas activo!
Cine y el debate siempre van de la mano, y por eso queremos que te hagas fan de nuestro conejo blanco con un solo ojo.

¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas

El coste de inscripción a la sesión de debate y coloquio es gratuita para los socios de Happening Madrid y para el resto aquello con lo que deseéis y podáis participar (5€ generalmente por bizum al 654805437

Ángel ([https://wa.me/+34640743115](https://wa.me/+34640743115))
María ([https://wa.me/+3463063998](https://wa.me/+3463063998))
Las plazas son muy limitadas

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Gamberra Navidad. Ciclo de diciembre

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  1. Intro
  2. Martes 9 de diciembre. Kiss Kiss, Bang Bang (Shane Black, 2005, EE.UU., 102’)
  3. Martes 16 de diciembre. Gremlins. (Joe Dante, 1984, EE.UU., 111’)
  4. Martes 30 de diciembre. El día de la bestia. (Álex de la Iglesia, 1995, España, 103’)
  5. Punto de encuentro y planning de la velada
  6. ¿Cómo será el coloquio?
  7. ¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas
Información y reservas

Intro

Para este mes de diciembre proponemos un breve ciclo dedicado a la cara irreverente de la Navidad. Tres películas que desmontan el decorado tradicional, rompen el envoltorio festivo y revelan lo que hay debajo: caos, humor negro y un espíritu contestatario que combina muy bien con estas fechas: El día de la bestia, Gremlins y Kiss Kiss, Bang Bang

Martes 9 de diciembre. Kiss Kiss, Bang Bang (Shane Black, 2005, EE.UU., 102’)

https://www.filmaffinity.com/es/film455962.html

Shane Black firma un noir juguetón y ácido ambientado en una Navidad de escaparate en Los Ángeles. Un ladrón que tropieza con Hollywood, un detective sarcástico y una actriz que no logra salir de la precariedad se ven envueltos en una trama que mezcla crimen, industria y sátira.

En el debate hablaremos de cómo Shane Black usa la Navidad como contraste irónico para exponer una ciudad llena de impostura; del juego metanarrativo del narrador; de la mezcla de géneros entre el noir clásico y la comedia negra; y del modo en que la película desmantela los tópicos de Hollywood desde dentro.

Martes 16 de diciembre. Gremlins. (Joe Dante, 1984, EE.UU., 111’)

https://www.filmaffinity.com/es/film455839.html

Joe Dante convierte la Navidad en un laboratorio del caos: un regalo adorable se transforma en una invasión de criaturas que atacan todo lo que la cultura popular considera “espíritu navideño”. Humor mordaz, sátira del consumismo y una mirada nada ingenua al sueño americano.

En el debate trataremos el uso del monstruo como reflejo del exceso; la crítica al consumo como religión laica; la tensión entre lo familiar y lo siniestro; y cómo Dante mezcla terror cómico con un retrato muy lúcido del miedo a que el hogar deje de ser un refugio.

Martes 30 de diciembre. El día de la bestia. (Álex de la Iglesia, 1995, España, 103’)

https://www.filmaffinity.com/es/film926890.html

Álex de la Iglesia sitúa el Apocalipsis en un Madrid saturado de luces, ruido y contradicciones. Un cura obsesionado, un heavy perdido y un showman oportunista recorren una ciudad que parece fabricada con restos de anuncios, frustraciones y una energía a punto de estallar.

El Día de la Bestía

En el debate profundizaremos en la representación de Madrid como personaje; la mezcla de horror, sátira y cine urbano deudor del cómic; la crítica a los medios y al sensacionalismo; el choque entre fe, marginalidad y espectáculo; y el modo en que la película captura el nervio social de los años 90

Punto de encuentro y planning de la velada

El punto de encuentro será en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) el próximo martes a las 19:30h.
Las veladas se dividirán en tres partes. La primera media hora la dedicaremos a tomar algo, a presentar la película y a conocernos. Después a las 20:00h tendremos la proyección. Todas las proyecciones se realizan en VOSE. Para finalizar tendremos un coloquio que durará hasta las 23:00h.

¿Cómo será el coloquio?

Los encuentros son participativos y queremos conocer vuestra opinión para que se pueda generar un debate abierto y constructivo. No es necesario conocimiento de cine para participar y es más, huimos del conversador pedante ya que para ellos tenemos a la wikipedia. ¡Queremos que cada martes seamos capaces de generar algo fantástico y diferente!. ¡Queremos saber lo que sientes y que seas capaz de contarlo!
A partir del tema de discusión y de lo visto en la película, las historias personales son bienvenidas y además, son una buena forma de dar a conocer lo que pensamos y lo que sentimos. ¡Nuestro deseo es que participes y seas activo!
Cine y el debate siempre van de la mano, y por eso queremos que te hagas fan de nuestro conejo blanco con un solo ojo.

¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas

El coste de inscripción a la sesión de debate y coloquio es gratuita para los socios de Happening Madrid y para el resto aquello con lo que deseéis y podáis participar (5€ generalmente por bizum al 654805437

Ángel ([https://wa.me/+34640743115](https://wa.me/+34640743115))
María ([https://wa.me/+3463063998](https://wa.me/+3463063998))
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Cine debate con Come True. Los que miran tus sueños.

