Archivo de la etiqueta: Lavapies

Cine Debate con Hierro 3. Del amor invisible y silencioso

Entradas al cine debate / Plan de Meetup

  1. Acerca de “Hierro 3”
    1. Sinopsis de Hierro 3
    2. Enlaces de Hierro 3
      1. Ficha
      2. Tráiler
  2. Los temas del coloquio
    1. La violencia de género y las relaciones abusivas
    2. Hierro 3 y su significado en la película. Lo relegado e insignificante
    3. Las casas vacías
    4. El ser solitario. El que no se ve
  3. Otras cuestiones acerca de la película
    1. Los actores principales
    2. ¿Cuándo se estrenó la película?
    3. Premios y reconocimientos
    4. La música de la película
  4. Punto de encuentro y planning de la velada
  5. ¿Cómo será el coloquio?
  6. ¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas
  7. ¿Cómo hacer las reservas y pagos a Happening Madrid de cada una de las experiencias?
  8. ¿Qué es Happening Madrid?
  9. ¿Cómo apuntarte a nuestras experiencias? Los enlaces

Este próximo martes en nuestro cine debate “Un Conejo con Ojo” veremos la magistral Hierro 3 del director coreano Kim Ki-duk en nuestro cine fórum semanal Un Conejo con Ojo. Esta película del silencio, con muy pocos diálogos, más que hablar nos muestra cosas. Nos muestra otras formas de existir, relacionarse y amar. Nos pone ante nuestros ojos la barbaríe de las relaciones abusivas y sus consecuencias. Con una enorme fuerza visual nos hace ensoñar y como espectadores tenemos que explicar la historia que vemos en pantalla. Nos obliga a participar activamente en ese transcurrir.

Hierro 3 el año 2004 ganó el premio al mejor director en el festival de Venecia y el premio a la mejor película en el festival de Valladolid.

Hierro 3 no invita a reflexionar sobre el sentido de la posesión y de la pertenencia, el vacío y la capacidad de conectar con los demás de maneras distintas e insospechadas mientras revisitamos la soledad, el amor no convencional, la comunicación mas allá de las palabras dentro de un universo visual hipnótico y minimalista.

Un conejo con ojo es un cine debate organizado por Big Tree Books y Happening Madrid para las tardes de los martes desde el corazón más castizo de Madrid. Unas veladas para disfrutar del cine y hacerlo pensando y dialogando. Hazte fan de nuestro conejo blanco con un solo ojo.

Acerca de “Hierro 3”

En Hierro 3 (2004), el director corenao Kim Ki-duk teje una historia de silencios que hablan más alto que cualquier palabra, de amores invisibles que desafían las normas y de vidas marginales que encuentran su sentido. El título está inspirado en el palo de golf hierro 3, que es el que menos se utiliza, a modo de eco de sus personajes que son almas perdidas que transitan por un mundo que las ignora. Almas ignoradas y sutiles que sin embargo, dejan una impronta imborrable. La historia de Tae-suk y  Sun-hwa protagonizadas por Jae Hee y Lee Seung-yeon se estrenó en el Festival de Venecia en donde ganó el León de Plata y cautivó con su poesía visual.

Hierro 3 es una de las obras más conocidas y valoradas de Kim Ki-duk, siendo muy apreciada por su poesía visual y su capacidad de transmitir emociones profundas sin el uso de la palabras. Es una referencia del cine de autor y de su manera de tratar temas universales como el amor y la libertad de una manera tan única.

Sinopsis de Hierro 3

Tae-suk es un joven que lleva una vida fuera de lo común. Su rutina consiste en ocupar temporalmente viviendas ajenas cuando sabe que sus propietarios están ausentes. No roba ni daña los hogares; por el contrario, deja una huella casi invisible: duerme en camas que no le pertenecen, come un poco de lo que encuentra en las neveras y devuelve el gesto de esta hospitalidad involuntaria reparando pequeños desperfectos o haciendo la colada. Es como un fantasma que pasa desapercibido, dejando los espacios incluso mejores de cómo los encontró.

Sun-hwa, en cambio, vive atrapada en un matrimonio que la ha reducido a una sombra de lo que era. Antaño una hermosa modelo, ahora está confinada en una lujosa prisión bajo el control de un marido abusivo. Su existencia está marcada por el silencio y el dolor, en una casa tan fría como los lujos que la adornan.

Cuando Tae-suk entra en la casa de Sun-hwa, sus mundos chocan y, al mismo tiempo, se entrelazan. Sin palabras, reconocen en el otro un alma gemela. Unidos por un vínculo invisible pero profundo, comienzan un viaje juntos, compartiendo una existencia que desafía las normas convencionales. Como figuras etéreas, se mueven por el mundo sin dejar huellas, aceptando en silencio su destino peculiar y extraño, donde el amor y la libertad se entrelazan de manera poética.

Enlaces de Hierro 3

Ficha

https://www.filmaffinity.com/es/film477052.html

Tráiler

Los temas del coloquio

Podemos considerar que el tema principal sobre el que no habla la película “Hierro 3” es la conexión y comunicación humana más allá de las palabras y las normas convencionales. En la trama podemos ver como dos almas pueden encontrarse y complementarse en medio de la soledad, el dolor y el vacío existencial. La película aborda el amor como un vínculo silencioso, casi místico, y reflexiona sobre cómo los seres humanos pueden escapar de las estructuras sociales y emocionales opresivas para encontrar una forma de libertad personal y espiritual

Y junto a este tema principal camina la sombre de las relaciones abusivas y la violencia de género que invisibilizan a las personas que lo sufren.

Como preguntas generales que nos podemos después de ver el filme están las siguientes:

¿Qué opinas de la relación entre Tae-suk y Sun-hwa? ¿Crees que su conexión es más poderosa al desarrollarse sin palabras?

En un mundo donde el lenguaje es tan importante, ¿es posible construir relaciones significativas a través de gestos y miradas como lo hacen los protagonistas?

¿Cómo interpretas el silencio entre los personajes? ¿Es un refugio, una limitación, o una forma superior de comunicación?

¿Crees que la película propone un modelo de amor ideal o simplemente muestra una excepción dentro de la sociedad?

¿Cómo interpreta la película el impacto de la violencia de género en la vida de Sun-hwa?

La violencia de género y las relaciones abusivas

La violencia doméstica, como un viento invisible pero implacable, se filtra entre las paredes de las casas, de la intimidad. De esa intimidad en donde irrumpe nuestro protagonista Tae-Suk. La violencia en la intimidad del hogar y el abuso van sofocando poco a poco a quienes la padecen hasta despojarlas de su esencia. En Hierro 3, Kim Ki-duk aborda este tema desde una perspectiva sutil y silenciosa, pero profundamente conmovedora. Sun-hwa, la protagonista, vive atrapada en una cárcel dorada, un hogar lleno de lujos que no protege, sino que aísla. Su marido, a la vez opresor y amo de ese espacio, utiliza el control como una herramienta de poder, relegándola a una sombra de sí misma, un espectro de lo que alguna vez fue, esa bella modelo.

Hay un contraste entre la opulencia de su entorno y la emocional en la que se encuentra sumida. Sun-hwa no solo está prisionera de su matrimonio, sino también de una sociedad que ignorar su sufrimiento. La violencia que la asfixia no necesita gritos constantes ni golpes visibles; es el silencio impuesto, la mirada evasiva y la soledad forzada. En la quietud de su existencia, el abuso se convierte en un eco interminable que le recuerda su pérdida de libertad.

Cuando Tae-suk irrumpe en su vida, lo hace como un fantasma que trae consigo una brisa fresca, casi imperceptible, pero capaz de cambiarlo todo. No hay palabras entre ellos, pero tampoco las necesitan. En su conexión silenciosa, Sun-hwa redescubre algo que creía perdido: la sensación de ser vista, entendida y valorada. Mientras su marido utiliza el silencio como un arma de control, Tae-suk lo convierte en un refugio, un espacio de libertad donde ella puede respirar sin miedo.

Kim Ki-duk no muestra un enfrentamiento directo ni una liberación heroica, porque el abuso rara vez permite resoluciones simples. La transformación de Sun-hwa es interna, casi imperceptible, como una flor que comienza a abrirse tras un largo invierno. En la no hay respuestas fáciles pero, gracias a su poesía visual y exploración de los silencios nos muestra un camino para ser libres.

Las preguntas que nos podemos hacer sobre este tema podrían ser las siguientes

¿Qué te transmite la transformación de Sun-hwa a lo largo de la trama?
¿Qué simboliza la casa lujosa donde vive Sun-hwa? ¿Es un espacio de protección o una prisión?
Kim Ki-duk aborda la violencia de género de forma sutil ¿Crees que este enfoque es efectivo?
¿Cómo se representa la invisibilidad de las víctimas de violencia de género a través del personaje de Sun-hwa?
El silencio en la relación de Sun-hwa con su marido contrasta con el silencio en su relación con Tae-suk. ¿Qué diferencia hay entre estos dos tipos de silencio?
¿Qué crítica crees que hace la película hacia las estructuras sociales que perpetúan las relaciones abusivas?
¿Por qué crees que las dinámicas de control y abuso son tan difíciles de visibilizar en la sociedad?
En la película, el abuso parece «normalizado» en el entorno de Sun-hwa. ¿Qué nos dice esto sobre cómo la sociedad trata la violencia de género?
¿Cómo interpreta cada uno la liberación de Sun-hwa? ¿Es completa o queda limitada por las circunstancias?
¿Qué papel juega la conexión con Tae-suk en su proceso de liberación? ¿Es él quien la salva, o ella misma encuentra su fortaleza?
¿Crees que la película da esperanza a las víctimas de violencia de género o se mantiene en una visión más realista?
¿Qué emociones o pensamientos te genera el tratamiento de las relaciones abusivas en Hierro 3?
¿Qué aspectos de la película te hicieron reflexionar sobre el impacto de la violencia de género en la vida de las personas?
¿Crees que el arte, como el cine, puede ayudar a visibilizar las relaciones abusivas y contribuir a su prevención?

Hierro 3 y su significado en la película. Lo relegado e insignificante

El palo de golf Hierro 3 es un símbolo de lo relegado e insignificante. En este deporte, el palo de hierro 3 es uno de los menos utilizados, considerado difícil de manejar y poco práctico para la mayoría de los jugadores. Se le ve como una herramienta que rara vez se elige, relegada a un segundo plano.

Tae-suk y Sun-hwa son, de alguna manera, como ese palo: marginados, invisibles, y considerados poco importantes por la sociedad.

La violencia en la película está muy asociada al palo de golf. El marido violento y abusador de Sun-hwa utiliza este palo de golf como arma de intimidación y control. Es un símbolo de violencia, opresión y abuso dentro de la película. Sin embargo, la transformación de este símbolo violento en un título poético es un reflejo de cómo la película trata los temas de dolor y sufrimiento, encontrando belleza  en medio de ellos.

¿Qué emociones te genera el uso del palo de golf en las escenas de abuso? ¿Cómo refuerza esto la narrativa sobre la opresión y el control?
¿Tae-suk y Sun-hwa son marginados e invisibles para la sociedad, al igual que el Hierro 3 lo es en el golf. ¿Qué crítica social crees que hace la película a través de esta metáfora?
¿Cómo transforma la película la percepción de lo «insignificante»?
 ¿Crees que los actos de Tae-suk y Sun-hwa logran darle un significado distinto a su existencia?
¿Qué nos enseña el simbolismo del Hierro 3 sobre el valor de las cosas (y personas) que la sociedad tiende a ignorar o menospreciar?

Las casas vacías

Si ves colgada propaganda en la cerradura de una puerta durante mucho tiempo es que esa casa está vacía: esta es la idea inicial sobre la que Kim Ki-duk fue pertreñando Hierro 3: La idea de un ser solitario que va ocupando casas vacías, pero no lo hace con intención de ocuparlas, sino que solo reposa brevemente dándoles calidez. Tampoco roba. A cambio él hace algo positivo por aquellos que viven allí: arregla algo, hace la colada, o cualquier otra acción positiva.

¿Qué crees que simbolizan las casas vacías en la película?
¿Representan soledad, desapego o una búsqueda de conexión? ¿Cómo crees que reflejan el estado emocional de Tae-suk y su forma de interactuar con el mundo?
¿Qué mensaje transmite Tae-suk al dejar las casas en mejor estado del que las encontró?
¿Es un acto de redención, una forma de comunicación o simplemente un reflejo de su deseo de dar algo positivo a un mundo que lo ignora?
¿Cómo cambia la percepción de «invadir» casas vacías cuando Tae-suk no roba ni daña, sino que cuida?
¿Crees que esto desafía nuestras ideas sobre la propiedad, el hogar y el significado de «pertenecer» a un espacio?

El ser solitario. El que no se ve

Solo un ser solitario pretendería vivir de esa forma. En el Catálogo de los Seres Imaginarios de Jorge Luis Borges aparece el llamado Esquivo. El Esquivo siempre está detrás de algo. Por más vueltas que diera un hombre, siempre lo tenía detrás y por eso nadie lo ha visto.

Es un ser que escapa constantemente a la percepción directa, lo que lo convierte en una metáfora del misterio, de lo que es inalcanzable o de lo que está oculto a la vista. La idea del Esquivo también puede interpretarse como una reflexión sobre la imposibilidad de conocer completamente algo o alguien, ya que siempre hay algo que permanece oculto, fuera del alcance de nuestra comprensión.

Este concepto de invisibilidad y ocultamiento tiene una fuerte resonancia con los temas de la identidad, la soledad y la evasión, que Borges explora a través de esta figura fantástica.

Las escenas que veréis en la película a este respecto os encantarán.

¿Cómo interpretas la relación entre Tae-suk y el concepto del Esquivo de Borges?
¿Crees que su vida errante y su forma de ser invisible reflejan una metáfora del Esquivo  de Borges, alguien que se oculta detrás de todo pero nunca es visto?
En la película, Tae-suk se mueve entre las casas sin dejar rastro. ¿Qué simboliza esta invisibilidad?
¿Es una forma de liberación o, por el contrario, una condena a la soledad y a la desconexión del mundo que lo rodea?
¿Cómo conecta la idea del Esquivo con el tema de la soledad y la búsqueda de identidad en Hierro 3?
¿Crees que la invisibilidad de Tae-suk es una manera de escapar de la sociedad o una forma de encontrar su verdadero ser?

Otras cuestiones acerca de la película

Los actores principales

Lee Seung-yeon como Sun-hwa: La mujer atrapada en un matrimonio abusivo que encuentra una nueva esperanza al conectar con Tae-suk.

Jae Hee como Tae-suk: El joven errante cuya vida silenciosa y desapegada le lleva a conectar con Sun-hwa.

Kwon Hyuk-ho como el esposo abusivo de Sun-hwa.

¿Cuándo se estrenó la película?

La película se estrenó el 7 de septiembre de 2004 en el Festival de Cine de Venecia, donde recibió una cálida acogida por su estilo único y su poderosa narrativa visual.

Premios y reconocimientos

Hierro 3 es una película aclamada internacionalmente y que ha ganado en varios festivales:

León de Plata a la Mejor Dirección en el Festival Internacional de Cine de Venecia (2004).
Premio FIPRESCI en Venecia por su audaz propuesta cinematográfica.
Premio a Mejor Película Asiática en el Festival de Cine de Bangkok (2005).
Gran Premio del Jurado en el Festival de Cine de Oporto, Fantasporto (2005).
Reconocimientos en festivales como los Blue Dragon Awards en Corea del Sur.

La música de la película

El tema musical central de Hierro 3 es una pieza instrumental titulada «Gafsa» de Natacha Atlas. Preciosa melodía que es recurrente a lo largo de la película y construye su atmósfera.

Natacha Atlas es una cantante egipcio-británica que es pionera en la fusión de la música árabe y del norte de áfrica con la electrónica.

El tema elegido para la película es del año 1997 y se grabó en el álbum Halim.

