Once. Dublín, música callejera y el romanticismo de crear algo nuevo

  1. Acerca de Once
    1. Sinopsis
    2. Ficha técnica de Once
    3. Tráiler
    4. El director
    5. Los actores
    6. Dublín, protagonista de Once
    7. La música indie y la música callejera
    8. El romanticismo de crear algo nuevo
    9. Estreno y recepción de la crítica
    10. Banda sonora
      1. Autores, músicos y la historia real
      2. Estructura de la banda sonora
      3. Temas fundamentales
  2. Temas para el debate
    1. La música como refugio, lenguaje y forma de verdad
    2. La música callejera y la dignidad de lo pequeño
    3. El encuentro entre dos soledades
    4. El romanticismo de crear algo juntos
    5. La precariedad, la vida cotidiana y los sueños artísticos
    6. El amor, el tiempo y las posibilidades perdidas
    7. La sensibilidad indie y la defensa de la autenticidad
  3. Punto de encuentro y planning de la velada
  4. ¿Cómo será el coloquio?
  5. ¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas
  6. ¿Qué es Happening Madrid?

En nuestro cine debate Un Conejo con Ojo proyectamos Once, una joya del cine independiente musical que convierte la ciudad en un espacio vivo, la música callejera en expresión emocional y la creación compartida en una forma de vínculo íntimo. Once se instala en la vida del espectador discretamente pero su marca persiste y queda para siempre en nuestro corazón.

Dirigida por John Carney, Once es una película irlandesa de trazo delicado, íntima y profundamente humana. Su apariencia es contenida, pero su capacidad de emocionar resulta evidente. El encuentro entre un músico callejero de Dublín y una joven inmigrante checa a través de la música despliega una historia que aborda la necesidad de expresarse, la fuerza de los vínculos improbables y esos instantes en los que dos personas logran construir algo en común.

De todo ello hablaremos en la próxima sesión de Un Conejo con Ojo, el martes a las 20:00h.

Un Conejo con Ojo es un cine debate organizado por Big Tree Books y Happening Madrid que tiene lugar los martes en el centro de Madrid. Un espacio para ver cine desde la reflexión, el diálogo y la experiencia compartida. Únete a nuestro conejo blanco de un solo ojo.

once

Acerca de Once

Once es una película que adopta un formato modesto y despliega una gran hondura emocional. Con muy pocos elementos, John Carney construye una obra llena de verdad. La cámara se mueve con cercanía, los personajes hablan poco y sienten mucho, la ciudad pesa, la calle respira, y la música se convierte en el lenguaje esencial que canaliza la historia.

Ni de lejos es un musical convencional. Aquí las canciones no interrumpen la historia: la cuentan. Expresan lo que los personajes no saben decir de otro modo. Y por eso Once emociona tanto. Porque entiende que hay sentimientos, intuiciones y heridas que solo pueden pronunciarse cantando.

La película está atravesada, además, por una sensibilidad claramente indie. No en el sentido de una etiqueta vacía o una pose estética, sino en algo más verdadero: la confianza en lo íntimo, en lo frágil, en lo artesanal, en lo no espectacular. Once no quiere impresionar. Quiere tocar algo real. Y lo consigue.

Sinopsis

Un músico callejero de Dublín, que sobrevive tocando sus canciones mientras arrastra una vida personal algo rota, conoce a una joven inmigrante checa que vende flores, limpia casas y toca el piano. Entre ambos nace una complicidad inmediata a través de la música. Lo que empieza como un encuentro casual irá convirtiéndose en un vínculo hecho de canciones, escucha, deseo contenido y creación compartida.

Ficha técnica de Once

Título originalOnce
Año2007
Duración86 min.
PaísIrlanda
DirecciónJohn Carney
GuionJohn Carney
MúsicaGlen Hansard, Markéta Irglová
FotografíaTim Fleming
RepartoGlen Hansard, Markéta Irglová, Hugh Walsh, Gerard Hendrick, Alaistair Foley
ProductoraSamson Films
GéneroDrama | Romance | Música | Cine independiente

Tráiler

El director

Con Once, John Carney firmó una de las películas más delicadas y sinceras del cine musical reciente. Su gran acierto fue entender que la emoción no necesita volumen, sino precisión. Carney no fuerza la historia, no la sobreactúa, no la convierte en un melodrama aparatoso. Filma el encuentro, la ciudad y las canciones con una cercanía casi documental, dejando que la verdad aparezca sola.

La importancia de Once dentro de su trayectoria es decisiva. Aquí ya está una de las obsesiones más fértiles de su cine: la música como espacio de relación, como forma de descubrirse a uno mismo y como posibilidad de encuentro con el otro.

Los actores

Gran parte del encanto de Once reside en sus dos protagonistas, Glen Hansard y Markéta Irglová, cuya presencia transmite una naturalidad muy poco frecuente. No hay afectación ni exceso interpretativo. Lo que llega es otra cosa: vulnerabilidad, escucha, autenticidad.

Él encarna a un hombre tímido, herido y algo áspero, alguien que parece sostenerse gracias a las canciones. Ella aporta inteligencia, sensibilidad y una firmeza serena que impide que el personaje se convierta en una mera idealización romántica. Entre ambos no surge una química ruidosa, sino una conexión mucho más interesante: la de dos personas que se reconocen en el mismo lenguaje.

Dublín, protagonista de Once

Uno de los mayores logros de Once está en su manera de filmar Dublín. La ciudad no es aquí una simple postal ni un fondo bonito sobre el que hacer avanzar la historia. Está presente de un modo material, concreto, emocional. Sus calles, sus comercios modestos, sus trayectos, sus aceras y su atmósfera gris forman parte esencial de la película.

Dublín es la ciudad de la música callejera, de los trabajos precarios, de los encuentros improbables, de la vida que transcurre en voz baja. Es el lugar donde alguien puede tocar una canción en una esquina y cambiar, sin saberlo, la dirección de una tarde o de una vida. Dublín es la geografía de Once que acoge y moldea su historia. Once no podría se podría concebir sin este  Dublín rudo, cotidiano y profundamente humano.

La música indie y la música callejera

Pocas películas han retratado con tanta verdad la música callejera. En Once, tocar en la calle no aparece como algo pintoresco ni como una mera fase previa al éxito. Aparece como una forma de exposición radical. Quien toca en la calle se enfrenta al ruido del mundo sin red, sin protección y sin garantía de ser escuchado. Hay en ello algo muy desnudo y muy digno.

La película, además, respira sensibilidad indie por todos sus poros. Su música es emoción verdadera. Tiene algo artesanal, frágil y directo. Son canciones que parecen nacer de la experiencia y no del cálculo. Canciones que no quieren imponerse al espectador, sino entrar en él poco a poco.

Los temas musicales de Once son vida y nacen en la calle, en los ensayos, en los desplazamientos, en los silencios. Son el lenguaje necesario que nos cuenta lo que no se puede expresar de otro modo.

El romanticismo de crear algo nuevo

La gran historia de amor de Once no está únicamente en la atracción entre sus protagonistas. Está, sobre todo, en el hecho de crear juntos. Ahí la película toca algo muy hondo. Porque componer con alguien, ensayar con alguien, encontrar juntos una melodía o una frase justa, levantar una canción entre dos, es una forma de intimidad radical.

Once entiende que pocas cosas son más románticas que descubrir que con otra persona puedes hacer nacer algo que antes no existía. No se trata solo de gustarse. Se trata de escucharse, de acompañarse, de ofrecerle al otro un espacio donde pueda encontrar su propia voz.

Ese es el núcleo más bello de la película: el romanticismo no como posesión, sino como resonancia; no como promesa enfática, sino como colaboración; no como conquista, sino como creación compartida.

Estreno y recepción de la crítica

Once fue recibida con enorme entusiasmo y terminó convirtiéndose en una de las películas independientes más queridas de su tiempo. Su mezcla de verdad emocional, austeridad formal y potencia musical la hizo destacar de inmediato.

Banda sonora

La banda sonora de Once nace de una historia musical real y es el armazón emocional de la película. Las canciones funcionan como confesiones, como conversación íntima, como deseo y como refugio. En ellas está lo que los personajes sienten y apenas saben formular. Es una música desnuda, cercana y viva.

Autores, músicos y la historia real

Glen Hansard, líder de la banda irlandesa The Frames, compone la mayoría de las canciones y encarna en pantalla a un músico callejero que se parece mucho a su propio pasado, tocando en Dublín y viviendo de trabajos precarios. Markéta Irglová, compositora y cantante checa, aporta varias piezas propias y una sensibilidad pianística que termina definiendo el tono íntimo del film.

Antes de la película ya habían grabado juntos el álbum The Swell Season (2006), donde aparecían varias canciones que luego se integraron en Once y se regrabaron para la banda sonora oficial. El éxito del film los lanza como dúo bajo el nombre The Swell Season, con giras internacionales y un segundo disco, Strict Joy (2009), que consolida ese diálogo entre folk, melancolía y celebración que la película insinúa.

Estructura de la banda sonora

La banda sonora oficial reúne piezas interpretadas por Hansard, Irglová y la banda Interference, con temas que funcionan tanto dentro de la narración como fuera de ella. Entre las canciones más destacadas figuran Falling Slowly, If You Want Me, When Your Mind’s Made Up, Lies, The Hill o Say It to Me Now, además de Gold, compuesta por Fergus O’Farrell e interpretada por Interference.

La música avanza en paralelo a la relación de los protagonistas: canciones de ensayo, maquetas, grabaciones en estudio y actuaciones callejeras construyen una especie de diario sonoro de ese encuentro. La textura es austera: guitarra acústica, piano, arreglos mínimos y un uso muy directo de la voz, sin embellecimiento ni producción excesiva, lo que refuerza la sensación de estar asistiendo a un proceso creativo real.

Temas fundamentales

 “Falling Slowly”: compuesta por Hansard e Irglová, se convierte en el eje emocional de la película y gana el Óscar a mejor canción original. En la narración aparece como una primera sesión compartida que cristaliza la conexión entre ambos personajes y abre la puerta a la colaboración artística.

“If You Want Me”: firmada por Irglová, recoge el punto de vista del personaje femenino, con una letra contenida y un uso del piano que subraya su mezcla de timidez y determinación. Suena asociada a momentos de intimidad, caminatas nocturnas y ese pensamiento interior que el personaje no verbaliza en los diálogos.

 “When Your Mind’s Made Up”: interpretada por ambos, explota en una secuencia de estudio que muestra al grupo en pleno rendimiento, con un crescendo vocal que canaliza frustración, deseo de cambio y una cierta rabia contenida.

“Lies” y “Leave”: cantadas por Hansard, hablan de rupturas, autoengaños y heridas que todavía no han cicatrizado, y aportan contexto emocional sobre las relaciones previas del protagonista.

“The Hill”: escrita e interpretada por Irglová, funciona como confesión íntima del personaje femenino, una especie de monólogo interior convertido en canción, en el que se condensa su conflicto entre responsabilidad, deseo y fidelidad.

“Gold”: de Fergus O’Farrell, interpretada por Interference en un pub, introduce una voz externa que dialoga con la historia principal y ancla la película en una tradición musical irlandesa más amplia.

Tras el estreno, la banda sonora adquiere vida propia: el tema Falling Slowly se instala en el canon reciente del cine musical y se versiona en conciertos, programas de televisión y homenajes, convirtiéndose en puerta de entrada a todo el repertorio de la película. El éxito del film impulsa la adaptación teatral Once: A New Musical, con música y letras de Hansard e Irglová, que traslada esas mismas canciones al escenario y prolonga la trayectoria del material original en teatros de Broadway y Londres.

La notoriedad del proyecto consolida también el vínculo artístico de Hansard e Irglová, que continúan girando como The Swell Season y reafirman ese cruce entre ficción y biografía: la película cuenta una historia de músicos que aún buscan su lugar, y el éxito de la banda sonora termina dándoles precisamente ese lugar en la escena internacional.

Temas para el debate

En esta sesión hablaremos de la pasión por la música, de la necesidad de crear, del valor de la música callejera, de la ciudad como espacio donde suceden encuentros decisivos y del romanticismo que puede surgir cuando dos personas consiguen hacer algo juntas.

Nos preguntaremos también hasta qué punto la música nos salva, nos acompaña o nos permite decir lo que de otro modo callaríamos. Hablaremos de esas conexiones breves que, sin embargo, dejan una huella profunda. Y de la belleza extraña de algunos vínculos que quizá no están hechos para durar siempre, pero sí para transformarnos.

La música como refugio, lenguaje y forma de verdad

En Once, la música no aparece como un adorno ni como un entretenimiento secundario. Es una necesidad vital. Los personajes no cantan para lucirse, sino porque hay cosas que no saben decir de otra manera. La música funciona como refugio, como desahogo, como espacio de verdad. En un mundo cotidiano, algo gris y a veces duro, las canciones se convierten en el lugar donde ambos pueden ser más sinceros que en la vida ordinaria.

Aquí hay una cuestión muy interesante: la película sugiere que el arte no siempre nace de la plenitud, sino de la herida, de la falta, del deseo de ordenar algo que por dentro todavía no tiene forma. La música permite a los personajes expresarse, pero también sostenerse.

¿Qué papel cumple la música en la vida de los protagonistas?
¿Creéis que la música les sirve más para comunicarse con el otro o para entenderse a sí mismos?
¿Hasta qué punto el arte puede convertirse en una forma de salvación íntima?
¿Os parece que hay emociones que solo pueden decirse a través de una canción?

La ciudad como escenario emocional

Dublín no es en Once un simple decorado. La ciudad tiene cuerpo, atmósfera, peso. Sus calles, sus trayectos, sus rincones y su grisura forman parte de la película. Es una ciudad cotidiana, nada idealizada, donde la precariedad convive con la belleza, y donde un encuentro casual puede cambiar el tono entero de una vida.

La película plantea algo muy sugerente: las ciudades no solo contienen historias, también las moldean. La relación entre los personajes solo puede nacer en ese espacio urbano hecho de roce, azar, anonimato y tránsito. La calle, además, no es solo un lugar de paso: es el lugar donde surge la escucha, donde alguien se detiene, donde aparece la posibilidad.

¿Qué importancia tiene Dublín en la película?
¿Podría esta historia suceder igual fuera de una ciudad como esa?
¿Cómo influye el espacio urbano en la manera en que los personajes se encuentran y se relacionan?
¿La ciudad aparece como un lugar hostil, como un lugar fértil o como ambas cosas a la vez?

La música callejera y la dignidad de lo pequeño

Uno de los aspectos más bellos de Once es la importancia de la música callejera. El protagonista toca en la calle, expuesto al ruido, a la indiferencia, a la prisa del mundo. Y sin embargo ahí, precisamente ahí, hay una forma de autenticidad muy poderosa. La película dignifica la creación humilde, la expresión nacida al margen de los grandes focos, el talento que existe sin necesidad de validación espectacular.

En ese sentido, Once es también una película sobre la dignidad de lo pequeño. Sobre la belleza de lo no grandioso, de lo que nace sin marketing, sin artificio, sin maquinaria. Hay una defensa implícita de lo artesanal, de lo vulnerable, de lo hecho casi a mano.

¿Qué representa la música callejera en la película?
¿Qué tiene de especial tocar en la calle frente a hacerlo en un escenario convencional?
¿La película valora más la autenticidad que el éxito?
¿Creéis que hay una belleza particular en las obras que nacen desde la precariedad o desde la fragilidad?

El encuentro entre dos soledades

Once habla de un encuentro, pero no de cualquier encuentro. Habla de dos personas que se reconocen desde sus carencias, desde sus heridas, desde sus vidas incompletas. No se encuentran desde la seguridad ni desde el triunfo, sino desde la intemperie. Y quizá por eso el vínculo que nace entre ellos resulta tan delicado y tan verdadero.

La película evita convertir esa conexión en una historia romántica convencional. Lo que surge entre ambos es más complejo: hay deseo, hay intimidad, hay admiración, hay necesidad mutua, pero también hay límites, tiempos distintos y una contención muy adulta. Eso hace que la historia gane en verdad y en profundidad.

¿Qué une realmente a estos dos personajes?
¿Estamos ante una historia de amor, de amistad, de colaboración artística o de todo eso a la vez?
¿Por qué resulta tan intensa una relación que, en apariencia, es tan contenida?
¿Os parece que el hecho de no consumarse del todo vuelve este vínculo más fuerte, más triste o más hermoso?

El romanticismo de crear algo juntos

Este es probablemente uno de los grandes temas de la película. Once no solo habla de enamorarse de una persona, sino de enamorarse de lo que puede surgir con esa persona. La creación compartida ocupa el centro emocional del film. Componer, ensayar, armonizar, grabar, buscar juntos la forma de una canción: todo eso aparece como una de las formas más intensas de intimidad.