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Entradas al cine debate / Plan de Meetup

  1. Acerca de Come True
    1. Sinopsis de Come True
    2. 🎞 Ficha
    3. 🎞 Trailer
  2. Temas de debate en Come True
    1. Tus sueños como materia de estudio de la ciencia
    2. La imagen de lo que no debería verse
    3. La tecnología y el yo vigilado
    4. Despersonalización y estados alterados
    5. El final abierto: el terror como bucle existencial
  3. Come True y el cine del subconsciente
  4. Anthony Scott Burns: el horror atmosférico del inconsciente tecnológico
  5. Punto de encuentro y planning de la velada
  6. ¿Cómo será el coloquio?
  7. ¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas
  8. ¿Cómo hacer las reservas y pagos a Happening Madrid de cada una de las experiencias?
  9. ¿Qué es Happening Madrid?
  10. ¿Cómo apuntarte a nuestras experiencias? Los enlaces
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Seguimos explorando los rincones más oscuros de la mente, la identidad y la percepción en nuestro cine debate Un Conejo con Ojo. Esta semana proyectamos una joyita poco conocida del cine de terror psicológico contemporáneo: Come True (2020), escrita y dirigida por Anthony Scott Burns.

Una película que nos arrastra a un territorio onírico inquietante, donde los límites entre el sueño y la vigilia se desdibujan, y lo inconsciente toma forma en paisajes sombríos y figuras que parecen salir de nuestras peores pesadillas. Con ecos de El ente, A Nightmare on Elm Street y el universo de Lynch y Cronenberg, Come True es una experiencia cinematográfica de alto voltaje que nos dejará atónitos y llenos de preguntas

¿Qué ocurre cuando lo más íntimo de nuestro subsconciente—nuestros sueños— se convierte en material de estudio?
¿Qué sucede cuando los científicos entran en tu mente… y no quieren salir?

Te esperamos este martes a las 19:30h en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) para compartir una de las películas más enigmáticas de finales del siglo pasado. Acompáñanos en esta nueva aventura cinematográfica de la mano de nuestro conejo blanco con un solo ojo.

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Acerca de Come True

Come True es una película de terror psicológico y ciencia ficción dirigida por Anthony Scott Burns y estrenada en 2020. Protagonizada por Julia Sarah Stone y Landon Liboiron, cuenta la historia de Sarah, una adolescente con insomnio y pesadillas recurrentes que se apunta a un estudio del sueño para encontrar algo de paz. Pero pronto descubrirá que hay algo mucho más oscuro acechando en los rincones de su inconsciente… y que sus sueños podrían no ser solo suyos.

La película que es visualmente hipnótica destaca por su atmósfera inquietante, conuna cuidada dirección de fotografía. Destacan los tonos fríos, las sombras densas y los encuadres claustrofóbicos consiguiendo un perfecto reflejo del estado emocional de la protagonista. La imagen parece filtrada por una neblina digital, reforzando la sensación de estar atrapados entre el sueño y la vigilia, entre lo real y lo simulado.

Come True nos ofrece una muy lograda banda sonora, compuesta por el propio director bajo el alias de Pilotpriest, en colaboración con el grupo canadiense Electric Youth. El resultado es un viaje sonoro que mezcla sintetizadores analógicos con texturas melódicas oníricas y escalofriantes, al estilo de John Carpenter, Vangelis y Disasterpeace, creando un tapiz emocional perfecto para el desconcierto que atraviesa nuestra protagonista en la película.

El reparto lo encabeza Julia Sarah Stone que nos ofrece una poderosa interpretación poderosa de una vulnerable Sarah que nos transmite el desgaste mental y el miedo más profundo de manera natural y sin necesidad de grandes artificios. El rostro de Sarah se convierte en el centro emocional de la historia. Por su parte en el personaje central masculino, Landon Liboiron realiza un excelente trabajo danto vida a un personaje misterioso y desconcertante, que, al igual que Sarah, está atrapado en el extraño funcionamiento del experimento.

Come True se sitúa en la tradición del cine de terror existencial y experimental, con claras influencias de David Cronenberg, David Lynch, Andrzej Żuławski, Stanley Kubrick y del anime psicológico como Paprika de Satoshi Kon.

Come True no busca darnos respuestas, nos instala en la duda, el simbolismo y el misterio. Una experiencia que para ver y sentir donde la historia es lo de menos.

Sinopsis de Come True

Sarah es una adolescente solitaria y perturbada por insomnios y pesadillas recurrentes. No puede dormir en casa, así que deambula por la ciudad hasta quedarse dormida en bancos, parques o en casa de una amiga. Desesperada por descansar, se apunta a un experimento de investigación sobre el sueño. Al principio parece que ha encontrado un lugar seguro donde dormir y sentirse cuidada, pero pronto descubre que sus sueños están siendo observados, analizados… y que hay algo en ellos que no debería estar ahí.

Lo que empieza como una oportunidad de escapar de su insomnio se convierte en una inmersión aterradora. ¿Qué pasa cuando nuestras pesadillas toman forma? ¿Y si hay otros soñando lo mismo?