Aquí os dejo una completa ficha de este disco

https://www.discogs.com/es/release/114342-Natacha-Atlas-Halim

Gafsa es una ciudad de Túnez. La canción está cantada en árabe y es una bella canción de amor que dice lo siguiente

Soplaron los vientos del amor en mi mente
trayéndome el saludo del ser amado.
Soplaron los vientos del amor en mi mente
trayéndome el saludo del ser amado.

Me dice: «Vuelve, querido mío,
ven al encuentro, aunque seas un extraño».
Me dice: «Vuelve, querido mío,
ven al encuentro, aunque seas un extraño».

Le respondí: «Ella fue quien perturbó mi ser»,
y ella dijo: «Mi deseo está cumplido».
Le respondí: «Ella fue quien perturbó mi ser»,
y ella dijo: «Mi deseo está cumplido».

Apareció desde su alta torre
y dijo: «Tus palabras son extrañas».

Regresa, amor mío,
no tengo suerte en este mundo.
Eres mi amor, pero
no puedes ser legítimamente mío.

¡Ay, noche, oh mis ojos!
Regresa, amor mío,
no tengo suerte en este mundo.
Eres mi amor, pero
no puedes ser legítimamente mío.

¡Ay, noche!

Soplaron los vientos del amor en mi mente
trayéndome el saludo del ser amado.
Soplaron los vientos del amor en mi mente
trayéndome el saludo del ser amado.

Trayéndome el saludo del ser amado,
trayéndome el saludo del ser amado.

Punto de encuentro y planning de la velada

El punto de encuentro será en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) el próximo martes a las 19:30h.

Las veladas se dividirán en tres partes. La primera media hora la dedicaremos a tomar algo, a presentar la película y a conocernos. Después a las 20:00h tendremos la proyección. Todas las proyecciones se realizan en VOSE. Para finalizar tendremos un coloquio que durará hasta las 23:00h.

¿Cómo será el coloquio?

Los encuentros son participativos y queremos conocer vuestra opinión para que se pueda generar un debate abierto y constructivo. No es necesario conocimiento de cine para participar y es más, huimos del conversador pedante ya que para ellos tenemos a la wikipedia. ¡Queremos que cada martes seamos capaces de generar algo fantástico y diferente!. ¡Queremos saber lo que sientes y que seas capaz de contarlo!

A partir del tema de discusión y de lo visto en la película, las historias personales son bienvenidas y además, son una buena forma de dar a conocer lo que pensamos y lo que sentimos. ¡Nuestro deseo es que participes y seas activo!

Cine y el debate siempre van de la mano, y por eso queremos que te hagas fan de nuestro conejo blanco con un solo ojo.

¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas

El coste de inscripción a la sesión de debate y coloquio es de 5€

Reservar por whatsapp en cualquiera de estos números

Ángel (https://wa.me/+34640743115)

María (https://wa.me/+3463063998)

Las plazas son muy limitadas

¿Cómo hacer las reservas y pagos a Happening Madrid de cada una de las experiencias?

¿Qué es Happening Madrid?

¿Cómo apuntarte a nuestras experiencias? Los enlaces

Cine Debate con El día de la marmota – Solo cuando ames llegará un nuevo amanecer

Entradas al cine debate / Plan de Meetup

  1. Acerca de “El día de la marmota”
    1. Sinopsis de “El día de la marmota”
    2. Enlaces de “El día de la marmota”
      1. Ficha
      2. Tráiler
      3. Premios
      4. Otros enlaces
  2. Los temas del coloquio de El Día de la Marmota (Atrapado en el tiempo)
    1. El eterno retorno
    2. El sentido de la vida
    3. El mito de la segunda oportunidad infinita
    4. Amor y obsesión
    5. Moral sin consecuencias: ¿qué harías si el mañana no existiera?
    6. ¿La rutina con tiempo puede transformar a las personas?
    7. La crítica a la cotidianidad que esconde el día de la marmota
  3. ¿Porqué y dónde se celebra el Día de la marmota?
  4. La vida real de la marmota Phil
  5. Frases de la película El Día de la Marmota (Atrapado en El Tiempo)
  6. Algunas curiosidades sobre la película
    1. Phil marmota, Phil meteorólogo y Feel (sentimiento)
    2. Woodstock
    3. Pensilvania Polka
    4. I got you babe
  7. Punto de encuentro y planning de la velada
  8. ¿Cómo será el coloquio?
  9. ¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas
  10. ¿Cómo hacer las reservas y pagos a Happening Madrid de cada una de las experiencias?
  11. ¿Qué es Happening Madrid?
  12. ¿Cómo apuntarte a nuestras experiencias? Los enlaces

Este próximo martes en nuestro cine debate “Un Conejo con Ojo” vamos a ver y hablar de El día de la marmota (Groundhog Day, 1993), una maravillosa película de culto sobre los ciclos temporales, como llegar a ser la mejor versión de uno mismo y aprender a vivir. Romántica, divertida, icónica y que nunca aburre aunque se haya visto cien veces. Tendremos una velada para explorar la repetición infinita de lo cotidiano y la posibilidad de transformarnos en alguien mucho mejor.

Veremos al carismático Bill Murray haciendo de Phil Connors, un meteorólogo egocéntrico y cínico, atrapado en el tiempo en un bucle temporal que le hará revivir una y otra vez el mismo día. Enfrentado a esta extraña paradoja, tendrá que decidir cómo vivir su eternidad en el 2 de febrero en Punxsutawney, un pueblecito que odia mucho Phil. ¿Estará condenado a repetir lo mismo para siempre o podrá cambiar su destino?

Y sobre todo esto será de lo que charlaremos en nuestra próxima sesión de Un conejo con ojo el próximo martes las 19:30h.

Un conejo con ojo es un cine debate organizado por Big Tree Books y Happening Madrid para las tardes de los martes desde el corazón más castizo de Madrid. Unas veladas para disfrutar del cine y hacerlo pensando y dialogando. Hazte fan de nuestro conejo blanco con un solo ojo.

Acerca de “El día de la marmota”

Atrapado en el tiempo, El día de la marmota o Groundhog Day es una película de cine fantástico y comedia romántica americana de año 1993. Su director es Harold Ramis. La película que inicialmente fue denostada por la crítica, ha trascendido a su época y se convertido en una película de culto, convirtiéndose en una referencia en la cultura popular y en una exploración fascinante del destino, el tiempo y la posibilidad de transformación.

En la peli podremos ver a Bill Murray dando vida al sarcástico Phil Connors; a Andy McDowell haciendo de Rita, productora del programa llena de humanidad y confianza en el prójimo, y a Chris Elliot que encarna al cámara Larry.

A día de hoy es aclamada por los mismos que años atrás la condenaban al ostracismo, en 2006 fue votada como una de las 50 mejores comedias de la historia del cine por la revista de cine Premiere y en la actualidad ocupa el octavo puesto en la lista de las mejores películas americanas de género fantástico. ( AFI’s 10 Top 10,)

Sin lugar a duda Atrapado en el Tiempo (El día de la marmota en su traducción literal del inglés) es una de las películas que más veces he visto a lo largo de mi vida. Jamás aburre y siempre hace que vuelvas a sonreír o reír a carcajadas. Una vez que la vuelves a ver, da igual cuantas veces la hayas visto antes, siempre pasas horas e incluso días pensando en ella y su mensaje.

Atrapado en el tiempo

La idea de Atrapado en el tiempo es bien simple: El continuo retorno. ¿Qué pasaría si te despertaras siempre en el mismo día? Eso es lo que le pasa a nuestro protagonista Phil. Phil pasa unos 10.000 años en un bucle temporal que se repite en el mismo día: El día de la marmota que se celebra cada 2 de febrero en algunos pueblos de Estado Unidos y Canadá. Es decir, Phil tiene la posibilidad de poder revivir 3.650.000 veces el mismo día.

Con mucho humor la película nos invita a hacer una exploración profunda de la transformación personal a lo largo de incontables repeticiones. Phil experimenta incredulidad, nihilismo, desesperación,  apatía, aceptación, hasta que poco a poco descubre que si utiliza su situación para mejorar y ayudar a los demás se estará también ayudando a sí mismo. Es un viaje crecimiento interior en el que solo verá un nuevo amanecer el día que aprenda a amar de verdad.

Todo esto es lo que ha convertido a El día de la marmota (o Atrapado en el tiempo) un clásico de culto que sigue apasionando a todos los públicos.

Sinopsis de “El día de la marmota”

Phil, que es el papel interpretado por Bill Murray, es un meteorólogo de una cadena de televisión americana. Todos los años le toca cubrir el acontecimiento del Día de la Marmota en el pueblo de Punxsutawney (Condado de Jefferson en Pensilvania). Phil es bastante cretino, creído y falto de empatía. No consiente que los sentimientos se cuelen en su vida y, mucho menos en su corazón. Su actitud es bastante repulsiva frente a la encantadora Rita (Andy McDowell), que es la productora del programa, y al cámara Larry (Chris Elliot). Phil es un hombre frustrado en sus ambiciones y aburrido con su trabajo, y en su arrogancia piensa que su carrera profesional no avanza todo lo rápido que merecería.

En el Día de la Marmota, que es cada 2 de febrero, el comportamiento de una marmota decide si el invierno está a punto de acabar o, por el contrario, tardará 5 semanas más en hacerlo.

Después de la grabación del show de Phil, tanto del animalito como del humano, el pequeño equipo tiene que volver a Pittsburgh. El regreso no es posible por culpa de una tormenta de nieve y tienen que volver y dormir de nuevo en Punxsutawney

A la mañana siguiente Phil descubre que sigue en el mismo día. La canción I got your Baby en la versión Sonny & Cher de 1965 le volverá a despertar los próximos 3.650.000.

Phil pasa por diversos momentos:  Asombro, desesperación, aceptación

Haga lo que haga ese día sus actos no tendrán consecuencias y volverá, en un bucle infinito temporal, a ser las 6 de la mañana del 2 de Febrero.

Enlaces de “El día de la marmota”

Ficha

Atrapado en el tiempo, El día de la marmota o Groundhog Day es una película americana de cine fantástico y comedia romántica americana de año 1993. Su director es Harold Ramis. Se estrenó en 1993 y dura 101’. La historia original es de Danny Rubin que es coguionista junto con el director.

https://www.filmaffinity.com/es/film245798.html

Tráiler

Premios

En su momento no recibió grandes premios en su momento. Su reconocimiento llegó con posterioridad.  Algunos de los premios y nominaciones que obtuvo incluyen:

Premios BAFTA (1994): Mejor Guion Original para Danny Rubin y Harold Ramis.

Premios de la Sociedad Nacional de Críticos de Cine (1993): Mejor Actor para Bill Murray (segundo puesto).

Premios Saturn (Academia de Ciencia Ficción, Fantasía y Terror) (1994): Nominación a Mejor Película de Fantasía.

Premios Hugo (1994): Nominada a Mejor Presentación Dramática.

Otros enlaces

Wikipedia

https://es.wikipedia.org/wiki/Groundhog_Day

IMDb – Groundhog Day (1993)

https://www.imdb.com/title/tt0107048/

Rotten Tomatoes – Groundhog Day

https://www.rottentomatoes.com/m/groundhog_day

Roger Ebert – Crítica original de Groundhog Day

https://www.rogerebert.com/reviews/groundhog-day-1993

The Making of Groundhog Day – Harold Ramis

Los temas del coloquio de El Día de la Marmota (Atrapado en el tiempo)

La rutina del día a día como prisión temporal y también como oportunidad para encontrar el sentido de la vida es uno de los temas centrales de la película.

El eterno retorno

El día de la marmota nos plantea un dilema existencial: si tuviéramos que revivir el mismo día una y otra vez, ¿qué haríamos? ¿intentaríamos mejorar, o simplemente nos resignaríamos? Phil Connors pasa por todas las situaciones emocionales posibles, negación, enfado, disfrute irresponsable, desesperación, apatía  y, finalmente, transformación.

Al ver la evolución de Phil nos damos cuenta de que cada día, aunque parezca igual que el anterior, es una oportunidad para crecer si lo afrontamos de otra manera.

¿Cómo cambiarías si supieras que tienes tiempo infinito para hacerlo?
¿Es posible cambiar sin un evento externo que nos obligue a hacerlo?

El sentido de la vida

Phil empieza a preguntarse cuál es el propósito de su existencia cuando se da cuenta de que nada de lo que hace tiene consecuencias permanentes. Este cuestionamiento filosófico está en la línea de los pensamientos existencialistas, que nos invitan a encontrar significado en la vida a través de nuestras propias elecciones.

¿Crees que Phil encuentra el sentido de su vida al final de la película?
¿Cuál es el motor que transforma  a Phil en la repetición y lo lleva a mejorar?

1.15-21H

El mito de la segunda oportunidad infinita

Con el tiempo, Phil se da cuenta de que corregir errores de forma infinita no lo hace más feliz ni le da propósito a su vida. La película nos plantea una idea interesante: ¿qué pasaría si la vida nos diera oportunidades ilimitadas para enmendar nuestros fallos? ¿Nos haría mejores o nos llevaría a un estado de apatía? En la historia, Phil solo encuentra sentido a su existencia cuando deja de intentar «corregir» su entorno y comienza a vivir con autenticidad, aprendiendo y evolucionando de manera genuina.

En la vida real, los errores y las oportunidades perdidas nos enseñan lecciones importantes. La incertidumbre y la irreversibilidad de nuestras decisiones dan valor a nuestras acciones.

¿Qué pasaría si puedes corregir indefinidamente los errores de tu vida?
¿Seguiríamos esforzándonos por mejorar? ¿Lo dejaríamos para después?

Amor y obsesión

Uno de sus principales objetivos de Phil dentro de su bucle temporal es conquistar a Rita, que representa para él la mujer perfecta ideal. Phil, gracias a su ventaja temporal, aprende todo sobre ella: sus gustos, sus valores y sus sueños, y se moldea a sí mismo en la versión perfecta que ella espera para conquista su amor. Sin embargo, cada vez que esta cerca, la falsedad de su estrategia queda en evidencia y Rita lo rechaza.

La película nos dice que el amor no se puede obtener a partir de muchos intentos y de manipulación, sino con una conexión auténtica que surge solo de la transformación personal. Que el esfuerzo y la perseverancia pueden garantizar el amor de alguien es una idea romántica equivocada y apunta hacia que solo la transformación interna que posibilite la conexión lo hace viable.

¿Es realmente válido dedicar toda una vida a intentar conquistar a una persona, o el amor solo surge cuando dejamos de perseguirlo como un objetivo?
¿Dedicarías toda una vida a conquistar al amor de tus sueños?

Moral sin consecuencias: ¿qué harías si el mañana no existiera?

En El día de la marmota, Phil Connors descubre que al estar atrapado en un bucle temporal donde cada día es exactamente igual al anterior, sus actos no tienen consecuencias. Al principio, esta falta de consecuencias lo lleva a un comportamiento hedonista y egoísta: roba dinero, manipula a la gente, come sin control y se burla de todos a su alrededor. Sin miedo al futuro, siente que puede hacer lo que quiera sin que haya repercusiones.

Con el tiempo descubre que esta aparente «libertad» no le da satisfacción. Sin consecuencias, sus actos pierden significado y el placer se convierte en hastío. Al final, Phil comprende que la verdadera satisfacción no está en actuar sin límites, sino en encontrar propósito, conectar con los demás y mejorar como persona, incluso cuando nadie está mirando.

¿Nuestras acciones están guiadas por nuestras convicciones o por el miedo a las consecuencias?
¿Seguiríamos actuando con ética si supiéramos que el mundo se reinicia al día siguiente?
¿Harías lo que quisieras si supieras que no hay un mañana y tus actos no tienen consecuencias?

¿La rutina con tiempo puede transformar a las personas?

Phil Connors comienza como un hombre arrogante, egocéntrico y cínico. Su visión del mundo está basada en el desprecio por los demás y en la creencia de que nada ni nadie puede cambiarlo. Sin embargo, al quedar atrapado en un bucle temporal y vivir el mismo día una y otra vez, se enfrenta a una posibilidad única: el cambio no es inmediato ni impuesto por factores externos, sino resultado de una repetición interminable que lo obliga a mirarse a sí mismo y evolucionar.