La película sugiere que el gesto más romántico no siempre es la declaración o el beso, sino la capacidad de construir algo nuevo con otro ser humano. Ayudar al otro a encontrar su voz. Estar presente en el nacimiento de una obra. Compartir un impulso creativo.

¿Es la creación compartida el verdadero núcleo romántico de la película?
¿Qué tiene de íntimo hacer una canción con otra persona?
¿Creéis que crear juntos une más que simplemente gustarse?
¿Puede haber amor profundo sin que llegue a convertirse en pareja?

La precariedad, la vida cotidiana y los sueños artísticos

Aunque Once sea una película muy delicada, no está desconectada de la realidad material. Sus personajes no viven en una burbuja ideal. Trabajan, sobreviven, arrastran frustraciones, cargan con responsabilidades. La película muestra algo muy reconocible: lo difícil que es sostener una vocación artística cuando la vida aprieta.

Por eso el film resulta tan honesto. No idealiza la figura del artista. La música no aparece como un lujo, sino como una necesidad que convive con la dureza cotidiana. Y ahí surge otra gran pregunta de fondo: cómo se mantiene vivo un sueño cuando el mundo no está especialmente diseñado para sostenerlo.

¿Cómo conviven en la película el deseo artístico y la precariedad económica?
¿Veis a los personajes como soñadores, como supervivientes o como ambas cosas?
¿Hasta qué punto la vida cotidiana limita o impulsa la creación?
¿La película idealiza la precariedad o la muestra con honestidad?

El amor, el tiempo y las posibilidades perdidas

Once también es una película sobre los tiempos imperfectos. Sobre personas que se encuentran quizá en el momento equivocado, o en un momento en el que la vida no permite que las cosas se desarrollen de forma sencilla. Esa sensación de posibilidad incompleta atraviesa toda la historia.

No estamos ante un relato de plenitud, sino ante una historia hecha de lo posible y lo imposible, de lo que nace y al mismo tiempo sabe que no podrá desarrollarse plenamente. Eso le da a la película una melancolía muy particular. No solo habla de lo que ocurre, sino también de lo que podría haber ocurrido y no será.

¿Creéis que los protagonistas se encuentran en el momento adecuado o en el equivocado?
¿La película habla más de un amor vivido o de un amor posible?
¿Qué pesa más en ella: la esperanza o la melancolía?
¿Os parece que algunas relaciones dejan huella precisamente porque no llegan a completarse?

La sensibilidad indie y la defensa de la autenticidad

Once tiene alma indie no solo por su producción modesta, sino por su actitud estética y emocional. Es una película que huye del exceso, del subrayado, de la exhibición sentimental. Prefiere lo íntimo a lo espectacular, lo verdadero a lo aparatoso, lo vulnerable a lo perfecto.

Eso nos permite hablar también de una cuestión muy contemporánea: la diferencia entre autenticidad y espectáculo. Entre lo que nace de una necesidad real y lo que se fabrica para impresionar. Once parece tomar partido claramente por lo primero.

¿Qué hace que esta película tenga un espíritu tan auténtico?
¿En qué se diferencia de otras películas musicales o románticas más convencionales?
¿La contención emocional de la película os parece una virtud o a veces una limitación?
¿Por qué emociona tanto una obra tan pequeña en apariencia?

Punto de encuentro y planning de la velada

El punto de encuentro será en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) el próximo martes a las 20:00h.

Las veladas se dividirán en tres partes. La primera media hora la dedicaremos a tomar algo, a presentar la película y a conocernos. Después, a las 20:30h, tendremos la proyección. Todas las proyecciones se realizan en VOSE. Para finalizar, tendremos un coloquio que durará hasta las 24:00h.

¿Cómo será el coloquio?

Los encuentros son participativos y queremos conocer vuestra opinión para que se pueda generar un debate abierto y constructivo. No es necesario tener conocimientos de cine para participar. Lo importante aquí no es pontificar, sino compartir lo que una película nos despierta, nos sugiere o nos remueve.

A partir del tema de discusión y de lo visto en la película, las historias personales son bienvenidas. Porque el cine, cuando de verdad funciona, no se queda en la pantalla: se mezcla con nuestras propias experiencias, nuestros deseos, nuestros recuerdos y nuestras preguntas.

¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas

El coste de inscripción a la sesión es de 5€ con debate y coloquio. Es gratuita para los socios de Happening Madrid. Las plazas son muy limitadas.

Ángel: https://wa.me/+34640743115

María: https://wa.me/+3463063998

¿Qué es Happening Madrid?

Happening Madrid es una comunidad de experiencias culturales y sociales en la ciudad. Un espacio para encontrarnos a través del cine, la música, las fiestas, las conversaciones y todo aquello que hace de Madrid una ciudad vivida y compartida.

After Hours: De citas surrealistas y noches complicadas

Hay películas que cuentan una historia y otras que capturan un estado de nervios. After Hours pertenece a esa segunda especie: una comedia negra urbana, absurda y febril que convierte una simple salida nocturna en una interminable pesadilla cómica. En España se conoció como ¡Jo, qué noche!, un título popular que no termina de captar toda su esencia.

Estamos en primavera, luce el sol y apetece alargar las veladas hasta bien entrada la madrugada. En nuestro cine debate Un Conejo con Ojo vamos a celebrarlo con una película perfecta para hablar de esas noches que empiezan prometiendo placer, aventura o seducción y terminan convertidas en una deriva delirante.

After Hours

El tema de la sesión es tan sencillo como fértil: hasta dónde puede complicarse una noche. Y enseguida aparece una segunda pregunta, todavía mejor: cuál ha sido la cita más surrealista de tu vida.

De todo esto hablaremos en nuestra próxima sesión de Un Conejo con Ojo, organizada por Big Tree Books y Happening Madrid. Una velada pensada para disfrutar del cine no como un objeto intocable, sino como una experiencia viva: una invitación a mirar, pensar, disentir y compartir.

Acerca de After Hours (¡Jo, qué noche!)

Estrenada en 1985, dirigida por Martin Scorsese y escrita por Joseph Minion, After Hours es una película de de enorme personalidad. Bajo la apariencia de una comedia negra ligera, lo que ofrece es una fábula urbana sobre el desconcierto, el deseo mal calculado y la imposibilidad de controlar la noche.

La película ocupa un lugar singular dentro de la filmografía de Scorsese. Frente a sus títulos más monumentales, aquí encontramos un cineasta más nervioso, más lúdico y más cruelmente irónico. No hay épica; hay desconcierto. No hay ascenso ni caída moral al estilo clásico; hay una cadena de tropiezos cada vez más absurdos. Precisamente por eso, sigue siendo una de sus obras más libres y más queridas.

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Sinopsis

Al finalizar su jornada laboral, un solitario empleado de una compañía de informática se ve arrastrado al Soho neoyorquino por una cita prometedora. Allí vivirá una noche interminable, alocada y cada vez más amenazante, en la que cada encuentro empeora el anterior y cada intento de volver a casa lo hunde un poco más en el absurdo.

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Ficha técnica

Título originalAfter Hours
Título en España¡Jo, qué noche!
Año1985
PaísEstados Unidos
DirecciónMartin Scorsese
GuionJoseph Minion
MúsicaHoward Shore
FotografíaMichael Ballhaus
Reparto principalGriffin Dunne, Rosanna Arquette, Linda Fiorentino, Teri Garr, John Heard, Verna Bloom, Bronson Pinchot, Cheech Marin y Tommy Chong
GéneroComedia negra · Comedia urbana · Drama
Duración94 min.

El director

Cuando se piensa en Martin Scorsese, suelen aparecer enseguida películas de mayor peso histórico y mayor tamaño industrial. Sin embargo, After Hours no es una obra menor, sino una película clave para entender su elasticidad como director.

Aquí Scorsese convierte la ansiedad en ritmo, la ciudad en laberinto y el absurdo en motor narrativo. La película le permitió además recuperar impulso creativo en un momento profesional delicado y obtener, en Cannes 1986, el premio a la mejor dirección.

Los actores

El gran acierto del reparto está en que nadie trata de normalizar la película. Griffin Dunne compone a Paul Hackett como un hombre reconocible, vulnerable y poco heroic que lejos de dominar la noche, la padece.

Rosanna Arquette aporta misterio y fragilidad; Linda Fiorentino introduce una sensualidad extraña y desestabilizadora; Teri Garr, John Heard, Verna Bloom y el resto del reparto convierten el Soho nocturno en una galería de figuras excéntricas, amenazantes o sencillamente imposibles de clasificar.

La noche de Nueva York a mediados de los 80

Una de las mayores virtudes de After Hours es que no utiliza Nueva York como simple decorado. La ciudad es el mecanismo mismo de la película.

El Soho que vemos en pantalla conserva todavía algo de aquel barrio de lofts, talleres, artistas, bares extraños y vecindarios inciertos que hicieron de esa zona un espacio tan fascinante como inestable. Scorsese retrata un Manhattan nocturno todavía raro, todavía hostil y todavía capaz de expulsar al que no pertenece.

Estreno y recepción de la crítica

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La película se estrenó en 1985 y fue recibida con aprecio crítico, aunque no de forma unánime. Roger Ebert la consideró una de las mejores del año y destacó esa mezcla de sátira, presión y paranoia que la hace tan singular.

Con el paso del tiempo, After Hours no ha dejado de crecer. De rareza parcialmente infravalorada ha pasado a convertirse en una obra de culto, una película que muchos espectadores y críticos defienden con una intensidad especial.

Banda sonora

La música de Howard Shore desempeña un papel decisivo.Su partitura breve e inquietante se combina con canciones de muy distinta procedencia y refuerza la sensación de deriva, extrañeza y movimiento continuo.

Curiosidades

Una de las grandes ideas de la película es convertir un gesto cotidiano en una odisea delirante: volver a casa. Lo que debería ser simple se transforma aquí en una pesadilla ridícula y angustiosa.

También resulta revelador que una película comparativamente modesta dentro de la carrera de Scorsese terminara siendo una de las más queridas por el público cinéfilo y una de las que mejor resisten el paso del tiempo.

Temas de debate

La noche como espacio de libertad y, al mismo tiempo, de amenaza.

La cita como promesa, malentendido o catástrofe.

La ciudad como laberinto emocional.

El absurdo cotidiano: cuando lo pequeño se convierte en insoportable.

La vulnerabilidad masculina, el ridículo y la pérdida de control.

Esas noches reales que empiezan bien y acaban siendo imposibles de resumir sin que parezcan inventadas.

Punto de encuentro y planning de la velada

LugarBig Tree Books · C/ Dos Hermanas, 17 · Madrid
Hora de encuentro20:00h
Proyección20:30h · Todas las proyecciones se realizan en VOSE
ColoquioTras la película, hasta aproximadamente las 24:00h

¿Cómo será el coloquio?

Los encuentros son participativos y buscan generar una conversación abierta, viva y constructiva. No es necesario tener conocimientos de cine para intervenir.

Nos interesa más una mirada personal que una pose erudita. Las historias, intuiciones y experiencias de cada persona ayudan a que el debate deje de ser mero comentario y se convierta en algo verdaderamente compartido.

¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas

Precio general: 5 €
Socios de Happening Madrid: gratis
Reservas por WhatsApp: Ángel 640 743 115 · María 630 639 398
Importante: plazas muy limitadas

¿Cómo hacer las reservas y pagos a Happening Madrid?

La forma más sencilla de reservar es escribir por WhatsApp indicando tu nombre y la sesión a la que quieres asistir. Si la actividad requiere pago previo, se te facilitarán por ese mismo canal las instrucciones oportunas. Conviene reservar con antelación, ya que el aforo es reducido.

¿Qué es Happening Madrid?

Happening Madrid es un proyecto de experiencias culturales y sociales en la ciudad: cine debate, música, encuentros, rutas y propuestas pensadas para vivir Madrid de un modo activo, creativo y compartido.

¿Cómo apuntarte a nuestras experiencias?

Puedes hacerlo siguiendo las convocatorias de Happening Madrid y Big Tree Books y reservando plaza por WhatsApp en los teléfonos indicados. La clave es sencilla: mirar el plan, escribir, confirmar y venir con ganas de participar.

El laberinto de las delicias. Speed Puzzle Dating Party

Adiós al ‘swipe’ y a las aburridas citas impersonales: Llega a Madrid el ‘Speed Puzzle Dating’ para revolucionar la forma de conocer gente

Olvida las apps de citas y las entrevistas a contrarreloj. El próximo 2 de mayo, el mítico espacio Big Tree Books se transforma en un jardín inmersivo que fusiona juego, cena y actuaciones en vivo, la única regla será dejarte llevar para encontrar tu pieza en el rompecabezas. ¿Encajarás?

En un panorama saturado de aplicaciones de citas, perfiles prefabricados y encuentros forzados que a menudo se sienten como entrevistas de trabajo, la búsqueda de una conexión genuina pedía a gritos un cambio de formato. Rompiendo con la rigidez y la frialdad del speed dating tradicional, nace El Laberinto de las Delicias, una propuesta inmersiva de la mano de Happening Madrid que promete devolverle el misterio, el juego y la naturalidad al arte de socializar.

Un jardín fuera de este mundo

El próximo sábado 2 de mayo, el espacio de Big Tree Books dejará su formato habitual para mutar en algo completamente distinto, una experiencia sensorial que definen como un «jardín que no está del todo en este mundo»: sonidos, luces y una banda sonora envolvente con el objetivo de que los asistentes bajen la guardia desde el minuto uno. No hay prisas ni guiones; solo caminos que invitan a cruzarse.

La mecánica: ¿Qué es el ‘Speed Puzzle Dating’?

El núcleo del evento es una dinámica tan sencilla como efectiva: el Speed Puzzle Dating. A su llegada, cada asistente recibe una o varias piezas de un puzle. No es solo un objeto físico, es la excusa perfecta para bucear en esta fiesta. A través de la conversación y el movimiento libre por el espacio, el objetivo es encontrar a las personas cuyas piezas encajen con la tuya. Recuerda que tendrás tantas posibilidades como conexiones tenga tu pieza y que, además, puedes tener más de una pieza del puzle. No será casualidad que esto ocurra ya que el algoritmo inteligente que hicimos a la hora de inscribirnos en el evento será el encargado de hacer la magia. Cuando esto ocurre iremos a una de las mesas dispuestas para la conversación, en ella nos encontraremos unos papelitos, un buzón y un reloj de arena. Cuando el reloj de arena indique que el tiempo se ha acabado cada uno de los participantes introducirá sus datos y conclusiones en el buzón.

La genialidad del evento reside en eliminar la presión: algunas conexiones serán un chispazo eléctrico e inmediato y otras requerirán de una charla más pausada, que se podrá hacer después de la cita rápida. Y si dos piezas no encajan, no pasa nada: es solo parte del juego.

Recuerda que no es el típico juego donde solo encontrarás a una persona que encaje contigo sino a tantas como tengas en las piezas del puzle.

Gastronomía y música para «lo que viene después»

La organización del evento lo tiene claro: lo verdaderamente interesante de la noche no ocurre en los minutos contados de un juego, sino en la complicidad de lo que viene después.

Por ello, la velada se complementa con una cena informal pensada para compartir descubrimientos y alargar las conversaciones. Cuando la noche avanza, el ambiente se relaja y suben los decibelios. La pista se abre con actuaciones y sesión DJ, creando el escenario ideal para que los cuerpos se muevan y las conexiones hechas durante el puzle se consoliden.

En definitiva, El Laberinto de las Delicias no te pide que vayas a buscar pareja; te propone que vayas a perderte para, quizás, encontrarte. Es una Fiesta de la Primavera donde el romanticismo y la amistad se dejan al azar, pero la diversión está garantizada.


Agenda del evento

  • Evento: Speed Puzzle Dating Party «El Laberinto de las Delicias». El laberinto de las delicias. Speed Puzzle Dating Party es un evento que combina una fiesta para bailar, juego, speed dating, sesión DJ y cena informal
  • Fecha: Sábado 2 de mayo de 2026
  • Horario: 21:00 a 24:00 horas
  • Lugar: Big Tree Books. Calle Dos Hermanas 17
  • Precio: 25€ (Incluye experiencia Speed Puzzle Dating, cena informal, fiesta y sesión DJ)
  • Reservas e información: Para reservar tienes que:
  • Rellenar el formulario https://forms.gle/CMuboskrj9Tc9k9c8
  • Reservar por whatsapp https://wa.me/+34640743115
  • Hacer el bizum de 25€ al número +34640743115

Domingo 19 13:00h. Exposición Arte Urbano. De los orígenes a Bansky y tapeo por Tetuán

La propuesta del domingo nos lleva a la Plaza de Castilla y Tetuán. Primero iremos a ver la exposición “Exposición Arte Urbano. De los orígenes a Bansky” en la Fundación Canal (C/ Mateo Inurria 2). La exposición es de entrada gratuita. Después iremos de cañas y tapeo a la zona de Infanta Mercedes comenzando en el Bar El Galope III (C. de la Infanta Mercedes, 97). Después seguiremos por las terrazas y bares de la zona que son muchos y muy variados.

