Un fin de semana lleno de sorpresas: tabernas centenarias, teatro, Chueca, tapeo, Barrio de las Letras, Happening Soul Train Underground en Muller, Tardeo Indie, Exposición Mil y Un Quijotes, comida japo oriental en Maco y Karaoke.
El jueves 6 de noviembre a las 21:00h se estrena REENCUENTRO en la Sala AZarte, un monólogo de Walter de la Reta, con texto de María Inés González y Miguel Ángel Cárcano.
La obra trata sobre Juan y Alberto, dos amigos de la universidad que se reencuentran tras veinte años sin verse. En otra época, uno se llevaba el mundo por delante y el otro era el típico perdedor, pero años de frustraciones y triunfos los han puesto en otro lugar. Alberto cree que toca un ajuste de cuentas, sin saber que Juan también necesita algo de él. Como dos caras de una misma moneda, cada uno de ellos es parte del otro.
A las 20:15 quedamos en la Taberna Ángel Sierra (C/ Gravina, 11) entrando por su puerta de la Calle de San Gregorio. La taberna se encuentra en la mismísima plaza de Chueca. Es un lugar único y centenario con un excelente vermú de grifo.
A las 21:00h dará comienzo la obra en la Sala Azarte, que se encuentra muy cerca
Volvemos al tardeo indie de Madrid (https://tardeomadrid.es/) para comenzar el 2025. Indie & Hits desde las 18:00 hasta las 00:00 en el Teatro Magno (C. de Cedaceros, 7) Tres Djs para en cada sesión Entrada gratuita con invitaciones para Happening Madrid toda la tarde Entradas e invitaciones en: https://tardeomadrid.es/
El punto de encuentro será en el bar Los Pinchitos (C. de los Madrazo, 7) donde quedaremos para reunirnos y tomarnos la primera caña a las 18:00h. Sobre las 18:45h entraremos en el Teatro Magno (C. de Cedaceros, 7) para disfrutar el tardeo. Dependiendo de los asistentes y de aquello que queráis después del tardeo iremos a tomar algo y seguiremos por la noche.
Precio de la inscripción al meetup
El precio de inscripción al meetup es de 5€. Gratis para socios de Happening Madrid.
Comenzamos este domingo 9 de Noviembre de 2025, día de la Almudena, en el Espacio Cultural la Serrería Belga(C. de la Alameda, 15) en donde veremos la exposición Mil y Un Quijotes. Allí quedaremos a las 13:00h.
A las 13:00h en la entrada del Espacio Cultural la Serrería Belga (C. de la Alameda, 15)
De 13:15h a 14:30h estaremos en la Serrería Belga viendo la exposición Mil y Un Quijotes
Nos veremos a las 14:30h en la puerta de entrada de la Serrería Belga para emprender el camino hacia Macao Príncipe. Un paseo de un km que nos llevará desde la Calle de la Alameda hasta la Calle del Príncipe por la Calle de Huertas.
A las 15:00h tenemos la reserva a mi nombre (Ángel Chamorro) para comer en Macao Príncipe. Tenemos varias opciones muy baratas y apetecibles. En principio he reservado 8 plazas con 30% de descuento en carta. Según os vayáis apuntado y me vayáis diciendo iré reservando más espacio.
Sobre las 17:00 iremos al Cheers Karaoke (C. de las Huertas, 50).
Precio y reservas
El precio de inscripción al meetup es de 5€. Gratis para socios de Happening Madrid.
Resumen de las experiencias Happening del 6 al 9de Noviembre de 2025
Jueves 6
20:15 Taberna Ángel Sierra (C/ Gravina, 11) 21:00h Sala Azarte (C. de San Marcos, 19)
Viernes 7
22:00h Cervecería El Diario a las 22:00h (C/ Huertas, 69). 23:30h Muller Bar (C/ Huertas 38)
Sábado 8
18:00h Bar Los Pinchitos (C. de los Madrazo, 7) 18:45 Teatro Magno (C. de Cedaceros, 7)
Domingo 9
13:00h Espacio Cultural la Serrería Belga (C. de la Alameda, 15) 15:00h Macao Príncipe (c/ Príncipe, 16 ). 17:00h Cheers Karaoke (C. de las Huertas, 50)
En el mes de noviembre en nuestre Cine Debate “Un conejo con ojo” combinamos humor con terror para traeros un ciclo de cuatro películas “Terroríficamente divertidas”. Comenzaremos el martes cuatro con An American Werewolf in London (Un hombre lobo americano en Londres) el clásico de 1981 del director John Landis. AL segunda entrega para el 11 de noviembre será What We Do in the Shadows (Lo que hacemos en las sombras) del año 2014 y dirigida por Taika Waititi & Jemaine Clement. El martes 21 tendrá su turno Evil Dead II(Terrorificamente muertos) de Sam Raimi del año 1987. Cerramos el ciclo con The Rocky Horror Picture Show el clásico de culto del año 1975 dirigido por Jim Sharman
¡Nos esperan unas divertidísimas y aterradoras veladas de cine y charla!
Te esperamos cada martes a las 19:30h en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) para compartir maravillosa películas y debates. Acompáñanos en esta nueva aventura cinematográfica de la mano de nuestro conejo blanco con un solo ojo.
🐺 An American Werewolf in London (John Landis, 1981). Metamorfosis, culpa y humor negro.
¿Qué hace que este film mantenga su equilibrio entre el miedo y la comedia sin volverse parodia? ¿La transformación del protagonista es castigo, liberación o simple destino biológico? ¿El humor atenúa el horror o lo hace más humano?
Evil Dead II (Sam Raimi, 1987). Exceso, cuerpo, delirio
¿Por qué el humor físico resulta tan efectivo en medio del gore? ¿Dónde termina el terror y empieza la autoparodia? ¿Es Ash un héroe o un payaso trágico del caos?
🧛 What We Do in the Shadows (Taika Waititi & Jemaine Clement, 2014). La inmortalidad doméstica.
¿Qué revela esta comedia sobre nuestra necesidad de normalizar incluso lo monstruoso? ¿Se burla de los vampiros o los humaniza? ¿Qué queda del mito cuando lo convertimos en rutina?
👠 The Rocky Horror Picture Show (Jim Sharman, 1975). Transgresión, · identidad, ritual
¿Por qué esta película sigue siendo un acto de liberación medio siglo después? ¿Es una parodia del terror o un himno al exceso como forma de libertad? ¿Qué lugar ocupa el público: espectador, creyente o cómplice?
An American Werewolf in London (John Landis, 1981). Metamorfosis, culpa y humor negro
Acerca de
Abrimos el ciclo de noviembre “Terroríficamente Divertidas” con An American Werewolf in London (Un hombre lobo americano en Londres) , el clásico de John Landis que combinó el mito del hombre lobo con una mezcla de comedia negra, romance trágico y terror visceral. Estrenada en 1981, fue una rareza en su tiempo: una película capaz de hacer reír, pero también de helarte la sangre.
Landis, conocido por su sentido del ritmo cómico, encontró aquí el equilibrio imposible entre el horror puro y la ironía británica. Dos jóvenes americanos recorren a pie los páramos de Yorkshire y, tras un ataque de una criatura salvaje, uno de ellos muere y el otro sobrevive… para descubrir que lleva dentro la maldición del licántropo. Lo que sigue no es solo una historia de terror, sino una comedia macabra sobre la culpa, la transformación y el instinto reprimido.
En An American Werewolf in London, el humor surge del desconcierto que produce ver cómo lo cotidiano se corrompe por lo sobrenatural. Lo que parece una broma cruel del destino se convierte en una parábola sobre la pérdida del control y la imposibilidad de huir de lo que somos.
Sinopsis
David y Jack son dos amigos estadounidenses que viajan por Inglaterra haciendo autostop. En mitad de la noche llegan a un pueblo donde son recibidos con frialdad en un pub cuyo nombre The Slaughtered Lamb. Pese a las advertencias, se internan en la niebla y son atacados por una criatura monstruosa. Jack muere, David sobrevive con heridas que pronto revelan su verdadera naturaleza. Mientras su amigo reaparece desde el más allá para advertirle, David intenta aferrarse a una vida normal en Londres… hasta que la luna llena reclama su precio.
El debate. Los temas de An American Werewolf in London
La película entrelaza humor, horror y tragedia. Algunos de los temas que de los que hablaremos son:
La metamorfosis y el cuerpo como enemigo
La transformación física es un momento de máxima angustia. El humor se congela y el cuerpo se convierte en una cárcel.
La culpa y la herencia de la violencia
Nuestro protagonista, David, no elige su destino, pero debe cargar con el peso de cada muerte.
El humor como defensa frente al horror
Las bromas de Jack o la ironía de las situaciones no alivian, sino que subrayan el absurdo de lo inevitable.
El choque cultural
Un americano perdido en la tradición inglesa del horror gótico: el extranjero como monstruo literal.
El deseo reprimido
La relación entre David y la enfermera Alex es tan tierna como trágica; el deseo humano convive con el animal interior.
La soledad del condenado
La licantropía más que castigo divino se convierte en un aislamiento existencial.
Las preguntas para el debate
¿Qué simboliza la transformación del protagonista: el despertar de la violencia, la pérdida de identidad o la naturaleza humana desatada? ¿El humor ayuda a sobrellevar el horror o lo vuelve más inquietante? ¿Hasta qué punto el film ridiculiza o dignifica el mito del hombre lobo? ¿Qué relación hay entre el deseo, la culpa y la transformación? ¿Por qué la película nos hace empatizar con el monstruo y no con los humanos? ¿Podemos leer la historia como una metáfora del trauma o de la adolescencia —ese momento en que el cuerpo cambia y asusta? ¿Qué aporta el tono británico al humor negro del relato? ¿Por qué el final, tan brutal, resulta inevitablemente melancólico?
John Landis escribió el guion de An American Werewolf in London en 1969, cuando tenía apenas dieciocho años y trabajaba como asistente en Yugoslavia durante el rodaje de Kelly’s Heroes. Inspirado por un entierro gitano que presenció —en el que los aldeanos cubrieron el cuerpo con ajo y sellaron la tumba con cadenas “para que no saliera”—, Landis concibió una historia donde el terror y la risa podían convivir sin traicionarse. Pasarían más de diez años antes de que los estudios se atrevieran a financiarla: nadie entendía cómo una película podía ser demasiado divertida para ser de terror, y demasiado sangrienta para ser comedia.
Finalmente, en 1981, con el éxito de Animal House y The Blues Brothers, Landis consiguió la luz verde para su proyecto. Rodó entre Gales y Londres con un presupuesto de unos 10 millones de dólares. Los efectos especiales quedaron a cargo de Rick Baker, cuyo trabajo en la transformación de David (David Naughton) a lobo cambió para siempre la historia del maquillaje cinematográfico: fue tan innovador que la Academia creó un nuevo premio, el Oscar al Mejor Maquillaje, solo para reconocer su logro.
Recepción de la crítica
En su estreno, An American Werewolf in London dividió a la crítica. Algunos la consideraron una blasfemia tonal; otros, una genialidad. The New York Times la describió como “una sátira brillante escondida en una pesadilla”, mientras The Guardian la tachó de “groseramente desequilibrada”. Sin embargo, Roger Ebert la defendió como una obra de terror moderna con un sentido del humor cruelmente humano. El público, en cambio, la entendió de inmediato: se rieron, se asustaron, y salieron del cine tarareando Blue Moon.
Éxito comercial
Estrenada el 21 de agosto de 1981, la película fue un éxito rotundo en taquilla. Recaudó más de 60 millones de dólares en todo el mundo —seis veces su presupuesto— y se mantuvo semanas entre las más vistas tanto en EE. UU. como en Reino Unido. Su mezcla de horror gráfico, ironía pop y banda sonora compuesta solo por canciones que mencionan la luna (de Sam Cooke a Creedence Clearwater Revival) se volvió irresistible para el público joven.
Cómo se convierte en película de culto
Con el tiempo, la película encontró su lugar más allá del éxito comercial. En los noventa y dos mil, las proyecciones en cines de medianoche, las ediciones especiales en VHS y luego en Blu-Ray consolidaron su estatus de culto. El humor negro, los efectos prácticos de Baker y el retrato melancólico del monstruo resonaron con una generación que buscaba ironía sin perder emoción. An American Werewolf in London no solo modernizó al hombre lobo; lo volvió trágico, cómico y profundamente humano. Esa mezcla —tan improbable— es lo que mantiene viva su mitología.
Qué significa para el cine actual
Hoy se considera una de las película que marcó el paso del horror clásico al horror moderno. La película demostró que el género de terror podía combinarse con la comedia sin caer en la parodia. Su tono —a medio camino entre la tragedia y la carcajada— anticipa la sensibilidad del cine contemporáneo. Además, An American Werewolf in London fue pionera en tratar la transformación física con realismo doloroso, abriendo el camino al body horror psicológico y emocional.
Influencia en otras películas y directores
Edgar Wright (director de Shaun of the Dead) ha citado la película como su modelo perfecto de comedia de terror equilibrada.
John Landis influenció a Sam Raimi, cuyo Evil Dead II repite esa combinación de slapstick y horror visual.
Neill Blomkamp, Guillermo del Toro y Jordan Peele han reconocido su deuda con la forma en que Landis usa el humor para revelar el miedo social y la violencia reprimida.
La transformación de David inspiró directamente los efectos de The Thing (1982) de John Carpenter y The Fly (1986) de David Cronenberg.
En la cultura popular, desde Thriller (el videoclip de Michael Jackson, también dirigido por Landis) hasta Teen Wolf, su sombra se extiende sobre toda representación del monstruo como víctima.
En resumen
An American Werewolf in London, aparte de ser unapelícula de terror con toques de humor es una reflexión disfrazada de broma sobre la culpa, el deseo y el miedo a uno mismo. Un film que enseñó que reírse del monstruo más real pero no menos aterrador.
La banda sonora de An American Werewolf in London
Toda la banda sonora de An American Werewolf in London está compuesta por canciones que mencionan la luna. Mientras David se desintegra entre culpa, deseo y pelaje, suena un jukebox cósmico sobre romanticismo lunar y transformaciones inevitables.
“Blue Moon” – Bobby Vinton (1961) Suena en los créditos iniciales. Melosa, casi empalagosa, establece el tono de humor negro: el romanticismo de una balada sobre amor perdido frente a un ataque salvaje en los páramos.
“Bad Moon Rising” – Creedence Clearwater Revival (1969) Acompaña una de las escenas más inquietantes: David, ajeno a lo que le espera, se prepara para transformarse. El estribillo (“I see a bad moon rising”) funciona como profecía y burla a la vez.
“Moondance” – Van Morrison (1970) Suena durante la escena amorosa entre David y Alex. La luna aquí deja de ser presagio para volverse erotismo: un baile antes de la condena.
“Blue Moon” – Sam Cooke (1960) Reaparece en versión soul, envolviendo la soledad del protagonista con una calidez engañosa.
“Blue Moon” – The Marcels (1961) Cierra la película. La versión más festiva y absurda del tema suena justo después del desenlace más trágico, en un contraste brutal: la risa del destino sobre los créditos.
El uso de estas canciones no es casualidad. Landis sustituye la partitura orquestal típica de las películas de terror de entonces por música popular que ironiza sobre la tragedia. Es como si la radio siguiera sonando indiferente al sufrimiento del monstruo convirtiendo en horror en sátira.
Acerca del director
John Landis (Chicago, 1950) es uno de los grandes nombres del cine comercial estadounidense de los años 80. Se formó trabajando como asistente en rodajes europeos antes de debutar con Schlock (1973). Alcanzó fama mundial con las comedias National Lampoon’s Animal House (1978) y The Blues Brothers (1980), que definieron el humor anárquico de su generación.
Con An American Werewolf in London (1981) fusionó terror y comedia como nadie había hecho antes, abriendo camino a un nuevo tipo de horror híbrido. También dirigió el videoclip Thriller de Michael Jackson (1983), el más influyente de la historia, y películas como Trading Places (1983) o Coming to America (1988).
Landis es celebrado por su dominio del ritmo cómico, su amor por la cultura pop y su capacidad para convertir lo grotesco en espectáculo.