En un primer momento, Phil utiliza el tiempo infinito para su beneficio: manipula situaciones, intenta conquistar a Rita a través del engaño y se aprovecha de su conocimiento del día para satisfacer sus propios deseos. Pero con el paso de los días (o años, según algunas teorías), el vacío existencial se hace evidente y descubre que la única forma de escapar de su ciclo es convertirse en una mejor persona, no por conveniencia, sino por elección genuina.

Esta transformación nos lleva a cuestionar si el cambio es inevitable cuando el tiempo es infinito. Si alguien como Phil, con suficiente repetición y experiencia, logra pasar de ser un capullo integral a un hombre noble, ¿implica esto que cualquier persona, con el tiempo suficiente, podría volverse mejor? ¿O hay quienes nunca cambiarían, sin importar cuántas oportunidades tengan?

¿Que un capullo integral se convierta en un tipo excelente es solo cuestión de tiempo?

La crítica a la cotidianidad que esconde el día de la marmota

Es posible que muchos de nosotros vivamos una vida bastante “marmotil” y nuestros días pasen haciendo poco más o menos lo mismo. Levantarnos a la misma hora, ducharnos, desayunar, ir al trabajo en transporte público, comer, gimnasio, de nuevo oficina, a veces una caña afterwork, cenar y a dormir.

Así, un día tras otro, podemos llegar a pensar que estamos encerrados en el mismo día. Creemos que no existe posibilidad de salvación para nosotros y solo deseamos que un agente externo del tipo lotería o similar nos saque de nuestro particular bucle temporal.

Sin embargo, para poder disfrutar, como le pasa a Phil cuando coge las riendas de su único día, tenemos que tomar el control y provocar variaciones.

Tenemos que dejar de pensar en nosotros mismos y pensar en los demás. Tenemos que darnos cuenta de que en la generosidad y conocimiento está nuestra posibilidad de salvación.

Es eso exactamente lo que hace Phil. Pase de ser un capullo a ser un tipo genial. Pensar, que según algunas fuenes,  solo ha necesitado 3.650.000 días.

De verdad ¿No crees que tú lo puedes mejorar?

Em definitiva, para que el tiempo avance y tengamos un nuevo amanecer es necesario estar abierto al mundo. Si permaneces cerrado y ensimismado en ti mismo el tiempo no avanzas, tú no avanzas. Cuando te abres al mundo y a los demás abandonando el egocentrismo el tiempo, como tu vida, fluye.

¿Porqué y dónde se celebra el Día de la marmota?

El Día de la Marmota es el 2 de febrero. Es decir, en mitad del tiempo transcurrido entre el solsticio de invierno y el equinoccio de primavera.  De manera análoga Halloween se encuentra entre el equinoccio de otoño y el solsticio de invierno. En otras partes del mundo, como en Europa Occidental, lo que se celebra en estas fechas es el Carnaval.  Sin embargo, en este caso, la fecha es variable por la primera luna llena de la primavera. Es decir, el Carnaval se sitúa 40 días antes que la primera luna llena después del equinoccio de primavera.

Volviendo al tema marmotil que nos ocupa, este día se celebra en ciertos lugares de Estados Unidos y Canadá. El lugar más conocido de su celebración se encuentra en el Condado de Jefferson en Pensilvania y se llama Punxsutawney. La marmota predictora se llama siempre Phil. Notar que es igual que el nombre de nuestro protagonista en la película El día de la Marmota (The GroundHod Day o Atrapado en el Tiempo).

El día de la marmota es un método folclórico que usan los granjeros para saber cuándo acabará el invierno. Si la marmota al salir no ve su sombra, por ser un día nublado, entonces no volverá a la madriguera y eso significa que el invierno termino ya.  Pero si la marmota ve su sombra, porque el día es soleado, significa que el invierno durará todavía seis semanas más.

¿Es un método fiable? Pues parece ser que no. La precisión marmotil está en un bajísimo 39%.

El día de la marmota se lleva celebrando dese 1887.

La vida real de la marmota Phil

Phil vive a cuerpo de rey en Punxsutawney. Esta marmota no está en una madriguera. Nuestro Phil vive en una madriguera de temperatura controlada por los humanos en el centro de Punxsutawney en la plaza Barclay. Tampoco Phil tiene necesidad de salir a buscar pareja ya que también se encargan de sus apetitos sexuales. Aunque generalmente las marmotas no tienen pareja estable Phil si. A Phil le buscan la supermegachachi marmota para que cohabite con ella.

Con todos estos datos parece ser que nuestro bicho cuando le sacan a hacer su show no parece que vaya muy entusiasmado.

Si alguna vez vais a ver este bonito pueblo habréis de saber que podéis ver el hogar de Phil desde una cristalera dispuesta para ello en la biblioteca de Punxutawney.

Frases de la película El Día de la Marmota (Atrapado en El Tiempo)

Phil/:¿»Alguna vez ha tenido un Deja Vu, señora Lancaster?

Sra Lancaster:»Creo que no pero puedo preguntar en la cocina»

No sólo sobreviví a un atropello. No sólo exploté ayer. He sido apuñalado, envenenado, congelado, ahorcado y quemado (mirada incrédula de la camarera) y cada día me despierto sin un solo rasguño. Soy inmortal.

– ¿Va a ver a la marmota?- Sí, así es.

– ¿La primavera empezará pronto?

– Predigo el 21 de marzo.

– ¡Buena suposición! ¡Creo que ése es de verdad el 1er. día de la primavera!

Estuve en las Islas Vírgenes una vez. Conocí a una chica. Comimos langosta, tomamos piña colada. Al anochecer hicimos el amor como animales. Ese fue un buen día. ¿Por qué ese día no se repitió una y otra vez?

– ¿Qué harías si estuvieses anclado en un lugar y todos los días fueran iguales sin importar lo que hicieras?

– Eso resume mi vida.

– Déjenme hacerles una pregunta. ¿Y si no hubiera un mañana?

– ¿Si no hubiera un mañana? Entonces no habría consecuencias. No tendría resaca.

– Podríamos hacer lo que quisiéramos.

– ¿Sabes qué día es hoy?
– No, ¿cuál?
– Hoy es mañana

Lo que quería decir era que creo que eres la persona más dulce, más hermosa que jamás he conocido. Nunca vi a nadie más amable con la gente que tú. La primera vez que te vi algo me ocurrió. Nunca te lo dije, pero supe que quería abrazarte con mucha fuerza. No me merezco a alguien como tu pero si pudiera te juro que te amaría el resto de mi vida.

Y en este enlace todavía tenéis alguna mas

https://netotem.com/frases-de-cine-atrapado-en-el-tiempo-1993

Algunas curiosidades sobre la película

Phil marmota, Phil meteorólogo y Feel (sentimiento)

Phil, el metereólogo, y Phil, la marmota se llaman igual. Además también suena como feel. Es justo los sentimientos lo que le falta a nuestro amigo al principio de la película y necesita muchos miles de días para conseguirlo.

En la vida real ambos Phil no se llevaron muy bien durante el rodaje. Phil marmota mordió a Phil metereólogo que tuvo que ser vacunado.

Woodstock

La película se rodó en Woodstock en el estado de Illinois. Aquí tenéis un enlace con el wlaking tour y los sitios de la peli:

http://www.woodstockgroundhog.org/

Este pueblo encentra separado de Punxsutawney en 547 millas. Woodstock es el lugar donde en 1969 se hizo el famoso festival.

Pensilvania Polka

La canción que se escucha insistentemente durante el festejo es Pensilvania Polka. Aquí la tenéis:

Pennsylvania Polka es una canción popular de polka que se hizo famosa en la década de los 40 del pasado siglo gracias a Frankie Yankovic, uno de los músicos más influyentes en la historia de este género en los Estados Unidos que tue conocido como el rey de la polka. La canción fue escrita por Lester Lee y Zeke Manners en 1942.

Strike up the music, the band has begun,

The Pennsylvania Polka!

Pick out your partner and join in the fun,

The Pennsylvania Polka!

I got you babe

5:59, 6:00 y vuelve a sonar la canción. ¡El martirio se repite! La canción con la que todas las mañanas se despierta Phil es «I Got You Babe». «I Got You Babe» es la canción más famosa de Sonny & Cher y la que los catapultó a la fama en 1965. Se convirtió en su primer gran éxito, alcanzando el número 1 en el Billboard Hot 100 y es todo un himno del amor juvenil de los años 60 y de la contracultura que puso en órbita a la pareja y acabó convirtiéndose en una de las más emblemáticas de la música pop de los años 60.

Esta canción aparece en el número 444 de las 500 mejores canciones de todos los tiempos según la revista Rolling Stone

La canción ha sido usada en numerosas películas y series, pero nada comparado con su aparición en el Día de la Marmota en 1993. Cada mañana suena en el despertador de la habitación de Bead and Breakfast de Phil Connors, y es el símbolo de que el ciclo vuelve a comenzar.

Ha sido versionada por múltiples artistas, incluyendo UB40 & Chrissie Hynde, quienes la llevaron nuevamente a las listas de éxitos en los 80.

Punto de encuentro y planning de la velada

El punto de encuentro será en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) el próximo martes a las 19:30h.

Las veladas se dividirán en tres partes. La primera media hora la dedicaremos a tomar algo, a presentar la película y a conocernos. Después a las 20:00h tendremos la proyección. Todas las proyecciones se realizan en VOSE. Para finalizar tendremos un coloquio que durará hasta las 23:00h.

¿Cómo será el coloquio?

Los encuentros son participativos y queremos conocer vuestra opinión para que se pueda generar un debate abierto y constructivo. No es necesario conocimiento de cine para participar y es más, huimos del conversador pedante ya que para ellos tenemos a la wikipedia. ¡Queremos que cada martes seamos capaces de generar algo fantástico y diferente!. ¡Queremos saber lo que sientes y que seas capaz de contarlo!

A partir del tema de discusión y de lo visto en la película, las historias personales son bienvenidas y además, son una buena forma de dar a conocer lo que pensamos y lo que sentimos. ¡Nuestro deseo es que participes y seas activo!

Cine y el debate siempre van de la mano, y por eso queremos que te hagas fan de nuestro conejo blanco con un solo ojo.

¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas

El coste de inscripción a la sesión de debate y coloquio es gratuita para los socios de Happening Madrid y para el resto aquello con lo que deseéis y podáis participar. Se puede  reservar en entradium en este enlace:

https://entradium.com/events/cine-debate-de-los-martes

donde tendréis varias opciones a elegir:

Las invitaciones gratuitas para los socios
La reserva gratuita para hacer luego la aportación que se desee a la finalización del coloquio
Los que deseen hacer una aportación de 3€
Los que deseen hacer una aportación de 5€

y además debes de reservar por whatsapp en cualquiera de estos números

Ángel (https://wa.me/+34640743115)
María (https://wa.me/+3463063998)

Las plazas son muy limitadas

¿Cómo hacer las reservas y pagos a Happening Madrid de cada una de las experiencias?

¿Qué es Happening Madrid?

¿Cómo apuntarte a nuestras experiencias? Los enlaces

Experiencias Happening (6-9 de noviembre de 2025)

  1. Jueves 6 20:00h Afterwork. Teatro AZarte. Estreno de Reencuentro
    1. Reencuentro
    2. Enlaces con las entradas
    3. Punto de encuentro y planning del meetup
    4. Precio y reservas
  2. Viernes 7 22:00h Tapeo Barrio de las Letras y Happening Soul Train Underground Party
    1. El tapeo
    2. Precio del Meetup
  3. Viernes 7 23:30h Happening Soul Train Underground Party, Sessions, Soul Train Line
    1. Underground Party
    2. Precio del Meetup
  4. Sábado 8 18:00h Tardeo Indie de Madrid. Teatro Magno ¡Bailar sin parar!
    1. El plan
    2. Grupo de Whatsapp para el tardeo
    3. Punto de encuentro y plannig del meetup
    4. Precio de la inscripción al meetup
  5. Domingo 9 13:00h Serrería Belga (1001 Quijotes). Macao (japo oriental). Cheer Karaoke
    1. Lo que haremos
    2. Punto de encuentro y planning del Meetup
    3. Precio y reservas
  6. ¿Qué es Happening Madrid?
  7. ¿Cómo hacer lar reservas y pagos a Happening Madrid?
  8. Resumen de las experiencias Happening del 6 al 9de Noviembre de 2025
    1. Jueves 6
      1. 20:15 Taberna Ángel Sierra (C/ Gravina, 11) 21:00h Sala Azarte (C. de San Marcos, 19)
    2. Viernes 7
      1. 22:00h Cervecería El Diario a las 22:00h (C/ Huertas, 69). 23:30h Muller Bar (C/ Huertas 38)
    3. Sábado 8
      1. 18:00h Bar Los Pinchitos (C. de los Madrazo, 7)  18:45 Teatro Magno (C. de Cedaceros, 7)  
    4. Domingo 9
      1. 13:00h Espacio Cultural la Serrería Belga (C. de la Alameda, 15) 15:00h Macao Príncipe (c/ Príncipe, 16 ). 17:00h Cheers Karaoke (C. de las Huertas, 50)

Un fin de semana lleno de sorpresas: tabernas centenarias, teatro, Chueca, tapeo, Barrio de las Letras, Happening Soul Train Underground en Muller, Tardeo Indie, Exposición Mil y Un Quijotes, comida japo oriental en Maco y Karaoke.

¿Te atreves con todo? ¡Te espero!

Apúntate en  https://www.meetup.com/happening-gp/events/

Jueves 6 20:00h Afterwork. Teatro AZarte. Estreno de Reencuentro

https://www.meetup.com/happening-gp/events/311855997/

Reencuentro

El jueves 6 de noviembre a las 21:00h se estrena REENCUENTRO en la Sala AZarte, un monólogo de Walter de la Reta, con texto de María Inés González y Miguel Ángel Cárcano.

La obra trata sobre Juan y Alberto, dos amigos de la universidad que se reencuentran tras veinte años sin verse. En otra época, uno se llevaba el mundo por delante y el otro era el típico perdedor, pero años de frustraciones y triunfos los han puesto en otro lugar. Alberto cree que toca un ajuste de cuentas, sin saber que Juan también necesita algo de él. Como dos caras de una misma moneda, cada uno de ellos es parte del otro.

Enlaces con las entradas

https://www.atrapalo.com/entradas/reencuentro_e4930971/

https://teatromadrid.com/espectaculo/reencuentro

Punto de encuentro y planning del meetup

A las 20:15 quedamos en la Taberna Ángel Sierra (C/ Gravina, 11) entrando por su puerta de la Calle de San Gregorio. La taberna se encuentra en la mismísima plaza de Chueca. Es un lugar único y centenario con un excelente vermú de grifo.

A las 21:00h dará comienzo la obra en la Sala Azarte, que se encuentra muy cerca

https://maps.app.goo.gl/pia61qbLxL3nZaRR7

Precio y reservas

El precio de inscripción al meetup es de 5€. Gratis para socios de Happening Madrid.

Cada cual ha de comprar la entrada al teatro

Viernes 7 22:00h Tapeo Barrio de las Letras y Happening Soul Train Underground Party

https://www.meetup.com/happening-gp/events/311869716/

El tapeo

Tapeo previo a la fiesta en la conocida Cervecería El Diario a las 22:00h (C/ Huertas, 69). Aquí podemos tomar raciones y canapés de todo tipo.

Entre 23h y 23:30h nos acercaremos a Muller Bar (C/ Huertas 38) para asistir al Happening Soul Train Underground Party.

Precio del Meetup

Gratis para socios de Happening Madrid. 5€ para el resto

Viernes 7 23:30h Happening Soul Train Underground Party, Sessions, Soul Train Line

https://www.meetup.com/happening-gp/events/311747082/

Underground Party

Te esperamos en la mejor fiesta del año en Muller Bar (Calle de las Huertas, 38)

🔥 Happening Soul Train – 7 de noviembre🔥

¿Te gustan las buenas fiestas donde estás on fire?