Esta es la información de la expo

https://www.fundacioncanal.com/exposiciones/arte-urbano-de-los-origenes-a-banksy/

Punto de encuentro

A las 13:00h en la entrada de la Fundación Canal (Sala Mateo Inurria 2) en la C/ Mateo Inurria 2 junto a la Plaza Castilla

Después de la expo iremos a tomar cañas al Bar Galope III (C/ Infanta Mercedes, 97)

Precio y reservas

El precio de inscripción al meetup es de 5€. Gratis para socios de Happening Madrid.

Cada cual ha de sacar su entrada.

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En todos los casos además para asistir al meetup con nosotros hay que hacer reserva vía whatsapp al número de teléfono 640.743.115 (https://wa.me/+34640743115), apuntarse al evento en el grupo de meetup Happening Madrid (https://www.meetup.com/es-ES/happening-gp/)

Los pagos se realizan por: Bizum al nº de teléfono 654805437.Paypal angel.chamorro.marin@gmail.com

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Nacemos con deseo

Seis libros para pensar la biología del comportamiento sexual humano desde un feminismo encarnado

Este artículo está escrito desde la posición situada de un hombre, Ángel Chamorro, que adopta explícitamente un enfoque feminista materialista encarnado. Esto significa pensar la opresión y la libertad desde los cuerpos y sus condiciones materiales, rechazar las dicotomías que separan mente y cuerpo, naturaleza y cultura, y asumir que toda teoría nace de cuerpos situados y tiene efectos sobre otros cuerpos. No se trata solo de hablar “sobre” la biología del deseo o “sobre” la cultura, sino de preguntarse cómo esas dimensiones se entrecruzan en vidas concretas, qué desigualdades reproducen y qué posibilidades abren para transformar, juntas, lo que hacemos con aquello que heredamos.

  1. Genes que quieren seguir existiendo
  2. No somos una tabla rasa
  3. Programados para la belleza
  4. Un cerebro preparado para amar
  5. La biografía del amor
  6. El cerebro espiritual
  7. Consecuencias nefastas de la dicotomía cuerpo/alma
  8. A la especie no le interesa nuestra felicidad
  9. La presión neoliberalista en el contexto actual
  10. Biología sí, determinismo no
  11. Breves fichas de los libros
    1. Richard Dawkins – El gen egoísta: las bases biológicas de nuestra conducta
    2. Steven Pinker – La tabla rasa. La negación moderna de la naturaleza humana
    3. Ulrich Renz – La ciencia de la belleza
    4. Helen Fisher – Anatomy of Love: A Natural History of Mating, Marriage, and Why We Stray
    5. Eduardo Punset – El viaje al amor
    6. Francisco J. Rubia – La conexión divina: la experiencia mística y la neurobiología
  12. Biografías breves de autores
    1. Richard Dawkins (1941– )
    2. Steven Pinker (1954– )
    3. Helen Fisher (1945– )
    4. Ulrich Renz (1960– )
    5. Eduardo Punset (1936–2019)
    6. Francisco J. Rubia (1938– )

Durante años se ha instalado en muchos discursos una idea tan bienintencionada como frágil: nacemos como una hoja en blanco y es la cultura la que escribe en nosotros todo lo que somos. Llevado al terreno del sexo y el amor, este supuesto convierte el deseo en una construcción casi puramente social: un producto del patriarcado, de las normas de género, de los relatos románticos. Pero cuando se leen con calma seis libros muy distintos entre sí —El gen egoísta, de Richard Dawkins; La tabla rasa, de Steven Pinker; La ciencia de la belleza, de Ulrich Renz; Anatomy of Love, de Helen Fisher; El viaje al amor, de Eduardo Punset, y La conexión divina, de Francisco J. Rubia— emerge otra imagen más incómoda y también más fértil: el comportamiento sexual humano está, al menos en parte, biológicamente configurado desde antes de nacer.

Un enfoque feminista materialista y encarnado no niega esa base biológica, pero tampoco la toma como destino. Le interesa, sobre todo, cómo esos cuerpos sexuados, hormonados, vulnerables, se insertan en estructuras de poder muy concretas: quién cuida, quién gesta, quién es deseable, quién es violentable, quién puede usar su deseo como fuerza y quién lo paga con el cuerpo.

Genes que quieren seguir existiendo

En El gen egoísta, Richard Dawkins propone un cambio de foco radical. La unidad sobre la que actúa la selección natural no sería el individuo ni la especie, sino los genes, pequeñas unidades de información que compiten por seguir existiendo a través de los cuerpos que construyen. Desde esa perspectiva, el sexo, la elección de pareja, los celos o la tendencia a cuidar a la descendencia dejan de ser caprichos psicológicos y se leen como estrategias afinadas a lo largo de millones de años para resolver un problema muy concreto: con quién reproducirse y cómo asegurar que los propios genes pasen a la siguiente generación.

No hace falta abrazar todas las metáforas beligerantes de Dawkins para aprovechar el giro que propone. Lo decisivo aquí es entender que el deseo sexual no brota de la nada en cada cultura, sino que se apoya en una maquinaria evolutiva muy antigua. Antes de que existan novelas, canciones o aplicaciones de citas, hay una lógica biológica que empuja a los organismos a buscar, encontrar y mantener determinados vínculos reproductivos.

Ahora bien, un feminismo materialista encarnado recordaría que esa lógica evolutiva nunca se da en abstracto. Esos genes compiten y se reproducen a través de cuerpos concretos: cuerpos que menstrúan, embarazos que se sostienen con trabajo de cuidados, placeres y violencias distribuidos de manera desigual entre géneros, clases y razas. La biología del deseo no está suspendida en el aire; pasa por vidas que ocupan posiciones muy diferentes en la estructura social.

No somos una tabla rasa

Sobre este telón de fondo, Steven Pinker dirige su crítica contra la metáfora de la “tabla rasa”. En La tabla rasa discute la idea de que la mente nazca vacía y sea la sociedad la que inscribe en ella todos sus contenidos. Recorre evidencia procedente de la psicología, la genética y la neurociencia para defender que venimos al mundo con un cerebro ya organizado, con predisposiciones, sesgos y tendencias que condicionan cómo percibimos, aprendemos y nos relacionamos.

En el terreno sexual y afectivo, eso significa que ciertos patrones de deseo, formas de apego, diferencias medias entre hombres y mujeres o reacciones ante la infidelidad no son invenciones arbitrarias de cada época. Son, al menos en parte, manifestaciones contemporáneas de una naturaleza humana que trae de serie circuitos de recompensa, respuestas hormonales y configuraciones neuronales específicas. La cultura, por supuesto, no desaparece: sigue siendo el gran laboratorio donde se negocian normas, significados y posibilidades. Pero ya no trabaja sobre una hoja en blanco, sino sobre un papel con relieve.

Desde una mirada feminista encarnada, esta crítica a la tabla rasa es útil porque impide caer en la fantasía de que todo se puede reprogramar sin coste, como si los cuerpos no tuvieran límites ni inercias. Pero también exige preguntarse qué se hace con esas predisposiciones: cómo se convierten en división sexual del trabajo, en mercados del sexo, en mandatos de feminidad y masculinidad que recaen de forma asimétrica sobre los cuerpos de las mujeres, de las personas trans, de quienes se salen de la norma.

Programados para la belleza

Si heredamos la necesidad de reproducirnos, heredamos también ciertas brújulas sobre quién nos resulta atractivo. Ulrich Renz, en La ciencia de la belleza, se detiene en ese territorio resbaladizo donde se encuentran estética, biología y deseo. Tras repasar teorías artísticas y filosóficas, se apoya en experimentos y estudios comparativos para sostener que existe una base biológica de lo que consideramos bello.

Rasgos como la simetría del rostro, ciertas proporciones corporales, la apariencia de salud o de juventud tienden a asociarse, una y otra vez, con el atractivo físico en contextos muy distintos. Cada sociedad reescribe y exagera estos patrones con sus propias modas —desde corsés y tacones hasta filtros de Instagram—, pero cuesta negar que hay un fondo común: el cuerpo humano responde de forma bastante predecible a determinados estímulos visuales. La tesis de Renz no es que la cultura no importe, sino que no lo inventa todo; estiliza, negocia, sublima y manipula sensibilidades que ya venían preparadas.

Para un feminismo materialista, este punto es clave: que haya predisposiciones hacia ciertos rasgos no justifica el régimen brutal de control sobre los cuerpos que imponen los cánones de belleza actuales. Al contrario, ayuda a explicar por qué funcionan tan bien como dispositivo de sometimiento: se agarran a respuestas corporales reales, pero las explotan hasta volverlas contra las propias sujetas —exigiendo delgadez imposible, juventud eterna, disponibilidad constante. La pregunta no es si hay base biológica, sino quién se beneficia de convertir esa base en industria, en culpa y en violencia simbólica.

Un cerebro preparado para amar

Helen Fisher, antropóloga y neurocientífica, ha llevado esa intuición a los escáneres cerebrales. En Anatomy of Love distingue tres sistemas que operan en paralelo y se solapan: el deseo sexual, la atracción romántica y el apego de pareja. El primero empuja a buscar contacto erótico; el segundo concentra la atención y la energía en una persona concreta; el tercero permite, cuando la euforia se atenúa, construir vínculos relativamente estables.

Cada uno de estos sistemas se asocia con redes neuronales y sustancias distintas. El deseo sexual está muy ligado a hormonas como la testosterona y los estrógenos; la atracción romántica, a circuitos dopaminérgicos de recompensa, obsesión y motivación; el apego, a neuromoduladores como la oxitocina y la vasopresina, implicados en el vínculo y la calma. Lo relevante es que sistemas muy similares se han descrito en otros mamíferos sociales. Es decir, el cerebro humano llega ya de fábrica con una arquitectura para desear, enamorarse y vincularse, que la biografía y el contexto cultural se encargan luego de rellenar de nombres, rostros y relatos.

Leer a Fisher desde un feminismo encarnado implica aceptar que ese “cerebro enamorado” existe, pero no flota en el vacío. Quien se apega, se obsesiona o renuncia no es una mente abstracta, sino un cuerpo situado en redes de parentesco, de cuidado, de dependencia económica. Los mismos circuitos de apego que permiten sostener vínculos pueden convertirse en trampa cuando las condiciones materiales —violencia, precariedad, desigualdad legal— impiden salir de una relación dañina. No se trata de culpar a la dopamina ni de romantizar la oxitocina, sino de comprender que la política amorosa trabaja con esos materiales.

La biografía del amor

Eduardo Punset, en El viaje al amor, convirtió muchas de estas investigaciones en relato divulgativo. El libro viaja por laboratorios, entrevistas y anécdotas personales para mostrar que aquello que vivimos como una experiencia íntima y misteriosa —enamorarse, desenamorarse, repetir patrones— tiene también un lado de química cerebral y aprendizaje temprano.

Punset insiste en la importancia de las experiencias de apego en la infancia: cómo se sostuvo a cada criatura, cómo se la miró, qué seguridad emocional se le ofreció. Esas primeras relaciones dejan huellas en los circuitos del estrés, del placer y de la confianza que después se reactivan en la vida adulta. De nuevo, no se trata de negar la libertad o la capacidad de cambio, sino de recordar que cada historia de amor se escribe sobre un cuerpo con memoria.

Un feminismo materialista puede reconocer en este énfasis en el apego temprano una confirmación de algo que los movimientos de mujeres llevan décadas diciendo: que el trabajo de cuidados, casi siempre feminizado, no es un “extra” sentimental, sino la infraestructura de la vida psíquica. Cómo se ama y cómo se desea en la edad adulta tiene mucho que ver con quién sostuvo el peso, muchas veces invisible, de ese cuidado.

El cerebro espiritual

El arco se amplía aún más con Francisco J. Rubia y La conexión divina: la experiencia mística y la neurobiología. Rubia se pregunta qué ocurre en el cerebro durante experiencias que muchos describen como religiosas o místicas: sensaciones de fusión con el universo, de amor incondicional, de presencia de algo sagrado. Analizando casos clínicos, imágenes cerebrales y estados alterados de conciencia, muestra que también ahí aparecen implicadas regiones y sistemas concretos, vinculados al procesamiento emocional, la integración corporal y la percepción del yo.

Este paso es importante porque rompe otra dicotomía: la que separa radicalmente lo sexual, lo afectivo y lo espiritual. El mismo órgano que desea y se apega es capaz de generar experiencias de amor universal o de conexión trascendente. Hay continuidad entre el bebé que busca el pecho, el adolescente que se enamora por primera vez y el adulto que vive una experiencia de arrebatamiento místico. En todos los casos, un cerebro encarnado, con una historia evolutiva, hace posible lo que después nombramos con palabras muy distintas.

Para el feminismo encarnado, esta continuidad también invita a desconfiar de cualquier discurso que se pretenda “puro” o “elevado” respecto al cuerpo. Incluso las formas de amor más sublimes tienen un lado material: se sostienen en cuerpos concretos, con historias de dolor, de trabajo, de placer y de resistencia.

Consecuencias nefastas de la dicotomía cuerpo/alma

La historia de la cultura occidental está atravesada por una separación insistente entre cuerpo y alma, entre mente y carne. Esa dicotomía ha sido cualquier cosa menos inocente. El alma —o la razón, o el espíritu— se ha asociado a lo elevado, lo universal, lo masculino; el cuerpo, a lo bajo, lo contingente, lo femenino. La filosofía, la religión, la medicina y el derecho han trabajado durante siglos sobre este reparto desigual: unos sujetos pensantes que deciden y unas masas corporales que sienten, se desbordan y deben ser controladas.

Para el feminismo, las consecuencias han sido devastadoras. Identificar a las mujeres con el cuerpo —con la reproducción, el cuidado, la emoción— ha servido para justificar su subordinación al supuesto sujeto racional masculino. Si el cuerpo es lo que hay que gobernar, quien encarna el cuerpo queda automáticamente en posición de ser gobernada. La dicotomía cuerpo/alma ha legitimado prácticas de control sobre la sexualidad, la reproducción, la apariencia y el comportamiento de las mujeres y de todas las personas feminizadas: desde el corsé hasta la psiquiatrización del deseo, desde la histeria decimonónica hasta la ginecología coercitiva.

La dicotomía biología/cultura ha heredado muchos de estos vicios. A un lado se coloca lo “natural”, lo dado, lo inevitable; al otro, lo “cultural”, lo maleable, lo que podría cambiar con voluntad y educación. Demasiadas veces, esa oposición se usa para despolitizar lo que duele y responsabilizar en exceso a quienes lo sufren: si algo es biología, no hay nada que hacer; si algo es cultura, bastaría con “pensar distinto” para resolverlo. En ambos casos se borra el plano material de la vida: las condiciones concretas bajo las cuales ciertos cuerpos comen, trabajan, crían, son deseados o son agredidos.

Una perspectiva feminista materialista encarnada intenta salir de esa trampa. No niega la biología ni la reduce a un simple efecto del discurso, pero se niega a tratarla como un bloque monolítico fuera de la historia. La biología no es un destino grabado en piedra: es una serie de disposiciones, vulnerabilidades y potencias que siempre están mediadas por instituciones, tecnologías, economías, saberes y violencias. Tampoco la cultura es un espacio neutro donde todo sea posible por igual para todo el mundo: está atravesada por relaciones de poder que distribuyen de manera muy desigual quién puede reapropiarse de su cuerpo y quién no.

Romper la dicotomía cuerpo/alma significa, en este contexto, recuperar el cuerpo como lugar de inteligencia, de memoria y de resistencia, no solo de padecimiento. Romper la dicotomía biología/cultura implica aceptar que no hay un “adentro” puramente natural ni un “afuera” puramente simbólico: hay una trama de prácticas, técnicas y relatos que inscriben lo social en la carne y hacen de la carne un agente de transformación. Solo desde ahí puede tener sentido hablar de libertad sin usar estas dicotomías como coartada para decirle a nadie “es tu naturaleza, aguántate” ni “es solo cultura, cambia de chip”.

A la especie no le interesa nuestra felicidad

Si algo dejan claro estos seis libros es una verdad incómoda: a la especie no le interesa nuestra felicidad. Le interesa, como mucho, que sigamos vivos el tiempo suficiente para reproducirnos, cuidar a la descendencia y sostener la red de cooperación que mantiene la vida en marcha. Nuestros circuitos de deseo, de apego y de placer no están diseñados para que seamos felices, sino para que seamos funcionales en términos evolutivos. Desde un feminismo materialista encarnado, eso tiene una consecuencia importante: si queremos vidas dignas, libres e igualitarias, no basta con “dejarnos llevar” por lo que sentimos. Necesitamos dos grandes deconstrucciones.