🧛 What We Do in the Shadows (Taika Waititi & Jemaine Clement, 2014). La inmortalidad doméstica.
Acerca de
Dentro del ciclo “Terroríficamente divertidas” llega este próximo martes What We Do in the Shadows (Lo que hacemos en las sombras), la comedia vampírica de culto firmada por Jemaine Clement y Taika Waititi. Rodada como un falso documental, muestra la vida cotidiana de cuatro vampiros que comparten piso en Wellington, Nueva Zelanda. Conviven entre facturas, tareas domésticas y fiestas del inframundo. Son inmortales, pero también torpes, narcisistas y ridículamente humanos.
La película desmitifica el horror con un humor absurdo y melancólico: los vampiros no dominan la noche, la sobreviven. Entre peleas por los platos sin fregar y rivalidades con hombres lobo (“no hombres perro”), aflora una ternura inesperada hacia estos seres eternamente fuera de lugar.
Sinopsis
Viago, Vladislav, Deacon y Petyr son vampiros que viven juntos desde hace siglos. Un equipo de documentalistas los sigue para mostrar su día a día: cómo se visten sin reflejo, cómo intentan entrar en clubes sin ser invitados o cómo lidian con la modernidad. Todo cambia cuando convierten accidentalmente en vampiro a un joven mortal, Nick, que les abre las puertas del siglo XXI —redes sociales incluidas—. Pero la inmortalidad, entre tareas del hogar y noches de ligoteo, resulta menos glamourosa de lo esperado.
El vampiro deja de ser símbolo de poder o deseo para volverse una figura patética, doméstica, casi entrañable.
La convivencia y la eternidad
La inmortalidad no libra de los conflictos de pareja, del tedio o del desorden compartido.
El choque entre lo antiguo y lo moderno
Las sombras góticas se disuelven bajo la luz de la era digital: selfies, internet, fiestas techno.
El humor como medicina frente al miedo
La comedia revela la fragilidad del mito: reírse de lo eterno es quizá la forma más humana de enfrentarlo.
El monstruo como espejo social
Los vampiros, marginados por naturaleza, encarnan la soledad y la necesidad de pertenecer en un mundo que ya no los entiende.
Preguntas para el debate
¿Hasta qué punto el humor desacraliza o actualiza el mito vampírico? ¿Son los personajes caricaturas o retratos fieles de la soledad moderna? ¿Qué nos dice la película sobre la convivencia y el tiempo compartido? ¿Se puede seguir siendo un “monstruo” en una sociedad que ya banaliza el horror?
La banda sonora de What We Do in the Shadows (2014)
La banda sonora de What We Do in the Shadows (2014) es una mezcla de humor, exotismo y melancolía que acompaña el periplo de los vampiros de Wellington en su rutina tragicómica. Un collage de canciones que van desde lo folclórico al pop irónico.
El tema central es “You’re Dead” de Norma Tanega (1966), una joya olvidada del folk-rock estadounidense que el film rescató del olvido. Con su ritmo ligero y su letra (“Don’t sing if you want to live long”) se convierte en un himno, que fúnebre y juguetón es una perfecta síntesis del espíritu de la película: la muerte como compañera cotidiana, el humor como defensa frente al vacío.
A su lado aparecen piezas como “Skocne” de The Black Ox Orkestar, con su aire de música klezmer que evoca la antigüedad y el nomadismo de estos vampiros anacrónicos, o temas de The Phoenix Foundation, banda neozelandesa responsable de varios cortes instrumentales que aportan textura y ritmo a la vida nocturna de Wellington.
El resultado es una banda sonora que funciona como un espejo sonoro del film: una mezcla entre lo antiguo y lo contemporáneo, lo solemne y lo absurdo.
Historia de la película
Clement y Waititi partieron de un corto homónimo rodado en 2005. Tras casi una década de desarrollo y financiación independiente, el largo se estrenó en 2014 en Sundance y conquistó a crítica y público con su mezcla de humor seco, gore artesanal y sátira de reality show. El rodaje fue en gran parte improvisado: los actores trabajaron sin guion cerrado, construyendo los gags a partir de situaciones reales del día a día.
Recepción crítica
La prensa la aclamó por reinventar la comedia de terror. Variety la llamó “una joya de humor muerto-vivo”; The Guardian la describió como “una lección de inteligencia disfrazada de broma”. En Rotten Tomatoes supera el 95% de valoraciones positivas.
Éxito comercial
Con apenas 1,6 millones de dólares de presupuesto, recaudó más de 7 en todo el mundo, convirtiéndose en fenómeno global gracias al boca a boca y a su humor universal.
Película de culto
El film dio pie a una saga inesperada: la serie homónima (2019–), premiada y aún en emisión, que amplía su universo con nuevos personajes. Sus diálogos se citan, sus memes circulan, y su tono marca un nuevo canon para la comedia sobrenatural.
Qué significa para el cine actual
What We Do in the Shadows confirmó el talento de Waititi, futuro autor de Jojo Rabbit y Thor: Ragnarok, y revitalizó el género vampírico sin necesidad de romanticismo. Su mirada tragicómica sobre la inmortalidad —más cerca del piso compartido que del castillo gótico— inauguró una corriente de terror cotidiano que hoy impregna series y películas de autor.
Influencia en otras películas y directores
La combinación de documental, sátira y horror inspiró obras como The Office of the Dead, Only Lovers Left Alive de Jarmusch, o incluso Renfield.Edgar Wright y Jordan Peele han citado su ingenio estructural como referente de cómo abordar géneros con ironía sin perder respeto por sus mitos.
En resumen
Una comedia negra que demuestra que los monstruos, con siglos encima, siguen preocupándose por las mismas nimiedades que nosotros. What We Do in the Shadows no se ríe del horror, sino con él. Es la prueba de que la inmortalidad también pasa por el absurdo.
Jemaine Clement (Nueva Zelanda, 1974) y Taika Waititi (Nueva Zelanda, 1975) se conocieron en la universidad y formaron el dúo cómico The Humourbeasts. Su estilo combina humor seco, parodia cultural y ternura bajo el absurdo. Waititi, más tarde ganador del Oscar por Jojo Rabbit, ha convertido la ironía melancólica en su firma. Clement, por su parte, es también músico y actor (Flight of the Conchords). Ambos representan una generación que entendió que reírse de los monstruos es la mejor forma de recordar que alguna vez lo fuimos.
🪓 Evil Dead II (Sam Raimi, 1987). Exceso, cuerpo y delirio
Acerca de
Dentro del ciclo “Terroríficamente divertidas” os traemos esta semana Evil Dead II, dirigida por Sam Raimi. Estrenada en 1987, esta película mezcla terror, comedia y efectos especiales artesanales en una propuesta visual que se convirtió en referente del género. Más que una secuela, es una nueva versión del primer Evil Dead (1981), con mayor presupuesto, un tono más irónico y un ritmo vertiginoso.
Bruce Campbell interpreta a Ash Williams, un joven que regresa a una cabaña aislada donde, tras escuchar una grabación con pasajes del Necronomicon Ex-Mortis, despierta una fuerza demoníaca. El resultado es una sucesión de escenas extremas en las que el protagonista lucha contra espíritus, objetos poseídos y su propia mente.
Sinopsis
Ash y su novia Linda se alojan en una cabaña en medio del bosque. Allí descubren una grabación de un arqueólogo leyendo el Libro de los Muertos, lo que desata la posesión de los cuerpos y el caos sobrenatural. Ash intenta sobrevivir en un entorno que se vuelve hostil: puertas que se mueven solas, muebles que se ríen, sangre por todas partes.
A lo largo de la noche llegan nuevos personajes, pero la amenaza ya ha tomado el control. La película mantiene una tensión constante entre el horror y el humor físico, con una narrativa que combina el ritmo del cómic con la energía del cine experimental.
Los temas principales de Evil Death II
El cuerpo y la transformación
El cuerpo humano aparece como espacio de lucha y deformación, elemento central del horror físico.
El humor en el terror
Raimi utiliza la exageración y el absurdo como forma de aliviar la tensión y mantener el ritmo.
El mal como presencia abstracta
la amenaza no tiene rostro ni explicación; es una fuerza invisible que domina el espacio.
El héroe accidental
Ash evoluciona de víctima a figura central del género, caracterizado por su resistencia y su humor.
El estilo visual
el movimiento de cámara se convierte en protagonista, representando la energía descontrolada del mal.
Preguntas para el debate
¿Por qué Evil Dead II logra equilibrar el miedo y la risa sin perder tensión?
¿Qué aporta su lenguaje visual al cine de terror moderno?
¿Puede considerarse una parodia del propio género o una evolución dentro de él?
La banda sonora
Joseph LoDuca compone una música que combina orquesta, sintetizadores y sonidos ambientales. El resultado es una partitura que refuerza tanto las escenas de terror como las de humor grotesco. Los efectos sonoros —voces distorsionadas, risas, golpes— actúan como parte de la atmósfera, integrados en la narración sonora.
Historia de Evil Death II
Producción y rodaje
Después del éxito del primer Evil Dead, Raimi y Bruce Campbell repitieron colaboración con un presupuesto mayor y la producción de Dino De Laurentiis. El rodaje se realizó en Carolina del Norte, en condiciones técnicas complejas debido a la cantidad de efectos prácticos y maquillaje. Raimi empleó innovaciones en cámara y montaje para intensificar la sensación de movimiento.
Recepción y legado
En su estreno, la película sorprendió por su tono autoparódico y su creatividad visual. Con el tiempo se consolidó como una de las obras más influyentes del cine de terror moderno. Críticos como los de Empire o The New York Times destacaron su originalidad y su mezcla de géneros.
El éxito posterior dio lugar a Army of Darkness (1992) y a la serie Ash vs Evil Dead (2015–2018).
Importancia en el cine contemporáneo
Evil Dead II redefinió la forma de entender el terror en los años ochenta, abriendo paso a un estilo más autorreferencial y dinámico. Su influencia se percibe en directores como Peter Jackson, Edgar Wright o Robert Rodriguez, y en películas que combinan humor y horror como Shaun of the Dead o Cabin in the Woods.
Sam Raimi (Michigan, 1959) es un cineasta estadounidense conocido por su estilo visual enérgico y su capacidad para unir humor y terror. Tras dirigir Evil Dead (1981) y Evil Dead II (1987), alcanzó gran reconocimiento con Spider-Man (2002–2007). Su obra se caracteriza por el uso de cámara dinámica, montaje acelerado y una visión creativa del miedo como espectáculo cinematográfico.
The Rocky Horror Picture Show (Jim Sharman, 1975). Transgresión, · identidad, ritual
Acerca de
La cuarta entrega del ciclo “Terroríficamente divertidas” es The Rocky Horror Picture Show (El show de terror de Rocky), el clásico de Jim Sharman que revolucionó el cine musical y de culto con una mezcla irreverente de ciencia ficción, humor absurdo y horror camp. Estrenada en 1975, la película fue una rareza en su tiempo: un espectáculo capaz de desafiar normas sociales tradicionales y construir un universo de liberación sexual y expresividad sin precedentes.
Sharman, junto con el creador Richard O’Brien, logra equilibrar la extravagancia visual con una crítica social velada. Dos recién prometidos, Brad y Janet, sufren una avería y buscan refugio en un castillo habitado por el extravagante Dr. Frank-N-Furter, un científico travesti que ha creado a Rocky Horror, un hombre perfecto. Lo que sigue es un viaje a lo surrealista y camp donde lo cotidiano se trastoca en una fiesta de identidad y deseo desbordado.
Sinopsis
Brad y Janet, una pareja tradicional y conservadora, se ven atrapados en la noche más inesperada de sus vidas al llegar por accidente al castillo del Dr. Frank-N-Furter. Allí participan en una extravagante convención donde la sexualidad se libera sin tabúes y la cultura camp explota en números musicales y personajes excéntricos. Frank-N-Furter seduce a ambos jóvenes, presentando a su creación Rocky Horror, mientras la fiesta da paso a la revelación, la violencia y finalmente la destrucción por parte de sus sirvientes Riff Raff y Magenta, originarios de la galaxia Transilvania.
Temas que aborda The Rocky Horror Picture Show
Identidad y liberación sexual: Un cuestionamiento radical de las normas de género y sexualidad.
La cultura camp como celebración y crítica social.
Parodia del cine B, ciencia ficción y horror clásicos.
La ruptura de paradigmas conservadores a través del humor y la extravagancia.
El poder del deseo y la transformación como motores de la historia.
El debate. Preguntas para reflexionar:
¿Qué simboliza Frank-N-Furter como figura de la liberación y subversión? ¿Hasta qué punto The Rocky Horror Picture Show desafía o reafirma estereotipos? ¿Cómo influye la cultura camp en la recepción de la película? ¿Es Frank-N-Furter un monstruo, un héroe o ambas cosas? ¿Qué papel juega el espectador en la experiencia interactiva que ofrece esta película de culto?
Historia de la película The Rocky Horror Picture Show
The Rocky Horror Picture Show se estrenó en 1975 y no fue un éxito inmediato, pero el boca a boca y las sesiones de medianoche la convirtieron en un fenómeno que trasciende generaciones. El carisma de Tim Curry como Frank-N-Furter es icónico. La película ha inspirado incalculables representaciones teatrales, celebraciones y una comunidad de seguidores que mantienen vivo su legado.
La película nace del musical original creado por Richard O’Brien y fue dirigida por Jim Sharman, quien junto a su equipo logró trasladar al cine un espectáculo que desafiaba las convenciones. En una época de restricciones morales, la audacia de la cinta fue inusual, pero la libertad creativa y temática que ofrecía resultó revolucionaria para su tiempo, abriendo camino para la representación queer y la cultura camp en el cine.
Recepción de la crítica
En su estreno, la película dividió opiniones, siendo alabada por su originalidad y criticada por su contenido poco convencional. A lo largo de los años, ha sido revalorizada como una obra maestra de culto, con su mezcla de humor, música y provocación humana como elemento clave para crear una comunidad que celebra la diversidad y la irreverencia.
Éxito comercial y cultural
Aunque no fue un éxito inmediato en taquilla, The Rocky Horror Picture Show se consolidó como película de culto con proyecciones en cines de medianoche y un público que interactúa con la cinta, haciendo de cada sesión una experiencia colectiva única. Su banda sonora, llena de canciones pegadizas y números icónicos, es parte fundamental de su encanto.
Cómo se convirtió en película de culto
El fenómeno de las proyecciones interactivas supuso que la película no solo se viera sino se viviera, con disfraces, diálogos y actuaciones simultáneas en las salas. Este tipo de vínculo con el público reforzó su esencia de celebración de la diferencia y libertad.
Qué significa para el cine actual
The Rocky Horror Picture Show es un referente imprescindible en la representación queer, el cine musical y el camp. Mostró que el cine puede ser un espacio de liberación, cuestionamiento y transformación social mediante el humor y la extravagancia.
Influencia en otras películas y directores
El legado de Rocky Horror se puede rastrear en el cine independiente, las representaciones teatrales queer y el cine musical moderno. Su influencia cultural atraviesa géneros y generaciones. Figuras icónicas como John Cameron Mitchell y directores de cine queer citan la película como un icono que cambió las reglas del cine.
En resumen
The Rocky Horror Picture Show es mucho más que una comedia musical o una película de terror: es una reflexión festiva sobre la identidad, la liberación y la celebración radical de la diferencia que sigue inspirando y reuniendo a un público diverso y apasionado.
Con canciones como “Time Warp” y “Sweet Transvestite”, la música es una parte esencial que conjuga el espíritu rebelde y lúdico de la película, siendo un jukebox atemporal que acompaña las transformaciones y emociones intensas de sus personajes.
Acerca del director
Jim Sharman, director visionario, y Richard O’Brien, creador y autor del musical original, combinaron su talento para crear una obra que trastocó los cánones culturales de su época y se mantiene vigente como un ícono del cine de culto y la cultura pop.
Punto de encuentro y planning de la velada
El punto de encuentro será en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) el próximo martes a las 19:30h.
Las veladas se dividirán en tres partes. La primera media hora la dedicaremos a tomar algo, a presentar la película y a conocernos. Después a las 20:00h tendremos la proyección. Todas las proyecciones se realizan en VOSE. Para finalizar tendremos un coloquio que durará hasta las 23:00h.