¿Eres del rollo retro? ¿De los que bailan hasta que los pies dicen basta?

¿Tu alma analógica se rebela contra el mundo líquido y virtual?

🎶 Happening Soul Train Party es justo lo que necesitas.

No es una fiesta cualquiera. Es una explosión de energía funky y disco 70-80s.

¡Como si entraras en un episodio de Soul Train! 🚂💃

💥 Música que ha quemado las pistas:

Blaxplo · P-Funk · B-Funk · Funky Disco · 90s · House · Neo Soul

🎧 Actuaciones en directo · DJs

🕺 Soul Train Line · Bailarines · Ambientazo

🪩 Dress code: ¡Saca tu mejor outfit disco!

✨ Siéntete como uno de los Chic con Nile Rodgers en el Studio 54 del NY del 78.

(No hace falta que compongas Le Freak, solo baila como si lo hubieras hecho 😉)

🔮 Una obra efímera e hipnótica que durará más que la historia de Cenicienta.

🥐 Y cómo estás en Madrid, puedes acabar desayunando porras en San Ginés 😋

🎟️ RESERVAS E INFORMACIÓN POR WHATSAPP AL 6740743115  CON ENTRADA LIBRE Y GRATUITA

Precio del Meetup

Gratuito para socios y no socios de Happening Madrid

Sábado 8 18:00h Tardeo Indie de Madrid. Teatro Magno ¡Bailar sin parar!

https://www.meetup.com/happening-gp/events/311869784/

El plan

Volvemos al tardeo indie de Madrid (https://tardeomadrid.es/) para comenzar el 2025.
Indie & Hits desde las 18:00 hasta las 00:00 en el Teatro Magno (C. de Cedaceros, 7)
Tres Djs para en cada sesión
Entrada gratuita con invitaciones para Happening Madrid toda la tarde
Entradas e invitaciones en:
https://tardeomadrid.es/

Grupo de Whatsapp para el tardeo

https://chat.whatsapp.com/FcsZ0eNMiMKFkLIcq9Uc2e

Punto de encuentro y plannig del meetup

El punto de encuentro será en el bar Los Pinchitos (C. de los Madrazo, 7) donde quedaremos para reunirnos y tomarnos la primera caña a las 18:00h. Sobre las 18:45h entraremos en el Teatro Magno (C. de Cedaceros, 7)  para disfrutar el tardeo.
Dependiendo de los asistentes y de aquello que queráis después del tardeo iremos a tomar algo y seguiremos por la noche.

Precio de la inscripción al meetup

El precio de inscripción al meetup es de 5€. Gratis para socios de Happening Madrid.

Domingo 9 13:00h Serrería Belga (1001 Quijotes). Macao (japo oriental). Cheer Karaoke

https://www.meetup.com/happening-gp/events/

Lo que haremos

Comenzamos este domingo 9 de Noviembre de 2025, día de la Almudena, en el Espacio Cultural la Serrería Belga (C. de la Alameda, 15) en donde veremos la exposición Mil y Un Quijotes. Allí quedaremos a las 13:00h.

https://www.serreria-belga.es/actividades/mil-y-un-quijotes-de-el-paular-al-castillo-de-peralada

Tras la visita a la exposición iremos a comer la deliciosa (y muy bien de precio) comida japonesa y oriental de Macao Príncipe (c/ Príncipe, 16 ).

https://restaurantemacao.es/principe/
Tras la comida iremos al Cheers Karaoke (C. de las Huertas, 50) a demostrar nuestras habilidades al micrófono.

https://www.cherskaraoke.com/

Punto de encuentro y planning del Meetup

A las 13:00h en la entrada del Espacio Cultural la Serrería Belga (C. de la Alameda, 15)

De 13:15h a 14:30h estaremos en la Serrería Belga viendo la exposición Mil y Un Quijotes

Nos veremos a las 14:30h en la puerta de entrada de la Serrería Belga para emprender el camino hacia Macao Príncipe. Un paseo de un km que nos llevará desde la Calle de la Alameda hasta la Calle del Príncipe por la Calle de Huertas.

A las 15:00h tenemos la reserva a mi nombre (Ángel Chamorro) para comer en Macao Príncipe. Tenemos varias opciones muy baratas y apetecibles. En principio he reservado 8 plazas con 30% de descuento en carta. Según os vayáis apuntado y me vayáis diciendo iré reservando más espacio.

Sobre las 17:00 iremos al Cheers Karaoke (C. de las Huertas, 50).

Precio y reservas

El precio de inscripción al meetup es de 5€. Gratis para socios de Happening Madrid.

¿Qué es Happening Madrid?

¿Cómo hacer lar reservas y pagos a Happening Madrid?

Resumen de las experiencias Happening del 6 al 9de Noviembre de 2025

Jueves 6

20:15 Taberna Ángel Sierra (C/ Gravina, 11)
21:00h Sala Azarte (C. de San Marcos, 19)

Viernes 7

22:00h Cervecería El Diario a las 22:00h (C/ Huertas, 69).
23:30h Muller Bar (C/ Huertas 38)

Sábado 8

18:00h Bar Los Pinchitos (C. de los Madrazo, 7) 
18:45
Teatro Magno (C. de Cedaceros, 7)  

Domingo 9

13:00h Espacio Cultural la Serrería Belga (C. de la Alameda, 15)
15:00h Macao Príncipe (c/ Príncipe, 16 ).
17:00h Cheers Karaoke (C. de las Huertas, 50)

Apúntate en  https://www.meetup.com/happening-gp/events/

Terroríficamente divertidas. Comedias de Terror este mes de noviembre en nuestro Cine Debate “Un conejo con ojo”

  1. La peliculas y los temas
    1. 🐺 An American Werewolf in London (John Landis, 1981). Metamorfosis, culpa y humor negro.
    2.  Evil Dead II (Sam Raimi, 1987). Exceso, cuerpo, delirio
    3. 🧛 What We Do in the Shadows (Taika Waititi & Jemaine Clement, 2014). La inmortalidad doméstica.
    4. 👠 The Rocky Horror Picture Show (Jim Sharman, 1975). Transgresión, · identidad, ritual
  2. An American Werewolf in London (John Landis, 1981). Metamorfosis, culpa y humor negro
    1. Acerca de
    2. Sinopsis
    3. El debate. Los temas de An American Werewolf in London
      1. La metamorfosis y el cuerpo como enemigo
      2. La culpa y la herencia de la violencia
      3. El humor como defensa frente al horror
      4. El choque cultural
      5. El deseo reprimido
      6. La soledad del condenado
    4. Las preguntas para el debate
    5. Ficha
    6. Trailer
    7. Historia de la película
      1. Recepción de la crítica
      2. Éxito comercial
      3. Cómo se convierte en película de culto
      4. Qué significa para el cine actual
      5. Influencia en otras películas y directores
      6. En resumen
    8. La banda sonora de An American Werewolf in London
    9. Acerca del director
  3. 🧛 What We Do in the Shadows (Taika Waititi & Jemaine Clement, 2014). La inmortalidad doméstica.
    1. Acerca de
    2. Sinopsis
    3. El debate. Los temas de What We Do in the Shadows
      1. Desmitificando al monstruo
      2. La convivencia y la eternidad
      3. El choque entre lo antiguo y lo moderno
      4. El humor como medicina frente al miedo
      5. El monstruo como espejo social
    4. Preguntas para el debate
    5. La banda sonora de What We Do in the Shadows (2014)
    6. Historia de la película
      1. Recepción crítica
      2. Éxito comercial
      3. Película de culto
      4. Qué significa para el cine actual
      5. Influencia en otras películas y directores
      6. En resumen
    7. Ficha
    8. Tráiler
    9. Acerca de los directores
  4. 🪓 Evil Dead II (Sam Raimi, 1987). Exceso, cuerpo y delirio
    1. Acerca de
    2. Sinopsis
    3. Los temas principales de Evil Death II
      1. El cuerpo y la transformación
      2. El humor en el terror
      3. El mal como presencia abstracta
      4. El héroe accidental
      5. El estilo visual
    4. Preguntas para el debate
    5. La banda sonora
    6. Historia de Evil Death II
      1. Producción y rodaje
      2. Recepción y legado
      3. Importancia en el cine contemporáneo
    7. Ficha
    8. Tráiler
    9. Sobre el director
  5. The Rocky Horror Picture Show (Jim Sharman, 1975). Transgresión, · identidad, ritual
    1. Acerca de
    2. Sinopsis
    3. Temas que aborda The Rocky Horror Picture Show
    4. El debate. Preguntas para reflexionar:
    5. Historia de la película The Rocky Horror Picture Show 
      1. Recepción de la crítica
      2. Éxito comercial y cultural
      3. Cómo se convirtió en película de culto
      4. Qué significa para el cine actual
      5. Influencia en otras películas y directores
      6. En resumen
    6. Ficha de The Rocky Horror Picture Show
    7. Trailer
    8. Banda sonora
    9. Acerca del director
  6. Punto de encuentro y planning de la velada
  7. ¿Cómo será el coloquio?
  8. ¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas

En el mes de noviembre en nuestre Cine Debate “Un conejo con ojo” combinamos humor con terror para traeros un ciclo de cuatro películas “Terroríficamente divertidas”. Comenzaremos el martes cuatro con An American Werewolf in London (Un hombre lobo americano en Londres) el clásico de 1981 del director John Landis.  AL segunda entrega para el 11 de noviembre será What We Do in the Shadows (Lo que hacemos en las sombras) del año 2014 y dirigida por Taika Waititi & Jemaine Clement. El martes 21 tendrá su turno Evil Dead II(Terrorificamente muertos) de Sam Raimi del año 1987. Cerramos el ciclo con The Rocky Horror Picture Show el clásico de culto del año 1975 dirigido por Jim Sharman

¡Nos esperan unas divertidísimas y aterradoras veladas de cine y charla!

Te esperamos cada martes a las 19:30h en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) para compartir maravillosa películas y debates. Acompáñanos en esta nueva aventura cinematográfica de la mano de nuestro conejo blanco con un solo ojo.

La peliculas y los temas

🐺 An American Werewolf in London (John Landis, 1981). Metamorfosis, culpa y humor negro.

¿Qué hace que este film mantenga su equilibrio entre el miedo y la comedia sin volverse parodia?
¿La transformación del protagonista es castigo, liberación o simple destino biológico?
¿El humor atenúa el horror o lo hace más humano?

 Evil Dead II (Sam Raimi, 1987). Exceso, cuerpo, delirio

¿Por qué el humor físico resulta tan efectivo en medio del gore?
¿Dónde termina el terror y empieza la autoparodia?
¿Es Ash un héroe o un payaso trágico del caos?

🧛 What We Do in the Shadows (Taika Waititi & Jemaine Clement, 2014). La inmortalidad doméstica.

¿Qué revela esta comedia sobre nuestra necesidad de normalizar incluso lo monstruoso?
¿Se burla de los vampiros o los humaniza?
¿Qué queda del mito cuando lo convertimos en rutina?

👠 The Rocky Horror Picture Show (Jim Sharman, 1975). Transgresión, · identidad, ritual

¿Por qué esta película sigue siendo un acto de liberación medio siglo después?
¿Es una parodia del terror o un himno al exceso como forma de libertad?
¿Qué lugar ocupa el público: espectador, creyente o cómplice?

An American Werewolf in London (John Landis, 1981). Metamorfosis, culpa y humor negro

Acerca de

Abrimos el ciclo de noviembre “Terroríficamente Divertidas” con An American Werewolf in London (Un hombre lobo americano en Londres) , el clásico de John Landis que combinó el mito del hombre lobo con una mezcla de comedia negra, romance trágico y terror visceral. Estrenada en 1981, fue una rareza en su tiempo: una película capaz de hacer reír, pero también de helarte la sangre.

Landis, conocido por su sentido del ritmo cómico, encontró aquí el equilibrio imposible entre el horror puro y la ironía británica. Dos jóvenes americanos recorren a pie los páramos de Yorkshire y, tras un ataque de una criatura salvaje, uno de ellos muere y el otro sobrevive… para descubrir que lleva dentro la maldición del licántropo. Lo que sigue no es solo una historia de terror, sino una comedia macabra sobre la culpa, la transformación y el instinto reprimido.

En An American Werewolf in London, el humor surge del desconcierto que produce ver cómo lo cotidiano se corrompe por lo sobrenatural. Lo que parece una broma cruel del destino se convierte en una parábola sobre la pérdida del control y la imposibilidad de huir de lo que somos.

Sinopsis

David y Jack son dos amigos estadounidenses que viajan por Inglaterra haciendo autostop. En mitad de la noche llegan a un pueblo donde son recibidos con frialdad en un pub cuyo nombre The Slaughtered Lamb. Pese a las advertencias, se internan en la niebla y son atacados por una criatura monstruosa. Jack muere, David sobrevive con heridas que pronto revelan su verdadera naturaleza. Mientras su amigo reaparece desde el más allá para advertirle, David intenta aferrarse a una vida normal en Londres… hasta que la luna llena reclama su precio.

El debate. Los temas de An American Werewolf in London

La película entrelaza humor, horror y tragedia. Algunos de los temas que de los que hablaremos son:

La metamorfosis y el cuerpo como enemigo

La transformación física es un momento de máxima angustia. El humor se congela y el cuerpo se convierte en una cárcel.

La culpa y la herencia de la violencia

Nuestro protagonista, David, no elige su destino, pero debe cargar con el peso de cada muerte.

El humor como defensa frente al horror

Las bromas de Jack o la ironía de las situaciones no alivian, sino que subrayan el absurdo de lo inevitable.

El choque cultural

Un americano perdido en la tradición inglesa del horror gótico: el extranjero como monstruo literal.

El deseo reprimido

La relación entre David y la enfermera Alex es tan tierna como trágica; el deseo humano convive con el animal interior.

La soledad del condenado

La licantropía más que castigo divino se convierte en un aislamiento existencial.

Las preguntas para el debate

¿Qué simboliza la transformación del protagonista: el despertar de la violencia, la pérdida de identidad o la naturaleza humana desatada?
¿El humor ayuda a sobrellevar el horror o lo vuelve más inquietante?
¿Hasta qué punto el film ridiculiza o dignifica el mito del hombre lobo?
¿Qué relación hay entre el deseo, la culpa y la transformación?
¿Por qué la película nos hace empatizar con el monstruo y no con los humanos?
¿Podemos leer la historia como una metáfora del trauma o de la adolescencia —ese momento en que el cuerpo cambia y asusta?
¿Qué aporta el tono británico al humor negro del relato?
¿Por qué el final, tan brutal, resulta inevitablemente melancólico?

Ficha

https://www.filmaffinity.com/es/film949999.html

Trailer

Historia de la película

John Landis escribió el guion de An American Werewolf in London en 1969, cuando tenía apenas dieciocho años y trabajaba como asistente en Yugoslavia durante el rodaje de Kelly’s Heroes. Inspirado por un entierro gitano que presenció —en el que los aldeanos cubrieron el cuerpo con ajo y sellaron la tumba con cadenas “para que no saliera”—, Landis concibió una historia donde el terror y la risa podían convivir sin traicionarse. Pasarían más de diez años antes de que los estudios se atrevieran a financiarla: nadie entendía cómo una película podía ser demasiado divertida para ser de terror, y demasiado sangrienta para ser comedia.

Finalmente, en 1981, con el éxito de Animal House y The Blues Brothers, Landis consiguió la luz verde para su proyecto. Rodó entre Gales y Londres con un presupuesto de unos 10 millones de dólares. Los efectos especiales quedaron a cargo de Rick Baker, cuyo trabajo en la transformación de David (David Naughton) a lobo cambió para siempre la historia del maquillaje cinematográfico: fue tan innovador que la Academia creó un nuevo premio, el Oscar al Mejor Maquillaje, solo para reconocer su logro.