La primera es una deconstrucción biológica. No en el sentido de negar la biología, sino de conocerla y tomar distancia crítica de ella. La educación —sexual, afectiva, emocional— debería enseñarnos cómo funcionan nuestros cuerpos y cerebros: qué hacen las hormonas, por qué nos obsesionamos, cómo operan los celos, qué es un patrón de apego, por qué a veces deseamos lo que nos daña. No para culpabilizarnos, sino para poder aceptar, controlar y dirigir nuestros impulsos en lugar de ser arrastradas por ellos. Saber que el enamoramiento tiene una duración media, que la dopamina distorsiona la percepción del riesgo, que el apego puede engancharte a vínculos tóxicos, debería formar parte del mínimo común educativo. De esa manera, el “destino biológico” deja de ser una condena y se convierte en materia prima sobre la que actuar.

La segunda es una deconstrucción cultural tras siglos de desigualdad. Porque esos mismos circuitos biológicos han sido organizados históricamente en un régimen de género, de sexualidad y de parentesco profundamente asimétrico: cuerpos feminizados a disposición de cuerpos masculinizados, trabajo de cuidados invisibilizado, heterosexualidad obligatoria, violencia estructural. No basta con saber cómo funciona el cerebro; hay que cuestionar los guiones culturales que lo han explotado: la idea del amor romántico como sacrificio unilateral, la maternidad como destino, el deseo masculino como fuerza incontrolable, la pareja monógama como única forma legítima de vínculo, la heterosexualidad como norma.

Solo si esas dos deconstrucciones —biológica y cultural— avanzan a la vez podremos usar lo que somos para otra cosa que no sea reproducir el mismo orden de siempre. La primera nos da herramientas para no confundir intensidad con verdad, impulso con mandato. La segunda abre el espacio político para redistribuir el trabajo, el cuidado, el placer y el poder, de modo que ninguna identidad, ningún cuerpo y ningún deseo quede condenado a sostener la vida de otros a costa de la propia.

En ese cruce se juega la posibilidad de un futuro distinto: un horizonte donde la especie no sea un pretexto para sacrificar individuos, y donde lo que heredamos —genes, hormonas, historias, heridas— no marque de antemano quién está destinado a servir y quién a ser servido. Un lugar en el que poder decir que sí, nacemos con deseo, pero que lo que hacemos juntas con ese deseo ya no está escrito ni en la biología ni en la tradición.

La presión neoliberalista en el contexto actual

Todo este esfuerzo por pensar al ser humano como un cuerpo integral —biológico, afectivo, social, histórico— ocurre en un contexto poco favorable. El neoliberalismo no solo organiza la economía; también produce subjetividades. Necesita individuos que se perciban a sí mismos como proyectos privados, emprendedores de su propia vida, responsables únicos de su éxito o de su fracaso. Para eso le convienen las separaciones: entre cuerpo y alma, entre biología y cultura, entre lo íntimo y lo político.

Por un lado, la lógica neoliberal explota el cuerpo hasta el límite, pero lo hace como si fuera un objeto externo: algo que hay que optimizar, gestionar, exhibir. Se nos pide que tratemos nuestra salud mental como un asunto de autoayuda, nuestro sufrimiento como un problema de resiliencia individual y nuestros deseos como un mercado más donde “elegir bien”. El malestar que nace de estructuras económicas y de género se privatiza y se psicologiza: si no encajas, es que no te sabes adaptar.

Por otro lado, la derecha emergente —en sus versiones más reaccionarias— se alimenta de las mismas dicotomías que el feminismo materialista quiere desmontar. A la hora de defender jerarquías de género, de raza o de orientación sexual, no duda en invocar alternativamente la biología (“es natural que las cosas sean así”) o la cultura (“es nuestra tradición”) según convenga. Cuerpo y alma, naturaleza y cultura, se convierten en comodines para reforzar la separación y la desigualdad: se promete un “orden natural” que curiosamente coincide con el reparto actual de privilegios.

En este contexto, pensar al ser humano como un ser integral —encarnado y situado— es casi un acto de insumisión. Significa negarse a aceptar que la biología sirva como coartada para la injusticia, pero también que la cultura sirva como excusa para ignorar las condiciones materiales de la vida. Significa recordar que la depresión no se cura con coaching, que la violencia machista no es un “conflicto de pareja”, que la precariedad no se resuelve con actitud positiva.

Frente a la presión neoliberal que quiere reducirnos a consumidores aislados y a la reacción que quiere encerrarnos en identidades rígidas, el reto es sostener una mirada compleja: ver cómo los cuerpos sienten y desean en serio, cómo las estructuras sociales organizan ese sentir, y cómo cualquier proyecto de igualdad pasa por intervenir en ambos niveles a la vez. No habrá sociedad justa mientras se siga usando la biología y la cultura como armas arrojadizas para culpabilizar a quienes ya cargan con el peso de sostener la vida.

Biología sí, determinismo no

¿Qué queda, entonces, cuando se juntan todas estas piezas? Una tesis fuerte, pero lejos del simplismo: el comportamiento sexual humano no nace de una mente neutra moldeada a voluntad por la cultura, sino de una arquitectura biológica heredada que ya viene parcialmente configurada desde antes del nacimiento. Esa arquitectura incluye genes con intereses reproductivos, hormonas que moldean el cerebro en etapas tempranas, circuitos de recompensa y apego, y sensibilidades estéticas que nos predisponen a encontrar deseables ciertos cuerpos y no otros.

Aceptar esto no obliga a renunciar a la crítica social ni a la política del cuerpo. Al contrario: permite situarlas en un terreno más realista. La cultura, el género, las normas y las resistencias actúan sobre un suelo común de capacidades y límites, no sobre una nada maleable infinitamente. La pregunta deja de ser “¿biología o cultura?” y pasa a ser “¿qué hacemos, colectivamente, con la biología que tenemos y cómo cambiamos las condiciones materiales en las que opera?”.

Tal vez ahí esté el punto más sugerente de esta constelación de libros: recordar que la libertad no consiste en negar el cuerpo, sino en conocerlo lo bastante como para poder discutir, transformar y, cuando haga falta, desobedecer las inercias que trae consigo. Un feminismo materialista encarnado no sueña con salir de la carne, sino con habitarla de otras maneras: más justas, más libres, menos previsibles para la historia que nos ha traido hasta aquí

Breves fichas de los libros

Richard Dawkins – El gen egoísta: las bases biológicas de nuestra conducta

Año de edición original: 1976 (The Selfish Gene)

Tema central: teoría de la evolución desde la perspectiva del gen.

Libro clásico de divulgación evolutiva que propone entender la selección natural desde el punto de vista de los genes, no de los individuos ni de las especies. Los organismos —incluidos los humanos— son presentados como “máquinas de supervivencia” construidas por los genes para garantizar su propia replicación. A partir de esta idea, Dawkins analiza el egoísmo y el altruismo, las estrategias de apareamiento, el cuidado parental y muchos aspectos del comportamiento animal y humano como productos de presiones evolutivas orientadas a la reproducción.

Steven Pinker – La tabla rasa. La negación moderna de la naturaleza humana

Año de edición original: 2002 (The Blank Slate), edición española: 2003

Tema central: crítica a la idea de la mente como “tabla rasa” y defensa de la naturaleza humana.

Abstract: Ensayo amplio en el que Pinker cuestiona tres dogmas modernos: la mente como tabla rasa, el “buen salvaje” y el “fantasma en la máquina”. Sostiene que existe una naturaleza humana con rasgos psicológicos innatos, moldeada por la evolución, que limita y condiciona lo que la cultura puede hacer con nosotros. Apoyándose en psicología evolutiva, genética y neurociencia, discute las implicaciones éticas y políticas de reconocer esta base biológica, incluyendo temas como violencia, género, educación y desigualdad.

Ulrich Renz – La ciencia de la belleza

Año de edición en castellano: 2007, Ediciones Destino

Tema central: bases científicas del atractivo físico y del sentido de la belleza.

Abstract: Renz explora por qué la belleza tiene tanto peso en nuestras vidas desde una perspectiva científica y psicológica. Recorre la historia cultural del ideal de belleza y revisa investigaciones sobre qué rasgos físicos resultan atractivos, el poder del rostro humano y las diferencias de percepción entre mujeres y hombres. Defiende que estamos biológicamente programados para sentirnos atraídos por ciertos patrones de belleza, aunque la cultura los amplifique, norme y distorsione.

Helen Fisher – Anatomy of Love: A Natural History of Mating, Marriage, and Why We Stray

Año de edición original: 1992–1993 (según edición)

Tema central: historia natural del emparejamiento humano, el matrimonio y la infidelidad.

Abstract: Combinando antropología, biología evolutiva y neurociencia, Fisher traza una “historia natural” del amor y la vida en pareja. Analiza cómo han surgido la monogamia, el adulterio y el divorcio en distintas culturas y épocas, y propone que en el cerebro humano operan tres sistemas: deseo sexual, amor romántico y apego. El libro describe la base neurobiológica de estos sistemas y cómo interactúan con factores sociales, económicos y culturales para producir las diversas formas de relación que observamos hoy.

Eduardo Punset – El viaje al amor

Año de edición: 2007 (aprox., según edición)

Tema central: divulgación sobre la biología y la psicología del amor.

Abstract: Punset recorre investigaciones en neurociencia, psicología y biología para explicar qué hay detrás de la experiencia amorosa. El libro aborda temas como el papel de las hormonas y neurotransmisores, la influencia del apego infantil en las relaciones adultas, la atracción y la elección de pareja, o el peso de la cultura en la forma de amar. En un tono accesible y narrativo, presenta el amor como un viaje que combina biología y biografía, emociones profundas y condicionantes evolutivos.

Francisco J. Rubia – La conexión divina: la experiencia mística y la neurobiología

Año de edición: 2009 (aprox., según edición)

Tema central: correlatos neurobiológicos de la experiencia mística y religiosa.

Abstract: Rubia analiza qué sucede en el cerebro durante experiencias místicas, religiosas o de trascendencia, integrando datos procedentes de neurología, neuroimagen y psicología. Examina fenómenos como las visiones, el éxtasis o la sensación de unidad con el universo, y muestra qué áreas y sistemas cerebrales se activan en esos estados. Su tesis es que estas vivencias, lejos de ser pruebas de realidades sobrenaturales, son expresiones de la actividad de un cerebro humano dotado de capacidades específicas para el vínculo, la emoción y la percepción alterada de uno mismo.

Biografías breves de autores

Richard Dawkins (1941– )

Biólogo evolutivo y divulgador británico

Richard Dawkins nació en Nairobi en 1941 y se formó en la Universidad de Oxford, donde fue alumno de Nikolaas Tinbergen, una de las figuras centrales de la etología del siglo XX. Durante décadas desarrolló su carrera académica en Oxford y alcanzó gran proyección pública como titular de la cátedra Charles Simonyi para la Comprensión Pública de la Ciencia. Su nombre quedó asociado de forma decisiva a la renovación del pensamiento evolutivo contemporáneo y a la divulgación científica de gran alcance.

Su aportación más influyente fue popularizar una visión gen-céntrica de la evolución. En El gen egoísta propuso entender a los genes como unidades fundamentales de selección y a los organismos como vehículos de supervivencia construidos para asegurar su replicación. Más tarde amplió esta perspectiva con la idea del fenotipo extendido, según la cual los efectos de los genes pueden manifestarse también en el entorno, no solo en el cuerpo del organismo.

En el corpus científico de la era actual, Dawkins ocupa un lugar decisivo porque ayudó a fijar un marco interpretativo que sigue siendo central en biología evolutiva, comportamiento animal y debates sobre naturaleza humana. Además, introdujo el concepto de meme, que ha tenido una enorme fortuna cultural, y convirtió la discusión sobre evolución en una conversación pública global.

Steven Pinker (1954– )

Psicólogo cognitivo y divulgador de la psicología evolutiva

Steven Pinker nació en Montreal en 1954 y se formó en psicología experimental y ciencia cognitiva. Ha enseñado en instituciones como MIT y Harvard, donde se consolidó como una de las figuras más visibles del estudio contemporáneo del lenguaje, la mente y la naturaleza humana. Su trabajo inicial se centró en la adquisición del lenguaje, defendiendo que el cerebro humano dispone de estructuras innatas que facilitan ese aprendizaje.

Con el tiempo se convirtió en un gran ensayista científico. En La tabla rasa cuestionó la idea de que la mente humana nazca vacía y defendió que existen predisposiciones psicológicas heredadas, moldeadas por la evolución, que influyen en la conducta individual y colectiva. Su obra ha intervenido de manera directa en debates sobre violencia, progreso, racionalidad, género y cultura.

La importancia de Pinker en el corpus científico actual reside en su capacidad para articular resultados de psicología, neurociencia, lingüística e historia dentro de una visión amplia de la especie humana. Ha sido una figura central para reinstalar el problema de la naturaleza humana en el centro de las discusiones contemporáneas, tanto académicas como públicas.

Helen Fisher (1945– )

Antropóloga biológica y neurocientífica del amor

Helen Fisher es una antropóloga estadounidense especializada en el estudio del amor, el emparejamiento y la evolución de la conducta sexual humana. Vinculada durante años al Kinsey Institute, su trayectoria combina antropología biológica, comparación intercultural y neurociencia afectiva. Su trabajo ha contribuido a convertir el amor en un objeto legítimo de investigación científica rigurosa.

Su aportación más conocida consiste en distinguir tres grandes sistemas cerebrales relacionados con la vida amorosa: deseo sexual, amor romántico y apego. Fisher mostró que estos sistemas cuentan con bases neuroquímicas y cerebrales diferenciadas, y que presentan paralelos en otros mamíferos, lo que refuerza la idea de que forman parte de una herencia biológica profunda. Al mismo tiempo, estudió cómo estas disposiciones interactúan con las formas sociales del matrimonio, la infidelidad o la elección de pareja.

En la ciencia contemporánea, Fisher es importante porque ha tendido un puente muy sólido entre biología evolutiva, antropología y neurociencia. Su obra ha influido en sexología, psicología del apego, terapia de pareja y divulgación científica, y sigue siendo una referencia central para pensar el amor como una función del cerebro y de la evolución.

Ulrich Renz (1960– )

Médico, divulgador científico y autor de ensayo

Ulrich Renz es un médico y escritor alemán especializado en divulgación científica y literatura infantil. Licenciado en Medicina, trabajó en el ámbito clínico y editorial antes de dedicarse de lleno a escribir libros que acercan la ciencia a un público amplio. Aunque no es una figura de “gran laboratorio” como Dawkins o Fisher, se ha consolidado como un mediador competente entre la investigación académica y el lector general.

En el contexto de La ciencia de la belleza, su relevancia está en articular, de forma clara y accesible, un corpus disperso de investigaciones sobre psicología del atractivo, biología evolutiva y neurociencia de la percepción. Renz recoge trabajos sobre simetría facial, proporciones corporales, señales de salud y juventud, y los pone en relación con la historia cultural de los cánones estéticos. Así, contribuye a fijar en el imaginario contemporáneo la idea de que el gusto por la belleza —también en el terreno erótico— tiene raíces biológicas, sin negar por ello la enorme capacidad de la cultura para modelar y exagerar esos

Su importancia en el panorama actual es, sobre todo, la de un cartógrafo divulgativo: alguien que ordena resultados de muy distintos campos y los traduce en un relato comprensible sobre por qué ciertos cuerpos, rostros o gestos nos resultan atractivos.

Eduardo Punset (1936–2019)

Jurista, economista, político y divulgador científico

Eduardo Punset nació en Barcelona en 1936 y se formó en Derecho y Ciencias Económicas. Antes de convertirse en el divulgador científico más conocido de la televisión española, fue abogado, periodista, ministro en la Transición, diputado europeo y asesor de organismos internacionales. Su giro hacia la ciencia llegó a través del interés por la economía y la tecnología, y cristalizó en el programa “Redes”, emitido durante casi dos décadas en TVE, que marcó a varias generaciones en el Estado

Más que investigador experimental, Punset fue un curador de ideas científicas: entrevistó a neurocientíficos, psicólogos, físicos y filósofos, y convirtió conceptos como neuroplasticidad, gestión emocional, educación afectiva o intuición en temas de conversación cotidiana. En sus libros de la última etapa, entre ellos El viaje al amor, insistió en la necesidad de integrar emoción y cognición, y defendió la educación emocional como una revolución pendiente en las escuelas.

En el corpus científico de la era actual, su importancia no está en un descubrimiento concreto, sino en el impacto cultural: ayudó a que términos como “cerebro emocional”, “plasticidad” o “biología del amor” salieran del ámbito académico y se instalaran en el lenguaje común, abriendo espacio para nuevas prácticas educativas y terapéuticas.

Francisco J. Rubia (1938– )

Neurocientífico y divulgador de la mente y el cerebro

Francisco J. Rubia Vila es un neurólogo y neurocientífico español, catedrático emérito de la Facultad de Medicina de la Universidad Complutense de Madrid. Se formó en Alemania y trabajó en centros de referencia en neurociencia antes de regresar al Estado español, donde ha sido una de las voces más influyentes en la divulgación sobre cerebro y mente.