🎞 Ficha

https://www.filmaffinity.com/es/reviews/3/509996.html

🎞 Trailer

Temas de debate en Come True

La película Come True, aparte de suonírica experiencia visual y sensorial, nos abre múltiples líneas de reflexión acerca del sueño, la identidad, la vigilancia y lo desconocido.

Tus sueños como materia de estudio de la ciencia

Lo que soñamos es una de las experiencias más íntimas. En Come True, este espacio tan íntimo es colonizado por la ciencia. Lo inconsciente se convierte en un campo de observación y análisis.

¿Hasta qué punto puede ser intervenido lo inconsciente?
¿Estamos preparados para que nuestras pesadillas se traduzcan en datos y gráficos?

La imagen de lo que no debería verse

La película construye un lenguaje visual inquietante: figuras humanas sin rostro, pasillos infinitos, geometrías inestables. Lo que vemos parece surgir de lo más profundo del subconsciente, como si el cine nos mostrara imágenes que deberían permanecer ocultas.

¿Qué sentimos cuando nos enfrentamos a lo inexplicable?
¿Hay cosas que el cine puede mostrar que la mente humana no puede soportar?

La tecnología y el yo vigilado

El experimento del sueño se presenta como una ayuda, pero rápidamente se transforma en una forma de control. Mientras el cuerpo duerme, otros observan, miden y extraen información.

¿Estamos cediendo nuestra intimidad a cambio de comodidad o soluciones rápidas?
¿Hasta qué punto puede la ciencia intervenir en la psique sin consecuencias éticas o personales?

Despersonalización y estados alterados

Sarah pierde poco a poco su capacidad para distinguir lo real de lo onírico. Su cuerpo, su voluntad y su identidad empiezan a disolverse. El miedo ya no es a lo externo, te hace desconfiar de uno mismo.

¿Cómo reaccionamos ante la sensación de no ser dueños de nosotros mismos?
¿Qué relación hay entre el terror y la pérdida del yo?

El final abierto: el terror como bucle existencial

La última escena de Come True deja al espectador atrapado en una paradoja que pone en duda todo lo anterior. ¿Fue real? ¿Fue un sueño? ¿Acaso importa?

¿Cómo interpretas el final de la película?
¿Qué nos dice ese bucle sobre la naturaleza del miedo y la percepción?
¿Puede el sueño ser una cárcel sin salida?

Come True y el cine del subconsciente

Come True se inscribe en una tradición de cine que explora el inconsciente como si fuera un campo de batalla, películas como Possession (1981), Jacob’s Ladder (1990), Inland Empire (2006) o Paprika (2006) entrarían en esta clasificación. Para estas películas, la mente no es una línea clara de pensamientos: es un mar oscuro de símbolos, traumas y deseos reprimidos.

Anthony Scott Burns crea una atmósfera inspirada en el cyberpunk retro, la estética de los 80, y el sonido de sintetizadores etéreos, que recuerda al trabajo de Carpenter y Vangelis. La música, a cargo del propio director bajo el alias Pilotpriest junto a Electric Youth, nos acompaña: envuelve y distorsiona, haciendo de la experiencia algo envolvente y claustrofóbico.

Anthony Scott Burns: el horror atmosférico del inconsciente tecnológico

Anthony Scott Burns es uno de los nombres emergentes del cine de género contemporáneo, un creador multidisciplinar que combina sus habilidades como director, guionista, director de fotografía y compositor musical bajo el alias Pilotpriest. Su cine se ve, se escucha, se siente y se absorbe como una experiencia sensorial completa.

Antes de Come True, participó en el proyecto antológico Holidays (2016), con el segmento Father’s Day, una historia inquietante sobre la voz de un padre desaparecido que guía a su hija hacia un lugar desierto y misterioso. Ya en este corto aparecen los elementos que definirán su estilo: el uso de sonido envolvente, la estética retrofuturista, los espacios vacíos cargados de tensión, y una narrativa que se mueve entre lo emocional y lo ominoso.

Con Come True (2020), Burns consolida su visión personal: una mezcla de ciencia ficción, body horror, estética synthwave y obsesión con los estados alterados de conciencia. Lejos del terror explícito o el susto fácil, apuesta por un miedo lento, envolvente, que brota de la atmósfera y de la desorientación perceptiva.

Su cine bebe de influencias como David Cronenberg, Stanley Kubrick, John Carpenter o Andrei Tarkovsky, pero también de la estética de los años 80 y del diseño sonoro como vehículo narrativo. En Come True, él mismo compone la banda sonora junto al artista Electric Youth, generando una fusión entre imagen y sonido que acentúa la alienación de los personajes.

Burns es un cineasta que filma el temor a perder el control interior, la fragilidad del yo frente a la ciencia, la tecnología y los sueños. En su cine, los protagonistas no se enfrentan a monstruos externos, sino a realidades que se desmoronan desde dentro, como si lo que diera miedo no fuera el mundo, sino lo que el mundo revela de nosotros.

Punto de encuentro y planning de la velada

El punto de encuentro será en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) el próximo martes a las 19:30h.

Las veladas se dividirán en tres partes. La primera media hora la dedicaremos a tomar algo, a presentar la película y a conocernos. Después a las 20:00h tendremos la proyección. Todas las proyecciones se realizan en VOSE. Para finalizar tendremos un coloquio que durará hasta las 23:00h.