Recepción de la crítica

En su estreno, An American Werewolf in London dividió a la crítica. Algunos la consideraron una blasfemia tonal; otros, una genialidad. The New York Times la describió como “una sátira brillante escondida en una pesadilla”, mientras The Guardian la tachó de “groseramente desequilibrada”. Sin embargo, Roger Ebert la defendió como una obra de terror moderna con un sentido del humor cruelmente humano.
El público, en cambio, la entendió de inmediato: se rieron, se asustaron, y salieron del cine tarareando Blue Moon.

Éxito comercial

Estrenada el 21 de agosto de 1981, la película fue un éxito rotundo en taquilla. Recaudó más de 60 millones de dólares en todo el mundo —seis veces su presupuesto— y se mantuvo semanas entre las más vistas tanto en EE. UU. como en Reino Unido. Su mezcla de horror gráfico, ironía pop y banda sonora compuesta solo por canciones que mencionan la luna (de Sam Cooke a Creedence Clearwater Revival) se volvió irresistible para el público joven.

Cómo se convierte en película de culto

Con el tiempo, la película encontró su lugar más allá del éxito comercial. En los noventa y dos mil, las proyecciones en cines de medianoche, las ediciones especiales en VHS y luego en Blu-Ray consolidaron su estatus de culto. El humor negro, los efectos prácticos de Baker y el retrato melancólico del monstruo resonaron con una generación que buscaba ironía sin perder emoción.
An American Werewolf in London no solo modernizó al hombre lobo; lo volvió trágico, cómico y profundamente humano. Esa mezcla —tan improbable— es lo que mantiene viva su mitología.

Qué significa para el cine actual

Hoy se considera una de las película que marcó el paso del horror clásico al horror moderno. La película demostró que el género de terror podía combinarse con la comedia sin caer en la parodia. Su tono —a medio camino entre la tragedia y la carcajada— anticipa la sensibilidad del cine contemporáneo. Además, An American Werewolf in London fue pionera en tratar la transformación física con realismo doloroso, abriendo el camino al body horror psicológico y emocional.

Influencia en otras películas y directores

Edgar Wright (director de Shaun of the Dead) ha citado la película como su modelo perfecto de comedia de terror equilibrada.

John Landis influenció a Sam Raimi, cuyo Evil Dead II repite esa combinación de slapstick y horror visual.

Neill Blomkamp, Guillermo del Toro y Jordan Peele han reconocido su deuda con la forma en que Landis usa el humor para revelar el miedo social y la violencia reprimida.

La transformación de David inspiró directamente los efectos de The Thing (1982) de John Carpenter y The Fly (1986) de David Cronenberg.

En la cultura popular, desde Thriller (el videoclip de Michael Jackson, también dirigido por Landis) hasta Teen Wolf, su sombra se extiende sobre toda representación del monstruo como víctima.

En resumen

An American Werewolf in London, aparte de ser unapelícula de terror con toques de humor es una reflexión disfrazada de broma sobre la culpa, el deseo y el miedo a uno mismo. Un film que enseñó que reírse del monstruo más real pero no menos aterrador.

La banda sonora de An American Werewolf in London

Toda la banda sonora de An American Werewolf in London está compuesta por canciones que mencionan la luna. Mientras David se desintegra entre culpa, deseo y pelaje, suena un jukebox cósmico sobre romanticismo lunar y transformaciones inevitables.

“Blue Moon” – Bobby Vinton (1961)
Suena en los créditos iniciales. Melosa, casi empalagosa, establece el tono de humor negro: el romanticismo de una balada sobre amor perdido frente a un ataque salvaje en los páramos.

“Bad Moon Rising” – Creedence Clearwater Revival (1969)
Acompaña una de las escenas más inquietantes: David, ajeno a lo que le espera, se prepara para transformarse. El estribillo (“I see a bad moon rising”) funciona como profecía y burla a la vez.

“Moondance” – Van Morrison (1970)
Suena durante la escena amorosa entre David y Alex. La luna aquí deja de ser presagio para volverse erotismo: un baile antes de la condena.

“Blue Moon” – Sam Cooke (1960)
Reaparece en versión soul, envolviendo la soledad del protagonista con una calidez engañosa.

“Blue Moon” – The Marcels (1961)
Cierra la película. La versión más festiva y absurda del tema suena justo después del desenlace más trágico, en un contraste brutal: la risa del destino sobre los créditos.

El uso de estas canciones no es casualidad. Landis sustituye la partitura orquestal típica de las películas de terror de entonces por música popular que ironiza sobre la tragedia. Es como si la radio siguiera sonando indiferente al sufrimiento del monstruo convirtiendo en horror en sátira.

Acerca del director

John Landis (Chicago, 1950) es uno de los grandes nombres del cine comercial estadounidense de los años 80. Se formó trabajando como asistente en rodajes europeos antes de debutar con Schlock (1973). Alcanzó fama mundial con las comedias National Lampoon’s Animal House (1978) y The Blues Brothers (1980), que definieron el humor anárquico de su generación.

Con An American Werewolf in London (1981) fusionó terror y comedia como nadie había hecho antes, abriendo camino a un nuevo tipo de horror híbrido. También dirigió el videoclip Thriller de Michael Jackson (1983), el más influyente de la historia, y películas como Trading Places (1983) o Coming to America (1988).

Landis es celebrado por su dominio del ritmo cómico, su amor por la cultura pop y su capacidad para convertir lo grotesco en espectáculo.

🧛 What We Do in the Shadows (Taika Waititi & Jemaine Clement, 2014). La inmortalidad doméstica.

Acerca de

Dentro del ciclo “Terroríficamente divertidas” llega este próximo martes What We Do in the Shadows (Lo que hacemos en las sombras), la comedia vampírica de culto firmada por Jemaine Clement y Taika Waititi. Rodada como un falso documental, muestra la vida cotidiana de cuatro vampiros que comparten piso en Wellington, Nueva Zelanda. Conviven entre facturas, tareas domésticas y fiestas del inframundo. Son inmortales, pero también torpes, narcisistas y ridículamente humanos.

La película desmitifica el horror con un humor absurdo y melancólico: los vampiros no dominan la noche, la sobreviven. Entre peleas por los platos sin fregar y rivalidades con hombres lobo (“no hombres perro”), aflora una ternura inesperada hacia estos seres eternamente fuera de lugar.

Sinopsis

Viago, Vladislav, Deacon y Petyr son vampiros que viven juntos desde hace siglos. Un equipo de documentalistas los sigue para mostrar su día a día: cómo se visten sin reflejo, cómo intentan entrar en clubes sin ser invitados o cómo lidian con la modernidad. Todo cambia cuando convierten accidentalmente en vampiro a un joven mortal, Nick, que les abre las puertas del siglo XXI —redes sociales incluidas—. Pero la inmortalidad, entre tareas del hogar y noches de ligoteo, resulta menos glamourosa de lo esperado.

El debate. Los temas de What We Do in the Shadows

Desmitificando al monstruo

El vampiro deja de ser símbolo de poder o deseo para volverse una figura patética, doméstica, casi entrañable.

La convivencia y la eternidad

La inmortalidad no libra de los conflictos de pareja, del tedio o del desorden compartido.

El choque entre lo antiguo y lo moderno

Las sombras góticas se disuelven bajo la luz de la era digital: selfies, internet, fiestas techno.

El humor como medicina frente al miedo

La comedia revela la fragilidad del mito: reírse de lo eterno es quizá la forma más humana de enfrentarlo.

El monstruo como espejo social

Los vampiros, marginados por naturaleza, encarnan la soledad y la necesidad de pertenecer en un mundo que ya no los entiende.

Preguntas para el debate

¿Hasta qué punto el humor desacraliza o actualiza el mito vampírico?
¿Son los personajes caricaturas o retratos fieles de la soledad moderna?
¿Qué nos dice la película sobre la convivencia y el tiempo compartido?
¿Se puede seguir siendo un “monstruo” en una sociedad que ya banaliza el horror?

La banda sonora de What We Do in the Shadows (2014)

La banda sonora de What We Do in the Shadows (2014) es una mezcla de humor, exotismo y melancolía que acompaña el periplo de los vampiros de Wellington en su rutina tragicómica. Un collage de canciones que van desde lo folclórico al pop irónico.

El tema central es “You’re Dead” de Norma Tanega (1966), una joya olvidada del folk-rock estadounidense que el film rescató del olvido. Con su ritmo ligero y su letra (“Don’t sing if you want to live long”) se convierte en un himno, que fúnebre y juguetón es una perfecta síntesis del espíritu de la película: la muerte como compañera cotidiana, el humor como defensa frente al vacío.

A su lado aparecen piezas como “Skocne” de The Black Ox Orkestar, con su aire de música klezmer que evoca la antigüedad y el nomadismo de estos vampiros anacrónicos, o temas de The Phoenix Foundation, banda neozelandesa responsable de varios cortes instrumentales que aportan textura y ritmo a la vida nocturna de Wellington.

El resultado es una banda sonora que funciona como un espejo sonoro del film: una mezcla entre lo antiguo y lo contemporáneo, lo solemne y lo absurdo.

Historia de la película

Clement y Waititi partieron de un corto homónimo rodado en 2005. Tras casi una década de desarrollo y financiación independiente, el largo se estrenó en 2014 en Sundance y conquistó a crítica y público con su mezcla de humor seco, gore artesanal y sátira de reality show. El rodaje fue en gran parte improvisado: los actores trabajaron sin guion cerrado, construyendo los gags a partir de situaciones reales del día a día.

Recepción crítica

La prensa la aclamó por reinventar la comedia de terror. Variety la llamó “una joya de humor muerto-vivo”; The Guardian la describió como “una lección de inteligencia disfrazada de broma”. En Rotten Tomatoes supera el 95% de valoraciones positivas.

Éxito comercial

Con apenas 1,6 millones de dólares de presupuesto, recaudó más de 7 en todo el mundo, convirtiéndose en fenómeno global gracias al boca a boca y a su humor universal.

Película de culto

El film dio pie a una saga inesperada: la serie homónima (2019–), premiada y aún en emisión, que amplía su universo con nuevos personajes. Sus diálogos se citan, sus memes circulan, y su tono marca un nuevo canon para la comedia sobrenatural.

Qué significa para el cine actual

What We Do in the Shadows confirmó el talento de Waititi, futuro autor de Jojo Rabbit y Thor: Ragnarok, y revitalizó el género vampírico sin necesidad de romanticismo. Su mirada tragicómica sobre la inmortalidad —más cerca del piso compartido que del castillo gótico— inauguró una corriente de terror cotidiano que hoy impregna series y películas de autor.

Influencia en otras películas y directores

La combinación de documental, sátira y horror inspiró obras como The Office of the Dead, Only Lovers Left Alive de Jarmusch, o incluso Renfield. Edgar Wright y Jordan Peele han citado su ingenio estructural como referente de cómo abordar géneros con ironía sin perder respeto por sus mitos.

En resumen

Una comedia negra que demuestra que los monstruos, con siglos encima, siguen preocupándose por las mismas nimiedades que nosotros. What We Do in the Shadows no se ríe del horror, sino con él. Es la prueba de que la inmortalidad también pasa por el absurdo.

Ficha

https://www.filmaffinity.com/es/film493854.html

Tráiler

Acerca de los directores

Jemaine Clement (Nueva Zelanda, 1974) y Taika Waititi (Nueva Zelanda, 1975) se conocieron en la universidad y formaron el dúo cómico The Humourbeasts. Su estilo combina humor seco, parodia cultural y ternura bajo el absurdo. Waititi, más tarde ganador del Oscar por Jojo Rabbit, ha convertido la ironía melancólica en su firma. Clement, por su parte, es también músico y actor (Flight of the Conchords).
Ambos representan una generación que entendió que reírse de los monstruos es la mejor forma de recordar que alguna vez lo fuimos.

🪓 Evil Dead II (Sam Raimi, 1987). Exceso, cuerpo y delirio

Acerca de

Dentro del ciclo “Terroríficamente divertidas” os traemos esta semana Evil Dead II, dirigida por Sam Raimi. Estrenada en 1987, esta película mezcla terror, comedia y efectos especiales artesanales en una propuesta visual que se convirtió en referente del género. Más que una secuela, es una nueva versión del primer Evil Dead (1981), con mayor presupuesto, un tono más irónico y un ritmo vertiginoso.

Bruce Campbell interpreta a Ash Williams, un joven que regresa a una cabaña aislada donde, tras escuchar una grabación con pasajes del Necronomicon Ex-Mortis, despierta una fuerza demoníaca. El resultado es una sucesión de escenas extremas en las que el protagonista lucha contra espíritus, objetos poseídos y su propia mente.

Sinopsis

Ash y su novia Linda se alojan en una cabaña en medio del bosque. Allí descubren una grabación de un arqueólogo leyendo el Libro de los Muertos, lo que desata la posesión de los cuerpos y el caos sobrenatural. Ash intenta sobrevivir en un entorno que se vuelve hostil: puertas que se mueven solas, muebles que se ríen, sangre por todas partes.

A lo largo de la noche llegan nuevos personajes, pero la amenaza ya ha tomado el control. La película mantiene una tensión constante entre el horror y el humor físico, con una narrativa que combina el ritmo del cómic con la energía del cine experimental.

Los temas principales de Evil Death II

El cuerpo y la transformación

El cuerpo humano aparece como espacio de lucha y deformación, elemento central del horror físico.

El humor en el terror

Raimi utiliza la exageración y el absurdo como forma de aliviar la tensión y mantener el ritmo.

El mal como presencia abstracta

la amenaza no tiene rostro ni explicación; es una fuerza invisible que domina el espacio.

El héroe accidental

Ash evoluciona de víctima a figura central del género, caracterizado por su resistencia y su humor.

El estilo visual

el movimiento de cámara se convierte en protagonista, representando la energía descontrolada del mal.

Preguntas para el debate

¿Por qué Evil Dead II logra equilibrar el miedo y la risa sin perder tensión?

¿Qué aporta su lenguaje visual al cine de terror moderno?

¿Puede considerarse una parodia del propio género o una evolución dentro de él?

La banda sonora

Joseph LoDuca compone una música que combina orquesta, sintetizadores y sonidos ambientales. El resultado es una partitura que refuerza tanto las escenas de terror como las de humor grotesco. Los efectos sonoros —voces distorsionadas, risas, golpes— actúan como parte de la atmósfera, integrados en la narración sonora.

Historia de Evil Death II

Producción y rodaje

Después del éxito del primer Evil Dead, Raimi y Bruce Campbell repitieron colaboración con un presupuesto mayor y la producción de Dino De Laurentiis. El rodaje se realizó en Carolina del Norte, en condiciones técnicas complejas debido a la cantidad de efectos prácticos y maquillaje. Raimi empleó innovaciones en cámara y montaje para intensificar la sensación de movimiento.

Recepción y legado

En su estreno, la película sorprendió por su tono autoparódico y su creatividad visual. Con el tiempo se consolidó como una de las obras más influyentes del cine de terror moderno. Críticos como los de Empire o The New York Times destacaron su originalidad y su mezcla de géneros.

El éxito posterior dio lugar a Army of Darkness (1992) y a la serie Ash vs Evil Dead (2015–2018).

Importancia en el cine contemporáneo

Evil Dead II redefinió la forma de entender el terror en los años ochenta, abriendo paso a un estilo más autorreferencial y dinámico. Su influencia se percibe en directores como Peter Jackson, Edgar Wright o Robert Rodriguez, y en películas que combinan humor y horror como Shaun of the Dead o Cabin in the Woods.

Ficha

https://www.filmaffinity.com/es/film216255.html

Tráiler

Sobre el director

Sam Raimi (Michigan, 1959) es un cineasta estadounidense conocido por su estilo visual enérgico y su capacidad para unir humor y terror. Tras dirigir Evil Dead (1981) y Evil Dead II (1987), alcanzó gran reconocimiento con Spider-Man (2002–2007). Su obra se caracteriza por el uso de cámara dinámica, montaje acelerado y una visión creativa del miedo como espectáculo cinematográfico.