Su trabajo científico se ha centrado en la fisiología del sistema nervioso, la lateralización de funciones cerebrales y los correlatos neuronales de procesos como la memoria, la percepción o la toma de decisiones. En el plano conceptual, Rubia insiste en que uno de los grandes logros de las neurociencias ha sido superar el dualismo cerebro‑mente, permitiendo abordar con métodos empíricos cuestiones tradicionalmente reservadas a la filosofía o la teología, como el yo, la libertad o la experiencia espiritual.

En libros como El cerebro nos engaña o La conexión divina, Rubia sostiene que muchas de nuestras certezas sobre la realidad, el yo o lo sagrado son construcciones del cerebro, y analiza cómo determinadas áreas y redes neuronales hacen posibles tanto las ilusiones perceptivas como las experiencias místicas. Su importancia en el corpus científico contemporáneo reside en haber sido un puente sólido entre la neurociencia de laboratorio y las grandes preguntas existenciales, ayudando a que conceptos como “correlato neuronal de la conciencia” formen parte del debate público.

Excursión Desde Madrid a El Pardo: Un Itinerario único

  1. La excursión desde el corazón de Madrid hasta El Pardo
    1. Ruta en wikiloc
  2. Planning de la excursión y punto de encuentro
  3. ¿Qué llevar al picnic?
  4. Precio
  5. Reserva de la excursión
  6. Grupo de Whatsapp
  7. ¿Cómo hacer las reservas y pagos a Happening Madrid de cada una de las experiencias?
  8. ¿Qué es Happening Madrid?
  9. ¿Cómo apuntarte a nuestras experiencias? Los enlaces

La excursión que nos lleva desde el centro de Madrid (Puente del Rey) hasta El Pardo es una auténtica delicia que no te debes de perder al llegar el otoño. Con un recorrido sorprendente y cargado de historia. Una excursión fotográfica que te permitirá conocer lugares que ni te imaginas.

Además en este sábado de la primavera 2026 tendremos una temperatura excelente para disfrutar de la Ribera del Manzanares

La excursión desde el corazón de Madrid hasta El Pardo

La excursión que haremos nos llevará desde el mismo corazón de Madrid frente al Palacio Real y al Puente del Rey hasta la Plaza del Pardo siguiendo la ribera del Manzanares. Es una excursión de 14,5 kms que haremos yendo despacio y disfrutando del paisaje en unas 4 horas.

La excursión tiene 4 partes bien diferenciadas:

  • La primera parte pertenece a Madrid Rio tiene 2,35 kms y es el trayecto que nos lleva desde el Puente del Rey hasta el Puente de los Franceses
  • En la segunda parte seguiremos la pista peatonal del Anillo Verde Ciclista hasta el Puente de San Fernando (3,35 kms)
  • En la tercera parte seguimos la denominada Senda Fluvial del Manzanares entre Puerta de Hierro y Somontes pasando por lo que fue el Parque Sindical y la Playa de Madrid. La longitud de este tramos es de (4,25kms)
  • En la última parte hacemos el recorrido junto a la ribera del Manzanares del Corredor Ambiental de la Cuenca Media del Rio Manzanares entre Somontes y El Pardo con 4,55Kms de longitud.

DO 0+000 Café del Río – D0 0+240 Puente del Rey – DO 1+030 Puente de Isabel II – DO 2+350 Puente de los Franceses – DO 5+700 Puente de San Fernando – DO 9+750 El Carpio de  omontes –  DO 11+050 Puente del FFCC – DO 14+300 Plaza de El Pardo

Ruta en wikiloc

Esta es la ruta que haremos

https://es.wikiloc.com/rutas-senderismo/del-puente-del-rey-a-el-pardo-por-la-ribera-del-manzanares-121214659

Planning de la excursión y punto de encuentro

El punto de encuentro será a las 10:30h en el Café del Río (Avda. de Portugal, 1)

10:30h a 11:00h Desayuno en el Café del Río (Avenida de Portugal, 1)

11:00h a 11:40h Trayecto hasta el Puente de los Franceses por Madrid Río ( parada de 5’ en la Presa Nº 3 del Río Manzanares)

11:40h a 12:45 Trayecto hasta el Puente de los Franceses el Puente de San Fernando (3,35kms)

12:45h a 13:45h Del Puente de San Fernando a Somontes (parada de 10’ en la Playa de Madrid)

13:45h a 15:00h Del Carpio de Somontes a la Plaza de El Pardo

15:00h a 16:30h Comemos en El Pardo de PicNic en la Ribera del Rio. Luego tomaremos café en alguno de los restaurantes de la plaza.

16:30h a 17:00h Regreso a Moncloa en la línea 164. Tarda 15’ en llegar a Moncloa.

¿Qué llevar al picnic?

  • Esterilla para tumbarse
  • Mantel
  • Platos, vasos y cubiertos de plástico
  • Servilletas de papel
  • Protector Solar
  • Repelente de Insectos
  • Comida y bebida adecuada para picnic
  • Juegos. Cartas. Pelota.
Couple having a picnic on a blanket in a forest meadow with bicycles and picnic basket

Precio

El precio de la excursión es de 7€. Gratis para socios de Happening Madrid. Recuerda que puedes hacer socio de Happening Madrid por 50€ al año.

Reserva de la excursión

Se reserva por whatsapp en este enlace https://wa.me/+34640743115
El pago se hacer por bizum al 640743115

Grupo de Whatsapp

Este es el grupo de whatsapp para la excursión que nos permitirá estar todos localizados durante el evento y compartir información.

https://chat.whatsapp.com/InUv9imdcRb83rusE0B1Eo

¿Cómo hacer las reservas y pagos a Happening Madrid de cada una de las experiencias?

¿Qué es Happening Madrid?

¿Cómo apuntarte a nuestras experiencias? Los enlaces

Llegada de la primavera 2026: baile, aniversario de Happening Madrid y mi cumpleaños

  1. Viernes 22:30h Happening Soul Train Underground Party – Hello Spring Edition
  2. Sábado11:30h: vermú electrónico en El Club Matadero con John Talabot
  3. Sábado 21:00h: ¡Hello Spring Party! en Big Tree Books – Mi fiesta de cumpleaños
  4. Madrugada del sábado al domingo 01:00h Noche Superlover Club en Tempo
  5. Domingo 11:30h Vermú electrónico en El Club Matadero con Rachael
  6. Domingo 19:00h: salsa brava y homenaje a Ray Barretto en Tempo
  7. Cómo apuntarte y colaborar con Happening Madrid
  8. ¿Cómo hacer las reservas y pagos a Happening Madrid de cada una de las experiencias?
  9. ¿Qué es Happening Madrid?
  10. ¿Cómo apuntarse a los eventos Happening? Los enlaces

El viernes 20 de marzo de 2026, a las 15:46, llega oficialmente la primavera a Madrid. Y en Happening Madrid hemos decidido celebrarlo como mejor sabemos: con un fin de semana entero dedicado al baile en todas sus formas, enlazando planes desde el viernes por la noche hasta el domingo, y aprovechando para celebrar también el aniversario de Happening Madrid y mi propia fiesta de cumpleaños.

La idea es sencilla: varios eventos pensados para que puedas apuntarte solo a uno, combinar algunos o lanzarte a la maratón completa. Funk, soul, disco, house, electrónica maratoniana, salsa brava y una gran fiesta de cumpleaños en un sótano‑librería del barrio de Embajadores. Un finde para quienes aman la música, el baile y la ciudad.

¡Una tremenda bienvenida al primer fin de semana de la primavera 2026!

Viernes 22:30h Happening Soul Train Underground Party – Hello Spring Edition

https://www.meetup.com/happening-gp/events/313729241/

Abrimos la puerta del fin de semana con una fiesta en la que la pista manda y el espíritu es 100% retro. Happening Soul Train Underground Party – Hello Spring Edition es nuestra forma de convertir Madrid en un episodio de Soul Train: funk y disco 70–80s a todo trapo, con alma analógica y actitud de pista de baile infinita.

No es “una fiesta más”. Es una explosión de energía funky: blaxplo, P‑Funk, B‑Funk, funky disco, 90s, house, neo soul… mezclados para que no te bajes del tren en toda la noche. DJs, Soul Train Line, bailarines, ambientazo y dress code disco para que saques tu mejor outfit brillante del armario. La imagen mental es clara: sentirte por unas horas como si estuvieras con Nile Rodgers en el Studio 54 del 78.

La entrada es libre y gratuita, con reservas por WhatsApp y toda la información en el grupo de Meetup de Happening Madrid. La idea es llegar con fuerzas suficientes… porque el fin de semana no ha hecho más que empezar.

Sábado11:30h: vermú electrónico en El Club Matadero con John Talabot

https://www.meetup.com/happening-gp/events/313806609/

El sábado 21 por la mañana nos vamos de vermú electrónico a Matadero Madrid. El plan: “Mañana de electrónica en El Club Matadero con John Talabot”, cinco horas de viaje musical gratuito en el Café Naves, con sesión de 12:00 a 17:00 h.

Quedamos a las 11:30 h en la puerta principal de Matadero, debajo del depósito (junto al letrero, frente a Plaza de Legazpi), para entrar con algo de margen. A las 11:45 h estaremos ya en la puerta del Café Naves, listos para disfrutar de este formato maratoniano de El Club Matadero, que reivindica la música de baile –house, techno, disco– como música de resistencia, disidencia y disfrute.

John Talabot, DJ y productor barcelonés de referencia internacional, ofrece un set en el que recorre la historia de la música disco pasada por su característico filtro sintético. Cinco horas para dejarse llevar, escuchar, bailar, entrar y salir del espacio, y vivir esa manera tan particular que tiene Matadero de entender la cultura de club.

Después del set, quien quiera podrá sumarse a cañas y tardeo por Legazpi, Embajadores o Lavapiés antes de la gran fiesta de la noche. El meetup tiene un precio de 5 € (gratis para socios de Happening), con reserva por WhatsApp, inscripción en Meetup y posibilidad de hacerse socio anual.

Sábado 21:00h: ¡Hello Spring Party! en Big Tree Books – Mi fiesta de cumpleaños

Apuntarse en Meetup

La tarde noche del sábado 21 llega el plato fuerte emocional del fin de semana: la ¡Hello Spring Party! en Big Tree Books, que es a la vez fiesta de bienvenida a la primavera, celebración del aniversario de Happening Madrid y mi fiesta de cumpleaños.

La cita es desde las 21:00 h en el sótano de Big Tree Books, en pleno barrio de Embajadores, junto al Rastro. Es un espacio pequeño, mágico y muy especial: una librería‑sótano que se transforma en club íntimo, perfecto para un encuentro de comunidad, baile y celebración sin grandilocuencias pero con mucha verdad.

Tendremos Happening DJ Sessions que recorrerá la música de baile desde los años 60 hasta la actualidad: soul, funk, disco, pop, rock, latin, electrónica… todo aquello que ha hecho mover cuerpos y que forma parte de la banda sonora compartida de quienes hemos ido creciendo con la música como hilo de vida. La idea es estar allí durante horas, bailando, charlando, brindando, soplando velas simbólicas y celebrando lo que hemos construido con Happening Madrid.

Y también tendremos una gran sesión de karaoke par que no te vayas sin cantar tus temas favoritos.

Hay formulario para concurso y reservas, además de la mecánica habitual de plazas y aportaciones a través de los canales de Happening Madrid.

Reserva para la fiesta de cumpleaños

Madrugada del sábado al domingo 01:00h Noche Superlover Club en Tempo

https://www.meetup.com/happening-gp/events/313807071/

La madrugada del sábado al domingo nos lleva a Tempo Audiophile Club con la “Noche Superlover Club: funk, disco y house en Tempo”.

La sesión arranca a las 23:59 h en la Sala Disco y se alarga hasta el cierre. El punto de encuentro para el grupo de Happening será a partir de la 1:00 h directamente en la Sala Disco de Tempo (C/ Duque de Osuna, 8). La banda sonora: un viaje entre funk, disco y house, con un enfoque muy centrado en el groove.

Superlover Club conecta la tradición disco y el house clásico con influencias del french touch y el filter house, construyendo una noche que va subiendo en intensidad poco a poco. Es una sesión hecha para la pista: mezclas cuidadas, sonido potente y ese punto de elegancia clubber que hace que el tiempo pase sin darte cuenta. Perfecta para seguir celebrando la primavera de madrugada.

La entrada se hace mediante lista reservada en Tempo. Hay que apuntarse en whatsapp del 640743115. y el meetup funciona por aportación voluntaria (gratis para socios), con reserva por WhatsApp e inscripción en el evento de Happening.

Domingo 11:30h Vermú electrónico en El Club Matadero con Rachael

https://www.meetup.com/happening-gp/events/313806675/

El domingo 22 volvemos a Matadero para cerrar el ciclo electrónico del fin de semana con “Mañana de electrónica en El Club Matadero con Rachael”, de nuevo una sesión de 12:00 a 17:00 h en el Café Naves.

Repetimos dinámica: quedamos a las 11:30 h en la puerta principal de Matadero, debajo del depósito, y a las 11:45 h estamos ya en el acceso al Café Naves para entrar con tiempo, porque la entrada es gratuita hasta completar aforo.

Rachael es una DJ residente en Madrid que parte del electro, el techno y el hardcore continuum, pero que ha ido expandiendo su sonido explorando múltiples formas de música de club. Sus sesiones, centradas en el vinilo, son seguras, sin adornos, muy dinámicas y con una enorme capacidad de adaptarse a la pista: a veces abren territorios inesperados y otras veces profundizan en un mismo clima durante largo rato, construyendo atmósferas progresivas.

Tiene más de treinta sets publicados, apariciones en series y programas de referencia como Mix of the Day de Resident Advisor y Peking Spring en NTS Radio, y es habitual de festivales y salas como Soundit, Mostra, Volumens, Perpendicular, Razzmatazz, Laut, Dabadaba, Jimmy Jazz, Upload, Villanos, Siroco o Cosmos, además de ciclos como Human, Dialektik, Golpe de Amistad, Canino, Onyro o Tombolo. Es una forma perfecta de seguir celebrando la primavera, con otra maratón electrónica diurna que se puede rematar con cañas y tardeo por Legazpi – Madrid Río.

El meetup vuelve a tener un precio de 5 € (gratis socios), con reservas y pagos por los canales habituales.

Domingo 19:00h: salsa brava y homenaje a Ray Barretto en Tempo

https://www.meetup.com/happening-gp/events/313806954/

Y para rematar el fin de semana con sabor latino, el domingo por la tarde nos vamos de salsa brava con “Noche de salsa brava: homenaje a Ray Barretto en Tempo Club”.

El punto de encuentro es a las 18:45 h en la puerta de Tempo Audiophile Club (C/ Duque de Osuna, 8). A las 19:00 h arranca un taller de salsa de unos 30 minutos, ideal tanto si ya bailas como si solo quieres aprender algunos pasos básicos antes de lanzarte a la pista. Después, entre las 19:30 y las 21:00 h aproximadamente, la orquesta Zambura Salsa ofrece un concierto homenaje a Ray Barretto, uno de los grandes nombres de la salsa y el latin jazz, repasando clásicos y otros himnos salseros en formato salsa brava.

A partir de las 21:00 h la fiesta continúa con los DJs salseros Rico Saoco y Sandunguera, para que quien quiera se quede bailando, socializando y disfrutando de la noche. Cada persona gestiona su entrada al concierto a través del enlace oficial de Tempo, mientras que la aportación al meetup es voluntaria (gratis socios), con la mecánica habitual de reservas y pagos de Happening Madrid.

Cada cual ha de adquirir su entrada al concierto en este enlace

https://tempoclub.es/evento/homenaje-a-ray-barretto-el-rey-de-las-manos-duras

Cómo apuntarte y colaborar con Happening Madrid

En todos los casos, para asistir con el grupo de Happening Madrid es necesario:

  • Hacer reserva vía WhatsApp al 640 743 115.
  • Apuntarse al evento correspondiente en el grupo de Meetup de Happening Madrid. https://www.meetup.com/happening-gp/events/
  • Realizar, cuando proceda, la aportación indicada (5 €, voluntaria, etc.).

Las aportaciones se pueden hacer por:

Si te apetece apoyar el proyecto de forma más continuada, puedes hacerte socio de Happening Madrid por 50 € al año. La mayoría de los planes te saldrán gratuitos y tendrás descuentos en muchos conciertos y actividades. La cuota de socio se paga también por Bizum o PayPal.

¿Cómo hacer las reservas y pagos a Happening Madrid de cada una de las experiencias?