¿Cómo será el coloquio?
Los encuentros son participativos y queremos conocer vuestra opinión para que se pueda generar un debate abierto y constructivo. No es necesario conocimiento de cine para participar y es más, huimos del conversador pedante ya que para ellos tenemos a la wikipedia. ¡Queremos que cada martes seamos capaces de generar algo fantástico y diferente!. ¡Queremos saber lo que sientes y que seas capaz de contarlo!
A partir del tema de discusión y de lo visto en la película, las historias personales son bienvenidas y además, son una buena forma de dar a conocer lo que pensamos y lo que sentimos. ¡Nuestro deseo es que participes y seas activo!
Cine y el debate siempre van de la mano, y por eso queremos que te hagas fan de nuestro conejo blanco con un solo ojo.
¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas
El coste de inscripción a la sesión de debate y coloquio es gratuita para los socios de Happening Madrid y para el resto aquello con lo que deseéis y podáis participar con
– Una aportación de 3€ ó
– Una aportación de 5€
El pago lo podéis hacer por bizum al 654.80.54.37 o allí mismo al finalizar el cine debate.
y además debés de reservar por whatsapp en cualquiera de estos números.
Muchas e interesantes propuestas os traemos para este finde: La merienda perfecta del Nubel, la exposición de Maruja Mallo en el Museo Reina Sofia, el festival de la música y la tapa en Lavapiés con la 15 edición de Tapapiés, las tapas de la Refiná en Carabanchel, el festival de conciertos en Madreams con Jota Ke Iberikal Pak y The wrong Pills, el excelente tapeo del Malamé en el Mercado de Tirso de Molina y ya para terminar la inauguración de el tardeo Ciento Cero Madrid en el Teatro Magno con Second.
Las tardes de viernes de merienda en Nubel y exposición en el Museo Reina Sofía son ideales para calentar motores para el fin de semana. Esta vez nos vamos a ver la exposición de Maruja Mallo, Máscara y Compás. Antes probaremos lo que dicen que es “la merienda perfecta”
Siguiendo la costumbre inglesa de la hora del té desde Nubel nos proponen este British Afternoon Tea que nos parece un auténtico lujo asiático. Por 19€ nos vamos a zampar todo esto que podéis ver en este enlace:
Si queréis esta impresionante merienda tendréis que reservarla y pagarla en este enlace. La reserva hay que hacerla para el viernes 17 de octubre a las 17:00h
La exposición de Maruja Mallo, Máscara y compás estará en la planta primera del Edificio Sabatini del Museo Reina Sofía desde el 8 de octubre de 2025 hasta el 16 de marzo de 2026
La exposición reúne cerca de 200 obras —pinturas, dibujos, fotografías y documentos— que recorren la trayectoria de Maruja Mallo (1902–1995), una de las artistas más singulares del siglo XX español. Integrante de la Generación del 27 y vinculada a la Escuela de Vallecas, Mallo cultivó un arte libre, entre lo popular, lo mítico y lo geométrico. El título, Máscara y compás, condensa sus dos grandes ejes: la máscara como símbolo de identidad mutable y el compás como principio de orden y armonía.
El recorrido arranca con las Estampas y Verbenas (1927–1928), donde reinterpreta las fiestas populares con una mirada moderna y democrática, y sigue con la visión apocalíptica de Cloacas y campanarios (1929–1932), cercana al surrealismo. Tras la Guerra Civil y su exilio en Argentina, crea La religión del trabajo (1936–1939), homenaje a la mujer trabajadora. En América desarrolla también Naturalezas vivas, Cabezas de mujer y Máscaras, series en las que fusiona cuerpo, naturaleza y geometría.
En sus últimas etapas, con Moradores del vacío y Viajeros del éter, su pintura alcanza una dimensión cósmica y abstracta, buscando la comunión entre lo humano, lo animal y lo divino. La muestra revela la vigencia estética y política de su pensamiento: un arte que, en palabras de la propia Mallo, transita “de la geografía a la cosmografía.”
Toda la información acerca de esta expo la podéis obtener en este enlace
El punto de encuentro será en NuBel está ubicado en el Edificio Nouvel del Museo Reina Sofía, en la Calle Argumosa, 43 donde quedaremos a las 17:00h del viernes 10 de octubre de 2025. Tras zamparnos la suculenta meriendo entraremos al museo para ver la exposición.
La exposición está en la planta primera del Edificio Sabatini. La veremos de 19:00h a 20:20h. A las 20:20h iremos al patio del museo para disfrutar de su belleza-y saldremos a las 20:45h por la puerta principal de Edificio Sabatini
Viernes 10 21:15h Tapapiés 2025. Por Argumosa y Salitre (Jarana, La Buga, Caminito)
Disfrutaremos de las tapas de más de 100 bares y restaurantes en esta 15 edición de Tapapiés, el Festival Multicultural de Tapas y Música de Lavapiés!. Del 16 al 26 de octubre. Con conciertos, pasacalles y espectáculos gratuitos.
Cada establecimiento servirá una tapa exclusiva por 3’5€, acompañada de un botellín o caña El Águila Dorada, con la opción de degustar solo la tapa por 2’5€. También se ofrece para celíacos el combo sin gluten tapa + tercio Cruz Campo Especial Sin Gluten por 4€. A los bares y restaurantes del barrio se suman de nuevo los puestos de los Mercados de San Fernando y Antón Martín.
La ruta que haremos comenzará en Jarana Gastro & Show (Calle Argumosa, 16) a las 21:15h con su Perdona Bonita (Cerdo desmenuzado con crujiente cebolla encurtida y mayonesa sriracha sobre pan brioche)
Luego continuaremos por La Buga Del Lobo (C/ Argumosa, 11) a las 22:00hcon su El Pepito Del Lobo. Carrillera al Pedro Ximénez con cebolla caramelizada y crispi en brioche. Un bocado feroz con alma ibérica
Tercera parada en Caminito (C/ Salitre, 27) con su Humita Argentina a las 22:45h– Volcán de humita argentina relleno de queso azul, provolone, parmesano, puerro confitado, pimiento morrón y maíz dulce con salsa de cebolla y nuestro exclusivo chimichurri
Luego ya de copas por la zona.
Sábado 18 20:00h Tapeo (La Refiná) – Conciertos Madreams (Jota Ke Iberikal Punk & …)
Plan para disfrutar del ambiente cultural alternativo que se respira en el barrio de Carabanchel con un tapeo muy especial en La Refiná y los conciertos tan underground de Madreams Music para finalizar con una sesión Dj hasta la madrugada.
20:00h La Refiná
Desde el corazón de Carabanchel…a las 20:00h vamos a probar la oreja de La Refiná, que también tiene otras cosas muy ricas.
Sobre las 21:00h nos vamos al festival de conciertos en Madreams Music (Avenida Pedro Diez, 28 primera planta) con Jota Ke Iberikal Punk (presentación), Hijos de la Kalle y The Wrong Pills, que nos van a hacer saltar y bailar..
Después de los conciertos una estupenda sesión Dj.
Aquí tenéis más información de este pequeño festival
Un domingo happening excepcional con rica comida del Mercado de Tirso de Molina en el Malamé y después un supertardeo indie en el Teatro Magno con una sesión de inauguración de Ciento Cero Madrid con Second DJ set enla que tendremos lista de entrada para poder pasar gratis a cualquier hora.
Puedes ir al tapeo (15:00h) o solo al tardeo (estaremos a partir de las 17:45) o a las dos cosas.
15:00h El Tapeo en Malamé
A las 15:00h quedamos en el Malamé del Mercado de Tirso de Molina con sus cosas exquisitas que tanto nos gustan (torreznos, carne al toro..). La relación es excepcional.
Allí estaremos hasta las 17:00h.
17:45h El tardeo Ciento Cero Madrid
Iremos a la inauguración de una superfiesta tardeo para los domingos por la tarde en una disco emblemática de Madrid como es el Teatro Magno (C. de Cedaceros, 7, Centro, 28014 Madrid).
Para la inaguración se contará con al grupo Second en formato Dj Set entre otros.
Cientocero es tu nuevo club para bailar música indie y hits atemporales en Madrid los domingos por la tarde. Todo esto en una de las mejores salas de Madrid.
Tendremos lista (Lista de Ángel Chamorro) que nos permitirá pasar a cualquier hora de la tarde gratuitamente.
Si queréis sacar entradas con consumición en este enlace
El punto de encuentro será a las 14:30h en el Malamé del Mercado de Tirso de Molina el sábado 30 de diciembre. La dirección es la –Calle de Doña Urraca nº 15 en el Barrio de Puerta del Ángel. Se encuentra muy cerca de la estación de <M> de Puerta del Ángel de la línea 6 (la circular). (Recordad que está en obras y hay que ir en los autobuses)
Estaremos comiendo y de sobremesa desde las 15:00h hasta las 17:00h. A las 17:00h nos iremos al tardeo en la Calle Cedaceros. LLegarmos sobre las 17:45h
También te puedes hacer socio de Happening Madrid por 50€ al año y de esta manera te saldrán gratuitos la mayoría de nuestros planes y además tendrás descuentos en muchos conciertos. El pago para hacerse socio se realiza en las formas antes indicadas.
Resumen Experiencias Happening
Vie 17 17:00h Merienda Perfecta (Nubel) Vie 17 19:00h Exposición Maruja Mallo (Museo Reina Sofía) Vie 17 21:15h Tapapiés 2025. Jarana GastroBar Vie 17 22:00h La Buga del Lobo Vie 17 22:45h Caminito Vie 17 23:00h Copas por Lavapiés
Sáb 18 20:00h Carabanchel. La Refiná.Tapeo Sab 18 21:00h Madreams Music. Hijos de la Kalle – The Wrong Pills – Jota Ke Iberikal Punk
Sab 18 24:00 Sesión Dj
Dom 19 15:00h Mercado de Tirso de Molina. Malamé. Tapeo Dom 18 17:45h El tardeo Ciento Cero Madrid en el Teatro Magno
En octubre pensamos sobre nosotros con historias del espacio exterior. En nuestro cine debate “Un Conejo con Ojo”, desde el corazón de El Rastro y Lavapiés, proponemos un viaje a la ciencia ficción setentera, un ciclo que nos trae cuatro maravillosos metrajes: Solaris, Silent Running, Phase IV y The Man Who Fell to Earth. Cuatro maneras de preguntarnos qué es memoria, qué merece ser salvado, quién manda en la Tierra y qué significa caer aquí, en nuestro mundo.
Desde el infinito silencio estelar, con conmovedor asombro proponemos el universo como espejo de nuestro yo interior.
Martes 7 — SOLARIS (Andréi Tarkovski, 1972, 167 min) Martes 14 — SILENT RUNNING (Douglas Trumbull, 1972, 89 min) Martes 21 — PHASE IV (Saul Bass, 1974, 84 min) Martes 28 — THE MAN WHO FELL TO EARTH (Nicolas Roeg, 1976, 139 min)
¡Nos esperan unas apasionantes veladas de pensamiento y ciencia ficción!
Te esperamos cada martes a las 19:30h en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) para compartir maravillosa películas y debates. Acompáñanos en esta nueva aventura cinematográfica de la mano de nuestro conejo blanco con un solo ojo.
Solaris (Andréi Tarkovski, 1972, 167 min). La culpa y el recuerdo.
“Un océano que recuerda. ¿Puede desatarse la memoria como una fuerza de la naturaleza y tornarse física?”
Acerca de
En nuestro ciclo Un Conejo con Ojo:’70s Philosophical Sci-Fi os traemos el vértigo de la conciencia desde el silencio estelar.Solaris (1972), de Andréi Tarkovski, es un viaje a esa frontera donde el duelo y el deseo levantan fantasmas de carne y recuerdoa. Un psicólogo, Kris Kelvin, llega a una estación espacial en órbita de un planeta-océano y descubre que el monstruo no está afuera: el planeta piensa… y nos devuelve aquello que amamos y no supimos mantener. Solaris es uno de los hitos mayores de la ciencia ficción metafísica.
La estación orbital sobre Solaris no gira alrededor de un planeta, gira alrededor de la culpa. Tarkovski filma el pensamiento con la paciencia de una marea: los muertos vuelven no como fantasmas, sino como posibilidades no resueltas en el pasado y que buscan otra oportunidad. Mientras la ciencia observa, la fe escucham y entre ambas se abre un abismo interminable.
Solaris fue estrenada en 1972 y basada en la novela de Stanisław Lem. La película está protagonizada por Donatas Banionis y Natalya Bondarchuk. El guion es de Tarkovski y Fridrikh Gorenshtein. La duración es de 165 min.
La fotografía de Vadim Yusov compone un espacio vivido y melancólico: metal envejecido, luz lechosa, naturaleza como patria perdida. La banda sonora de Eduard Artemyev alterna electrónica espectral con la plegaria de Bach (“Ich ruf’ zu dir, Herr Jesu Christ, BWV 639”), que funciona como hilo de memoria en medio del vacío
La banda sonora
La partitura fue compuesta por Eduard Artemiev, pionero de la música electrónica en la Unión Soviética, quien experimenta con sonidos abstractos y ambientes que dialogan con la imagen y la memoria. Se usó un sintetizador optoelectrónico ANS (inventado por Evgueni Murzin), que permite transformar gráficas visuales en sonido —un puente entre imagen y música.
Ese contraste entre lo clásico y lo experimental está marcado por el uso del poema coral Ich ruf’ zu dir, Herr Jesu Christ, BWV 639 de J. S. Bach, adaptado como tema terrestre frente a los pasajes más etéreos del cosmos
Hari, la “visitante”, tiene su propio subtema: un cantus firmus basado en Bach pero retocado por Artemiev, que suena en los momentos de crisis emocional (su muerte, la confrontación final). Discogs+4Wikipedia+4Wikipedia+4
El estilo
En Solaris, Tarkovski filma el pensamiento como si de un paisaje se tratara, convirtiendo en contemplación cada instante del tiempo que pasa. Es ciencia ficción íntima con menos cacharrería y más dolor humano. Es una película con herencia espiritual donde la nave parece un monasterio flotante y la música sacra nos azota el alma.
Veremos
El tiempo como materia con planos largos que nunca aburren.
El espacio doméstico de nuestro hogar en el espacio exterior: Bibliotecas, fotografías, mesa. Nuestra intimidad se convierte en una nave.
La ética del recuerdo ¿cura o reprogramación?
Debatiremos
Si la memoria tiene peso, ¿a quién aplasta?
¿Qué puede significar amar a un doble de nuestra culpa?
¿Es Solaris un dios, un espejo o una criatura sin intención?
La segunda entrega de nuestro ciclo de este mes 70s Philosophical Sci-Fi nos trae Silent Running (Naves Misteriosas). En Silent Running un jardinero espacial solitario custodia las últimas cúpulas-invernadero de la Tierra a bordo del Valley Forge. Cuando ordenan destruirlas, el deber se rompe y nace la desobediencia: tres drones (Huey, Dewey y Louie) como compañeros, un bosque flotando en mitad de la nada y una decisión que pesa aún más que la gravedad. Trumbull filma una elegía: ciencia ficción íntima donde la utopía cabe en una pequeña maceta… y el precio se paga en silencio.
Los temas de los que hablaremos en este debate serán sobre las obligaciones éticas y morales frente, la desobediencia como arma para acabar con la falta de conciencia de las corporaciones, el cuidado de la tierra y el medio ambiente, del futuro que deseamos, de la esperanza.
Sinopsis
En el siglo XXI, la Tierra ha perdido su vegetación. Los últimos bosques sobreviven en tres naves invernadero que orbitan Saturno. Freeman Lowell, botánico a bordo de la Valley Forge, los cuida con la idea de replantarlos algún día en el planeta.
De pronto llega la orden: destruir las cúpulas y regresar. Lowell se niega. Toma el control de la nave, elimina a sus compañeros y huye más allá de los anillos. Con la ayuda de dos drones, Huey y Dewey, reprogramados para hacer de jardineros, intenta mantener con vida el último jardín y protegerlo de quien quiera borrarlo.