¿Cómo será el coloquio?

Los encuentros son participativos y queremos conocer vuestra opinión para que se pueda generar un debate abierto y constructivo. No es necesario conocimiento de cine para participar y es más, huimos del conversador pedante ya que para ellos tenemos a la wikipedia. ¡Queremos que cada martes seamos capaces de generar algo fantástico y diferente!. ¡Queremos saber lo que sientes y que seas capaz de contarlo!

A partir del tema de discusión y de lo visto en la película, las historias personales son bienvenidas y además, son una buena forma de dar a conocer lo que pensamos y lo que sentimos. ¡Nuestro deseo es que participes y seas activo!

Cine y el debate siempre van de la mano, y por eso queremos que te hagas fan de nuestro conejo blanco con un solo ojo.

¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas

El coste de inscripción a la sesión de debate y coloquio es gratuita para los socios de Happening Madrid y para el resto aquello con lo que deseéis y podáis participar. Se puede  reservar en entradium en este enlace:

https://entradium.com/events/cine-debate-de-los-martes

donde tendréis varias opciones a elegir:

Las invitaciones gratuitas para los socios
La reserva gratuita para hacer luego la aportación que se desee a la finalización del coloquio
Los que deseen hacer una aportación de 3€
Los que deseen hacer una aportación de 5€

y además debes de reservar por whatsapp en cualquiera de estos números

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Cine debate con Paprika. Sueños compartidos, realidad difusa y conciencia líquida.

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Entradas al cine debate / Plan de Meetup

  1. Acerca de Paprika
    1. Sinopsis de Paprika
    2. 🎞 Ficha
    3. 🎞 Trailer
  2. Los temas de Paprika
    1. El sueño como espacio de verdad y caos
    2. Identidad difusa y fragmentación del yo
    3. Mente y tecnología
    4. Inconsciente colectivo
    5. Ilusión vs Realidad
  3. El cine de Satoshi Kon: el desdoblamiento de la percepción
  4. Películas esenciales de Satoshi Kon
    1. Perfect Blue (1997)
    2. Millennium Actress (2001)
    3. Tokyo Godfathers (2003)
    4. Paprika (2006)
  5. Punto de encuentro y planning de la velada
  6. ¿Cómo será el coloquio?
  7. ¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas
  8. ¿Cómo hacer las reservas y pagos a Happening Madrid de cada una de las experiencias?
  9. ¿Qué es Happening Madrid?
  10. ¿Cómo apuntarte a nuestras experiencias? Los enlaces
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Continuamos nuestro viaje por territorios donde la mente se desdobla, la identidad se deshace y la tecnología penetra el inconsciente. Hablaremos de los sueños colectivos con una película

Esta vez, nuestro conejo blanco con un solo ojo nos lleva al terreno del sueño colectivo con una de las películas más hipnótica y revolucionaria del anime japonés: Paprika (2006), dirigida por Satoshi Kon. Un festín visual y filosófico sobre los límites entre lo real y lo onírico, entre el yo consciente y el deseo reprimido. Nos sumergimos junto a la Dra. Atsuko Chiba, una psiquiatra que bajo el alias de Paprika entra en los sueños de sus pacientes gracias a una revolucionaria tecnología: el DC Mini. Pero cuando el aparato es robado y usado para manipular sueños a escala global, la distinción entre vigilia y sueño comienza a derrumbarse. ¿Qué sucede cuando el inconsciente colectivo se desborda? ¿Puede un sueño destruir la realidad?

Te esperamos este martes a las 19:30h en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) para compartir una de las películas más enigmáticas de finales del siglo pasado. Acompáñanos en esta nueva aventura cinematográfica de la mano de nuestro conejo blanco con un solo ojo.

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Acerca de Paprika

Paprika es una película de animación japonesa dirigida por Satoshi Kon, basada en la novela homónima de Yasutaka Tsutsui. Estrenada en 2006, es una obra maestra del cine de animación y un hito en la representación del inconsciente. Fue una de las últimas películas de Kon antes de su fallecimiento en 2010, y su influencia se puede ver en obras inmensas como Inception de Christopher Nolan.

Sinopsis de Paprika

En un futuro próximo, un grupo de científicos desarrolla una tecnología que permite introducirse en los sueños de otras personas para analizarlos y curar enfermedades mentales. La Dra. Atsuko Chiba utiliza esta herramienta, el DC Mini, bajo su álter ego onírico Paprika. Pero cuando uno de los dispositivos es robado, los sueños comienzan a invadir la realidad, mezclando deseos reprimidos, traumas y fantasías en una espiral descontrolada. Solo Paprika podrá enfrentarse a la disolución de los límites entre lo real y lo imaginario.

🎞 Ficha

https://www.filmaffinity.com/es/film292688.html

🎞 Trailer

Los temas de Paprika

El sueño como espacio de verdad y caos

En Paprika, los sueños no son solo refugio o interpretación, sino campo de batalla donde se decide la integridad de la realidad.

¿Qué función cumplen los sueños en nuestra vida cotidiana?
¿Son un reflejo veraz de lo que somos, o un espacio de evasión?
¿Qué sucede cuando los sueños se filtran en la vigilia?