INFORMACIÓN Y RESERVAS

En todos los casos además para asistir al meetup con nosotros hay que hacer reserva vía whatsapp al número de teléfono 640.743.115 ([https://wa.me/+34640743115](https://wa.me/+34640743115)), apuntarse al evento en el grupo de meetup Happening Madrid ([https://www.meetup.com/es-ES/happening-gp/](https://www.meetup.com/es-ES/happening-gp/))
Los pagos se realizan por: Bizum al nº de teléfono 654805437
Paypal [angel.chamorro.marin@gmail.com](http://mailto:angel.chamorro.marin@gmail.com/)
Te puedes hacer socio de Happening Madrid pagando una anualidad de 50€ en las formas de pago establecidas en los párrafos anteriores.

¿Qué es Happening Madrid?

¿Cómo apuntarse a los eventos Happening? Los enlaces

Cine debate con Aterriza como Puedas. El Humor y lo Correcto ¿Nos podemos reír de todo?

Entradas al cine debate / Plan de Meetup

  1. Acerca de “Aterriza como puedas”
    1. El género spoof, Zero Hours! y las películas de catastrofes de los 70s
    2. Los gags más políticamente incorrectos de Airplane
      1. El interrogatorio al niño en la cabina
      2. La niña del café: “Lo tomo negro… como a mis hombres”
      3. La escena del “jive” subtitulado
      4. El chiste del aborto
      5. Otto, el piloto automático hinchable
      6. Conclusión sobre los gags
  2. Los temas del coloquio
    1. El humor “incorrecto”: ¿transgresión o pereza?
    2. El deadpan como arma: actores serios diciendo barbaridades
    3. Traducción y doblaje: el chiste que muta
  3. Otras cuestiones acerca de la película
    1. Los actores principales
    2. ¿Cuándo se estrenó la película?
    3. Premios y reconocimientos
    4. La música de la película
  4. Punto de encuentro y planning de la velada
  5. ¿Cómo será el coloquio?
  6. ¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas
  7. ¿Cómo hacer las reservas y pagos a Happening Madrid de cada una de las experiencias?
  8. ¿Qué es Happening Madrid?
  9. ¿Cómo apuntarte a nuestras experiencias? Los enlaces

Este martes, en nuestro Cine Debate “Un Conejo con Ojo” despegamos en el vuelo 209 rumbo al humor más turbulento con Aterriza como puedas (Airplane!, 1980), clásico que revolucionó la comedia y redefinió el género del spoof. Obra de culto y espejo provocador de su tiempo, esta sátira delirante nos servirá de punto de partida para reflexionar —desde 2026— sobre los límites del humor, lo políticamente correcto y cómo ha envejecido la comedia vez hizo temblar los cimientos del humor americano de la época.

Un conejo con ojo es un cine debate organizado por Big Tree Books y Happening Madrid para las tardes de los martes, desde el corazón más castizo de Madrid. Unas veladas para disfrutar del cine y, sobre todo, para pensarlo en voz alta, discutir, disentir y compartir ideas alrededor de una pantalla compartida.

Acerca de “Aterriza como puedas”

En Aterriza como puedas (Airplane!, 1980) el trío ZAZ –Jim Abrahams y los hermanos David y Jerry Zucker– construye una comedia hilarante a partir del molde más serio posible: el cine de catástrofes aéreas de los 70. La película parasita deliberadamente el esqueleto narrativo de Zero Hour! (1957), reutiliza situaciones y diálogos, y los distorsiona lo justo para empujarlos al territorio del absurdo, del chiste visual, del doble sentido y del gag recurrente.

El resultado es una metralleta de humor: 87 minutos de chistes encadenados, juegos de lenguaje, puns, running jokes y apariciones imposibles, donde prácticamente todo puede convertirse en remate, desde un anuncio de aeropuerto hasta un plano de cabina. En su tiempo, fue uno de los éxitos más inesperados del inicio de los 80: costó relativamente poco, arrasó en taquilla, obtuvo nominaciones al Globo de Oro como mejor comedia o musical, al BAFTA por su guion y ganó el premio del Sindicato de Guionistas al mejor guion adaptado de comedia.

Junto con las películas de los Monty Python, la cinta fijó las coordenadas del humor absurdo moderno, apoyándose en la tradición anárquica de títulos como Sopa de ganso, que ya había demostrado que los géneros más solemnes podían convertirse en campo de minas cómico. Aterriza como puedas se ríe de la cotidianidad –un café, un manual de vuelo, una conversación trivial– y la empuja hasta convertirla en caricatura, en un universo donde lo “normal” es precisamente lo primero que salta por los aires.

Sinopsis de “Aterriza como puedas”

El vuelo 209 de la Trans American despega de Los Ángeles con destino a Chicago. Entre los pasajeros viajan misioneros, ancianos, niños, un jugador de baloncesto famoso, una pareja en crisis y un ex piloto de combate con miedo a volar, Ted Striker, que intenta reconquistar a su ex, la azafata Elaine Dickinson.[8][1]

Tras una intoxicación alimentaria, la tripulación cae indispuesta y el avión se queda prácticamente sin nadie capaz de tomar los mandos. Ted, traumatizado por su pasado en combate, es el único que puede intentar aterrizar la nave con la ayuda de Elaine, del controlador McCroskey desde tierra y de un doctor de gesto inmutable, el inolvidable Dr. Rumack. Sobre esta premisa absolutamente seria, la película construye una orgía de situaciones imposibles, chistes físicos, diálogos delirantes y una galería de personajes que van del patetismo al surrealismo sin pedir perdón.

Enlaces de “Aterriza como puedas”

Ficha

https://www.filmaffinity.com/es/film445878.html

Tráiler

El género spoof, Zero Hours! y las películas de catastrofes de los 70s

El género spoof es la vertiente más extrema de la parodia cinematográfica: toma tramas, personajes y clichés de películas reconocibles y los reproduce casi al calco para deformarlos con humor absurdo, chistes a bocajarro y una acumulación de gags que desactiva la seriedad del original. En el caso de Aterriza como puedas (Airplane!, 1980), el molde argumental viene prácticamente entero de Zero Hour! (1957), un drama aéreo en el que la intoxicación alimentaria de pasajeros y tripulación obliga a un piloto traumatizado por la guerra a volver a tomar los mandos, hasta el punto de que muchos diálogos y escenas se repiten casi palabra por palabra, solo que cambiando la interpretación grave por un tono completamente disparatado. Sobre esa base, la película funciona también como burla del cine de catástrofes de los 70, especialmente de la saga Aeropuerto (desde Airport, 1970, y sus secuelas como Aeropuerto 75), que fijó el modelo del reparto coral, el accidente inminente y el suspense en cabina y torre de control; Aterriza como puedas mantiene todos esos elementos de melodrama aéreo, pero los convierte en una sucesión frenética de chistes que dinamitan, con cariño y crueldad a la vez, los códigos solemnes del género.

Los gags más políticamente incorrectos de Airplane

Ver hoy Aterriza como puedas es entrar en una zona de turbulencias morales donde el humor “incorrecto” deja de ser etiqueta cool y se convierte en campo de análisis. No todo lo que incomoda es valiente, ni todo lo que ha envejecido mal fue alguna vez brillante: algunos chistes apuntan al género y a sus solemnidades; otros, directamente, se apoyan en estereotipos que hoy leemos con mucha menos paciencia.

El interrogatorio al niño en la cabina

Qué es: Joey, un niño, entra en la cabina y el copiloto entabla con él una conversación en apariencia amable que rápidamente deriva en una serie de preguntas llenas de insinuaciones sexuales: sobre “hombres desnudos”, “vestuarios”, “gladiadores” o “prisiones turcas”. La comicidad se construye a partir de la incomodidad y del equívoco: un adulto diciendo lo indecible con sonrisa cordial.

Por qué hoy chirría: en 1980 se podía leer como humor incómodo y algo gamberro; en 2026, el subtexto es imposible de esquivar. Lo que escuchamos roza el acoso verbal a un menor, envuelto en la coartada del chascarrillo veloz. El gag nos obliga a ver cómo la sexualización infantil se usaba como combustible cómico sin apenas filtro.

Qué revela de la época: cierta tolerancia a usar lo sexual como broma universal, incluso cuando el encuadre ético es turbio. La infancia se convierte en disfraz para contenidos adultos: si lo dice un niño, se relativiza el impacto.

La niña del café: “Lo tomo negro… como a mis hombres”

Qué es: en la cabina de pasajeros, una niña recibe una taza de café y responde, con aplomo adulto, que lo toma negro “como a mis hombres”. La escena dura un suspiro, el avión sigue su curso y el gag se pierde entre otras veinte bromas.

Por qué hoy chirría: el chiste opera en dos frentes. Por un lado, sexualiza a una menor, cuya gracia reside en hablar como si fuera una mujer experimentada en clave de seducción. Por otro, utiliza la raza como ingrediente rápido, no para pensar el racismo sino para explotarlo como guiño picante de sobremesa.

Qué revela de la época: esa confianza casi ciega en que “si lo dice un niño es gracioso”, aunque el contenido sea impropio, y en que los marcadores raciales pueden usarse como recurso cómico sin grandes consecuencias.

La escena del “jive” subtitulado

Qué es: dos pasajeros negros conversan en “jive”, una jerga asociada a una comunidad concreta, mientras los personajes blancos no entienden nada; entra en escena una señora blanca que asegura “hablar jive” y el diálogo se “traduce” mediante subtítulos blanquísimos, de tono casi sitcom de los 50.

Por qué hoy chirría: el gag convierte una forma de habla en pantomima, en lengua “exótica” cuya mera existencia se vuelve chiste. El dispositivo cómico funciona desde una mirada que trata ese lenguaje como raro, ininteligible, útil solo como detonante de risa. En términos contemporáneos, roza la apropiación y el estereotipo.

Matiz importante: hay lecturas que sostienen que la broma apunta a la torpeza del mainstream blanco más que al habla negra, subrayando que quienes quedan en evidencia son los que no entienden nada. Esa defensa existe, pero no anula el hecho de que el efecto cómico dependa de una caricatura.

El chiste del aborto

Qué es: en medio del caos general, aparece un gag en torno al aborto mencionado como alternativa “sensata” en un cruce de diálogos: el tema entra, golpea como remate y desaparece sin desarrollo ni contexto. El procedimiento es claro: se toma un asunto inflamable y se utiliza como punchline de shock.

Por qué hoy chirría: los debates sobre derechos reproductivos, coerción, trauma y autonomía corporal han ganado visibilidad y densidad en estas décadas. En ese marco, la broma se percibe como una banalización de un conflicto íntimo y político que difícilmente cabe en una frase lanzada al vuelo.

Qué revela de la época: una cultura del “todo vale” en buena parte de la comedia mainstream, en la que lo tabú se usa como chispa antes que como materia de reflexión.

Otto, el piloto automático hinchable

Qué es: el piloto automático del avión resulta ser un muñeco hinchable, Otto, que se activa inflándolo; la película explota la idea con humor físico y una batería de insinuaciones sexuales, incluyendo toqueteos y gag final con la “pareja” de Otto.

Por qué hoy chirría: el muñeco convierte literalmente el cuerpo en objeto, y la aparición de su compañera refuerza la mirada de una sexualidad de gag rápido, muy masculina, donde la dignidad y el consentimiento desaparecen tras la coartada de que “solo es un hinchable”. Precisamente por eso muchos de estos chistes se leen hoy como producto de su tiempo, fósiles de una manera de entender el deseo y el cuerpo que ha quedado en evidencia.

Conclusión sobre los gags

Estos ejemplos que hemos señalado muestran cómo Aterriza como puedas funciona hoy también  como documento histórico además de simple comedia. La película revela una época en la que la risa mainstream se construía sin apenas freno a partir de cuerpos, razas, infancia y sexualidad, usando lo tabú como combustible rápido sin preguntarse demasiado por el coste simbólico. Los gags del niño en la cabina o de la niña del café exhiben una naturalización de la sexualización infantil; la escena del “jive” se apoya en una mirada blanca que convierte una forma de habla negra en objeto de exotización; el chiste del aborto reduce un conflicto político y emocional complejo a un fogonazo de shock; y Otto condensa una visión profundamente objetualizadora del cuerpo y del deseo. Nada de esto “anula” la potencia cómica, ni borra su importancia en la historia del spoof, pero sí obliga a desplazar la pregunta: ya no es solo “¿de qué nos reímos?”, sino “¿a costa de quién?” y “qué parte de esa risa dependía de estructuras de poder y cegueras culturales que hoy vemos con mucha más nitidez”.

La película, con el transcurso de los años, se ha convertido en una privilegiada herramienta para pensar en los límites del humor. Nos habla de quien tenía derecho a bromear, sobre qué y quién quedaba en el lado del golpe.

Los temas del coloquio

Podemos considerar que el tema central sobre el que nos habla Aterriza como puedas es la naturaleza del humor absurdo y del spoof: cómo se puede dinamitar un género entero desde dentro, manteniendo intactos sus códigos visuales y narrativos mientras se desarma su solemnidad a golpe de gag. A partir de ahí, se abren varias líneas de conversación: el humor “incorrecto”, el deadpan (“chistes con cara de poker”) como arma cómica, el papel del doblaje y la traducción, y la herencia de esta película en el cine de comedia posterior.

El humor “incorrecto”: ¿transgresión o pereza?

Cuando se dice que Aterriza como puedas es “poco políticamente correcta”, conviene afinarlo un poco más. Hay chistes que apuntan a estructuras de poder y a la rigidez de los géneros –se ríen del cine de catástrofes, de la masculinidad heroica, de la épica de manual– y otros que se sostienen en estereotipos raciales, sexuales o de género que hoy resultan, como mínimo, incómodos. No todo lo que ofende es valiente, ni todo lo que envejece mal era genial.

¿Qué gags te parecen “intocables” por su ingeniería cómica, y cuáles te sacan de la película por su enfoque?
¿Hasta qué punto el contexto histórico explica un chiste… y hasta qué punto solo lo excusa?
¿La corrección política limita el humor o lo obliga a ser más inteligente?

El deadpan como arma: actores serios diciendo barbaridades

Uno de los grandes hallazgos del film es su reparto: rostros asociados a registros serios –Leslie Nielsen, Robert Stack, Lloyd Bridges, Peter Graves– diciendo barbaridades con la solemnidad de un parte de guerra. El humor nace de la colisión entre lo que se dice y cómo se dice: la película imita la textura dramática del cine de desastres, pero vacía de gravedad sus diálogos.

¿Por qué funciona mejor el chiste cuando el actor lo hace desde la seriedad en vez de la simpatía?
¿Qué diferencia hay entre humor absurdo y humor tonto?
¿Hasta qué punto el deadpan ha influido en comedias posteriores que imitan esta seriedad desquiciada?

Traducción y doblaje: el chiste que muta

En una comedia tan dependiente del juego verbal, el doblaje y la traducción se convierten en campo de minas: hay bromas intraducibles, juegos de palabras que se reinventan y referencias culturales que viajan mal. El doblaje español de Aterriza como puedas, muy querido por parte del público, casi configura una película paralela, con sus propias ocurrencias y modulaciones.

¿Qué chistes sobreviven mejor: los visuales o los verbales?
¿Hay momentos en los que el doblaje español “mejora” el chiste original, o simplemente crea otros nuevos?
¿Crees que en una película como esta es preferible verla en VOSE o en doblaje, y por qué?

Otras cuestiones acerca de la película

Los actores principales

  • Robert Hays como Ted Striker, ex piloto de combate con trauma y miedo a volar, convocado de nuevo al mando en la peor situación posible.[11][1]
  • Julie Hagerty como Elaine Dickinson, azafata y ex pareja de Ted, decidida a salvar el vuelo mientras lidia con la neurosis de su antiguo amor.[13][11]
  • Leslie Nielsen como el Dr. Rumack, médico de gesto imperturbable cuya seriedad absoluta se convierte en uno de los motores cómicos de la película.[2][11]
  • Reparto coral que incluye, entre otros, a Kareem Abdul-Jabbar, Lloyd Bridges, Peter Graves, Robert Stack y Barbara Billingsley, todos ellos puestos al servicio del disparate con una entrega demoledora.[13][1]

¿Cuándo se estrenó la película?

La película se estrenó en 1980, en plena fiebre por el cine de catástrofes y con el recuerdo fresco de la saga Airport, que había marcado la década anterior. Aquello que parecía un producto menor y gamberro acabó entrando en listas de “mejores comedias de la historia” y, con el tiempo, fue seleccionada para preservación en el National Film Registry de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos por su relevancia cultural y estética.

Premios y reconocimientos

Aterriza como puedas fue reconocida por la industria y por la crítica:

  • Nominación al Globo de Oro a la mejor película (Comedia o musical).
  • Nominación al BAFTA al mejor guion.
  • Premio del Sindicato de Guionistas de América (WGA) al mejor guion adaptado de comedia.
  • Inclusión en el National Film Registry en 2010, como obra de especial importancia histórica.