La música de Silent Running
La banda sonora de Silent Running fue compuesta por Peter Schickele, un músico con formación clásica que optó por un tono íntimo y melancólico, que queda muy lejos de otras bandas sonoras de películas de ciencia ficción de la época. La música acompaña el ritmo cotidiano del protagonista: regar las plantas, revisar sistemas, mirar el vacío. Las cuerdas y maderas crean una atmósfera tranquila, casi doméstica, que refuerza la idea de un espacio exterior convertido en refugio.
A esa base se suman dos canciones interpretadas por Joan Baez, escritas junto a Diane Lampert: “Rejoice in the Sun” y “Silent Running”. Ambas funcionan como la voz emocional de la película. La primera es un canto esperanzado a la vida y al vínculo con la naturaleza; la segunda, una balada triste sobre la pérdida y la soledad.
El contraste entre las imágenes frías del espacio y la calidez folk de Joan Baez da a la película una identidad única. Su voz introduce un tono humano y nostálgico que convierte esta historia ecológica en algo más que una fábula futurista. Silent Running es una reflexión sobre lo que se pierde cuando la Tierra deja de ser hogar.
Veremos
En Silent Running veremos el cuidado de invernadero como una liturgia, la ternura de los robots, el sacrificio del protagonista por conserva la naturaleza en la Tierra.
Debatiremos
Hablaremos de la desobediencia como única salida ética para salvar la naturaleza frente a la voracidad sin límites de las empresas y del sistema en general.
Nos preguntaremos si una máquina puede custodiar mejor la vida que nosotros
Preguntas
Si para salvar el bosque haz de traicionar a tus iguales, ¿qué es “hacer lo correcto”?
¿En qué momento la convicción de Lowell cruza hacia la violencia, y cómo nos hace sentir esa frontera?
¿Por qué los robots nos conmueven? ¿Qué aprendemos de su “aprendizaje” de cuidado?
¿Es Silent Running una distopía o una parábola esperanzada?
¿Qué nos dice hoy, en plena crisis climática, ese jardín a la deriva?
Douglas Trumbull fue uno de los grandes artesanos visuales del cine moderno. Antes de dirigir Silent Running (1972), ya había dejado su impronta como responsable de los efectos especiales de 2001: Una odisea del espacio. Aunaba obsesión tanto por la verosimilitud científica como por la poesía de la imagen tratando a la tecnología como una herramienta para pensar y no solo para impresionar. Trumbull venía del mundo de la ingeniería y la animación, y eso se nota en su forma de construir los mundos: meticulosa, artesanal y con una sensibilidad casi humanista hacia la máquina.
Silent Running es su primera película como director.Filmó la historia de un hombre que decide proteger la vida en medio del vacío, y lo hizo con recursos modestos pero una enorme fe en lo que hacía. Más tarde volvería a revolucionar el cine con los efectos de Close Encounters of the Third Kind y Blade Runner, demostrando que su mirada unía técnica y emoción. Su carrera es breve en títulos, pero decisiva: enseñó que el futuro podía filmarse con las manos y con melancolía.
Recepción de la crítica
Cuando se estrenó en 1972, Silent Running no tuvo un gran éxito comercial, pero sí despertó una atención inmediata entre la crítica. Muchos la vieron como una rareza: una película de ciencia ficción sin héroes ni batallas, centrada en la ética y la soledad. Algunos medios estadounidenses elogiaron la interpretación de Bruce Dern, intensa y frágil a la vez, y destacaron la sensibilidad visual de Douglas Trumbull, capaz de convertir maquetas y efectos ópticos en un espacio creíble y emotivo.
Silent Running no tuvo un recorrido festivalero amplio en su estreno. Llegó a los cines en 1972 bajo el sello de Universal Pictures, y su lanzamiento fue más bien discreto, pensado para el circuito comercial de ciencia ficción posterior a 2001: Una odisea del espacio. No pasó por Cannes ni Berlín —el género aún no gozaba de ese tipo de reconocimiento—, aunque con los años ha sido recuperada en retrospectivas y ciclos dedicados al cine ecológico y a los pioneros de los efectos especiales, especialmente en festivales como Sitges o en muestras de ciencia ficción clásica.
En cuanto a su recepción actual, las valoraciones son sólidas. En Rotten Tomatoes, la película mantiene una puntuación cercana al 70% de aprobación por parte de la crítica y más del 75% entre el público, lo que refleja su condición de título de culto más que de éxito masivo. En IMDb, su nota ronda el 6,6/10, mientras que en FilmAffinity obtiene una media de 6,4, con reseñas que destacan su sensibilidad ecológica y el tono melancólico de su narrativa. En conjunto, se la considera una pieza menor en cuanto a éxito pero de influencia que, sin pretenderlo, abrió una rama poética dentro de la ciencia ficción.
También recibió críticas negativas por su tono moralista y su ritmo pausado. A parte del público le resultó demasiado contemplativa, más cerca de una parábola que de una aventura. Con el paso del tiempo, esa mezcla de lirismo y activismo la convirtió en una obra de culto. Hoy se la reconoce como una de las primeras películas ecológicas del cine moderno y un antecedente directo de la ciencia ficción introspectiva (como Solaris) que llegaría años después, de Moon a Wall·E.
Phase IV (Soul Bass, 1974, 93 min). La inteligencia colectica
“Ellas nos miran. El planeta cambia de dueño en silencio.”
Acerca de Phase IV
La siguiente entrega de nuestro ciclo ’70s Philosophical Sci-Fi nos trae Phase IV, el único largometraje dirigido por Saul Bass: ciencia ficción entomológica. En el desierto, dos científicos tratan de comprender a unas hormigas que han “despertado”. No hay invasión ruidosa: hay patrones, geometrías, señales. Laboratorios mínimos, planos macro y una paz inhumana que avanza sin estridencias.
En el debate hablaremos de antropocentrismo y humildad científica (¿sabemos mirar lo no humano?), de la comunicación interespecífica y el problema de traducir patrones, de mente-colmena y diseño frente al individuo, de orden y control (¿quién ordena a quién?), de ecología sin sentimentalismo —el planeta como sistema que se reconfigura— y del dilema final: ¿cómo coexistir cuando ya no somos el centro?
Sinopsis
Planteada casi como un documental, la película sigue a dos científicos que estudian un cambio anómalo en las hormigas del desierto: se coordinan con una inteligencia nueva. El experimento se convierte en prueba de una hipótesis inquietante: si las hormigas alcanzaran nuestra capacidad intelectual, el mundo sería suyo. Es el único largometraje dirigido por Saul Bass, célebre creador de títulos de crédito, aquí al mando de una ciencia ficción sobria y observacional.
La música de Phase IV
La música de Phase IV fue compuesta por Brian Gascoigne. Está construida principalmente con sintetizadores analógicos, efectos electrónicos y coros tratados con eco. Su función no es acompañar las escenas de forma emocional, sino crear una atmósfera de extrañeza y tensión constante.
Gascoigne utiliza sonidos muy controlados y repetitivos que evocan el comportamiento de las hormigas y el entorno desértico donde se desarrolla la película. No hay melodías reconocibles ni ritmo marcado, sino capas de frecuencias que cambian lentamente y generan sensación de observación y amenaza.
El resultado es una banda sonora experimental que refuerza la idea central del film: la presencia de una inteligencia no humana y el intento de comunicación con ella. Actualmente puede escucharse completa gracias a varias reediciones en vinilo y formato digital.
Brian Gascoigne
Brian Gascoigne (Shropshire, Reino Unido, 1943) es un compositor, teclista y arreglista británico. Su nombre aparece asociado a varias producciones de cine y televisión entre los años setenta y ochenta, siempre en proyectos donde la música electrónica tenía un papel central.
Fue el autor principal de la banda sonora de Phase IV (1974), en la que trabajó junto a Desmond Briscoe y David Vorhaus en la creación de texturas sonoras electrónicas. También participó en otros títulos como The Emerald Forest (1985), compuesta junto a Junior Homrich, y colaboró en la parte electrónica de The Dark Crystal (1982) y Labyrinth (1986).
Su estilo combina orquestación tradicional con sintetizadores analógicos y técnicas de manipulación de sonido que, en su época, eran aún experimentales. Aunque su nombre no es ampliamente conocido, su trabajo ayudó a integrar la música electrónica en la narrativa cinematográfica, más allá del uso meramente ambiental o decorativo.
La fotografía de Phase IV
La fotografía de Phase IV estuvo a cargo de Dick Bush, con las secuencias de insectos filmadas por Ken Middleham, especialista en macrofotografía. El resultado es una imagen que alterna lo científico y lo hipnótico: planos cerrados que convierten a las hormigas en criaturas gigantescas y panorámicas del desierto resaltando su geometría casi abstracta.
La cámara se usa de manera analítica y documental, como si registrara un experimento. Esa distancia visual transmite la idea de que la naturaleza observa y actúa. La iluminación seca, los tonos terrosos y las composiciones geométricas crean un espacio de tensión constante.
El debate de Phase IV. Los temas fundamentales
La película muestra el choque entre la inteligencia humana y una nueva mente colectiva surgida en la naturaleza. A través de la evolución de las hormigas, se cuestiona la idea de dominio humano y el poder real de la ciencia frente a lo desconocido.
En Phase IV hablaremos sobre: Evolución y cambio: una especie pequeña rompe el orden natural y altera la jerarquía de la vida. Comunicación: los humanos intentan entender, pero el lenguaje no alcanza para descifrar una lógica ajena. Control y adaptación: la ciencia busca imponer su método, pero termina transformada por el fenómeno que estudia. Naturaleza como sujeto: la naturaleza actúa con propósito y estrategia, desplazando al ser humano del centro.
Preguntas para el debate
¿Qué límites muestra la película en la manera científica de entender el mundo?
¿Qué tipo de inteligencia representan las hormigas?
¿Es una historia sobre amenaza o sobre evolución?
¿De qué modo Phase IV critica la visión humana de superioridad sobre la naturaleza?
¿Qué significado puede tener la transformación final de los protagonistas?
Saul Bass (1920–1996) fue un diseñador gráfico y director de cine estadounidense. Es uno de los grandes innovadores del lenguaje visual del siglo XX.
Se hizo famoso por sus títulos de crédito para películas como Vértigo, Psicosis o Anatomía de un asesinato, donde transformó una rutina del cine en una forma de arte. Sus diseños minimalistas, basados en formas geométricas y ritmo visual, influyeron en generaciones enteras de cineastas y publicistas.
Como director solo realizó un largo: Phase IV (1974). En él llevó su estilo gráfico al terreno narrativo, combinando imágenes científicas, composición geométrica y una mirada casi documental sobre la naturaleza. La película no tuvo éxito comercial, pero con el tiempo se convirtió en una obra de culto por su estética única y su reflexión sobre la inteligencia no humana.
Bass también trabajó en identidad corporativa —creó logotipos para AT&T, United Airlines o Minolta— y dejó una huella duradera en la forma en que el cine y la publicidad piensan la imagen.
The man who fell to earth (Nicolas Roeg, 1976, 139 min). La condición humana.
“Llegó para amar. Se quedó para perderse.”
Acerca de
La última entrega de nuestro ciclo ’70s Philosophical Sci-Fi nos trae The Man Who Fell to Earth, de Nicolas Roeg que se tradujo como “El hombre que cayó a la Tierra”. Ciencia ficción existencial con rostro de David Bowie. Un ser venido de otro planeta llega a la Tierra en busca de agua para salvar a los suyos. Con su inteligencia superior construye un imperio tecnológico, pero la codicia humana y el peso del deseo lo arrastran hacia la ruina. Roeg narra la caída de un visitante del espacio que llega con un propósito y acaba derrotado por el mundo que intenta entender. Su mirada limpia se corrompe al contacto con la ambición y la soledad humanas.
En el debate hablaremos de identidad y desarraigo, del capitalismo como enfermedad contagiosa, del cuerpo como prisión del alma, de la mirada extraterrestre sobre la Tierra, y de cómo la modernidad devora incluso a sus propios dioses tecnológicos.
Sinopsis
Un ser llegado de otro planeta aterriza en la Tierra con una misión: encontrar agua para salvar a los suyos. Bajo una identidad humana, crea una poderosa empresa tecnológica para financiar su regreso, pero el contacto con la sociedad moderna lo transforma. El dinero, el sexo, el poder y la ambición lo alejan de su propósito inicial. Aislado y vulnerable, acaba convertido en una sombra de lo que fue, víctima del mismo sistema que intentó entender.
La película aborda varios temas que se entrecruzan:
La alienación: tanto del ser que llega como de los humanos que lo rodean; todos están desconectados, incapaces de vincularse de verdad.
El capitalismo y la corrupción del ideal: el poder económico sustituye la misión inicial del protagonista, mostrando cómo toda utopía se degrada al contacto con el dinero.
La identidad y la pérdida del yo: el extraterrestre adopta una forma humana y termina confundido con aquello que imita.
La soledad y el deseo: el amor y el sexo aparecen como intentos fallidos de conexión, marcados por la culpa y la distancia.
La vigilancia y el control: la mirada del Estado y la empresa convierten su vida en experimento y espectáculo.
La condición humana: el film se pregunta si el progreso tecnológico implica sabiduría o solo acelera nuestra descomposición moral.
Las preguntas para el debate
¿Qué representa realmente el extraterrestre: un salvador frustrado o un espejo de nuestra propia decadencia? ¿En qué momento deja de ser “otro” y pasa a ser uno de nosotros? ¿La tecnología que crea es un intento de redención o una nueva forma de colonización? ¿Por qué la soledad se vuelve el destino común de todos los personajes? ¿El capitalismo aparece aquí como fuerza destructiva o simplemente como parte inevitable de la condición humana? ¿Qué papel juega el deseo en su caída: lo humaniza o lo destruye?¿Podemos ver su historia como una metáfora del artista devorado por el sistema? ¿Qué dice la película sobre la idea de progreso y sobre nuestra fe en la ciencia como salvación? ¿Qué significado tiene la vigilancia constante que sufre: paranoia o advertencia? ¿Sigue siendo posible “venir de fuera” y no quedar atrapado por la lógica de este mundo?
La película. Crítica e historia
Estrenada en 1976, The Man Who Fell to Earth dividió a crítica y público. Muchos espectadores no entendieron su estructura fragmentada ni su ritmo hipnótico, alejados del cine de ciencia ficción convencional. Con el tiempo, la película fue revalorizada como una de las más personales y enigmáticas de Nicolas Roeg. Su estilo visual —montaje quebrado, saltos temporales, simbolismo erótico y tecnológico— influyó en generaciones posteriores de cineastas. La interpretación de David Bowie, en plena cúspide de su etapa más andrógina y experimental, convirtió al film en un icono cultural. Su personaje encarna la figura del extranjero que observa la Tierra con asombro y termina absorbido por su corrupción. Hoy es considerada una obra de culto por su audacia narrativa, su crítica a la deshumanización moderna y su capacidad para anticipar temas como la soledad tecnológica y la identidad líquida.
Nicolas Roeg fue un director y director de fotografía británico con una fuerte marca visual. Trabajó en producciones como Lawrence de Arabiay Fahrenheit 451antes de pasar a la dirección. Debutó con Performance (1970), seguida de Walkabout (1971),Don’t Look Now (1973) y The Man Who Fell to Earth (1976).
Su cine se caracteriza por el montaje no lineal, el uso del tiempo como elemento narrativo y la exploración de temas como el deseo, la identidad y la percepción. En The Man Who Fell to Earth aplicó su estilo fragmentado a la ciencia ficción, mostrando la incomunicación y el aislamiento del individuo moderno.
Roeg influyó en muchos realizadores posteriores, entre ellos Danny Boyle, Christopher Nolan y Steven Soderbergh. Su obra ocupa un lugar destacado en el cine británico de los años setenta por su riesgo formal y su mirada psicológica sobre la realidad.
David Bowie en el cine
David Bowie llevó al cine la misma energía mutante que marcó su carrera musical. Su físico andrógino y su presencia enigmática le permitieron encarnar personajes que desafiaban las fronteras entre lo humano y lo extraño. Debutó en The Man Who Fell to Earth (1976), donde su interpretación del alienígena Thomas Jerome Newton coincidió con su etapa de Ziggy Stardust, y fue leída como una extensión de su propio mito.