Identidad difusa y fragmentación del yo

Paprika y Atsuko comparten un cuerpo, pero no una identidad. Una es control racional; la otra, libertad imaginativa.

¿Hasta qué punto somos una sola persona?
¿Qué máscaras usamos en distintos contextos?
¿Es Paprika un álter ego liberador o una forma de negación?

Mente y tecnología

El DC Mini puede curar, pero también controlar. Su poder radica en que accede al lugar más vulnerable: el inconsciente.

¿Hasta dónde debemos permitir que la tecnología penetre en nuestra psique?
¿Hay algo “intocable” en nuestra mente?
¿Quién debería tener acceso a los sueños?

Inconsciente colectivo

En la película, los sueños se entrelazan, creando una única pesadilla compartida. El yo se disuelve en un carnaval delirante de símbolos.

¿Es posible un “sueño común”?
¿Qué pasa cuando lo reprimido colectivo irrumpe?
¿Puede la cultura ser una forma de sueño compartido?

Ilusión vs Realidad

Como en eXistenZ o The Matrix, la película cuestiona la solidez de lo real. Pero aquí la clave está en el deseo, no en la lógica.

¿Cómo definimos lo real?
¿Es más real lo que sentimos o lo que vemos?
¿Qué nos dice esto sobre la sociedad del espectáculo y la virtualidad?

El cine de Satoshi Kon: el desdoblamiento de la percepción

Satoshi Kon fue un maestro en difuminar los límites de la realidad, creando universos donde los personajes se deslizan entre planos sin que el espectador tenga nunca una certeza clara en que plano se encuentran. En películas como Perfect Blue (1997), Millennium Actress (2001) o Tokyo Godfathers (2003), la narración se fragmenta para reflejar un mundo donde lo subjetivo y lo objetivo se entrelazan.

En Paprika, Kon lleva al extremo esta disolución de fronteras: el espacio de los sueños se convierte en escenario principal, y las leyes del mundo onírico contaminan la realidad. Con una estética psicodélica, cargada de símbolos y referencias, Paprika nos cuenta una historia que estalla en mil fragmentos de sentido, color y emoción.

Kon quiere hacernos cuestionar quienes somo cuando soñamos, que parte de nosotros  escapa de la realidad y cual es el precio de dejarse llevar por la fantasía

Películas esenciales de Satoshi Kon

Perfect Blue (1997)

Thriller psicológico sobre una estrella del pop acosada por su imagen pública. Confusión mental, dobles y paranoia.

Millennium Actress (2001)

Un repaso a la historia del cine japonés a través de la vida (y los recuerdos) de una actriz que confunde el pasado con la ficción.

Tokyo Godfathers (2003)

Comedia dramática navideña sobre tres marginados que encuentran a una bebé en la basura. Realismo mágico urbano.

Paprika (2006)

Sueños, tecnología y deseo en un festín visual que anticipa muchos de los dilemas actuales sobre identidad, vigilancia y evasión.

Punto de encuentro y planning de la velada

El punto de encuentro será en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) el próximo martes a las 19:30h.

Las veladas se dividirán en tres partes. La primera media hora la dedicaremos a tomar algo, a presentar la película y a conocernos. Después a las 20:00h tendremos la proyección. Todas las proyecciones se realizan en VOSE. Para finalizar tendremos un coloquio que durará hasta las 23:00h.

¿Cómo será el coloquio?

Los encuentros son participativos y queremos conocer vuestra opinión para que se pueda generar un debate abierto y constructivo. No es necesario conocimiento de cine para participar y es más, huimos del conversador pedante ya que para ellos tenemos a la wikipedia. ¡Queremos que cada martes seamos capaces de generar algo fantástico y diferente!. ¡Queremos saber lo que sientes y que seas capaz de contarlo!

A partir del tema de discusión y de lo visto en la película, las historias personales son bienvenidas y además, son una buena forma de dar a conocer lo que pensamos y lo que sentimos. ¡Nuestro deseo es que participes y seas activo!

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¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas

El coste de inscripción a la sesión de debate y coloquio es gratuita para los socios de Happening Madrid y para el resto aquello con lo que deseéis y podáis participar. Se puede  reservar en entradium en este enlace:

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y además debes de reservar por whatsapp en cualquiera de estos números

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Cine debate con eXistenZ. Realidad Virtual Biotecnológica y cuerpos alterados.

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Entradas al cine debate / Plan de Meetup

  1. Acerca de eXistenZ
    1. Sinopsis de eXistenZ
    2. 🎞 Ficha
    3. 🎞 Trailer
  2. Los temas de eXistenZ
    1. La realidad como simuilación
    2. El cuerpo como interfaz
    3. Control y Paranoia
    4. Identidad líquida
    5. La inmersión total y la evasión
  3. El cine de Cronenberg: cuerpos, tecnología y mutación del yo
  4. Películas esenciales de Cronenberg
    1. Videodrome (1983)
    2. The Fly (1986)
    3. Naked Lunch (1991)
    4. Crash (1996)
  5. eXistenZ (1999)
  6. 1999. El año que el cine se miró en el espejo digital
    1. The Matrix – Wachowski
    2. eXistenZ – Cronenberg
    3. Fight Club – Fincher
    4. Being John Malkovich – Jonze
    5. The Sixth Sense – Shyamalan
    6. The Truman Show – Weir
  7. Punto de encuentro y planning de la velada
  8. ¿Cómo será el coloquio?
  9. ¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas
  10. ¿Cómo hacer las reservas y pagos a Happening Madrid de cada una de las experiencias?
  11. ¿Qué es Happening Madrid?
  12. ¿Cómo apuntarte a nuestras experiencias? Los enlaces
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Continuamos nuestro viaje por las fronteras de la mente, la identidad y la tecnología en nuestro cine debate Un Conejo con Ojo, esta vez con una película de culto del maestro de del cuerpo mutante y la distorsión perceptiva: eXistenZ (1999), dirigida por David Cronenberg. Una exploración alucinante sobre la confusión entre lo real y lo simulado.