The Rocky Horror Picture Show (Jim Sharman, 1975). Transgresión, · identidad, ritual

Acerca de

La cuarta entrega del ciclo “Terroríficamente divertidas” es  The Rocky Horror Picture Show (El show de terror de Rocky), el clásico de Jim Sharman que revolucionó el cine musical y de culto con una mezcla irreverente de ciencia ficción, humor absurdo y horror camp. Estrenada en 1975, la película fue una rareza en su tiempo: un espectáculo capaz de desafiar normas sociales tradicionales y construir un universo de liberación sexual y expresividad sin precedentes.

Sharman, junto con el creador Richard O’Brien, logra equilibrar la extravagancia visual con una crítica social velada. Dos recién prometidos, Brad y Janet, sufren una avería y buscan refugio en un castillo habitado por el extravagante Dr. Frank-N-Furter, un científico travesti que ha creado a Rocky Horror, un hombre perfecto. Lo que sigue es un viaje a lo surrealista y camp donde lo cotidiano se trastoca en una fiesta de identidad y deseo desbordado.

Sinopsis

Brad y Janet, una pareja tradicional y conservadora, se ven atrapados en la noche más inesperada de sus vidas al llegar por accidente al castillo del Dr. Frank-N-Furter. Allí participan en una extravagante convención donde la sexualidad se libera sin tabúes y la cultura camp explota en números musicales y personajes excéntricos. Frank-N-Furter seduce a ambos jóvenes, presentando a su creación Rocky Horror, mientras la fiesta da paso a la revelación, la violencia y finalmente la destrucción por parte de sus sirvientes Riff Raff y Magenta, originarios de la galaxia Transilvania.

Temas que aborda The Rocky Horror Picture Show

Identidad y liberación sexual: Un cuestionamiento radical de las normas de género y sexualidad.

  • La cultura camp como celebración y crítica social.
  • Parodia del cine B, ciencia ficción y horror clásicos.
  • La ruptura de paradigmas conservadores a través del humor y la extravagancia.
  • El poder del deseo y la transformación como motores de la historia.

El debate. Preguntas para reflexionar:

¿Qué simboliza Frank-N-Furter como figura de la liberación y subversión?
¿Hasta qué punto The Rocky Horror Picture Show desafía o reafirma estereotipos?
¿Cómo influye la cultura camp en la recepción de la película?
¿Es Frank-N-Furter un monstruo, un héroe o ambas cosas?
¿Qué papel juega el espectador en la experiencia interactiva que ofrece esta película de culto?

Historia de la película The Rocky Horror Picture Show 

The Rocky Horror Picture Show se estrenó en 1975 y no fue un éxito inmediato, pero el boca a boca y las sesiones de medianoche la convirtieron en un fenómeno que trasciende generaciones. El carisma de Tim Curry como Frank-N-Furter es icónico. La película ha inspirado incalculables representaciones teatrales, celebraciones y una comunidad de seguidores que mantienen vivo su legado.

La película nace del musical original creado por Richard O’Brien y fue dirigida por Jim Sharman, quien junto a su equipo logró trasladar al cine un espectáculo que desafiaba las convenciones. En una época de restricciones morales, la audacia de la cinta fue inusual, pero la libertad creativa y temática que ofrecía resultó revolucionaria para su tiempo, abriendo camino para la representación queer y la cultura camp en el cine.

Recepción de la crítica

En su estreno, la película dividió opiniones, siendo alabada por su originalidad y criticada por su contenido poco convencional. A lo largo de los años, ha sido revalorizada como una obra maestra de culto, con su mezcla de humor, música y provocación humana como elemento clave para crear una comunidad que celebra la diversidad y la irreverencia.

Éxito comercial y cultural

Aunque no fue un éxito inmediato en taquilla, The Rocky Horror Picture Show se consolidó como película de culto con proyecciones en cines de medianoche y un público que interactúa con la cinta, haciendo de cada sesión una experiencia colectiva única. Su banda sonora, llena de canciones pegadizas y números icónicos, es parte fundamental de su encanto.

Cómo se convirtió en película de culto

El fenómeno de las proyecciones interactivas supuso que la película no solo se viera sino se viviera, con disfraces, diálogos y actuaciones simultáneas en las salas. Este tipo de vínculo con el público reforzó su esencia de celebración de la diferencia y libertad.

Qué significa para el cine actual

The Rocky Horror Picture Show es un referente imprescindible en la representación queer, el cine musical y el camp. Mostró que el cine puede ser un espacio de liberación, cuestionamiento y transformación social mediante el humor y la extravagancia.

Influencia en otras películas y directores

El legado de Rocky Horror se puede rastrear en el cine independiente, las representaciones teatrales queer y el cine musical moderno. Su influencia cultural atraviesa géneros y generaciones. Figuras icónicas como John Cameron Mitchell y directores de cine queer citan la película como un icono que cambió las reglas del cine.

En resumen

The Rocky Horror Picture Show es mucho más que una comedia musical o una película de terror: es una reflexión festiva sobre la identidad, la liberación y la celebración radical de la diferencia que sigue inspirando y reuniendo a un público diverso y apasionado.

Ficha de The Rocky Horror Picture Show

https://www.filmaffinity.com/es/film782908.html

Trailer

Banda sonora

Con canciones como “Time Warp” y “Sweet Transvestite”, la música es una parte esencial que conjuga el espíritu rebelde y lúdico de la película, siendo un jukebox atemporal que acompaña las transformaciones y emociones intensas de sus personajes.

Acerca del director

Jim Sharman, director visionario, y Richard O’Brien, creador y autor del musical original, combinaron su talento para crear una obra que trastocó los cánones culturales de su época y se mantiene vigente como un ícono del cine de culto y la cultura pop.

Punto de encuentro y planning de la velada

El punto de encuentro será en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) el próximo martes a las 19:30h.

Las veladas se dividirán en tres partes. La primera media hora la dedicaremos a tomar algo, a presentar la película y a conocernos. Después a las 20:00h tendremos la proyección. Todas las proyecciones se realizan en VOSE. Para finalizar tendremos un coloquio que durará hasta las 23:00h.

¿Cómo será el coloquio?

Los encuentros son participativos y queremos conocer vuestra opinión para que se pueda generar un debate abierto y constructivo. No es necesario conocimiento de cine para participar y es más, huimos del conversador pedante ya que para ellos tenemos a la wikipedia. ¡Queremos que cada martes seamos capaces de generar algo fantástico y diferente!. ¡Queremos saber lo que sientes y que seas capaz de contarlo!

A partir del tema de discusión y de lo visto en la película, las historias personales son bienvenidas y además, son una buena forma de dar a conocer lo que pensamos y lo que sentimos. ¡Nuestro deseo es que participes y seas activo!

Cine y el debate siempre van de la mano, y por eso queremos que te hagas fan de nuestro conejo blanco con un solo ojo.

¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas

El coste de inscripción a la sesión de debate y coloquio es gratuita para los socios de Happening Madrid y para el resto aquello con lo que deseéis y podáis participar con

– Una aportación de 3€ ó

– Una aportación de 5€

El pago lo podéis hacer por bizum al 654.80.54.37 o allí mismo al finalizar el cine debate.

y además debés de reservar por whatsapp en cualquiera de estos números.

Ángel (https://wa.me/+34640743115)

María (https://wa.me/+3463063998)

Las plazas son muy limitadas

Experiencias Happening del 17 al 19 de octubre de 2025

Experiencias en Meetup

  1. Viernes 17 17:00h. Merienda perfecta (Nubel) y exposición Maruja Mallo (Museo Reina Sofía)
    1. 17:00h La merienda perfecta
    2. 19:00h La exposición de Maruja Mallo. Máscara y Compás
    3. Punto de encuentro y planning
  2. Viernes 10 21:15h Tapapiés 2025. Por Argumosa y Salitre (Jarana, La Buga, Caminito)
  3. Sábado 18 20:00h Tapeo (La Refiná) – Conciertos Madreams (Jota Ke Iberikal Punk & …)
    1. 20:00h La Refiná
    2. 21:00h Conciertos en Madreams Music
  4. Domingo 19. 15:00. Tapeo en el Mercado Tirso de Molina (Malamé) y Tardeo Indie Ciento Cero (Teatro Magno)
    1. 15:00h El Tapeo en Malamé
    2. 17:45h El tardeo Ciento Cero Madrid
  5. Punto de encuentro y planning del meetup
  6. Precio y reservas
  7. ¿Cómo hacer las reservas y pagos a Happening Madrid de cada una de las experiencias?
  8. Resumen Experiencias Happening

Muchas e interesantes propuestas os traemos para este finde: La merienda perfecta del Nubel, la exposición de Maruja Mallo en el Museo Reina Sofia, el festival de la música y la tapa en Lavapiés con la 15 edición de Tapapiés, las tapas de la Refiná en Carabanchel, el festival de conciertos en Madreams con Jota Ke Iberikal Pak y The wrong Pills, el excelente tapeo del Malamé en el Mercado de Tirso de Molina y ya para terminar la inauguración de el tardeo Ciento Cero Madrid en el Teatro Magno con Second.

¿Podrás con todo? Te espero par comprobarlo.

Viernes 17 17:00h. Merienda perfecta (Nubel) y exposición Maruja Mallo (Museo Reina Sofía)

Las tardes de viernes de merienda en Nubel y exposición en el Museo Reina Sofía son ideales para calentar motores para el fin de semana. Esta vez nos vamos a ver la exposición de Maruja Mallo, Máscara y Compás. Antes probaremos lo que dicen que es “la merienda perfecta”

17:00h La merienda perfecta

Siguiendo la costumbre inglesa de la hora del té desde Nubel nos proponen este British Afternoon Tea que nos parece un auténtico lujo asiático. Por 19€ nos vamos a zampar todo esto que podéis ver en este enlace:

Si queréis esta impresionante merienda tendréis que reservarla y pagarla en este enlace. La reserva hay que hacerla para el viernes 17 de octubre a las 17:00h

Reserva Afternoon Tea

19:00h La exposición de Maruja Mallo. Máscara y Compás

La exposición de Maruja Mallo, Máscara y compás estará en la planta primera del Edificio Sabatini del Museo Reina Sofía desde el 8 de octubre de 2025 hasta el 16 de marzo de 2026

La exposición reúne cerca de 200 obras —pinturas, dibujos, fotografías y documentos— que recorren la trayectoria de Maruja Mallo (1902–1995), una de las artistas más singulares del siglo XX español. Integrante de la Generación del 27 y vinculada a la Escuela de Vallecas, Mallo cultivó un arte libre, entre lo popular, lo mítico y lo geométrico. El título, Máscara y compás, condensa sus dos grandes ejes: la máscara como símbolo de identidad mutable y el compás como principio de orden y armonía.

El recorrido arranca con las Estampas y Verbenas (1927–1928), donde reinterpreta las fiestas populares con una mirada moderna y democrática, y sigue con la visión apocalíptica de Cloacas y campanarios (1929–1932), cercana al surrealismo. Tras la Guerra Civil y su exilio en Argentina, crea La religión del trabajo (1936–1939), homenaje a la mujer trabajadora. En América desarrolla también Naturalezas vivas, Cabezas de mujer y Máscaras, series en las que fusiona cuerpo, naturaleza y geometría.

En sus últimas etapas, con Moradores del vacío y Viajeros del éter, su pintura alcanza una dimensión cósmica y abstracta, buscando la comunión entre lo humano, lo animal y lo divino. La muestra revela la vigencia estética y política de su pensamiento: un arte que, en palabras de la propia Mallo, transita “de la geografía a la cosmografía.”

Toda la información acerca de esta expo la podéis obtener en este enlace

https://www.museoreinasofia.es/exposicion/maruja-mallo

Punto de encuentro y planning

El punto de encuentro será en NuBel está ubicado en el Edificio Nouvel del Museo Reina Sofía, en la Calle Argumosa, 43 donde quedaremos a las 17:00h del viernes 10 de octubre de 2025. Tras zamparnos la suculenta meriendo entraremos al museo para ver la exposición.

La exposición está en la planta primera del Edificio Sabatini. La veremos de 19:00h a 20:20h. A las 20:20h iremos al patio del museo para disfrutar de su belleza-y saldremos a las 20:45h por la puerta principal de Edificio Sabatini

Viernes 10 21:15h Tapapiés 2025. Por Argumosa y Salitre (Jarana, La Buga, Caminito)

Disfrutaremos de las tapas de más de 100 bares y restaurantes en esta 15 edición de Tapapiés, el Festival Multicultural de Tapas y Música de Lavapiés!. Del 16 al 26 de octubre. Con conciertos, pasacalles y espectáculos gratuitos.

Cada establecimiento servirá una tapa exclusiva por 3’5€, acompañada de un botellín o caña El Águila Dorada, con la opción de degustar solo la tapa por 2’5€. También se ofrece para celíacos el combo sin gluten tapa + tercio Cruz Campo Especial Sin Gluten por 4€. A los bares y restaurantes del barrio se suman de nuevo los puestos de los Mercados de San Fernando y Antón Martín.

Más información en

La ruta que haremos comenzará en Jarana Gastro & Show  (Calle Argumosa, 16) a las 21:15h con su  Perdona Bonita (Cerdo desmenuzado con crujiente cebolla encurtida y mayonesa sriracha sobre pan brioche)

Luego continuaremos por La Buga Del Lobo (C/ Argumosa, 11) a las 22:00hcon su El Pepito Del Lobo. Carrillera al Pedro Ximénez con cebolla caramelizada y crispi en brioche. Un bocado feroz con alma ibérica

Tercera parada en Caminito (C/ Salitre, 27) con su Humita Argentina a las 22:45hVolcán de humita argentina relleno de queso azul, provolone, parmesano, puerro confitado, pimiento morrón y maíz dulce con salsa de cebolla y nuestro exclusivo chimichurri

Luego ya de copas por la zona.

Sábado 18 20:00h Tapeo (La Refiná) – Conciertos Madreams (Jota Ke Iberikal Punk & …)

Plan para disfrutar del ambiente cultural alternativo que se respira en el barrio de Carabanchel con un tapeo muy especial en La Refiná y los conciertos tan underground de Madreams Music para finalizar con una sesión Dj hasta la madrugada.

20:00h La Refiná

Desde el corazón de Carabanchel…a las 20:00h vamos a probar la oreja de La Refiná, que también tiene otras cosas muy ricas.

21:00h Conciertos en Madreams Music

Sobre las 21:00h nos vamos al festival de conciertos en Madreams Music (Avenida Pedro Diez, 28 primera planta) con Jota Ke Iberikal Punk (presentación), Hijos de la Kalle y The Wrong Pills, que nos van a hacer saltar y bailar..

Después de los conciertos una estupenda sesión Dj.

Aquí tenéis más información de este pequeño festival

https://www.instagram.com/jotake_iberikalpunk/

La entrada es gratuita por nuestra lista. Tenéis que darme vuestro nombres por whatsapp

Domingo 19. 15:00. Tapeo en el Mercado Tirso de Molina (Malamé) y Tardeo Indie Ciento Cero (Teatro Magno)

Un domingo happening excepcional con rica comida del Mercado de Tirso de Molina en el Malamé y después un supertardeo indie en el Teatro Magno con una sesión de inauguración de Ciento Cero Madrid con Second DJ set enla que tendremos lista de entrada para poder pasar gratis a cualquier hora.

Puedes ir al tapeo (15:00h) o solo al tardeo (estaremos a partir de las 17:45) o a las dos cosas.

15:00h El Tapeo en Malamé

A las 15:00h quedamos en el Malamé del Mercado de Tirso de Molina con sus cosas exquisitas que tanto nos gustan (torreznos, carne al toro..). La relación es excepcional.

Allí estaremos hasta las 17:00h.

17:45h El tardeo Ciento Cero Madrid

Iremos a la inauguración de una superfiesta tardeo para los domingos por la tarde en una disco emblemática de Madrid como es el Teatro Magno (C. de Cedaceros, 7, Centro, 28014 Madrid).