A lo largo de los años participó en películas de estilos muy distintos: Just a Gigolo (1978), Merry Christmas, Mr. Lawrence (1983), The Hunger (1983), Labyrinth (1986) o The Last Temptation of Christ (1988). En todas aportó una mezcla de vulnerabilidad y distancia que hacía creíbles sus personajes marginales o visionarios.
Bowie entendía el cine como otra forma de creación de identidades. No buscaba realismo, sino presencia. Su paso por la pantalla dejó una huella visual y simbólica que lo mantuvo como figura de referencia para directores, músicos y artistas de distintas generaciones.
Punto de encuentro y planning de la velada
El punto de encuentro será en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) el próximo martes a las 19:30h.
Las veladas se dividirán en tres partes. La primera media hora la dedicaremos a tomar algo, a presentar la película y a conocernos. Después a las 20:00h tendremos la proyección. Todas las proyecciones se realizan en VOSE. Para finalizar tendremos un coloquio que durará hasta las 23:00h.
¿Cómo será el coloquio?
Los encuentros son participativos y queremos conocer vuestra opinión para que se pueda generar un debate abierto y constructivo. No es necesario conocimiento de cine para participar y es más, huimos del conversador pedante ya que para ellos tenemos a la wikipedia. ¡Queremos que cada martes seamos capaces de generar algo fantástico y diferente!. ¡Queremos saber lo que sientes y que seas capaz de contarlo!
A partir del tema de discusión y de lo visto en la película, las historias personales son bienvenidas y además, son una buena forma de dar a conocer lo que pensamos y lo que sentimos. ¡Nuestro deseo es que participes y seas activo!
Cine y el debate siempre van de la mano, y por eso queremos que te hagas fan de nuestro conejo blanco con un solo ojo.
¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas
El coste de inscripción a la sesión de debate y coloquio es gratuita para los socios de Happening Madrid y para el resto aquello con lo que deseéis y podáis participar con
– Una aportación de 3€ ó
– Una aportación de 5€
El pago lo podéis hacer por bizum al 654.80.54.37 o allí mismo al finalizar el cine debate.
y además debés de reservar por whatsapp en cualquiera de estos números.
Llega septiembre y el comienza de la segunda temporada de nuestro cine debate “Un conejo con ojo”. En este nuevo año dedicaremos cada mes a un ciclo distinto. El de septiembre, bajo el título de Eros y Thanatos explorará el miedo y el deseo. El cine siempre ha explorado las grietas donde el deseo se encuentra con el miedo, con películas que combinan sexo y terror. En esa frontera, el cuerpo se convierte en escenario de lo prohibido, la carne vibra entre la entrega y la herida, y cada beso guarda el germen de un grito. Este ciclo propone un viaje a través de cinco obras que, desde distintas épocas y estilos, han sabido conjugar sexo y terror en un mismo latido.
2 de septiembre . It Follows (David Robert Mitchell, 2014) 9 de septiembre Crash (David Cronenberg, 1996) 16 de septiembre Raw (Grave, Julia Ducournau, 2016) 23 de septiembre Cat People (Paul Schrader, 1982) 30 de septiembre Shivers (David Cronenberg, 1975)
Cine Debate con It Follows. El deseo como maldición
Comenzamos el ciclo con It Follows el martes 2 de septiembre. Seguimos adentrándonos en los territorios donde lo íntimo se vuelve amenaza y donde el deseo abre la puerta a lo monstruoso. En nuestro ciclo de cine debate Un Conejo con Ojo: Eros y Thanatos, comenzamos con una de las películas más inquietantes de los últimos años: It Follows (2014), escrita y dirigida por David Robert Mitchell. Una historia en la que el sexo no es liberación, sino cadena; un acto que transmite una condena invisible, como si el propio placer llevara en su interior la semilla de la muerte.
Tras una relación sexual, Jay descubre que ha sido “marcada” por una presencia implacable que adopta distintas formas humanas y la persigue lentamente hasta alcanzarla. La única manera de librarse es transmitiendo la maldición a otra persona. Pero el mal no se extingue: se hereda. Así, lo erótico se transforma en paranoia, y la intimidad en territorio de miedo perpetuo.
Este thriller de terror contemporáneo combina elementos del slasher, el gótico suburbano y la alegoría social. Nos invita a preguntarnos si la verdadera condena es el ente que acecha, o el peso psicológico de sabernos portadores de un mal intransferible.
¡Nos espera una apasionante velada de deseo y sombras!
Te esperamos este martes a las 19:30h en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) para compartir una de las películas más enigmáticas de finales del siglo pasado. Acompáñanos en esta nueva aventura cinematográfica de la mano de nuestro conejo blanco con un solo ojo.
Acerca de It Follows
Estrenada en el Festival de Cannes de 2014, It Follows consolidó a David Robert Mitchell como una de las voces más originales del cine de terror reciente. La película se ganó el aplauso de la crítica internacional por su atmósfera sofocante, su puesta en escena y su capacidad para actualizar el mito del “mal sexualmente transmisible” con una estética inquietante y elegante.
La banda sonora, compuesta por Disasterpeace, aporta un pulso electrónico que late como un corazón enfermo. Sus sintetizadores retumban entre la melancolía ochentera y la ansiedad contemporánea, convirtiendo cada plano en un paisaje sonoro hipnótico.
La fotografía refuerza la sensación de amenaza difusa: planos abiertos, horizontes suburbanos donde cualquier figura que se acerque puede ser el monstruo. La cámara se mueve con lentitud obsesiva, como replicando el paso inexorable de la maldición.
Influencias y estilo
It Followsdialoga con:
Los slashers de los 70 y 80 (Halloween de John Carpenter, A Nightmare on Elm Street de Wes Craven).
El gótico suburbano de Stephen King y sus adaptaciones.
El cine de paranoia contemporánea (The Ring, Candyman).
Su estilo se nutre de la tradición y, al mismo tiempo, renueva el género con un tempo pausado y un terror más psicológico que explícito.
Recepción crítica
En Rotten Tomatoes cuenta con un 95% de aprobación, en IMDb con un 6,8/10, y en FilmAffinity con un 6,3/10. La crítica la describió como “una pesadilla urbana de aire retro y atmósfera opresiva”. Fue considerada una de las mejores películas de terror de la década de 2010.
Temas de debate de It Follows
Sexo y transmisión: ¿qué simboliza la maldición? ¿Es metáfora de las ETS, de la culpa o de la herencia del miedo?
Paranoia y vigilancia: ¿qué significa un ente que avanza despacio, pero sin detenerse jamás?
Juventud y herencia: ¿cómo dialoga la película con la idea de un mundo donde los jóvenes heredan los miedos de generaciones anteriores?
El plano abierto: ¿por qué la cámara insiste en mostrarnos espacios vacíos donde siempre puede aparecer una amenaza?
Eros y Thanatos: ¿cómo se entrelazan el deseo y la muerte en esta historia?
Cine Debate con Crash. Erotismo del metal y la carne
En el ciclo Un Conejo con Ojo: Eros y Thanatos seguimos transitando los territorios donde el deseo se funde con lo siniestro. Esta vez nos enfrentamos a una de las películas más perturbadoras y polémicas del cine contemporáneo: Crash (1996), dirigida por David Cronenberg. Una obra que convierte el accidente de tráfico en escenario erótico y el cuerpo herido en objeto de fascinación.
James Ballard, productor de televisión, sufre un accidente de coche que cambia su vida. En lugar de repulsión, descubre un mundo subterráneo de hombres y mujeres que experimentan una atracción sexual hacia los choques, las cicatrices y el metal retorcido. La colisión se convierte en rito iniciático, el dolor en estímulo, la herida en caricia.
En este filme, Cronenberg da un paso más allá en su obsesión por la “nueva carne”. Crash explora hasta qué punto el deseo humano puede desviarse hacia lo inconfesable, y cómo la tecnología y la máquina se funden con el cuerpo en un abrazo tan carnal como mortuorio.
¡Nos espera una velada sobrecogedora de carne y metal!
Te esperamos este martes a las 19:30h en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) para compartir una de las películas más enigmáticas de finales del siglo pasado. Acompáñanos en esta nueva aventura cinematográfica de la mano de nuestro conejo blanco con un solo ojo.
Acerca de Crash
Basada en la novela homónima de J. G. Ballard, la película fue estrenada en el Festival de Cannes en 1996, donde causó escándalo y fascinación a partes iguales. Obtuvo el Premio Especial del Jurado, con un acta en la que se reconocía su audacia y su capacidad de “abrir nuevos caminos en el cine”.
Protagonizada por James Spader, Holly Hunter, Elias Koteas, Deborah Kara Unger y Rosanna Arquette, el reparto encarna a personajes que viven en el borde, explorando los límites de la experiencia humana a través de la violencia mecánica.
Estética y sonido
La fotografía fría, casi quirúrgica, de Peter Suschitzky convierte los escenarios industriales y los coches destrozados en paisajes eróticos. Los interiores metálicos y el resplandor nocturno refuerzan la idea de que la modernidad es un terreno donde el deseo se deforma.
La música minimalista de Howard Shore, colaborador habitual de Cronenberg, añade un pulso contenido, como un zumbido interior, que acompaña la extrañeza emocional de los personajes.
Influencias y estilo
Crashse inserta en la tradición del body horror, pero abandona el gore y la mutación orgánica para centrarse en la fusión simbólica entre hombre y máquina. Dialoga con:
La obra literaria de J. G. Ballard, obsesionada con los traumas modernos.
El cine de Jean-Luc Godard en su etapa más experimental (Week-end, 1967).
La tradición futurista y tecnófila que ve en la máquina no sólo utilidad, sino fetiche.
Recepción crítica
FilmAffinity: 6,1 / 10
IMDb: 6,4 / 10
Rotten Tomatoes: 64 % (crítica), 54 % (público)
Una película divisiva: censurada y prohibida en varios países, adorada por críticos que la consideraron visionaria y denostada por otros que la tacharon de obscena o vacía. Con el tiempo, ha adquirido estatus de culto como una de las cumbres más incómodas de Cronenberg.
Temas de debate de Crash
Eros y Thanatos: ¿por qué el accidente automovilístico, emblema de la modernidad, se convierte en un acto erótico?
El cuerpo herido: ¿qué revela la atracción hacia la cicatriz y la deformidad?
Tecnología y deseo: ¿cómo transforma la máquina la manera en que concebimos la intimidad?
Fetichismo y sociedad: ¿hasta dónde puede llegar el deseo cuando se libera de toda norma social?
El amor y la catástrofe: ¿puede el choque, literal y figurado, convertirse en el único modo de conexión auténtica entre los personajes?
En nuestro ciclo Un Conejo con Ojo: Eros y Thanatos, seguimos explorando los territorios donde el deseo y el espanto se confunden. Esta vez viajamos a la frontera del rito iniciático, al despertar de la juventud cuando el cuerpo reclama su lugar en el mundo: Raw (Grave, 2016), ópera prima de la francesa Julia Ducournau. Un relato que entrelaza descubrimiento sexual, hambre literal y metamorfosis monstruosa en una misma pulsión.
Justine, una brillante estudiante de veterinaria criada en el vegetarianismo más estricto, ingresa en la universidad para iniciar sus estudios. En las primeras jornadas de novatadas, es forzada a comer carne cruda por primera vez. Ese gesto aparentemente inocente despierta en ella un apetito incontrolable: la carne animal ya no basta, y el deseo se transforma en necesidad de devorar a otros.
El viaje de Justine es una parábola sobre el despertar sexual, la hermandad, la transgresión y el descubrimiento de que la identidad no es nunca inocente. Ducournau convierte el campus universitario en un campo de pruebas donde eros y canibalismo se funden en un mismo rito de paso.
Te esperamos este martes a las 19:30h en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) para compartir una de las películas más enigmáticas de finales del siglo pasado. Acompáñanos en esta nueva aventura cinematográfica de la mano de nuestro conejo blanco con un solo ojo.
Acerca de Raw
Estrenada en la Semana de la Crítica del Festival de Cannes de 2016, la película sorprendió por su crudeza y su capacidad de conjugar el terror corporal con el relato de maduración adolescente. En su recorrido por festivales (Toronto, Sitges, Sundance) recibió premios y, en más de una ocasión, generó desmayos entre el público por la visceralidad de sus imágenes.
Garance Marillier encarna a Justine con una mezcla de vulnerabilidad y ferocidad, acompañada por Ella Rumpf como su hermana mayor, clave en el desarrollo de la historia. Su relación, a medio camino entre el amor y la rivalidad, articula el conflicto central: el deseo como herencia y condena familiar.
Estética y sonido
La fotografía de Ruben Impens aporta una paleta fría y clínica que contrasta con los estallidos de rojo visceral. La cámara se adentra en los cuerpos, en los rituales estudiantiles, en la fisicidad del deseo, con un naturalismo perturbador.
La música de Jim Williams, con sus notas disonantes y ambientes inquietantes, contribuye a crear una sensación de rito arcaico disfrazado de vida universitaria.
Influencias y estilo
Raw dialoga con varias tradiciones:
El body horror de Cronenberg, donde el cuerpo es siempre escenario de mutación.
Los relatos de iniciación (Carrie de Brian De Palma, Ginger Snaps de John Fawcett).
El canibalismo como metáfora del deseo reprimido, desde Trouble Every Day hasta The Silence of the Lambs.
Ducournau, sin embargo, imprime una voz personalísima: un equilibrio entre lo grotesco y lo poético, entre el rito tribal y la intimidad femenina.
Recepción crítica
FilmAffinity: 6,3 / 10
IMDb: 7,0 / 10
Rotten Tomatoes: 93 % (crítica), 76 % (público)
Elogiada por su frescura y su audacia, Raw se convirtió en un film de culto instantáneo. La crítica la destacó como uno de los debuts más poderosos del cine europeo reciente.
Temas de debate de Raw
Rito de paso: ¿qué significa que el despertar adulto esté marcado por la transgresión y la violencia?
Sexo y hambre: ¿qué relación hay entre deseo carnal y apetito caníbal?
La herencia familiar: ¿qué papel juega la transmisión entre hermanas?
Universidad como selva: ¿cómo funcionan las novatadas y rituales estudiantiles como metáfora de un mundo feroz?
El cuerpo femenino: ¿qué revela la película sobre el lugar del cuerpo de la mujer en la sociedad contemporánea?
En nuestro ciclo Un Conejo con Ojo: Eros y Thanatos, nos adentramos en un relato donde el amor y la carne se tornan metamorfosis: Cat People (1982), dirigida por Paul Schrader. Una historia en la que la pasión no puede consumarse sin invocar a la bestia que habita en lo más profundo del ser.
Irena, una joven interpretada por Nastassja Kinski, se reúne con su hermano Paul (Malcolm McDowell) después de años separados. Descubre entonces la herencia oscura de su familia: pertenecen a una estirpe maldita que, al entregarse al deseo carnal, se transforma en pantera. La atracción amorosa se vuelve amenaza, y el erotismo se convierte en monstruo.
Cat People no es solo un remake del clásico de Jacques Tourneur (1942): es un ejercicio febril de erotismo gótico donde los cuerpos se confunden con sombras felinas, donde la represión se convierte en condena, y donde amar es siempre arriesgar la propia forma humana.
Te esperamos este martes a las 19:30h en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) para compartir una de las películas más enigmáticas de finales del siglo pasado. Acompáñanos en esta nueva aventura cinematográfica de la mano de nuestro conejo blanco con un solo ojo.
Acerca de Cat People
Estrenada en 1982, la película de Schrader se caracteriza por su atmósfera sensual y oscura. Kinski y McDowell ofrecen interpretaciones cargadas de magnetismo, acompañados por John Heard y Annette O’Toole. El guion de Alan Ormsby reinterpreta el mito con un tono mucho más explícito que la sugerencia del original.
La música de Giorgio Moroder aporta una cadencia hipnótica y electrónica, mientras que la canción principal, “Cat People (Putting Out Fire)” interpretada por David Bowie, se convirtió en un himno icónico que atraviesa la película como un latido ardiente.
Estética y sonido
La fotografía de John Bailey explora la oscuridad con contrastes intensos y colores cálidos, subrayando la sensualidad latente. Los cuerpos desnudos, la sangre y las sombras felinas se entrelazan para construir un universo de erotismo fatal.