En esta ocasión acompañamos a Allegra Geller, una reconocida diseñadora de videojuegos orgánicos, en la prueba de su nueva creación: eXistenZ. Pero algo falla, y Allegra se ve obligada a entrar al juego con un joven asistente, mientras el mundo real y el virtual se entrelazan de forma inquietante. ¿Estamos dentro del juego o fuera de él? ¿Quién controla a quién? ¿Y qué ocurre con nuestros cuerpos cuando la mente ya no distingue la diferencia?

En este cine debate hablaremos de la construcción de la realidad, del cuerpo como interfaz, del control tecnológico, de la inmersión y la desconexión, y de lo inquietante que es no saber si lo que vivimos es realmente verdad.

Te esperamos este martes a las 19:30h en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) para compartir una de las películas más enigmáticas de finales del siglo pasado. Acompáñanos en esta nueva aventura cinematográfica de la mano de nuestro conejo blanco con un solo ojo.

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Acerca de eXistenZ

eXistenZ es una película de ciencia ficción dirigida por David Cronenberg, escrita por él mismo y protagonizada por Jennifer Jason Leigh y Jude Law. Se estrenó en 1999, es una reflexión muy pereturbadora sobre la tecnología, la percepción y el yo, que combina elementos de cine de terror y thriller con la filosofía existencial. Es considerada una respuesta orgánica y visceral a The Matrix, estrenada el mismo año.

Sinopsis de eXistenZ

Allegra Geller es la creadora del videojuego más esperado del momento: eXistenZ, una experiencia totalmente inmersiva que se conecta directamente al cuerpo humano mediante una “biopod”. Pero durante una presentación privada, es atacada por un fanático y se ve obligada a escapar con un joven guardaespaldas. Para comprobar que el juego sigue funcionando, ambos se conectan… y lo que empieza como una prueba técnica se convierte en un viaje paranoico por mundos superpuestos donde ya no está claro qué es real y qué es parte del juego.

🎞 Ficha

https://www.filmaffinity.com/es/film792969.html

🎞 Trailer

Los temas de eXistenZ

La realidad como simuilación

En eXistenZ, el mundo virtual no es una copia, sino una experiencia que puede sustituir a la realidad misma.

¿Cómo definimos hoy qué es “real”?
¿Es menos verdadero lo que sentimos en un entorno virtual?
¿Qué peligros o libertades implica vivir en mundos simulados?

El cuerpo como interfaz

Los jugadores se conectan al juego mediante un puerto orgánico instalado en su espina dorsal, fusionando tecnología y carne.

¿Qué significa convertirnos en extensiones de nuestras máquinas?
¿Dónde acaba el cuerpo y empieza la tecnología?
¿Qué relación hay entre placer, control y vulnerabilidad en este vínculo?

Control y Paranoia

A medida que avanza la película, la sospecha de estar dentro de un juego dentro de otro juego se hace insoportable.

¿Hay algún momento en que creas que los protagonistas están “fuera del juego”?
¿Qué te genera esa sensación de no tener punto de referencia?
¿Qué nos dice esto sobre la desconfianza hacia las estructuras que gobiernan nuestras vidas?

Identidad líquida

Los personajes asumen roles sin saber si son verdaderos o parte del guion del juego.

¿Cómo cambia nuestra identidad cuando el entorno no es estable?
¿Hasta qué punto somos lo que creemos o lo que hacemos?
¿Qué pasa con el yo cuando todo es representación?

La inmersión total y la evasión

La experiencia de eXistenZ es adictiva. Quienes entran no siempre quieren salir.

¿Qué nos lleva a buscar refugio en mundos ficticios?
¿Podemos perder el deseo de vivir “afuera”?
¿Qué nos está diciendo Cronenberg sobre nuestra relación con la tecnología?

El cine de Cronenberg: cuerpos, tecnología y mutación del yo

David Cronenberg es una de las figuras más influyentes del cine contemporáneo. Un director que explora el lado oscuro de la mente, del cuerpo y la tecnología. A lo largo de su filmografía, ha desarrollado un estilo único, conocido como body horror, donde el cuerpo humano es el escenario de transformaciones grotescas, simbólicas o tecnológicas que reflejan crisis más profundas: existenciales, sociales o psicológicas.