La música de la película

La banda sonora corre a cargo de Elmer Bernstein, compositor asociado habitualmente a dramas y películas serias, que aquí decide tomarse la comedia completamente en serio. Su partitura suena como si estuviera acompañando un drama aeronáutico respetable: fanfarrias, tensión, clímax orquestales, todo al servicio de una historia que, en realidad, se dedica a dinamitar el género.[2]

Esa seriedad musical amplifica el absurdo: cuanto más épica suena la orquesta, más claro queda que lo que vemos es un avión lleno de gags, un desastre que no deja de ser un parque temático del disparate.

Punto de encuentro y planning de la velada

El punto de encuentro será en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) el próximo martes a las 19:30h.

Las veladas se dividirán en tres partes. La primera media hora la dedicaremos a tomar algo, a presentar la película y a conocernos. Después a las 20:00h tendremos la proyección. Todas las proyecciones se realizan en VOSE. Para finalizar tendremos un coloquio que durará hasta las 23:00h.

¿Cómo será el coloquio?

Los encuentros son participativos y queremos conocer vuestra opinión para que se pueda generar un debate abierto y constructivo. No es necesario conocimiento de cine para participar y es más, huimos del conversador pedante ya que para ellos tenemos a la wikipedia. ¡Queremos que cada martes seamos capaces de generar algo fantástico y diferente!. ¡Queremos saber lo que sientes y que seas capaz de contarlo!

A partir del tema de discusión y de lo visto en la película, las historias personales son bienvenidas y además, son una buena forma de dar a conocer lo que pensamos y lo que sentimos. ¡Nuestro deseo es que participes y seas activo!

Cine y el debate siempre van de la mano, y por eso queremos que te hagas fan de nuestro conejo blanco con un solo ojo.

¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas

El coste de inscripción a la sesión de debate y coloquio es de 5€

Reservar por whatsapp en cualquiera de estos números

Ángel (https://wa.me/+34640743115)

María (https://wa.me/+3463063998)

Las plazas son muy limitadas

¿Cómo hacer las reservas y pagos a Happening Madrid de cada una de las experiencias?

¿Qué es Happening Madrid?

¿Cómo apuntarte a nuestras experiencias? Los enlaces

Cine Debate con (500) Days of Summer. Expectativas y realidad en el amor romántico.

Entradas al cine debate / Plan de Meetup

  1. Acerca de (500) Days of Summer
    1. Sinopsis de (500) Days of Summer
    2. Los temas del coloquio
    3. Expectativas, idealización y narrador poco fiable
    4. Amor romántico, cine y cultura pop
    5. Duelo, aprendizaje y “final feliz”
    6. Otras cuestiones acerca de la película
      1. Director, guion y reparto
      2. ¿Cuándo se estrenó la película?
      3. Premios y recepción
      4. La música de la película
  2. Punto de encuentro y planning de la velada
  3. ¿Cómo será el coloquio?
  4. ¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas
  5. ¿Cómo hacer las reservas y pagos a Happening Madrid de cada una de las experiencias?
  6. ¿Qué es Happening Madrid?
  7. ¿Cómo apuntarte a nuestras experiencias? Los enlaces

Este próximo martes en nuestro cine debate “Un Conejo con Ojo” veremos la singular (500) Days of Summer, ópera prima del director estadounidense Marc Webb, en nuestro cine fórum semanal “Un conejo con ojo” en Big Tree Books. Esta película melancólica juega con el espectador y desmonta la típica comedia romántica colocándonos dentro de la cabeza de Tom, un joven que confunde el enamoramiento con el destino y el mito del alma gemela con la realidad compleja de las relaciones. A través de una narración no lineal vamos saltando adelante y atrás en los 500 días que dura su historia con Summer, viendo cómo sus expectativas chocan una y otra vez con lo que realmente ocurre.

(500) Days of Summer se estrenó en 2009 y está protagonizada por Joseph Gordon‑Levitt y Zooey Deschanel, quienes dan vida a Tom Hansen y Summer Finn con una química tan magnética como contradictoria. Desde entonces se ha convertido en una película de culto por su forma de hablar del amor, del desamor y de la necesidad de reconstruirse, con una banda sonora muy presente que homenajea a The Smiths y un uso muy creativo del montaje y la voz en off.

(500) Days of Summer no es una historia de amor, sino una historia sobre cómo miramos el amor, cómo lo idealizamos y cómo aprendemos (o no) de lo que nos ocurre.

Un conejo con ojo es un cine debate organizado por Big Tree Books y Happening Madrid para las tardes de los martes desde el corazón más castizo de Madrid. Unas veladas para disfrutar del cine y hacerlo pensando y dialogando. Hazte fan de nuestro conejo blanco con un solo ojo.

Acerca de (500) Days of Summer

En (500) Days of Summer (2009), el director Marc Webb construye un relato fragmentado y lleno de idas y venidas temporales a partir del recuerdo de Tom, un joven que trabaja escribiendo felicitaciones y que está convencido de que solo será feliz cuando encuentre al amor de su vida. La película arranca con una advertencia clara del narrador: “Ésta es una historia de chico conoce a chica, pero no es una historia de amor”, marcando desde el principio el juego con las expectativas del espectador.

La estructura no lineal nos permite ver la relación en distintos momentos, yuxtaponiendo días luminosos con días sombríos, lo que desmonta la ilusión romántica de Tom y nos hace tomar conciencia de sus proyecciones sobre Summer. Summer, por su parte, es una joven que dice abiertamente que no cree en el amor con mayúsculas ni en las etiquetas de pareja, pero aun así acepta embarcarse en una relación ambigua con él. Entre ambos se despliega un recorrido que mezcla humor, dolor, autoconocimiento y una mirada generacional muy ligada a la cultura pop, la música indie y la cinefilia.

Sinopsis de (500) Days of Summer

Tom Hansen es un arquitecto frustrado que trabaja escribiendo tarjetas de felicitación y que vive convencido de que el destino le tiene reservada a “la elegida”. Cuando llega a la oficina Summer Finn, la nueva asistente de su jefe, Tom siente que por fin ha encontrado esa señal que llevaba años esperando: comparten gustos musicales, sensibilidad y una forma aparentemente similar de entender el mundo.

La película nos muestra, a saltos, momentos de felicidad y de ruptura: citas, paseos, noches de karaoke, discusiones en un bar, silencios incómodos y, finalmente, la separación. Mientras Tom insiste en leer la relación como una gran historia romántica, Summer le recuerda desde el principio que no quiere “algo serio”, que no cree en los finales de cuento ni en las etiquetas. Tras la ruptura, Tom se hunde, revisa una y otra vez los recuerdos y, a través de ese proceso, empieza a cuestionar no solo lo que ocurrió con Summer, sino también su idea misma del amor y de sí mismo.

El film culmina con un giro irónico cuando Tom, ya encaminado hacia una vida más acorde con su vocación de arquitecto, conoce a otra chica… llamada Autumn, cerrando el círculo con un guiño entre lo esperanzador y lo ambiguo.

Los temas del coloquio

Podemos considerar que el tema central de (500) Days of Summer es el choque entre expectativa y realidad en las relaciones afectivas. La película muestra cómo Tom proyecta sobre Summer una fantasía de alma gemela, construida a partir de canciones, películas (“malinterpretación” de El graduado incluida) y clichés románticos, mientras ignora lo que ella le está diciendo de forma directa. Así, el film funciona casi como un espejo incómodo de la idealización: nos invita a preguntarnos cuánto de lo que vivimos tiene que ver con la otra persona y cuánto con nuestro propio guion interno.

Junto a este eje principal, la película explora otros temas: la diferencia de expectativas en una misma relación, el papel de la cultura pop en la construcción del amor romántico, la dificultad de aceptar un “no es para tanto” donde esperábamos un “para siempre” y el proceso de duelo y reconstrucción personal tras una ruptura. También propone una mirada interesante sobre la perspectiva: casi todo lo vemos desde la visión sesgada de Tom, lo que convierte a Summer en un personaje parcialmente inaccesible, leído desde sus deseos y frustraciones.

Como preguntas generales que nos podemos hacer después de ver la película, te propongo:

  • ¿Cómo ves la relación entre Tom y Summer? ¿Crees que alguna vez están realmente en la misma página o siempre están en historias distintas dentro de la misma relación?
  • El narrador insiste en que “no es una historia de amor”. ¿Estás de acuerdo o te parece que sí lo es, pero de otro tipo (amor propio, amor maduro, etc.)?
  • La secuencia de “expectativas vs. realidad” en la fiesta es uno de los momentos clave de la película. ¿Qué te hizo sentir? ¿Te has visto alguna vez en una situación parecida?
  • ¿Consideras que Tom es un romántico “inocente” o ves también comportamientos tóxicos en su manera de aferrarse a una historia que ya no existe?
  • ¿Te parece que la película “culpa” a Summer o, por el contrario, intenta desmontar la figura de la chica idealizada y devolverle su complejidad?

Expectativas, idealización y narrador poco fiable

Uno de los puntos más interesantes del film es cómo usa el montaje, la voz en off y la estructura de los 500 días para mostrarnos un narrador poco fiable: casi todo lo que vemos está filtrado por la memoria de Tom. Eso nos lleva a preguntarnos hasta qué punto estamos ante “lo que pasó” o ante “lo que él recuerda/cree que pasó”. Las mismas escenas pueden verse primero como momentos mágicos y, al revisarlas más tarde, como señales de que algo no iba bien (gestos de desinterés, silencios, cambios de tono).

Preguntas posibles para el debate:

  • ¿En qué escenas notas más claramente que la película está contada desde el punto de vista de Tom y no de forma “objetiva”?[4]
  • Si la historia estuviera narrada desde el punto de vista de Summer, ¿cómo crees que cambiaría? ¿La veríamos como más coherente y menos “cruel”?[7][6]
  • ¿Qué te sugiere la decisión de jugar con la cronología (ir y venir entre días felices y tristes) en tu manera de empatizar con los personajes?

Amor romántico, cine y cultura pop

(500) Days of Summer dialoga continuamente con otras películas, con canciones y con el imaginario de las comedias románticas clásicas. Tom ha construido su visión del amor a partir de esas referencias, lo que le lleva a leer su historia como un guion predestinado en lugar de como una relación concreta, con sus límites y contradicciones.

Más preguntas para el coloquio:

  • ¿Qué papel crees que juegan la música y las citas cinéfilas en la construcción de la relación de Tom y Summer? ¿Refuerzan el vínculo o lo distorsionan?
  • La película critica, en cierto modo, las comedias románticas… pero utiliza muchos de sus recursos formales (montajes musicales, voz en off, humor, finales “cerrados”). ¿Te parece coherente esta paradoja?
  • ¿Hasta qué punto la cultura pop influye en cómo esperamos que sea una relación? ¿Te reconoces en ese tipo de influencias?

Duelo, aprendizaje y “final feliz”

El tramo final de la película se centra más en Tom después de Summer: su crisis, su caída a lo más hondo y su decisión de reenfocar su vida hacia la arquitectura y hacia una manera más realista de entender el amor. El encuentro posterior con Summer, ya casada, sirve como espejo de todo el recorrido: lo que para él fue una historia destinada a durar para siempre, para ella fue una relación importante pero situada en un momento concreto de su vida.

Algunas preguntas posibles:

  • ¿Crees que Tom realmente aprende algo de lo que le ocurre o simplemente se consuela con la aparición de Autumn?
  • ¿Ves el final como optimista, cínico o irónico? ¿Qué te sugiere ese juego de nombres “Summer/Autumn”?
  • ¿Sientes que la película invita a revisar nuestras ideas sobre el “final feliz” o se queda en una variación ingeniosa de la fórmula romántica?

Otras cuestiones acerca de la película

Director, guion y reparto

  • Director: Marc Webb, en su debut en el largometraje, después de una carrera previa ligada al videoclip, algo que se nota en el ritmo, el uso de la música y ciertos recursos visuales.
  • Guion: Scott Neustadter y Michael H. Weber, que construyen una estructura en 500 días no cronológicos, jugando con la reiteración y el contraste.
  • Tom Hansen: Joseph Gordon‑Levitt, que encarna a un protagonista vulnerable, idealista y, a veces, ciego ante la realidad que tiene delante.
  • Summer Finn: Zooey Deschanel, que da vida a una figura enigmática y carismática, más compleja de lo que el propio Tom está dispuesto a admitir.
  • Aparecen también Chloë Grace Moretz como la hermana pequeña de Tom, que funciona como una especie de conciencia crítica, y pequeños papeles como el de Minka Kelly (Autumn).

https://www.filmaffinity.com/es/film917377.html

¿Cuándo se estrenó la película?

La película se estrenó en 2009, presentándose en festivales como Sundance y consolidándose rápidamente como una de las comedias románticas “alternativas” más comentadas de su década.

Premios y recepción

(500) Days of Summer obtuvo un notable éxito de crítica y fue nominada, entre otros reconocimientos, a dos Globos de Oro (Mejor película – comedia o musical y Mejor actor de comedia/musical para Joseph Gordon‑Levitt). Además, figura con frecuencia en listas de películas que renovaron el género romántico al introducir una mirada más ambivalente y autoconsciente sobre el amor.[8][7][2]

La música de la película

La banda sonora de (500) Days of Summer es un elemento clave en la construcción del tono y de la relación entre los protagonistas, con temas de grupos como The Smiths, Regina Spektor o Wolfmother, entre otros. Una escena muy recordada es aquella en la que Tom y Summer conectan por su amor compartido a The Smiths, que funciona casi como “señal” de afinidad romántica dentro del universo cultural indie de la época.[8][4][2]

Podemos también abrir preguntas sobre esto:

  • ¿Qué canciones o momentos musicales de la película se te quedaron más grabados? ¿Por qué?
  • ¿Crees que la banda sonora refuerza la idealización de Tom o ayuda a matizarla?

Punto de encuentro y planning de la velada

El punto de encuentro será en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) el próximo martes a las 19:30h.

Las veladas se dividirán en tres partes. La primera media hora la dedicaremos a tomar algo, a presentar la película y a conocernos. Después a las 20:00h tendremos la proyección. Todas las proyecciones se realizan en VOSE. Para finalizar tendremos un coloquio que durará hasta las 23:00h.

¿Cómo será el coloquio?

Los encuentros son participativos y queremos conocer vuestra opinión para que se pueda generar un debate abierto y constructivo. No es necesario conocimiento de cine para participar y es más, huimos del conversador pedante ya que para ellos tenemos a la wikipedia. ¡Queremos que cada martes seamos capaces de generar algo fantástico y diferente!. ¡Queremos saber lo que sientes y que seas capaz de contarlo!

A partir del tema de discusión y de lo visto en la película, las historias personales son bienvenidas y además, son una buena forma de dar a conocer lo que pensamos y lo que sentimos. ¡Nuestro deseo es que participes y seas activo!

Cine y el debate siempre van de la mano, y por eso queremos que te hagas fan de nuestro conejo blanco con un solo ojo.

¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas

El coste de inscripción a la sesión de debate y coloquio es de 5€

Reservar por whatsapp en cualquiera de estos números

Ángel (https://wa.me/+34640743115)

María (https://wa.me/+3463063998)

Las plazas son muy limitadas

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¿Cómo apuntarte a nuestras experiencias? Los enlaces

Cine Debate con Hierro 3. Del amor invisible y silencioso

Entradas al cine debate / Plan de Meetup

  1. Acerca de “Hierro 3”
    1. Sinopsis de Hierro 3
    2. Enlaces de Hierro 3
      1. Ficha
      2. Tráiler
  2. Los temas del coloquio
    1. La violencia de género y las relaciones abusivas
    2. Hierro 3 y su significado en la película. Lo relegado e insignificante
    3. Las casas vacías
    4. El ser solitario. El que no se ve
  3. Otras cuestiones acerca de la película
    1. Los actores principales
    2. ¿Cuándo se estrenó la película?
    3. Premios y reconocimientos
    4. La música de la película
  4. Punto de encuentro y planning de la velada
  5. ¿Cómo será el coloquio?
  6. ¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas
  7. ¿Cómo hacer las reservas y pagos a Happening Madrid de cada una de las experiencias?
  8. ¿Qué es Happening Madrid?
  9. ¿Cómo apuntarte a nuestras experiencias? Los enlaces

Este próximo martes en nuestro cine debate “Un Conejo con Ojo” veremos la magistral Hierro 3 del director coreano Kim Ki-duk en nuestro cine fórum semanal Un Conejo con Ojo. Esta película del silencio, con muy pocos diálogos, más que hablar nos muestra cosas. Nos muestra otras formas de existir, relacionarse y amar. Nos pone ante nuestros ojos la barbaríe de las relaciones abusivas y sus consecuencias. Con una enorme fuerza visual nos hace ensoñar y como espectadores tenemos que explicar la historia que vemos en pantalla. Nos obliga a participar activamente en ese transcurrir.

Hierro 3 el año 2004 ganó el premio al mejor director en el festival de Venecia y el premio a la mejor película en el festival de Valladolid.