La ciudad de Nueva Orleans, con su aire pantanoso y decadente, se convierte en escenario perfecto para un cuento donde la pasión es también amenaza.
Influencias y estilo
El expresionismo y la sugerencia del cine clásico de Tourneur.
El erotismo febril de los 80, donde lo prohibido se filma con una intensidad casi barroca.
La tradición gótica de las “maldiciones familiares”, donde la herencia pesa como condena.
Schrader imprime a la historia un tono febril, cargado de sensualidad y violencia contenida, que la convierte en una pieza de culto.
Recepción crítica
FilmAffinity: 6,2 / 10
IMDb: 6,2 / 10
Rotten Tomatoes: 62 % (crítica), 53 % (público)
En su estreno fue recibida con división: acusada de excesiva por algunos, celebrada por otros como una obra de erotismo perturbador. Hoy es considerada un clásico de culto por su mezcla de sensualidad, terror y delirio visual.
Temas de debate de Cat People
Deseo y animalidad: ¿qué significa que el acto sexual despierte a la bestia?
Reprimir o liberar: ¿qué nos dice la película sobre la represión de los instintos?
Herencia maldita: ¿cómo pesa la familia como cadena de lo inevitable?
Erotismo y monstruo: ¿hasta qué punto lo prohibido potencia la atracción?
Remake y reinterpretación: ¿qué cambia Schrader respecto al original de 1942?
En el ciclo Un Conejo con Ojo: Eros y Thanatos volvemos a los orígenes del terror corporal contemporáneo con Shivers (1975), el primer largometraje de David Cronenberg. Una obra transgresora y polémica que, bajo la apariencia de una película de serie B, inaugura un nuevo territorio: el del deseo convertido en epidemia.
En una urbanización de lujo a las afueras de Montreal, un experimento médico se descontrola. Un parásito diseñado para reemplazar órganos comienza a propagarse entre los residentes, alterando su conducta sexual hasta transformarles en seres dominados por un apetito carnal incontrolable. Lo que comienza como un intento de mejora científica se convierte en un brote de deseo colectivo, violento y contagioso.
Con Shivers, Cronenberg anuncia el camino que recorrerá gran parte de su filmografía: el cuerpo como lugar de horror y de revelación, la ciencia como catalizador de mutaciones y la sexualidad como pulsión inevitablemente ligada a la destrucción.
Te esperamos este martes a las 19:30h en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) para compartir una de las películas más enigmáticas de finales del siglo pasado. Acompáñanos en esta nueva aventura cinematográfica de la mano de nuestro conejo blanco con un solo ojo.
Acerca de Shivers
Estrenada en 1975, la película causó un auténtico escándalo en Canadá, hasta el punto de generar un debate parlamentario sobre el uso de fondos públicos en cine considerado “obsceno”. Lejos de hundirla, aquella polémica convirtió a Shivers en un título de culto y abrió la puerta a la carrera de uno de los cineastas más influyentes del género.
Los actores Paul Hampton, Joe Silver y Lynn Lowry encarnan a personajes atrapados en un edificio que pronto se convierte en microcosmos de pesadilla, donde los ascensores, pasillos y apartamentos son invadidos por cuerpos poseídos por el parásito.
Estética y sonido
Rodada con bajo presupuesto, la película aprovecha la frialdad arquitectónica del complejo residencial para crear una atmósfera de laboratorio social. El contraste entre la modernidad de los espacios y el caos sexual que los invade produce un efecto inquietante.
La música de Ivan Reitman (sí, el futuro director de Ghostbusters) añade un tono casi irónico en momentos, reforzando la tensión entre el artificio cotidiano y el horror visceral.
Influencias y estilo
Shivers inaugura el body horror como género propio:
Una herencia de la ciencia ficción de los 50, donde la amenaza es contagio.
La tradición del terror sexual reprimido, desde Repulsión de Polanski hasta La invasión de los ladrones de cuerpos.
Una mirada clínica y, a la vez, grotesca sobre el deseo como fuerza imparable.
Recepción crítica
FilmAffinity: 6,0 / 10
IMDb: 6,4 / 10
Rotten Tomatoes: 85 % (crítica), 57 % (público)
En su momento, fue tachada de enfermiza y provocadora; hoy se la reconoce como pieza fundacional del cine de Cronenberg y del terror moderno.
Temas de debate de Shivers
El deseo como epidemia: ¿qué significa que el sexo se transmita como un virus?
La ciencia y lo monstruoso: ¿dónde está la frontera entre progreso y catástrofe?
El edificio como microcosmos: ¿qué dice la película sobre la vida en comunidad y la represión en la sociedad moderna?
Erotismo y violencia: ¿por qué el placer y el horror se confunden en la narración?
El nacimiento del body horror: ¿qué huella deja esta película en el cine posterior?
El punto de encuentro será en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) el próximo martes a las 19:30h.
Las veladas se dividirán en tres partes. La primera media hora la dedicaremos a tomar algo, a presentar la película y a conocernos. Después a las 20:00h tendremos la proyección. Todas las proyecciones se realizan en VOSE. Para finalizar tendremos un coloquio que durará hasta las 23:00h.
¿Cómo será el coloquio?
Los encuentros son participativos y queremos conocer vuestra opinión para que se pueda generar un debate abierto y constructivo. No es necesario conocimiento de cine para participar y es más, huimos del conversador pedante ya que para ellos tenemos a la wikipedia. ¡Queremos que cada martes seamos capaces de generar algo fantástico y diferente!. ¡Queremos saber lo que sientes y que seas capaz de contarlo!
A partir del tema de discusión y de lo visto en la película, las historias personales son bienvenidas y además, son una buena forma de dar a conocer lo que pensamos y lo que sentimos. ¡Nuestro deseo es que participes y seas activo!
Cine y el debate siempre van de la mano, y por eso queremos que te hagas fan de nuestro conejo blanco con un solo ojo.
¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas
El coste de inscripción a la sesión de debate y coloquio es gratuita para los socios de Happening Madrid y para el resto aquello con lo que deseéis y podáis participar
Seguimos explorando los rincones más oscuros de la mente, la identidad y la percepción en nuestro cine debate Un Conejo con Ojo. Esta semana proyectamos una joyita poco conocida del cine de terror psicológico contemporáneo: Come True (2020), escrita y dirigida por Anthony Scott Burns.
Una película que nos arrastra a un territorio onírico inquietante, donde los límites entre el sueño y la vigilia se desdibujan, y lo inconsciente toma forma en paisajes sombríos y figuras que parecen salir de nuestras peores pesadillas. Con ecos de El ente, A Nightmare on Elm Street y el universo de Lynch y Cronenberg, Come True es una experiencia cinematográfica de alto voltaje que nos dejará atónitos y llenos de preguntas
¿Qué ocurre cuando lo más íntimo de nuestro subsconciente—nuestros sueños— se convierte en material de estudio? ¿Qué sucede cuando los científicos entran en tu mente… y no quieren salir?
Te esperamos este martes a las 19:30h en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) para compartir una de las películas más enigmáticas de finales del siglo pasado. Acompáñanos en esta nueva aventura cinematográfica de la mano de nuestro conejo blanco con un solo ojo.
Come True es una película de terror psicológico y ciencia ficción dirigida por Anthony Scott Burns y estrenada en 2020. Protagonizada por Julia Sarah Stone y Landon Liboiron, cuenta la historia de Sarah, una adolescente con insomnio y pesadillas recurrentes que se apunta a un estudio del sueño para encontrar algo de paz. Pero pronto descubrirá que hay algo mucho más oscuro acechando en los rincones de su inconsciente… y que sus sueños podrían no ser solo suyos.
La película que es visualmente hipnótica destaca por su atmósfera inquietante, conuna cuidada dirección de fotografía. Destacan los tonos fríos, las sombras densas y los encuadres claustrofóbicos consiguiendo un perfecto reflejo del estado emocional de la protagonista. La imagen parece filtrada por una neblina digital, reforzando la sensación de estar atrapados entre el sueño y la vigilia, entre lo real y lo simulado.
Come True nos ofrece una muy lograda banda sonora, compuesta por el propio director bajo el alias de Pilotpriest, en colaboración con el grupo canadiense Electric Youth. El resultado es un viaje sonoro que mezcla sintetizadores analógicos con texturas melódicas oníricas y escalofriantes, al estilo de John Carpenter, Vangelis y Disasterpeace, creando un tapiz emocional perfecto para el desconcierto que atraviesa nuestra protagonista en la película.
El reparto lo encabeza Julia Sarah Stone que nos ofrece una poderosa interpretación poderosa de una vulnerable Sarah que nos transmite el desgaste mental y el miedo más profundo de manera natural y sin necesidad de grandes artificios. El rostro de Sarah se convierte en el centro emocional de la historia. Por su parte en el personaje central masculino, Landon Liboiron realiza un excelente trabajo danto vida a un personaje misterioso y desconcertante, que, al igual que Sarah, está atrapado en el extraño funcionamiento del experimento.
Come True se sitúa en la tradición del cine de terror existencial y experimental, con claras influencias de David Cronenberg, David Lynch, Andrzej Żuławski, Stanley Kubrick y del anime psicológico como Paprika de Satoshi Kon.
Come True no busca darnos respuestas, nos instala en la duda, el simbolismo y el misterio. Una experiencia que para ver y sentir donde la historia es lo de menos.
Sinopsis de Come True
Sarah es una adolescente solitaria y perturbada por insomnios y pesadillas recurrentes. No puede dormir en casa, así que deambula por la ciudad hasta quedarse dormida en bancos, parques o en casa de una amiga. Desesperada por descansar, se apunta a un experimento de investigación sobre el sueño. Al principio parece que ha encontrado un lugar seguro donde dormir y sentirse cuidada, pero pronto descubre que sus sueños están siendo observados, analizados… y que hay algo en ellos que no debería estar ahí.
Lo que empieza como una oportunidad de escapar de su insomnio se convierte en una inmersión aterradora. ¿Qué pasa cuando nuestras pesadillas toman forma? ¿Y si hay otros soñando lo mismo?
La película Come True, aparte de suonírica experiencia visual y sensorial, nos abre múltiples líneas de reflexión acerca del sueño, la identidad, la vigilancia y lo desconocido.
Tus sueños como materia de estudio de la ciencia
Lo que soñamos es una de las experiencias más íntimas. En Come True, este espacio tan íntimo es colonizado por la ciencia. Lo inconsciente se convierte en un campo de observación y análisis.
¿Hasta qué punto puede ser intervenido lo inconsciente? ¿Estamos preparados para que nuestras pesadillas se traduzcan en datos y gráficos?
La imagen de lo que no debería verse
La película construye un lenguaje visual inquietante: figuras humanas sin rostro, pasillos infinitos, geometrías inestables. Lo que vemos parece surgir de lo más profundo del subconsciente, como si el cine nos mostrara imágenes que deberían permanecer ocultas.
¿Qué sentimos cuando nos enfrentamos a lo inexplicable? ¿Hay cosas que el cine puede mostrar que la mente humana no puede soportar?
La tecnología y el yo vigilado
El experimento del sueño se presenta como una ayuda, pero rápidamente se transforma en una forma de control. Mientras el cuerpo duerme, otros observan, miden y extraen información.
¿Estamos cediendo nuestra intimidad a cambio de comodidad o soluciones rápidas? ¿Hasta qué punto puede la ciencia intervenir en la psique sin consecuencias éticas o personales?
Despersonalización y estados alterados
Sarah pierde poco a poco su capacidad para distinguir lo real de lo onírico. Su cuerpo, su voluntad y su identidad empiezan a disolverse. El miedo ya no es a lo externo, te hace desconfiar de uno mismo.
¿Cómo reaccionamos ante la sensación de no ser dueños de nosotros mismos? ¿Qué relación hay entre el terror y la pérdida del yo?
El final abierto: el terror como bucle existencial
La última escena de Come True deja al espectador atrapado en una paradoja que pone en duda todo lo anterior. ¿Fue real? ¿Fue un sueño? ¿Acaso importa?
¿Cómo interpretas el final de la película? ¿Qué nos dice ese bucle sobre la naturaleza del miedo y la percepción? ¿Puede el sueño ser una cárcel sin salida?
Come True y el cine del subconsciente
Come True se inscribe en una tradición de cine que explora el inconsciente como si fuera un campo de batalla, películas como Possession (1981), Jacob’s Ladder (1990), Inland Empire (2006) o Paprika (2006) entrarían en esta clasificación. Para estas películas, la mente no es una línea clara de pensamientos: es un mar oscuro de símbolos, traumas y deseos reprimidos.
Anthony Scott Burns crea una atmósfera inspirada en el cyberpunk retro, la estética de los 80, y el sonido de sintetizadores etéreos, que recuerda al trabajo de Carpenter y Vangelis. La música, a cargo del propio director bajo el alias Pilotpriest junto a Electric Youth, nos acompaña: envuelve y distorsiona, haciendo de la experiencia algo envolvente y claustrofóbico.
Anthony Scott Burns: el horror atmosférico del inconsciente tecnológico
Anthony Scott Burns es uno de los nombres emergentes del cine de género contemporáneo, un creador multidisciplinar que combina sus habilidades como director, guionista, director de fotografía y compositor musical bajo el alias Pilotpriest. Su cine se ve, se escucha, se siente y se absorbe como una experiencia sensorial completa.
Antes de Come True, participó en el proyecto antológico Holidays (2016), con el segmento Father’s Day, una historia inquietante sobre la voz de un padre desaparecido que guía a su hija hacia un lugar desierto y misterioso. Ya en este corto aparecen los elementos que definirán su estilo: el uso de sonido envolvente, la estética retrofuturista, los espacios vacíos cargados de tensión, y una narrativa que se mueve entre lo emocional y lo ominoso.
Con Come True (2020), Burns consolida su visión personal: una mezcla de ciencia ficción, body horror, estética synthwave y obsesión con los estados alterados de conciencia. Lejos del terror explícito o el susto fácil, apuesta por un miedo lento, envolvente, que brota de la atmósfera y de la desorientación perceptiva.
Su cine bebe de influencias como David Cronenberg, Stanley Kubrick, John Carpenter o Andrei Tarkovsky, pero también de la estética de los años 80 y del diseño sonoro como vehículo narrativo. En Come True, él mismo compone la banda sonora junto al artista Electric Youth, generando una fusión entre imagen y sonido que acentúa la alienación de los personajes.
Burns es un cineasta que filma el temor a perder el control interior, la fragilidad del yo frente a la ciencia, la tecnología y los sueños. En su cine, los protagonistas no se enfrentan a monstruos externos, sino a realidades que se desmoronan desde dentro, como si lo que diera miedo no fuera el mundo, sino lo que el mundo revela de nosotros.
Punto de encuentro y planning de la velada
El punto de encuentro será en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) el próximo martes a las 19:30h.
Las veladas se dividirán en tres partes. La primera media hora la dedicaremos a tomar algo, a presentar la película y a conocernos. Después a las 20:00h tendremos la proyección. Todas las proyecciones se realizan en VOSE. Para finalizar tendremos un coloquio que durará hasta las 23:00h.
¿Cómo será el coloquio?
Los encuentros son participativos y queremos conocer vuestra opinión para que se pueda generar un debate abierto y constructivo. No es necesario conocimiento de cine para participar y es más, huimos del conversador pedante ya que para ellos tenemos a la wikipedia. ¡Queremos que cada martes seamos capaces de generar algo fantástico y diferente!. ¡Queremos saber lo que sientes y que seas capaz de contarlo!
A partir del tema de discusión y de lo visto en la película, las historias personales son bienvenidas y además, son una buena forma de dar a conocer lo que pensamos y lo que sentimos. ¡Nuestro deseo es que participes y seas activo!
Cine y el debate siempre van de la mano, y por eso queremos que te hagas fan de nuestro conejo blanco con un solo ojo.
¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas
El coste de inscripción a la sesión de debate y coloquio es gratuita para los socios de Happening Madrid y para el resto aquello con lo que deseéis y podáis participar. Se puede reservar en entradium en este enlace:
Las invitaciones gratuitas para los socios La reserva gratuita para hacer luego la aportación que se desee a la finalización del coloquio Los que deseen hacer una aportación de 3€ Los que deseen hacer una aportación de 5€
y además debes de reservar por whatsapp en cualquiera de estos números
Continuamos nuestro viaje por territorios donde la mente se desdobla, la identidad se deshace y la tecnología penetra el inconsciente. Hablaremos de los sueños colectivos con una película
Esta vez, nuestro conejo blanco con un solo ojo nos lleva al terreno del sueño colectivo con una de las películas más hipnótica y revolucionaria del anime japonés: Paprika(2006), dirigida por Satoshi Kon. Un festín visual y filosófico sobre los límites entre lo real y lo onírico, entre el yo consciente y el deseo reprimido. Nos sumergimos junto a la Dra. Atsuko Chiba, una psiquiatra que bajo el alias de Paprika entra en los sueños de sus pacientes gracias a una revolucionaria tecnología: el DC Mini. Pero cuando el aparato es robado y usado para manipular sueños a escala global, la distinción entre vigilia y sueño comienza a derrumbarse. ¿Qué sucede cuando el inconsciente colectivo se desborda? ¿Puede un sueño destruir la realidad?
Te esperamos este martes a las 19:30h en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) para compartir una de las películas más enigmáticas de finales del siglo pasado. Acompáñanos en esta nueva aventura cinematográfica de la mano de nuestro conejo blanco con un solo ojo.
Paprika es una película de animación japonesa dirigida por Satoshi Kon, basada en la novela homónima de Yasutaka Tsutsui. Estrenada en 2006, es una obra maestra del cine de animación y un hito en la representación del inconsciente. Fue una de las últimas películas de Kon antes de su fallecimiento en 2010, y su influencia se puede ver en obras inmensas como Inceptionde Christopher Nolan.
Sinopsis de Paprika
En un futuro próximo, un grupo de científicos desarrolla una tecnología que permite introducirse en los sueños de otras personas para analizarlos y curar enfermedades mentales. La Dra. Atsuko Chiba utiliza esta herramienta, el DC Mini, bajo su álter ego onírico Paprika. Pero cuando uno de los dispositivos es robado, los sueños comienzan a invadir la realidad, mezclando deseos reprimidos, traumas y fantasías en una espiral descontrolada. Solo Paprika podrá enfrentarse a la disolución de los límites entre lo real y lo imaginario.
En Paprika, los sueños no son solo refugio o interpretación, sino campo de batalla donde se decide la integridad de la realidad.
¿Qué función cumplen los sueños en nuestra vida cotidiana? ¿Son un reflejo veraz de lo que somos, o un espacio de evasión? ¿Qué sucede cuando los sueños se filtran en la vigilia?
Identidad difusa y fragmentación del yo
Paprika y Atsuko comparten un cuerpo, pero no una identidad. Una es control racional; la otra, libertad imaginativa.
¿Hasta qué punto somos una sola persona? ¿Qué máscaras usamos en distintos contextos? ¿Es Paprika un álter ego liberador o una forma de negación?
Mente y tecnología
El DC Mini puede curar, pero también controlar. Su poder radica en que accede al lugar más vulnerable: el inconsciente.
¿Hasta dónde debemos permitir que la tecnología penetre en nuestra psique? ¿Hay algo “intocable” en nuestra mente? ¿Quién debería tener acceso a los sueños?
Inconsciente colectivo
En la película, los sueños se entrelazan, creando una única pesadilla compartida. El yo se disuelve en un carnaval delirante de símbolos.
¿Es posible un “sueño común”? ¿Qué pasa cuando lo reprimido colectivo irrumpe? ¿Puede la cultura ser una forma de sueño compartido?
Ilusión vs Realidad
Como en eXistenZ o The Matrix, la película cuestiona la solidez de lo real. Pero aquí la clave está en el deseo, no en la lógica.
¿Cómo definimos lo real? ¿Es más real lo que sentimos o lo que vemos? ¿Qué nos dice esto sobre la sociedad del espectáculo y la virtualidad?
El cine de Satoshi Kon: el desdoblamiento de la percepción
Satoshi Kon fue un maestro en difuminar los límites de la realidad, creando universos donde los personajes se deslizan entre planos sin que el espectador tenga nunca una certeza clara en que plano se encuentran. En películas como Perfect Blue (1997), Millennium Actress (2001) o Tokyo Godfathers (2003), la narración se fragmenta para reflejar un mundo donde lo subjetivo y lo objetivo se entrelazan.
En Paprika, Kon lleva al extremo esta disolución de fronteras: el espacio de los sueños se convierte en escenario principal, y las leyes del mundo onírico contaminan la realidad. Con una estética psicodélica, cargada de símbolos y referencias, Paprika nos cuenta una historia que estalla en mil fragmentos de sentido, color y emoción.
Kon quiere hacernos cuestionar quienes somo cuando soñamos, que parte de nosotros escapa de la realidad y cual es el precio de dejarse llevar por la fantasía
Películas esenciales de Satoshi Kon
Perfect Blue (1997)
Thriller psicológico sobre una estrella del pop acosada por su imagen pública. Confusión mental, dobles y paranoia.
Millennium Actress (2001)
Un repaso a la historia del cine japonés a través de la vida (y los recuerdos) de una actriz que confunde el pasado con la ficción.
Tokyo Godfathers (2003)
Comedia dramática navideña sobre tres marginados que encuentran a una bebé en la basura. Realismo mágico urbano.
Paprika (2006)
Sueños, tecnología y deseo en un festín visual que anticipa muchos de los dilemas actuales sobre identidad, vigilancia y evasión.
Punto de encuentro y planning de la velada
El punto de encuentro será en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) el próximo martes a las 19:30h.
Las veladas se dividirán en tres partes. La primera media hora la dedicaremos a tomar algo, a presentar la película y a conocernos. Después a las 20:00h tendremos la proyección. Todas las proyecciones se realizan en VOSE. Para finalizar tendremos un coloquio que durará hasta las 23:00h.
¿Cómo será el coloquio?
Los encuentros son participativos y queremos conocer vuestra opinión para que se pueda generar un debate abierto y constructivo. No es necesario conocimiento de cine para participar y es más, huimos del conversador pedante ya que para ellos tenemos a la wikipedia. ¡Queremos que cada martes seamos capaces de generar algo fantástico y diferente!. ¡Queremos saber lo que sientes y que seas capaz de contarlo!
A partir del tema de discusión y de lo visto en la película, las historias personales son bienvenidas y además, son una buena forma de dar a conocer lo que pensamos y lo que sentimos. ¡Nuestro deseo es que participes y seas activo!
Cine y el debate siempre van de la mano, y por eso queremos que te hagas fan de nuestro conejo blanco con un solo ojo.
¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas
El coste de inscripción a la sesión de debate y coloquio es gratuita para los socios de Happening Madrid y para el resto aquello con lo que deseéis y podáis participar. Se puede reservar en entradium en este enlace:
Las invitaciones gratuitas para los socios La reserva gratuita para hacer luego la aportación que se desee a la finalización del coloquio Los que deseen hacer una aportación de 3€ Los que deseen hacer una aportación de 5€
y además debes de reservar por whatsapp en cualquiera de estos números
Continuamos nuestro viaje por las fronteras de la mente, la identidad y la tecnología en nuestro cine debate Un Conejo con Ojo, esta vez con una película de culto del maestro de del cuerpo mutante y la distorsión perceptiva: eXistenZ (1999), dirigida por David Cronenberg. Una exploración alucinante sobre la confusión entre lo real y lo simulado.
En esta ocasión acompañamos a Allegra Geller, una reconocida diseñadora de videojuegos orgánicos, en la prueba de su nueva creación: eXistenZ. Pero algo falla, y Allegra se ve obligada a entrar al juego con un joven asistente, mientras el mundo real y el virtual se entrelazan de forma inquietante. ¿Estamos dentro del juego o fuera de él? ¿Quién controla a quién? ¿Y qué ocurre con nuestros cuerpos cuando la mente ya no distingue la diferencia?
En este cine debate hablaremos de la construcción de la realidad, del cuerpo como interfaz, del control tecnológico, de la inmersión y la desconexión, y de lo inquietante que es no saber si lo que vivimos es realmente verdad.
Te esperamos este martes a las 19:30h en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) para compartir una de las películas más enigmáticas de finales del siglo pasado. Acompáñanos en esta nueva aventura cinematográfica de la mano de nuestro conejo blanco con un solo ojo.
eXistenZ es una película de ciencia ficción dirigida por David Cronenberg, escrita por él mismo y protagonizada por Jennifer Jason Leigh y Jude Law. Se estrenó en 1999, es una reflexión muy pereturbadora sobre la tecnología, la percepción y el yo, que combina elementos de cine de terror y thriller con la filosofía existencial. Es considerada una respuesta orgánica y visceral a The Matrix, estrenada el mismo año.
Sinopsis de eXistenZ
Allegra Geller es la creadora del videojuego más esperado del momento: eXistenZ, una experiencia totalmente inmersiva que se conecta directamente al cuerpo humano mediante una “biopod”. Pero durante una presentación privada, es atacada por un fanático y se ve obligada a escapar con un joven guardaespaldas. Para comprobar que el juego sigue funcionando, ambos se conectan… y lo que empieza como una prueba técnica se convierte en un viaje paranoico por mundos superpuestos donde ya no está claro qué es real y qué es parte del juego.
En eXistenZ, el mundo virtual no es una copia, sino una experiencia que puede sustituir a la realidad misma.
¿Cómo definimos hoy qué es “real”? ¿Es menos verdadero lo que sentimos en un entorno virtual? ¿Qué peligros o libertades implica vivir en mundos simulados?
El cuerpo como interfaz
Los jugadores se conectan al juego mediante un puerto orgánico instalado en su espina dorsal, fusionando tecnología y carne.
¿Qué significa convertirnos en extensiones de nuestras máquinas? ¿Dónde acaba el cuerpo y empieza la tecnología? ¿Qué relación hay entre placer, control y vulnerabilidad en este vínculo?
Control y Paranoia
A medida que avanza la película, la sospecha de estar dentro de un juego dentro de otro juego se hace insoportable.
¿Hay algún momento en que creas que los protagonistas están “fuera del juego”? ¿Qué te genera esa sensación de no tener punto de referencia? ¿Qué nos dice esto sobre la desconfianza hacia las estructuras que gobiernan nuestras vidas?
Identidad líquida
Los personajes asumen roles sin saber si son verdaderos o parte del guion del juego.
¿Cómo cambia nuestra identidad cuando el entorno no es estable? ¿Hasta qué punto somos lo que creemos o lo que hacemos? ¿Qué pasa con el yo cuando todo es representación?
La inmersión total y la evasión
La experiencia de eXistenZ es adictiva. Quienes entran no siempre quieren salir.
¿Qué nos lleva a buscar refugio en mundos ficticios? ¿Podemos perder el deseo de vivir “afuera”? ¿Qué nos está diciendo Cronenberg sobre nuestra relación con la tecnología?
El cine de Cronenberg: cuerpos, tecnología y mutación del yo
David Cronenberg es una de las figuras más influyentes del cine contemporáneo. Un director que explora el lado oscuro de la mente, del cuerpo y la tecnología. A lo largo de su filmografía, ha desarrollado un estilo único, conocido como body horror, donde el cuerpo humano es el escenario de transformaciones grotescas, simbólicas o tecnológicas que reflejan crisis más profundas: existenciales, sociales o psicológicas.
En películas como Videodrome (1983), The Fly (1986), Naked Lunch (1991) o Crash (1996), Cronenberg nos dibuja mundos donde los límites entre máquina y carne, deseo y obsesión enfermiza, realidad y alucinación se desdibujan. Sus personajes, muchas veces, no son víctimas de fuerzas externas, sino del deseo de ir más allá del cuerpo, del lenguaje o de la conciencia.
eXistenZ (1999) recoge todas estas obsesiones en una nueva clave: la del videojuego y la realidad virtual. Aquí, el cuerpo se conecta directamente a la tecnología a través de biopods, dispositivos orgánicos que permiten vivir mundos alternativos en los que las reglas y los límites ya no están claros. La identidad se fragmenta, la percepción se distorsiona, y la confianza en la realidad se evapora.
Hay una cuestión que recorre todo el cine de Cronenberg —¿quién soy yo cuando mi cuerpo cambia, cuando mi mente ya no es fiable, cuando la tecnología se fusiona conmigo?. En eXistenZesta pregunta alcanza un cénit muy especial. eXistenZ es una reflexión adelantada a su tiempo sobre lo que hoy vivimos con la inteligencia artificial, los metaversos, las redes sociales y la hiperconexión. Es un inmersión profunda en la noción misma de identidad y verdad.
Películas esenciales de Cronenberg
Videodrome (1983)
Violencia mediática y mutación corporal en una televisión que transforma a sus espectadores.
The Fly (1986)
Una historia de amor, ciencia y transformación: el cuerpo como espacio de degeneración e hibridación.
Naked Lunch (1991)
Adaptación libre de Burroughs, entre insectos parlantes, drogas y escritura: surrealista, inquietante y cargada de simbolismo oscuro.
Crash (1996)
Erotismo, accidentes y cuerpos alterados por la tecnología: una película radical sobre deseo y trauma.
eXistenZ (1999)
Realidad virtual y biotecnología en una experiencia donde jugar y vivir se confunden.
1999. El año que el cine se miró en el espejo digital
En 1999, Internet se extendía sin medida, el acceso a la información crecía constantemente y el miedo al efecto 2000 hacían presagiar un futuro incierto e excitante. El cine también empezó a mostrar que la realidad ya no se sentía firme. En un mundo donde lo virtual no era aún cotidiano se sospecha que llegaría a serlo. Varias películas estrenadas en 1999 decidieron tomar esa sensación como punto de partida. Cada una, a su manera, dejó una marca.
The Matrix – Wachowski
Plantea que el mundo visible puede ser una construcción diseñada para mantener el control. La mente vive dormida; el cuerpo, en pausa. Propone ruptura y conciencia.
eXistenZ – Cronenberg
El juego no está en una consola, sino bajo la piel. No busca distraer, sino rediseñar la percepción. La tecnología no es herramienta: es organismo.
Fight Club – Fincher
Un trabajador sin nombre decide desobedecer. No con ideas, sino con golpes. Lo que está en crisis no es el sistema: es el yo que intenta sostenerlo.
Being John Malkovich – Jonze
Un pasadizo lleva al interior de una persona real. La pregunta es inmediata: si puedo vivir como otro, ¿qué sentido tiene seguir siendo yo?
The Sixth Sense – Shyamalan
Una historia contada desde un lugar ciego. El espectador ve, pero no interpreta bien. El final no da la vuelta al relato: revela que lo malentendiste desde el principio.
The Truman Show – Weir
La vida como emisión. El entorno como decorado. Lo que parece libertad es rutina coreografiada. Lo real no depende de la materia, sino del guion.
El año 1999 dejo bien claro que el cine puede ser una herramienta pora dudar de todo: lo que ves, lo que eres, lo que decides. Que la identidad no es estable. Que la percepción no es confiable. Que lo que entendemos como real puede ser apenas una capa de interfaz más.
Punto de encuentro y planning de la velada
El punto de encuentro será en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) el próximo martes a las 19:30h.
Las veladas se dividirán en tres partes. La primera media hora la dedicaremos a tomar algo, a presentar la película y a conocernos. Después a las 20:00h tendremos la proyección. Todas las proyecciones se realizan en VOSE. Para finalizar tendremos un coloquio que durará hasta las 23:00h.
¿Cómo será el coloquio?
Los encuentros son participativos y queremos conocer vuestra opinión para que se pueda generar un debate abierto y constructivo. No es necesario conocimiento de cine para participar y es más, huimos del conversador pedante ya que para ellos tenemos a la wikipedia. ¡Queremos que cada martes seamos capaces de generar algo fantástico y diferente!. ¡Queremos saber lo que sientes y que seas capaz de contarlo!
A partir del tema de discusión y de lo visto en la película, las historias personales son bienvenidas y además, son una buena forma de dar a conocer lo que pensamos y lo que sentimos. ¡Nuestro deseo es que participes y seas activo!
Cine y el debate siempre van de la mano, y por eso queremos que te hagas fan de nuestro conejo blanco con un solo ojo.
¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas
El coste de inscripción a la sesión de debate y coloquio es gratuita para los socios de Happening Madrid y para el resto aquello con lo que deseéis y podáis participar. Se puede reservar en entradium en este enlace:
Las invitaciones gratuitas para los socios La reserva gratuita para hacer luego la aportación que se desee a la finalización del coloquio Los que deseen hacer una aportación de 3€ Los que deseen hacer una aportación de 5€
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Continuamos nuestro viaje cinematográfico por los laberintos de la mente y la identidad en nuestro cine debate Un Conejo con Ojo, con una película fascinante: Perfect Blue (1997), dirigida por Satoshi Kon. Una obra maestra del anime psicológico que nos lleva al límite entre la realidad y la alucinación, y que nos hace pensar sobre los efectos del control externo sobre la construcción del yo.
En esta historia seguimos a Mima, una cantante pop que decide abandonar su carrera musical para convertirse en actriz. Lo que parece ser una transición profesional se convierte pronto en una pesadilla: comienza a ser acosada por un fan obsesionado, mientras una versión idealizada de sí misma —la “Mima popstar”— parece tomar vida propia. La confusión entre lo real y lo imaginado se intensifica, y su salud mental se tambalea bajo la presión del espectáculo, la violencia simbólica y el miedo constante a decepcionar a los demás.
En este cine debate hablaremos de la pérdida de identidad, del rol de la mirada externa, del miedo a dejar de ser lo que los otros esperan de nosotros, y de cómo los límites entre lo real y lo virtual se difuminan peligrosamente en nuestra cultura.
Te esperamos este martes a las 19:30h en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) para compartir una de las películas más enigmáticas de finales del siglo pasado. Acompáñanos en esta nueva aventura cinematográfica de la mano de nuestro conejo blanco con un solo ojo.
Perfect Blue es el primer largometraje del director Satoshi Kon, con guion de Sadayuki Murai y música de Masahiro Ikumi. Perfect Blue es un thriller psicológico de animación que mezcla el terror psicológico con la crítica social. Aunque fue realizada en 1997, anticipa con precisión muchas de las problemáticas actuales sobre la fama, redes sociales, construcción de la identidad y salud mental.
Sinopsis de Perfect Blue
Mima Kirigoe es una joven que decide abandonar su grupo musical, CHAM, para comenzar una nueva etapa como actriz. Esta decisión la enfrenta no solo al rechazo de algunos fans, sino también a una creciente sensación de desdoblamiento. A medida que su carrera avanza, alguien comienza a suplantarla en Internet, a acosarla físicamente y a manipular su entorno. La Mima real empieza a confundirse con la imagen que otros tienen de ella, hasta el punto de no saber quién es realmente. ¿Está perdiendo la razón o hay algo más oscuro detrás?
Mima se divide entre lo que era, lo que quiere ser y lo que los demás proyectan sobre ella.
¿Quién es la verdadera Mima? ¿Qué ocurre cuando vivimos más pendientes de la imagen que proyectamos que de lo que sentimos? ¿Te ha pasado sentir que hay diferentes “tú” compitiendo por tener el control?
La violencia de la mirada
Mima es mirada constantemente: por fans, productores, la prensa, Internet… Esa mirada condiciona su conducta y deteriora su autopercepción.
¿Qué efecto tiene sobre nosotros sabernos observados, juzgados o vigilados? ¿Qué relación hay entre la exposición constante y la pérdida de autenticidad? ¿Dónde trazamos el límite entre mostrarnos y protegernos?
El desdoblamiento psicológico
La Mima popstar que aparece en su mente es un símbolo del yo idealizado, que se convierte en enemigo.
¿Es esa Mima flotante una alucinación… o una manifestación de su conflicto interior? ¿Por qué cuesta tanto soltar versiones anteriores de nosotros mismos? ¿Qué representa para ti esa lucha entre el “yo que fui” y el “yo que quiero ser”?
La fama como trampa
El camino hacia la notoriedad le exige a Mima renunciar a su integridad personal. ¿Es ese el precio del éxito?
¿Crees que Mima decide libremente o está atrapada en un sistema? ¿Qué papel juegan los medios en la destrucción de la salud mental? ¿Cómo resuenan estas dinámicas en la era de Instagram y TikTok?
El control y la paranoia
La protagonista comienza a sospechar de todo: de su entorno, de su mente, de su cuerpo. La desconfianza se apodera de ella.
¿Hay algún momento en el que confíes completamente en lo que ves en pantalla? ¿Qué te sugiere esa sensación constante de amenaza invisible? ¿Qué papel juega la manipulación en este descenso hacia la locura?
El trauma y la reconstrucción
El viaje de Mima es también una lucha por reconstruirse tras haber sido despojada de su yo. ¿Qué necesita Mima para recuperarse? ¿Puede sanar alguien cuando no sabe quién es? ¿Qué recursos tenemos para recomponernos después de una
Punto de encuentro y planning de la velada
El punto de encuentro será en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) el próximo martes a las 19:30h.
Las veladas se dividirán en tres partes. La primera media hora la dedicaremos a tomar algo, a presentar la película y a conocernos. Después a las 20:00h tendremos la proyección. Todas las proyecciones se realizan en VOSE. Para finalizar tendremos un coloquio que durará hasta las 23:00h.
¿Cómo será el coloquio?
Los encuentros son participativos y queremos conocer vuestra opinión para que se pueda generar un debate abierto y constructivo. No es necesario conocimiento de cine para participar y es más, huimos del conversador pedante ya que para ellos tenemos a la wikipedia. ¡Queremos que cada martes seamos capaces de generar algo fantástico y diferente!. ¡Queremos saber lo que sientes y que seas capaz de contarlo!
A partir del tema de discusión y de lo visto en la película, las historias personales son bienvenidas y además, son una buena forma de dar a conocer lo que pensamos y lo que sentimos. ¡Nuestro deseo es que participes y seas activo!
Cine y el debate siempre van de la mano, y por eso queremos que te hagas fan de nuestro conejo blanco con un solo ojo.
¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas
El coste de inscripción a la sesión de debate y coloquio es gratuita para los socios de Happening Madrid y para el resto aquello con lo que deseéis y podáis participar. Se puede reservar en entradium en este enlace:
Las invitaciones gratuitas para los socios La reserva gratuita para hacer luego la aportación que se desee a la finalización del coloquio Los que deseen hacer una aportación de 3€ Los que deseen hacer una aportación de 5€
y además debes de reservar por whatsapp en cualquiera de estos números
Este próximo sábado 14 de junio de 2025 tendremos una sesión en torno al documental “Summer of Soul”. Un documental necesario para rescatar la memoria de algo que fue olvidado y que debería abochornar al sistema.
Después del documental tendremos un debate, una sesión Dj en vinilo y un apoteósica fiesta final.
Acerca de Summer of Soul
En 1969, el Mount Morris Park de Harlem se convirtió en el escenario de un acontecimiento único que fue callado y olvidado durante mucho tiempo. Durante seis domingos consecutivos, miles de personas asistieron al Harlem Cultural Festival, un ciclo de conciertos que reunió a las figuras más relevantes de la música afroamericana. Stevie Wonder, Nina Simone, Mahalia Jackson, B.B. King, Sly and the Family Stone, The Staple Singers. Los nombres eran muy poderosos y el contexto único. La ciudad ardía. La comunidad afroamericana reclamaba visibilidad, respeto y luchaba por su derechos. La música no solo era entretenimiento, era energía, denuncia, celebración.. La música era soul.
Aunque las cámaras estuvieron allí, ya que el productor Hal Tulchin grabó más de 40 horas de material, durante medio siglo, nadie quiso emitirlo. Los archivos quedaron guardados, como si el festival no hubiera existido. La industria no mostró interés. Los medios no dieron espacio. La historia pasó al margen del relato oficial.
En 2021, el músico y productor Ahmir “Questlove” Thompson encontró ese material, lo restauró y construyó Summer of Soul, un documental que es una revalación. Aparte de ver las imágenes de las impresionantes actuaciones de esos increíbles artistas legendarios, retratan al público, a las familias, a los niños, a los jóvenes y a los ancianos. La comunidad afroamericana aparece con dignidad, corazón, fuerza y gran belleza. El montaje conecta las actuaciones con la situación política del momento. Hay declaraciones directas, recuerdos de asistentes, en un contexto de lucha. Cada testimonio da más sentido a lo que estamos viendo. Un documental que emociona y queda mucho que pensar.
Summer of Soul no es una pieza de nostalgia es la necesaria reparación de una memoria olvidada, rompiendo un silencio prolongado. Dando valor a un festival que fue ignorado, y devolviendo su lugar en la memoria colectiva. Pone imágenes a un relato que durante décadas solo pudo ser transmitido de boca en boca. Frente al olvido estructural desde entonces, ahora aparece el archivo como un acto de justicia.
No es un documental que necesite adornos. la música habla con claridad y el ritmo es directo. Las emociones surgen sin artificio. La película existe porque durante décadas alguien decidió que no existiera. Su valor no está en la novedad, sino en la verdad.
En esta lita de Spotify tenéis todos los temas que aparecen en el documental
Y aquí un enlace a la OST en Spotify
Woodstock y Harlem Cultural Festival
En el verano de 1969, dos festivales marcaron una época desde lugares distintos del imaginario cultural americano. Uno se desarrolló en los campos de Bethel cerca de Woodstock en el estado de Nueva York; el otro, en el corazón de Harlem. Aunque muy diferentes en su enfoque, ambos fueron coetáneos y reunieron a multitudes movidas por la música, el contexto social y la necesidad de expresión.
Woodstock se celebró del 15 al 18 de agosto de 1969. Reunió a más de 400.000 personas. Las actuaciones se sucedieron durante tres días y una madrugada, con una organización frágil, un entorno rural y una fuerte carga simbólica. Actuaron Jimi Hendrix, Janis Joplin, The Who, Santana, Jefferson Airplane, Crosby, Stills, Nash & Young, entre otros. La industria y los medios abrazaron el evento casi de inmediato. La película documental lanzada al año siguiente lo convirtió en una referencia cultural.
En paralelo, entre el 29 de junio y el 24 de agosto, se celebró el Harlem Cultural Festival en Mount Morris Park (actual Marcus Garvey Park), Nueva York. Durante seis domingos consecutivos, miles de personas asistieron a conciertos gratuitos organizados por Tony Lawrence. El público era mayoritariamente afroamericano. Las actuaciones incluyeron a Stevie Wonder, Nina Simone, B.B. King, The Staple Singers, Mahalia Jackson, Hugh Masekela, Sly & the Family Stone, entre otros. El productor Hal Tulchin grabó más de 40 horas de metraje. Durante décadas, ese material permaneció archivado.
La distribución de los artistas por fecha en Harlem fue clara. El 29 de junio actuaron Sly & the Family Stone, The 5th Dimension, Max Roach y Babatunde Olatunji. El 13 de julio se presentaron Mahalia Jackson y The Staple Singers. El 20 de julio fue el turno de Stevie Wonder y Gladys Knight & the Pips. El 27 de julio se dedicó a los sonidos latinos y caribeños, con Mongo Santamaría y Ray Barretto. El 17 de agosto destacaron Nina Simone y B.B. King. El 24 de agosto cerró el festival con talentos locales y una pasarela comunitaria.
Ambos festivales reflejaron una sociedad en tensión. La guerra de Vietnam, los movimientos por los derechos civiles, la transformación cultural y el deseo de nuevas formas de vida atravesaron el escenario y el público. La diferencia en la atención mediática, sin embargo, fue absoluta. Woodstock se convirtió en símbolo. Harlem fue silenciado.
La recuperación del Harlem Cultural Festival más de medio siglo después, gracias al documental Summer of Soul dirigido por Questlove, restituyó a aquel verano su doble rostro. Lo que ocurrió en Harlem también fue historia. También fue una forma de futuro.
Sly & The Family Stone. La banda que actuó en los dos festivales
Entre todos los grandes nombres que pasaron por Woodstock y el Harlem Cultural Festival solo hubo uno que pudiera tocas en ambos festivales: Sly & The Family Stone. Sly & The Family Stone eran una banda especial. El 29 de junio de 1969 se presentaron en Mount Morris Park con el Harlem Cultural Festival. El 16 de agosto, en plena madrugada (ya 17), subieron al escenario de Woodstock. Dos públicos distintos. Dos contextos políticos. La energía única de Sly & The Family Stone.
Sly & The Family Stone no solo era una banda que hacía funk. Era un grupo que encarnaba, con su sola formación, una idea que desafiaba los márgenes: negros y blancos, hombres y mujeres, juntos, en una misma banda, con igualdad de protagonismo y una potencia colectiva difícil de igualar. En un país aún marcado por la segregación, en una industria musical que clasificaba sonidos y audiencias por raza, la propuesta era directa. No necesitaba explicación: se escuchaba, se veía, se sentía.
El grupo, liderado por Sly Stone, mezclaba el groove del soul con la contundencia del rock, el ritmo del funk con la psicodélica. La batería de Greg Errico, la trompeta de Cynthia Robinson, la voz de Rose Stone, el bajo hipnótico de Larry Graham y la fuerza coral del conjunto formaban un cuerpo sonoro enérgico, afilado, radical.
En Harlem, su actuación abrió el festival. El público, mayoritariamente afroamericano, respondió con entusiasmo. En Woodstock, frente a una audiencia masiva y en su mayoría blanca, el grupo hizo vibrar el campo en plena noche. En ambas situaciones, su presencia fue política. No por discurso. Por composición. Por sonido. Por presencia escénica.
Sly & The Family Stone no encajaba en un molde. Se plantaba en el escenario y borraban las fronteras a golpe de ritmo. Su música no era solo bailable. Era una máquina de liberación de sexos y de razas.
Sly & The Family Stone fue la primera superbanda de la música popular formada por hombres y mujeres, negros y blancos, con protagonismo compartido en todos los frentes. En una época marcada por la segregación racial y de género, la banda se presentó como una afirmación viva de igualdad. Una máquina perfectamente engrasada de hacer ritmo con una mezcla explosiva de funk, soul, rock y psicodelia.Cada miembro tenía presencia real, desde la trompeta de Cynthia Robinson hasta el bajo de Larry Graham. En Harlem y en Woodstock, su mensaje fue el mismo: Aquí estamos, y esto suena así.
El cine debate de Summer of Soul
Tras la proyección del documental tendremos un debate en el que hablaremos de los numerosos temas que se nos abren al verlo:
El silencio mediático
¿Por qué crees que el Harlem Cultural Festival fue ignorado durante décadas? ¿Qué mecanismos culturales y mediáticos determinan qué hechos forman parte de la “historia oficial”?
La reparación cultural
¿Qué papel tiene el archivo visual en la construcción de la memoria colectiva? ¿Es Summer of Soul un acto de reparación cultural?
La música como resistencia
¿Cómo se manifiesta la lucha por los derechos civiles a través de la música en el festival? ¿Qué impacto tiene ver a artistas como Nina Simone, Mahalia Jackson o Sly & The Family Stone en ese contexto?
Orgullo, identidad y comunidad
¿Qué representa Harlem en este documental? ¿Qué elementos del festival refuerzan una identidad colectiva afroamericana?
Arte, política y representación
¿Dónde está la línea entre expresión artística y activismo político? ¿Cómo se relacionan las actuaciones musicales con los discursos sociales y espirituales presentes en el festival?
Comparación entre festivales
¿Qué diferencias y similitudes observaste entre Woodstock y el Harlem Cultural Festival? ¿Qué revela esa comparación sobre la cultura de Estados Unidos en 1969?
Punto de encuentro y planning
El punto de encuentro será en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) el próximo sábado 14 de junio de 2025 a las 18:00h.
De 18:00h a 18:20 llegaremos al espacio, para tomar algo y prepararnos para la sesión A las 18:20h haremos una breve presentación. A las 18:30h dará comienzo el documental que tiene una duración de 117’ Tras un descanso de 10’ tendremos el debate (20:40h a 21:15h). El debate será participativo. A las 21:30h comenzará la sesión funk/soul con Dj Chamo (sesión vinilo) (21:30h a 23:00h) y luego la sesión digital con ALT_Dj (23:00h a 00:30h)
Música y Pitanzas 