En películas como Videodrome (1983), The Fly (1986), Naked Lunch (1991) o Crash (1996), Cronenberg nos dibuja mundos donde los límites entre máquina y carne, deseo y obsesión enfermiza, realidad y alucinación se desdibujan. Sus personajes, muchas veces, no son víctimas de fuerzas externas, sino del deseo de ir más allá del cuerpo, del lenguaje o de la conciencia.

eXistenZ (1999) recoge todas estas obsesiones en una nueva clave: la del videojuego y la realidad virtual. Aquí, el cuerpo se conecta directamente a la tecnología a través de biopods, dispositivos orgánicos que permiten vivir mundos alternativos en los que las reglas y los límites ya no están claros. La identidad se fragmenta, la percepción se distorsiona, y la confianza en la realidad se evapora.

Hay una cuestión que recorre todo el cine de Cronenberg —¿quién soy yo cuando mi cuerpo cambia, cuando mi mente ya no es fiable, cuando la tecnología se fusiona conmigo?. En eXistenZ esta pregunta alcanza un cénit muy especial. eXistenZ es una reflexión adelantada a su tiempo sobre lo que hoy vivimos con la inteligencia artificial, los metaversos, las redes sociales y la hiperconexión. Es un inmersión profunda en la noción misma de identidad y verdad.

Películas esenciales de Cronenberg

Videodrome (1983)

Violencia mediática y mutación corporal en una televisión que transforma a sus espectadores.

The Fly (1986)

Una historia de amor, ciencia y transformación: el cuerpo como espacio de degeneración e hibridación.

Naked Lunch (1991)

Adaptación libre de Burroughs, entre insectos parlantes, drogas y escritura: surrealista, inquietante y cargada de simbolismo oscuro.

Crash (1996)

Erotismo, accidentes y cuerpos alterados por la tecnología: una película radical sobre deseo y trauma.

eXistenZ (1999)

Realidad virtual y biotecnología en una experiencia donde jugar y vivir se confunden.

1999. El año que el cine se miró en el espejo digital

En 1999, Internet se extendía sin medida, el acceso a la información crecía constantemente y el miedo al efecto 2000 hacían presagiar un futuro incierto e excitante. El cine también empezó a mostrar que la realidad ya no se sentía firme. En un mundo donde lo virtual no era aún cotidiano se sospecha que llegaría a serlo. Varias películas estrenadas en 1999 decidieron tomar esa sensación como punto de partida. Cada una, a su manera, dejó una marca.

The Matrix – Wachowski

Plantea que el mundo visible puede ser una construcción diseñada para mantener el control. La mente vive dormida; el cuerpo, en pausa. Propone ruptura y conciencia.

eXistenZ – Cronenberg

El juego no está en una consola, sino bajo la piel. No busca distraer, sino rediseñar la percepción. La tecnología no es herramienta: es organismo.

Fight Club – Fincher

Un trabajador sin nombre decide desobedecer. No con ideas, sino con golpes. Lo que está en crisis no es el sistema: es el yo que intenta sostenerlo.

Being John Malkovich – Jonze

Un pasadizo lleva al interior de una persona real. La pregunta es inmediata: si puedo vivir como otro, ¿qué sentido tiene seguir siendo yo?

The Sixth Sense – Shyamalan

Una historia contada desde un lugar ciego. El espectador ve, pero no interpreta bien. El final no da la vuelta al relato: revela que lo malentendiste desde el principio.

The Truman Show – Weir

La vida como emisión. El entorno como decorado. Lo que parece libertad es rutina coreografiada. Lo real no depende de la materia, sino del guion.

El año 1999 dejo bien claro que el cine puede ser una herramienta pora dudar de todo: lo que ves, lo que eres, lo que decides. Que la identidad no es estable. Que la percepción no es confiable. Que lo que entendemos como real puede ser apenas una capa de interfaz más.

Punto de encuentro y planning de la velada

El punto de encuentro será en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) el próximo martes a las 19:30h.

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¿Cómo será el coloquio?

Los encuentros son participativos y queremos conocer vuestra opinión para que se pueda generar un debate abierto y constructivo. No es necesario conocimiento de cine para participar y es más, huimos del conversador pedante ya que para ellos tenemos a la wikipedia. ¡Queremos que cada martes seamos capaces de generar algo fantástico y diferente!. ¡Queremos saber lo que sientes y que seas capaz de contarlo!

A partir del tema de discusión y de lo visto en la película, las historias personales son bienvenidas y además, son una buena forma de dar a conocer lo que pensamos y lo que sentimos. ¡Nuestro deseo es que participes y seas activo!

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Cine debate con Perfect Blue. Identidad Fragmentada y control en la era de la imagen.

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Entradas al cine debate / Plan de Meetup

  1. Acerca de Perfect Blue
    1. Sinopsis de Perfect Blue
    2. 🎞 Ficha
    3. 🎞 Trailer
  2. Los temas de Perfect Blue
    1. La fragmentación de la identidad
    2. La violencia de la mirada
    3. El desdoblamiento psicológico
    4. La fama como trampa
    5. El control y la paranoia
    6. El trauma y la reconstrucción
  3. Punto de encuentro y planning de la velada
  4. ¿Cómo será el coloquio?
  5. ¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas
  6. ¿Cómo hacer las reservas y pagos a Happening Madrid de cada una de las experiencias?
  7. ¿Qué es Happening Madrid?
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Continuamos nuestro viaje cinematográfico por los laberintos de la mente y la identidad en nuestro cine debate Un Conejo con Ojo, con una película fascinante: Perfect Blue (1997), dirigida por Satoshi Kon. Una obra maestra del anime psicológico que nos lleva al límite entre la realidad y la alucinación, y que nos hace pensar sobre los efectos del control externo sobre la construcción del yo.