Hierro 3 no invita a reflexionar sobre el sentido de la posesión y de la pertenencia, el vacío y la capacidad de conectar con los demás de maneras distintas e insospechadas mientras revisitamos la soledad, el amor no convencional, la comunicación mas allá de las palabras dentro de un universo visual hipnótico y minimalista.

Un conejo con ojo es un cine debate organizado por Big Tree Books y Happening Madrid para las tardes de los martes desde el corazón más castizo de Madrid. Unas veladas para disfrutar del cine y hacerlo pensando y dialogando. Hazte fan de nuestro conejo blanco con un solo ojo.

Acerca de “Hierro 3”

En Hierro 3 (2004), el director corenao Kim Ki-duk teje una historia de silencios que hablan más alto que cualquier palabra, de amores invisibles que desafían las normas y de vidas marginales que encuentran su sentido. El título está inspirado en el palo de golf hierro 3, que es el que menos se utiliza, a modo de eco de sus personajes que son almas perdidas que transitan por un mundo que las ignora. Almas ignoradas y sutiles que sin embargo, dejan una impronta imborrable. La historia de Tae-suk y  Sun-hwa protagonizadas por Jae Hee y Lee Seung-yeon se estrenó en el Festival de Venecia en donde ganó el León de Plata y cautivó con su poesía visual.

Hierro 3 es una de las obras más conocidas y valoradas de Kim Ki-duk, siendo muy apreciada por su poesía visual y su capacidad de transmitir emociones profundas sin el uso de la palabras. Es una referencia del cine de autor y de su manera de tratar temas universales como el amor y la libertad de una manera tan única.

Sinopsis de Hierro 3

Tae-suk es un joven que lleva una vida fuera de lo común. Su rutina consiste en ocupar temporalmente viviendas ajenas cuando sabe que sus propietarios están ausentes. No roba ni daña los hogares; por el contrario, deja una huella casi invisible: duerme en camas que no le pertenecen, come un poco de lo que encuentra en las neveras y devuelve el gesto de esta hospitalidad involuntaria reparando pequeños desperfectos o haciendo la colada. Es como un fantasma que pasa desapercibido, dejando los espacios incluso mejores de cómo los encontró.

Sun-hwa, en cambio, vive atrapada en un matrimonio que la ha reducido a una sombra de lo que era. Antaño una hermosa modelo, ahora está confinada en una lujosa prisión bajo el control de un marido abusivo. Su existencia está marcada por el silencio y el dolor, en una casa tan fría como los lujos que la adornan.

Cuando Tae-suk entra en la casa de Sun-hwa, sus mundos chocan y, al mismo tiempo, se entrelazan. Sin palabras, reconocen en el otro un alma gemela. Unidos por un vínculo invisible pero profundo, comienzan un viaje juntos, compartiendo una existencia que desafía las normas convencionales. Como figuras etéreas, se mueven por el mundo sin dejar huellas, aceptando en silencio su destino peculiar y extraño, donde el amor y la libertad se entrelazan de manera poética.

Enlaces de Hierro 3

Ficha

https://www.filmaffinity.com/es/film477052.html

Tráiler

Los temas del coloquio

Podemos considerar que el tema principal sobre el que no habla la película “Hierro 3” es la conexión y comunicación humana más allá de las palabras y las normas convencionales. En la trama podemos ver como dos almas pueden encontrarse y complementarse en medio de la soledad, el dolor y el vacío existencial. La película aborda el amor como un vínculo silencioso, casi místico, y reflexiona sobre cómo los seres humanos pueden escapar de las estructuras sociales y emocionales opresivas para encontrar una forma de libertad personal y espiritual

Y junto a este tema principal camina la sombre de las relaciones abusivas y la violencia de género que invisibilizan a las personas que lo sufren.

Como preguntas generales que nos podemos después de ver el filme están las siguientes:

¿Qué opinas de la relación entre Tae-suk y Sun-hwa? ¿Crees que su conexión es más poderosa al desarrollarse sin palabras?

En un mundo donde el lenguaje es tan importante, ¿es posible construir relaciones significativas a través de gestos y miradas como lo hacen los protagonistas?

¿Cómo interpretas el silencio entre los personajes? ¿Es un refugio, una limitación, o una forma superior de comunicación?

¿Crees que la película propone un modelo de amor ideal o simplemente muestra una excepción dentro de la sociedad?

¿Cómo interpreta la película el impacto de la violencia de género en la vida de Sun-hwa?

La violencia de género y las relaciones abusivas

La violencia doméstica, como un viento invisible pero implacable, se filtra entre las paredes de las casas, de la intimidad. De esa intimidad en donde irrumpe nuestro protagonista Tae-Suk. La violencia en la intimidad del hogar y el abuso van sofocando poco a poco a quienes la padecen hasta despojarlas de su esencia. En Hierro 3, Kim Ki-duk aborda este tema desde una perspectiva sutil y silenciosa, pero profundamente conmovedora. Sun-hwa, la protagonista, vive atrapada en una cárcel dorada, un hogar lleno de lujos que no protege, sino que aísla. Su marido, a la vez opresor y amo de ese espacio, utiliza el control como una herramienta de poder, relegándola a una sombra de sí misma, un espectro de lo que alguna vez fue, esa bella modelo.

Hay un contraste entre la opulencia de su entorno y la emocional en la que se encuentra sumida. Sun-hwa no solo está prisionera de su matrimonio, sino también de una sociedad que ignorar su sufrimiento. La violencia que la asfixia no necesita gritos constantes ni golpes visibles; es el silencio impuesto, la mirada evasiva y la soledad forzada. En la quietud de su existencia, el abuso se convierte en un eco interminable que le recuerda su pérdida de libertad.

Cuando Tae-suk irrumpe en su vida, lo hace como un fantasma que trae consigo una brisa fresca, casi imperceptible, pero capaz de cambiarlo todo. No hay palabras entre ellos, pero tampoco las necesitan. En su conexión silenciosa, Sun-hwa redescubre algo que creía perdido: la sensación de ser vista, entendida y valorada. Mientras su marido utiliza el silencio como un arma de control, Tae-suk lo convierte en un refugio, un espacio de libertad donde ella puede respirar sin miedo.

Kim Ki-duk no muestra un enfrentamiento directo ni una liberación heroica, porque el abuso rara vez permite resoluciones simples. La transformación de Sun-hwa es interna, casi imperceptible, como una flor que comienza a abrirse tras un largo invierno. En la no hay respuestas fáciles pero, gracias a su poesía visual y exploración de los silencios nos muestra un camino para ser libres.

Las preguntas que nos podemos hacer sobre este tema podrían ser las siguientes

¿Qué te transmite la transformación de Sun-hwa a lo largo de la trama?
¿Qué simboliza la casa lujosa donde vive Sun-hwa? ¿Es un espacio de protección o una prisión?
Kim Ki-duk aborda la violencia de género de forma sutil ¿Crees que este enfoque es efectivo?
¿Cómo se representa la invisibilidad de las víctimas de violencia de género a través del personaje de Sun-hwa?
El silencio en la relación de Sun-hwa con su marido contrasta con el silencio en su relación con Tae-suk. ¿Qué diferencia hay entre estos dos tipos de silencio?
¿Qué crítica crees que hace la película hacia las estructuras sociales que perpetúan las relaciones abusivas?
¿Por qué crees que las dinámicas de control y abuso son tan difíciles de visibilizar en la sociedad?
En la película, el abuso parece «normalizado» en el entorno de Sun-hwa. ¿Qué nos dice esto sobre cómo la sociedad trata la violencia de género?
¿Cómo interpreta cada uno la liberación de Sun-hwa? ¿Es completa o queda limitada por las circunstancias?
¿Qué papel juega la conexión con Tae-suk en su proceso de liberación? ¿Es él quien la salva, o ella misma encuentra su fortaleza?
¿Crees que la película da esperanza a las víctimas de violencia de género o se mantiene en una visión más realista?
¿Qué emociones o pensamientos te genera el tratamiento de las relaciones abusivas en Hierro 3?
¿Qué aspectos de la película te hicieron reflexionar sobre el impacto de la violencia de género en la vida de las personas?
¿Crees que el arte, como el cine, puede ayudar a visibilizar las relaciones abusivas y contribuir a su prevención?

Hierro 3 y su significado en la película. Lo relegado e insignificante

El palo de golf Hierro 3 es un símbolo de lo relegado e insignificante. En este deporte, el palo de hierro 3 es uno de los menos utilizados, considerado difícil de manejar y poco práctico para la mayoría de los jugadores. Se le ve como una herramienta que rara vez se elige, relegada a un segundo plano.

Tae-suk y Sun-hwa son, de alguna manera, como ese palo: marginados, invisibles, y considerados poco importantes por la sociedad.

La violencia en la película está muy asociada al palo de golf. El marido violento y abusador de Sun-hwa utiliza este palo de golf como arma de intimidación y control. Es un símbolo de violencia, opresión y abuso dentro de la película. Sin embargo, la transformación de este símbolo violento en un título poético es un reflejo de cómo la película trata los temas de dolor y sufrimiento, encontrando belleza  en medio de ellos.

¿Qué emociones te genera el uso del palo de golf en las escenas de abuso? ¿Cómo refuerza esto la narrativa sobre la opresión y el control?
¿Tae-suk y Sun-hwa son marginados e invisibles para la sociedad, al igual que el Hierro 3 lo es en el golf. ¿Qué crítica social crees que hace la película a través de esta metáfora?
¿Cómo transforma la película la percepción de lo «insignificante»?
 ¿Crees que los actos de Tae-suk y Sun-hwa logran darle un significado distinto a su existencia?
¿Qué nos enseña el simbolismo del Hierro 3 sobre el valor de las cosas (y personas) que la sociedad tiende a ignorar o menospreciar?

Las casas vacías

Si ves colgada propaganda en la cerradura de una puerta durante mucho tiempo es que esa casa está vacía: esta es la idea inicial sobre la que Kim Ki-duk fue pertreñando Hierro 3: La idea de un ser solitario que va ocupando casas vacías, pero no lo hace con intención de ocuparlas, sino que solo reposa brevemente dándoles calidez. Tampoco roba. A cambio él hace algo positivo por aquellos que viven allí: arregla algo, hace la colada, o cualquier otra acción positiva.

¿Qué crees que simbolizan las casas vacías en la película?
¿Representan soledad, desapego o una búsqueda de conexión? ¿Cómo crees que reflejan el estado emocional de Tae-suk y su forma de interactuar con el mundo?
¿Qué mensaje transmite Tae-suk al dejar las casas en mejor estado del que las encontró?
¿Es un acto de redención, una forma de comunicación o simplemente un reflejo de su deseo de dar algo positivo a un mundo que lo ignora?
¿Cómo cambia la percepción de «invadir» casas vacías cuando Tae-suk no roba ni daña, sino que cuida?
¿Crees que esto desafía nuestras ideas sobre la propiedad, el hogar y el significado de «pertenecer» a un espacio?

El ser solitario. El que no se ve

Solo un ser solitario pretendería vivir de esa forma. En el Catálogo de los Seres Imaginarios de Jorge Luis Borges aparece el llamado Esquivo. El Esquivo siempre está detrás de algo. Por más vueltas que diera un hombre, siempre lo tenía detrás y por eso nadie lo ha visto.

Es un ser que escapa constantemente a la percepción directa, lo que lo convierte en una metáfora del misterio, de lo que es inalcanzable o de lo que está oculto a la vista. La idea del Esquivo también puede interpretarse como una reflexión sobre la imposibilidad de conocer completamente algo o alguien, ya que siempre hay algo que permanece oculto, fuera del alcance de nuestra comprensión.

Este concepto de invisibilidad y ocultamiento tiene una fuerte resonancia con los temas de la identidad, la soledad y la evasión, que Borges explora a través de esta figura fantástica.

Las escenas que veréis en la película a este respecto os encantarán.

¿Cómo interpretas la relación entre Tae-suk y el concepto del Esquivo de Borges?
¿Crees que su vida errante y su forma de ser invisible reflejan una metáfora del Esquivo  de Borges, alguien que se oculta detrás de todo pero nunca es visto?
En la película, Tae-suk se mueve entre las casas sin dejar rastro. ¿Qué simboliza esta invisibilidad?
¿Es una forma de liberación o, por el contrario, una condena a la soledad y a la desconexión del mundo que lo rodea?
¿Cómo conecta la idea del Esquivo con el tema de la soledad y la búsqueda de identidad en Hierro 3?
¿Crees que la invisibilidad de Tae-suk es una manera de escapar de la sociedad o una forma de encontrar su verdadero ser?

Otras cuestiones acerca de la película

Los actores principales

Lee Seung-yeon como Sun-hwa: La mujer atrapada en un matrimonio abusivo que encuentra una nueva esperanza al conectar con Tae-suk.

Jae Hee como Tae-suk: El joven errante cuya vida silenciosa y desapegada le lleva a conectar con Sun-hwa.

Kwon Hyuk-ho como el esposo abusivo de Sun-hwa.

¿Cuándo se estrenó la película?

La película se estrenó el 7 de septiembre de 2004 en el Festival de Cine de Venecia, donde recibió una cálida acogida por su estilo único y su poderosa narrativa visual.

Premios y reconocimientos

Hierro 3 es una película aclamada internacionalmente y que ha ganado en varios festivales:

León de Plata a la Mejor Dirección en el Festival Internacional de Cine de Venecia (2004).
Premio FIPRESCI en Venecia por su audaz propuesta cinematográfica.
Premio a Mejor Película Asiática en el Festival de Cine de Bangkok (2005).
Gran Premio del Jurado en el Festival de Cine de Oporto, Fantasporto (2005).
Reconocimientos en festivales como los Blue Dragon Awards en Corea del Sur.

La música de la película

El tema musical central de Hierro 3 es una pieza instrumental titulada «Gafsa» de Natacha Atlas. Preciosa melodía que es recurrente a lo largo de la película y construye su atmósfera.

Natacha Atlas es una cantante egipcio-británica que es pionera en la fusión de la música árabe y del norte de áfrica con la electrónica.

El tema elegido para la película es del año 1997 y se grabó en el álbum Halim.

Aquí os dejo una completa ficha de este disco

https://www.discogs.com/es/release/114342-Natacha-Atlas-Halim

Gafsa es una ciudad de Túnez. La canción está cantada en árabe y es una bella canción de amor que dice lo siguiente

Soplaron los vientos del amor en mi mente
trayéndome el saludo del ser amado.
Soplaron los vientos del amor en mi mente
trayéndome el saludo del ser amado.

Me dice: «Vuelve, querido mío,
ven al encuentro, aunque seas un extraño».
Me dice: «Vuelve, querido mío,
ven al encuentro, aunque seas un extraño».

Le respondí: «Ella fue quien perturbó mi ser»,
y ella dijo: «Mi deseo está cumplido».
Le respondí: «Ella fue quien perturbó mi ser»,
y ella dijo: «Mi deseo está cumplido».

Apareció desde su alta torre
y dijo: «Tus palabras son extrañas».

Regresa, amor mío,
no tengo suerte en este mundo.
Eres mi amor, pero
no puedes ser legítimamente mío.

¡Ay, noche, oh mis ojos!
Regresa, amor mío,
no tengo suerte en este mundo.
Eres mi amor, pero
no puedes ser legítimamente mío.

¡Ay, noche!

Soplaron los vientos del amor en mi mente
trayéndome el saludo del ser amado.
Soplaron los vientos del amor en mi mente
trayéndome el saludo del ser amado.

Trayéndome el saludo del ser amado,
trayéndome el saludo del ser amado.

Punto de encuentro y planning de la velada

El punto de encuentro será en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) el próximo martes a las 19:30h.

Las veladas se dividirán en tres partes. La primera media hora la dedicaremos a tomar algo, a presentar la película y a conocernos. Después a las 20:00h tendremos la proyección. Todas las proyecciones se realizan en VOSE. Para finalizar tendremos un coloquio que durará hasta las 23:00h.

¿Cómo será el coloquio?

Los encuentros son participativos y queremos conocer vuestra opinión para que se pueda generar un debate abierto y constructivo. No es necesario conocimiento de cine para participar y es más, huimos del conversador pedante ya que para ellos tenemos a la wikipedia. ¡Queremos que cada martes seamos capaces de generar algo fantástico y diferente!. ¡Queremos saber lo que sientes y que seas capaz de contarlo!

A partir del tema de discusión y de lo visto en la película, las historias personales son bienvenidas y además, son una buena forma de dar a conocer lo que pensamos y lo que sentimos. ¡Nuestro deseo es que participes y seas activo!

Cine y el debate siempre van de la mano, y por eso queremos que te hagas fan de nuestro conejo blanco con un solo ojo.

¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas

El coste de inscripción a la sesión de debate y coloquio es de 5€

Reservar por whatsapp en cualquiera de estos números

Ángel (https://wa.me/+34640743115)

María (https://wa.me/+3463063998)

Las plazas son muy limitadas

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