Para la inaguración se contará con al grupo Second en formato Dj Set entre otros.

Cientocero es tu nuevo club para bailar música indie y hits atemporales en Madrid los domingos por la tarde. Todo esto en una de las mejores salas de Madrid.

Tendremos lista (Lista de Ángel Chamorro) que nos permitirá pasar a cualquier hora de la tarde gratuitamente.

Si queréis sacar entradas con consumición en este enlace

https://www.tomaticket.es/es-es/entradas-ciento-cero-madrid-tardeo-domingo-19-de-octubre-con-second-dj-set

Punto de encuentro y planning del meetup

El punto de encuentro será a las 14:30h en el Malamé del Mercado de Tirso de Molina el sábado 30 de diciembre. La dirección es la –Calle de Doña Urraca nº 15 en el Barrio de Puerta del Ángel. Se encuentra muy cerca de la estación de <M> de Puerta del Ángel de la línea 6 (la circular). (Recordad que está en obras y hay que ir en los autobuses)

Estaremos comiendo y de sobremesa desde las 15:00h hasta las 17:00h.
A las 17:00h nos iremos al tardeo en la Calle Cedaceros. LLegarmos sobre las 17:45h

Precio y reservas

El precio de inscripción para cada uno de los meetup es de 5€. Gratis para socios de Happening Madrid.

Si vas a dos meetups consecutivos solo has de pagar el primero.

¿Cómo hacer las reservas y pagos a Happening Madrid de cada una de las experiencias?

En todos los casos además para asistir al meetup con nosotros hay que hacer reserva vía whatsapp al número de teléfono 640.743.115 (https://wa.me/+34640743115), apuntarse al evento en el grupo de meetup Happening Madrid (https://www.meetup.com/es-ES/happening-gp/)

Los pagos se realizan por: Bizum al nº de teléfono 654805437.Paypal angel.chamorro.marin@gmail.com

También te puedes hacer socio de Happening Madrid por 50€ al año y de esta manera te saldrán gratuitos la mayoría de nuestros planes y además tendrás descuentos en muchos conciertos. El pago para hacerse socio se realiza en las formas antes indicadas.

Resumen Experiencias Happening

Vie 17 17:00h Merienda Perfecta (Nubel)
Vie 17 19:00h Exposición Maruja Mallo (Museo Reina Sofía)
Vie 17 21:15h Tapapiés 2025. Jarana GastroBar
Vie 17 22:00h La Buga del Lobo
Vie 17 22:45h Caminito
Vie 17 23:00h Copas por Lavapiés

Sáb 18 20:00h Carabanchel. La Refiná.Tapeo
Sab 18 21:00h Madreams Music.
Hijos de la Kalle – The Wrong Pills – Jota Ke Iberikal Punk

Sab 18 24:00 Sesión Dj

Dom 19 15:00h Mercado de Tirso de Molina. Malamé. Tapeo
Dom 18 17:45h El tardeo Ciento Cero Madrid en el Teatro Magno

Ciclo ’70s Philosophical Sci-Fi: Pensar desde las estrellas. Octubre de 2025 en “Un conejo con ojo”

  1. Solaris (Andréi Tarkovski, 1972, 167 min). La culpa y el recuerdo.
    1. Acerca de
    2. Estética y sonido
      1. La banda sonora
    3. El estilo
    4. Veremos
    5. Debatiremos
    6. Ficha
    7. Trailer
  2. Silent Running (Douglas Trumbull, 1972, 89 min). Naturaleza, ética y desobediencia
    1. Acerca de Silent Running
    2. Sinopsis
    3. La música de Silent Running
    4. Veremos
    5. Debatiremos
    6. Preguntas
    7. Ficha
    8. Trailer
    9. El director Douglas Trumbull
    10. Recepción de la crítica
  3. Phase IV (Soul Bass, 1974, 93 min). La inteligencia colectica
    1. Acerca de Phase IV
    2. Sinopsis
    3. La música de Phase IV
      1. Brian Gascoigne
    4. La fotografía de Phase IV
    5. El debate de Phase IV. Los temas fundamentales
      1. Preguntas para el debate
    6. Ficha
    7. Trailer
    8. El director Soul Bass
  4. The man who fell to earth (Nicolas Roeg, 1976, 139 min). La condición humana.
    1. Acerca de
    2. Sinopsis
    3. El debate. Los temas de The man who fell to earth
    4. Las preguntas para el debate
    5. La película. Crítica e historia
    6. Ficha
    7. Trailer
    8. Nicolas Roeg (1928–2018)
    9. David Bowie en el cine
  5. Punto de encuentro y planning de la velada
  6. ¿Cómo será el coloquio?
  7. ¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas

En octubre pensamos sobre nosotros con historias del espacio exterior. En nuestro cine debate “Un Conejo con Ojo”, desde el corazón de El Rastro y Lavapiés, proponemos un viaje a la ciencia ficción setentera, un ciclo que nos trae cuatro maravillosos metrajes: Solaris, Silent Running, Phase IV y The Man Who Fell to Earth. Cuatro maneras de preguntarnos qué es memoria, qué merece ser salvado, quién manda en la Tierra y qué significa caer aquí, en nuestro mundo.

Desde el infinito silencio estelar, con conmovedor asombro proponemos el universo como espejo de nuestro yo interior.

Martes 7 — SOLARIS (Andréi Tarkovski, 1972, 167 min)
Martes 14 — SILENT RUNNING (Douglas Trumbull, 1972, 89 min)
Martes 21 — PHASE IV (Saul Bass, 1974, 84 min)
Martes 28 — THE MAN WHO FELL TO EARTH (Nicolas Roeg, 1976, 139 min)

¡Nos esperan unas apasionantes veladas de pensamiento y ciencia ficción!

Te esperamos cada martes a las 19:30h en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) para compartir maravillosa películas y debates. Acompáñanos en esta nueva aventura cinematográfica de la mano de nuestro conejo blanco con un solo ojo.

Solaris (Andréi Tarkovski, 1972, 167 min). La culpa y el recuerdo.

Un océano que recuerda. ¿Puede desatarse la memoria como una fuerza de la naturaleza y tornarse física?

Acerca de

En nuestro ciclo Un Conejo con Ojo:’70s Philosophical Sci-Fi os traemos el vértigo de la conciencia desde el silencio estelar. Solaris (1972), de Andréi Tarkovski, es un viaje a esa frontera donde el duelo y el deseo levantan fantasmas de carne y recuerdoa. Un psicólogo, Kris Kelvin, llega a una estación espacial en órbita de un planeta-océano y descubre que el monstruo no está afuera: el planeta piensa… y nos devuelve aquello que amamos y no supimos mantener. Solaris es uno de los hitos mayores de la ciencia ficción metafísica.

La estación orbital sobre Solaris no gira alrededor de un planeta, gira alrededor de la culpa. Tarkovski filma el pensamiento con la paciencia de una marea: los muertos vuelven no como fantasmas, sino como posibilidades no resueltas en el pasado y que buscan otra oportunidad. Mientras la ciencia observa, la fe escucham y entre ambas se abre un abismo interminable.

Solaris fue estrenada en 1972 y basada en la novela de Stanisław Lem. La película está protagonizada por Donatas Banionis y Natalya Bondarchuk. El guion es de Tarkovski y Fridrikh Gorenshtein. La duración es de 165 min.

Estética y sonido

La fotografía de Vadim Yusov compone un espacio vivido y melancólico: metal envejecido, luz lechosa, naturaleza como patria perdida. La banda sonora de Eduard Artemyev alterna electrónica espectral con la plegaria de Bach (“Ich ruf’ zu dir, Herr Jesu Christ, BWV 639”), que funciona como hilo de memoria en medio del vacío

La banda sonora

La partitura fue compuesta por Eduard Artemiev, pionero de la música electrónica en la Unión Soviética, quien experimenta con sonidos abstractos y ambientes que dialogan con la imagen y la memoria. Se usó un sintetizador optoelectrónico ANS (inventado por Evgueni Murzin), que permite transformar gráficas visuales en sonido —un puente entre imagen y música.

Ese contraste entre lo clásico y lo experimental está marcado por el uso del poema coral Ich ruf’ zu dir, Herr Jesu Christ, BWV 639 de J. S. Bach, adaptado como tema terrestre frente a los pasajes más etéreos del cosmos

Hari, la “visitante”, tiene su propio subtema: un cantus firmus basado en Bach pero retocado por Artemiev, que suena en los momentos de crisis emocional (su muerte, la confrontación final). Discogs+4Wikipedia+4Wikipedia+4

El estilo

En Solaris, Tarkovski filma el pensamiento como si de un paisaje se tratara, convirtiendo en contemplación cada instante del tiempo que pasa. Es ciencia ficción íntima con menos cacharrería y más dolor humano. Es una película con herencia espiritual donde la nave parece un monasterio flotante y la música sacra nos azota el alma.

Veremos

  • El tiempo como materia con planos largos que nunca aburren.
  • El espacio doméstico de nuestro hogar en el espacio exterior: Bibliotecas, fotografías, mesa. Nuestra intimidad se convierte en una nave.
  • La ética del recuerdo ¿cura o reprogramación?

Debatiremos

  1. Si la memoria tiene peso, ¿a quién aplasta?
  2. ¿Qué puede significar amar a un doble de nuestra culpa?
  3. ¿Es Solaris un dios, un espejo o una criatura sin intención?

Ficha

https://www.filmaffinity.com/es/filmimages.php?movie_id=780690

Trailer

Silent Running (Douglas Trumbull, 1972, 89 min). Naturaleza, ética y desobediencia

Salvar un bosque en el vacío estelar: botánica, robots y desobediencia

Acerca de Silent Running

La segunda entrega de nuestro ciclo de este mes 70s Philosophical Sci-Fi nos trae Silent Running (Naves Misteriosas). En Silent Running un jardinero espacial solitario custodia las últimas cúpulas-invernadero de la Tierra a bordo del Valley Forge. Cuando ordenan destruirlas, el deber se rompe y nace la desobediencia: tres drones (Huey, Dewey y Louie) como compañeros, un bosque flotando en mitad de la nada y una decisión que pesa aún más que la gravedad. Trumbull filma una elegía: ciencia ficción íntima donde la utopía cabe en una pequeña maceta… y el precio se paga en silencio.

Los temas de los que hablaremos en este debate serán sobre las obligaciones éticas y morales frente, la desobediencia como arma para acabar con la falta de conciencia de las corporaciones, el cuidado de la tierra y el medio ambiente, del futuro que deseamos, de la esperanza.

Sinopsis

En el siglo XXI, la Tierra ha perdido su vegetación. Los últimos bosques sobreviven en tres naves invernadero que orbitan Saturno. Freeman Lowell, botánico a bordo de la Valley Forge, los cuida con la idea de replantarlos algún día en el planeta.

De pronto llega la orden: destruir las cúpulas y regresar. Lowell se niega. Toma el control de la nave, elimina a sus compañeros y huye más allá de los anillos. Con la ayuda de dos drones, Huey y Dewey, reprogramados para hacer de jardineros, intenta mantener con vida el último jardín y protegerlo de quien quiera borrarlo.

La música de Silent Running

La banda sonora de Silent Running fue compuesta por Peter Schickele, un músico con formación clásica que optó por un tono íntimo y melancólico, que queda muy lejos de otras bandas sonoras de películas de ciencia ficción de la época. La música acompaña el ritmo cotidiano del protagonista: regar las plantas, revisar sistemas, mirar el vacío. Las cuerdas y maderas crean una atmósfera tranquila, casi doméstica, que refuerza la idea de un espacio exterior convertido en refugio.

A esa base se suman dos canciones interpretadas por Joan Baez, escritas junto a Diane Lampert: “Rejoice in the Sun” y “Silent Running”. Ambas funcionan como la voz emocional de la película. La primera es un canto esperanzado a la vida y al vínculo con la naturaleza; la segunda, una balada triste sobre la pérdida y la soledad.

El contraste entre las imágenes frías del espacio y la calidez folk de Joan Baez da a la película una identidad única. Su voz introduce un tono humano y nostálgico que convierte esta historia ecológica en algo más que una fábula futurista. Silent Running es una reflexión sobre lo que se pierde cuando la Tierra deja de ser hogar.

Veremos

En Silent Running veremos el cuidado de invernadero como una liturgia, la ternura de los robots, el sacrificio del protagonista por conserva la naturaleza en la Tierra.

Debatiremos

Hablaremos de la desobediencia como única salida ética para salvar la naturaleza frente a la voracidad sin límites de las empresas y del sistema en general.

Nos preguntaremos si una máquina puede custodiar mejor la vida que nosotros

Preguntas

Si para salvar el bosque haz de traicionar a tus iguales, ¿qué es “hacer lo correcto”?

¿En qué momento la convicción de Lowell cruza hacia la violencia, y cómo nos hace sentir esa frontera?

¿Por qué los robots nos conmueven? ¿Qué aprendemos de su “aprendizaje” de cuidado?

¿Es Silent Running una distopía o una parábola esperanzada?

¿Qué nos dice hoy, en plena crisis climática, ese jardín a la deriva?

Ficha

https://www.filmaffinity.com/es/film826016.html

Trailer

El director Douglas Trumbull

Douglas Trumbull fue uno de los grandes artesanos visuales del cine moderno. Antes de dirigir Silent Running (1972), ya había dejado su impronta como responsable de los efectos especiales de 2001: Una odisea del espacio. Aunaba obsesión tanto por la verosimilitud científica como por la poesía de la imagen tratando a la tecnología como una herramienta para pensar y no solo para impresionar. Trumbull venía del mundo de la ingeniería y la animación, y eso se nota en su forma de construir los mundos: meticulosa, artesanal y con una sensibilidad casi humanista hacia la máquina.

Silent Running es su primera película como director.Filmó la historia de un hombre que decide proteger la vida en medio del vacío, y lo hizo con recursos modestos pero una enorme fe en lo que hacía. Más tarde volvería a revolucionar el cine con los efectos de Close Encounters of the Third Kind y Blade Runner, demostrando que su mirada unía técnica y emoción. Su carrera es breve en títulos, pero decisiva: enseñó que el futuro podía filmarse con las manos y con melancolía.

Recepción de la crítica

Cuando se estrenó en 1972, Silent Running no tuvo un gran éxito comercial, pero sí despertó una atención inmediata entre la crítica. Muchos la vieron como una rareza: una película de ciencia ficción sin héroes ni batallas, centrada en la ética y la soledad. Algunos medios estadounidenses elogiaron la interpretación de Bruce Dern, intensa y frágil a la vez, y destacaron la sensibilidad visual de Douglas Trumbull, capaz de convertir maquetas y efectos ópticos en un espacio creíble y emotivo.

Silent Running no tuvo un recorrido festivalero amplio en su estreno. Llegó a los cines en 1972 bajo el sello de Universal Pictures, y su lanzamiento fue más bien discreto, pensado para el circuito comercial de ciencia ficción posterior a 2001: Una odisea del espacio. No pasó por Cannes ni Berlín —el género aún no gozaba de ese tipo de reconocimiento—, aunque con los años ha sido recuperada en retrospectivas y ciclos dedicados al cine ecológico y a los pioneros de los efectos especiales, especialmente en festivales como Sitges o en muestras de ciencia ficción clásica.

En cuanto a su recepción actual, las valoraciones son sólidas. En Rotten Tomatoes, la película mantiene una puntuación cercana al 70% de aprobación por parte de la crítica y más del 75% entre el público, lo que refleja su condición de título de culto más que de éxito masivo. En IMDb, su nota ronda el 6,6/10, mientras que en FilmAffinity obtiene una media de 6,4, con reseñas que destacan su sensibilidad ecológica y el tono melancólico de su narrativa. En conjunto, se la considera una pieza menor en cuanto a éxito pero de  influencia que, sin pretenderlo, abrió una rama poética dentro de la ciencia ficción.