En esta historia seguimos a Mima, una cantante pop que decide abandonar su carrera musical para convertirse en actriz. Lo que parece ser una transición profesional se convierte pronto en una pesadilla: comienza a ser acosada por un fan obsesionado, mientras una versión idealizada de sí misma —la “Mima popstar”— parece tomar vida propia. La confusión entre lo real y lo imaginado se intensifica, y su salud mental se tambalea bajo la presión del espectáculo, la violencia simbólica y el miedo constante a decepcionar a los demás.

En este cine debate hablaremos de la pérdida de identidad, del rol de la mirada externa, del miedo a dejar de ser lo que los otros esperan de nosotros, y de cómo los límites entre lo real y lo virtual se difuminan peligrosamente en nuestra cultura.

Te esperamos este martes a las 19:30h en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) para compartir una de las películas más enigmáticas de finales del siglo pasado. Acompáñanos en esta nueva aventura cinematográfica de la mano de nuestro conejo blanco con un solo ojo.

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Acerca de Perfect Blue

Perfect Blue es el primer largometraje del director Satoshi Kon, con guion de Sadayuki Murai y música de Masahiro Ikumi. Perfect Blue es un thriller psicológico de animación que mezcla el  terror psicológico con la crítica social. Aunque fue realizada en 1997, anticipa con precisión muchas de las problemáticas actuales sobre la fama, redes sociales, construcción de la identidad y salud mental.

Sinopsis de Perfect Blue

Mima Kirigoe es una joven que decide abandonar su grupo musical, CHAM, para comenzar una nueva etapa como actriz. Esta decisión la enfrenta no solo al rechazo de algunos fans, sino también a una creciente sensación de desdoblamiento. A medida que su carrera avanza, alguien comienza a suplantarla en Internet, a acosarla físicamente y a manipular su entorno. La Mima real empieza a confundirse con la imagen que otros tienen de ella, hasta el punto de no saber quién es realmente. ¿Está perdiendo la razón o hay algo más oscuro detrás?

🎞 Ficha

https://www.filmaffinity.com/es/film392480.html

🎞 Trailer

Los temas de Perfect Blue

La fragmentación de la identidad

Mima se divide entre lo que era, lo que quiere ser y lo que los demás proyectan sobre ella.

¿Quién es la verdadera Mima?
¿Qué ocurre cuando vivimos más pendientes de la imagen que proyectamos que de lo que sentimos?
¿Te ha pasado sentir que hay diferentes “tú” compitiendo por tener el control?

La violencia de la mirada

Mima es mirada constantemente: por fans, productores, la prensa, Internet… Esa mirada condiciona su conducta y deteriora su autopercepción.

¿Qué efecto tiene sobre nosotros sabernos observados, juzgados o vigilados?
¿Qué relación hay entre la exposición constante y la pérdida de autenticidad?
¿Dónde trazamos el límite entre mostrarnos y protegernos?

El desdoblamiento psicológico

La Mima popstar que aparece en su mente es un símbolo del yo idealizado, que se convierte en enemigo.

¿Es esa Mima flotante una alucinación… o una manifestación de su conflicto interior?
¿Por qué cuesta tanto soltar versiones anteriores de nosotros mismos?
¿Qué representa para ti esa lucha entre el “yo que fui” y el “yo que quiero ser”?

La fama como trampa

El camino hacia la notoriedad le exige a Mima renunciar a su integridad personal. ¿Es ese el precio del éxito?

¿Crees que Mima decide libremente o está atrapada en un sistema?
¿Qué papel juegan los medios en la destrucción de la salud mental?
¿Cómo resuenan estas dinámicas en la era de Instagram y TikTok?

El control y la paranoia

La protagonista comienza a sospechar de todo: de su entorno, de su mente, de su cuerpo. La desconfianza se apodera de ella.

¿Hay algún momento en el que confíes completamente en lo que ves en pantalla?
¿Qué te sugiere esa sensación constante de amenaza invisible?
¿Qué papel juega la manipulación en este descenso hacia la locura?

El trauma y la reconstrucción

El viaje de Mima es también una lucha por reconstruirse tras haber sido despojada de su yo. ¿Qué necesita Mima para recuperarse?
¿Puede sanar alguien cuando no sabe quién es?
¿Qué recursos tenemos para recomponernos después de una

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¿Cómo será el coloquio?

Los encuentros son participativos y queremos conocer vuestra opinión para que se pueda generar un debate abierto y constructivo. No es necesario conocimiento de cine para participar y es más, huimos del conversador pedante ya que para ellos tenemos a la wikipedia. ¡Queremos que cada martes seamos capaces de generar algo fantástico y diferente!. ¡Queremos saber lo que sientes y que seas capaz de contarlo!

A partir del tema de discusión y de lo visto en la película, las historias personales son bienvenidas y además, son una buena forma de dar a conocer lo que pensamos y lo que sentimos. ¡Nuestro deseo es que participes y seas activo!

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