También recibió críticas negativas por su tono moralista y su ritmo pausado. A parte del público le resultó demasiado contemplativa, más cerca de una parábola que de una aventura. Con el paso del tiempo, esa mezcla de lirismo y activismo la convirtió en una obra de culto. Hoy se la reconoce como una de las primeras películas ecológicas del cine moderno y un antecedente directo de la ciencia ficción introspectiva (como Solaris) que llegaría años después, de Moon a Wall·E.

Phase IV (Soul Bass, 1974, 93 min). La inteligencia colectica

Ellas nos miran. El planeta cambia de dueño en silencio.

Acerca de Phase IV

La siguiente entrega de nuestro ciclo ’70s Philosophical Sci-Fi nos trae Phase IV, el único largometraje dirigido por Saul Bass: ciencia ficción entomológica. En el desierto, dos científicos tratan de comprender a unas hormigas que han “despertado”. No hay invasión ruidosa: hay patrones, geometrías, señales. Laboratorios mínimos, planos macro y una paz inhumana que avanza sin estridencias.

En el debate hablaremos de antropocentrismo y humildad científica (¿sabemos mirar lo no humano?), de la comunicación interespecífica y el problema de traducir patrones, de mente-colmena y diseño frente al individuo, de orden y control (¿quién ordena a quién?), de ecología sin sentimentalismo —el planeta como sistema que se reconfigura— y del dilema final: ¿cómo coexistir cuando ya no somos el centro?

Sinopsis

Planteada casi como un documental, la película sigue a dos científicos que estudian un cambio anómalo en las hormigas del desierto: se coordinan con una inteligencia nueva. El experimento se convierte en prueba de una hipótesis inquietante: si las hormigas alcanzaran nuestra capacidad intelectual, el mundo sería suyo. Es el único largometraje dirigido por Saul Bass, célebre creador de títulos de crédito, aquí al mando de una ciencia ficción sobria y observacional.

La música de Phase IV

La música de Phase IV fue compuesta por Brian Gascoigne. Está construida principalmente con sintetizadores analógicos, efectos electrónicos y coros tratados con eco. Su función no es acompañar las escenas de forma emocional, sino crear una atmósfera de extrañeza y tensión constante.

Gascoigne utiliza sonidos muy controlados y repetitivos que evocan el comportamiento de las hormigas y el entorno desértico donde se desarrolla la película. No hay melodías reconocibles ni ritmo marcado, sino capas de frecuencias que cambian lentamente y generan sensación de observación y amenaza.

El resultado es una banda sonora experimental que refuerza la idea central del film: la presencia de una inteligencia no humana y el intento de comunicación con ella. Actualmente puede escucharse completa gracias a varias reediciones en vinilo y formato digital.

Brian Gascoigne

Brian Gascoigne (Shropshire, Reino Unido, 1943) es un compositor, teclista y arreglista británico. Su nombre aparece asociado a varias producciones de cine y televisión entre los años setenta y ochenta, siempre en proyectos donde la música electrónica tenía un papel central.

Fue el autor principal de la banda sonora de Phase IV (1974), en la que trabajó junto a Desmond Briscoe y David Vorhaus en la creación de texturas sonoras electrónicas. También participó en otros títulos como The Emerald Forest (1985), compuesta junto a Junior Homrich, y colaboró en la parte electrónica de The Dark Crystal (1982) y Labyrinth (1986).

Su estilo combina orquestación tradicional con sintetizadores analógicos y técnicas de manipulación de sonido que, en su época, eran aún experimentales. Aunque su nombre no es ampliamente conocido, su trabajo ayudó a integrar la música electrónica en la narrativa cinematográfica, más allá del uso meramente ambiental o decorativo.

La fotografía de Phase IV

La fotografía de Phase IV estuvo a cargo de Dick Bush, con las secuencias de insectos filmadas por Ken Middleham, especialista en macrofotografía. El resultado es una imagen que alterna lo científico y lo hipnótico: planos cerrados que convierten a las hormigas en criaturas gigantescas y panorámicas del desierto resaltando su geometría casi abstracta.

La cámara se usa de manera analítica y documental, como si registrara un experimento. Esa distancia visual transmite la idea de que la naturaleza observa y actúa. La iluminación seca, los tonos terrosos y las composiciones geométricas crean un espacio de tensión constante.

El debate de Phase IV. Los temas fundamentales

La película muestra el choque entre la inteligencia humana y una nueva mente colectiva surgida en la naturaleza. A través de la evolución de las hormigas, se cuestiona la idea de dominio humano y el poder real de la ciencia frente a lo desconocido.

En Phase IV hablaremos sobre:
Evolución y cambio: una especie pequeña rompe el orden natural y altera la jerarquía de la vida.
Comunicación: los humanos intentan entender, pero el lenguaje no alcanza para descifrar una lógica ajena.
Control y adaptación: la ciencia busca imponer su método, pero termina transformada por el fenómeno que estudia.
Naturaleza como sujeto: la naturaleza actúa con propósito y estrategia, desplazando al ser humano del centro.

Preguntas para el debate

  1. ¿Qué límites muestra la película en la manera científica de entender el mundo?
  2. ¿Qué tipo de inteligencia representan las hormigas?
  3. ¿Es una historia sobre amenaza o sobre evolución?
  4. ¿De qué modo Phase IV critica la visión humana de superioridad sobre la naturaleza?
  5. ¿Qué significado puede tener la transformación final de los protagonistas?

Ficha

https://www.filmaffinity.com/es/film893723.html

Trailer

El director Soul Bass

Saul Bass (1920–1996) fue un diseñador gráfico y director de cine estadounidense. Es uno de los grandes innovadores del lenguaje visual del siglo XX.

Se hizo famoso por sus títulos de crédito para películas como Vértigo, Psicosis o Anatomía de un asesinato, donde transformó una rutina del cine en una forma de arte. Sus diseños minimalistas, basados en formas geométricas y ritmo visual, influyeron en generaciones enteras de cineastas y publicistas.

Como director solo realizó un largo: Phase IV (1974). En él llevó su estilo gráfico al terreno narrativo, combinando imágenes científicas, composición geométrica y una mirada casi documental sobre la naturaleza. La película no tuvo éxito comercial, pero con el tiempo se convirtió en una obra de culto por su estética única y su reflexión sobre la inteligencia no humana.

Bass también trabajó en identidad corporativa —creó logotipos para AT&T, United Airlines o Minolta— y dejó una huella duradera en la forma en que el cine y la publicidad piensan la imagen.

The man who fell to earth (Nicolas Roeg, 1976, 139 min). La condición humana.

Llegó para amar. Se quedó para perderse.

Acerca de

La última entrega de nuestro ciclo ’70s Philosophical Sci-Fi nos trae The Man Who Fell to Earth, de Nicolas Roeg que se tradujo como “El hombre que cayó a la Tierra”. Ciencia ficción existencial con rostro de David Bowie. Un ser venido de otro planeta llega a la Tierra en busca de agua para salvar a los suyos. Con su inteligencia superior construye un imperio tecnológico, pero la codicia humana y el peso del deseo lo arrastran hacia la ruina.
Roeg narra la caída de un visitante del espacio que llega con un propósito y acaba derrotado por el mundo que intenta entender. Su mirada limpia se corrompe al contacto con la ambición y la soledad humanas.

En el debate hablaremos de identidad y desarraigo, del capitalismo como enfermedad contagiosa, del cuerpo como prisión del alma, de la mirada extraterrestre sobre la Tierra, y de cómo la modernidad devora incluso a sus propios dioses tecnológicos.

Sinopsis

Un ser llegado de otro planeta aterriza en la Tierra con una misión: encontrar agua para salvar a los suyos. Bajo una identidad humana, crea una poderosa empresa tecnológica para financiar su regreso, pero el contacto con la sociedad moderna lo transforma. El dinero, el sexo, el poder y la ambición lo alejan de su propósito inicial. Aislado y vulnerable, acaba convertido en una sombra de lo que fue, víctima del mismo sistema que intentó entender.

El debate. Los temas de The man who fell to earth

La película aborda varios temas que se entrecruzan:

  • La alienación: tanto del ser que llega como de los humanos que lo rodean; todos están desconectados, incapaces de vincularse de verdad.
  • El capitalismo y la corrupción del ideal: el poder económico sustituye la misión inicial del protagonista, mostrando cómo toda utopía se degrada al contacto con el dinero.
  • La identidad y la pérdida del yo: el extraterrestre adopta una forma humana y termina confundido con aquello que imita.
  • La soledad y el deseo: el amor y el sexo aparecen como intentos fallidos de conexión, marcados por la culpa y la distancia.
  • La vigilancia y el control: la mirada del Estado y la empresa convierten su vida en experimento y espectáculo.
  • La condición humana: el film se pregunta si el progreso tecnológico implica sabiduría o solo acelera nuestra descomposición moral.

Las preguntas para el debate

¿Qué representa realmente el extraterrestre: un salvador frustrado o un espejo de nuestra propia decadencia?
¿En qué momento deja de ser “otro” y pasa a ser uno de nosotros?
¿La tecnología que crea es un intento de redención o una nueva forma de colonización?
¿Por qué la soledad se vuelve el destino común de todos los personajes?
¿El capitalismo aparece aquí como fuerza destructiva o simplemente como parte inevitable de la condición humana?
¿Qué papel juega el deseo en su caída: lo humaniza o lo destruye?¿Podemos ver su historia como una metáfora del artista devorado por el sistema?
¿Qué dice la película sobre la idea de progreso y sobre nuestra fe en la ciencia como salvación?
¿Qué significado tiene la vigilancia constante que sufre: paranoia o advertencia?
¿Sigue siendo posible “venir de fuera” y no quedar atrapado por la lógica de este mundo?

La película. Crítica e historia


Estrenada en 1976, The Man Who Fell to Earth dividió a crítica y público. Muchos espectadores no entendieron su estructura fragmentada ni su ritmo hipnótico, alejados del cine de ciencia ficción convencional. Con el tiempo, la película fue revalorizada como una de las más personales y enigmáticas de Nicolas Roeg. Su estilo visual —montaje quebrado, saltos temporales, simbolismo erótico y tecnológico— influyó en generaciones posteriores de cineastas.
La interpretación de David Bowie, en plena cúspide de su etapa más andrógina y experimental, convirtió al film en un icono cultural. Su personaje encarna la figura del extranjero que observa la Tierra con asombro y termina absorbido por su corrupción. Hoy es considerada una obra de culto por su audacia narrativa, su crítica a la deshumanización moderna y su capacidad para anticipar temas como la soledad tecnológica y la identidad líquida.

Ficha

https://www.filmaffinity.com/es/film429366.html

Trailer

Nicolas Roeg (1928–2018)

Nicolas Roeg fue un director y director de fotografía británico con una fuerte marca visual. Trabajó en producciones como Lawrence de Arabia y Fahrenheit 451 antes de pasar a la dirección. Debutó con Performance (1970), seguida de Walkabout (1971), Don’t Look Now (1973) y The Man Who Fell to Earth (1976).

Su cine se caracteriza por el montaje no lineal, el uso del tiempo como elemento narrativo y la exploración de temas como el deseo, la identidad y la percepción. En The Man Who Fell to Earth aplicó su estilo fragmentado a la ciencia ficción, mostrando la incomunicación y el aislamiento del individuo moderno.

Roeg influyó en muchos realizadores posteriores, entre ellos Danny Boyle, Christopher Nolan y Steven Soderbergh. Su obra ocupa un lugar destacado en el cine británico de los años setenta por su riesgo formal y su mirada psicológica sobre la realidad.

David Bowie en el cine

David Bowie llevó al cine la misma energía mutante que marcó su carrera musical. Su físico andrógino y su presencia enigmática le permitieron encarnar personajes que desafiaban las fronteras entre lo humano y lo extraño. Debutó en The Man Who Fell to Earth (1976), donde su interpretación del alienígena Thomas Jerome Newton coincidió con su etapa de Ziggy Stardust, y fue leída como una extensión de su propio mito.

A lo largo de los años participó en películas de estilos muy distintos: Just a Gigolo (1978), Merry Christmas, Mr. Lawrence (1983), The Hunger (1983), Labyrinth (1986) o The Last Temptation of Christ (1988). En todas aportó una mezcla de vulnerabilidad y distancia que hacía creíbles sus personajes marginales o visionarios.

Bowie entendía el cine como otra forma de creación de identidades. No buscaba realismo, sino presencia. Su paso por la pantalla dejó una huella visual y simbólica que lo mantuvo como figura de referencia para directores, músicos y artistas de distintas generaciones.

Punto de encuentro y planning de la velada

El punto de encuentro será en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) el próximo martes a las 19:30h.

Las veladas se dividirán en tres partes. La primera media hora la dedicaremos a tomar algo, a presentar la película y a conocernos. Después a las 20:00h tendremos la proyección. Todas las proyecciones se realizan en VOSE. Para finalizar tendremos un coloquio que durará hasta las 23:00h.

¿Cómo será el coloquio?

Los encuentros son participativos y queremos conocer vuestra opinión para que se pueda generar un debate abierto y constructivo. No es necesario conocimiento de cine para participar y es más, huimos del conversador pedante ya que para ellos tenemos a la wikipedia. ¡Queremos que cada martes seamos capaces de generar algo fantástico y diferente!. ¡Queremos saber lo que sientes y que seas capaz de contarlo!

A partir del tema de discusión y de lo visto en la película, las historias personales son bienvenidas y además, son una buena forma de dar a conocer lo que pensamos y lo que sentimos. ¡Nuestro deseo es que participes y seas activo!

Cine y el debate siempre van de la mano, y por eso queremos que te hagas fan de nuestro conejo blanco con un solo ojo.

¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas

El coste de inscripción a la sesión de debate y coloquio es gratuita para los socios de Happening Madrid y para el resto aquello con lo que deseéis y podáis participar con

– Una aportación de 3€ ó

– Una aportación de 5€

El pago lo podéis hacer por bizum al 654.80.54.37 o allí mismo al finalizar el cine debate.

y además debés de reservar por whatsapp en cualquiera de estos números.

Ángel (https://wa.me/+34640743115)

María (https://wa.me/+3463063998)

Las plazas son muy limitadas

Eros y Thanatos: Y el deseo se convirtió en terror

  1. Cine Debate con It Follows. El deseo como maldición
    1. Acerca de It Follows
    2. Influencias y estilo
    3. Recepción crítica
    4. Temas de debate de It Follows
    5. Ficha
    6. Tráiler
  2. Cine Debate con Crash. Erotismo del metal y la carne
    1. Acerca de Crash
    2. Estética y sonido
    3. Influencias y estilo
    4. Recepción crítica
    5. Temas de debate de Crash
    6. Ficha
    7. Trailer
  3. Cine Debate con Raw. El apetito de la carne
    1. Acerca de Raw
    2. Estética y sonido
    3. Influencias y estilo
    4. Recepción crítica
    5. Temas de debate de Raw
    6. Ficha
    7. Trailer
  4. Cine Debate con Cat People. El deseo que devora
    1. Acerca de Cat People
    2. Estética y sonido
    3. Influencias y estilo
    4. Recepción crítica
    5. Temas de debate de Cat People
    6. Ficha
    7. Tráiler
  5. Cine Debate con Shivers. El virus del deseo
    1. Acerca de Shivers
    2. Estética y sonido
    3. Influencias y estilo
    4. Recepción crítica
    5. Temas de debate de Shivers
    6. Ficha
    7. Tráiler
  6. Punto de encuentro y planning de la velada
  7. ¿Cómo será el coloquio?
  8. ¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas

Llega septiembre y el comienza de la segunda temporada de nuestro cine debate “Un conejo con ojo”. En este nuevo año dedicaremos cada mes a un ciclo distinto. El de septiembre, bajo el título de Eros y Thanatos explorará el miedo y el deseo. El cine siempre ha explorado las grietas donde el deseo se encuentra con el miedo, con películas que combinan sexo y terror. En esa frontera, el cuerpo se convierte en escenario de lo prohibido, la carne vibra entre la entrega y la herida, y cada beso guarda el germen de un grito. Este ciclo propone un viaje a través de cinco obras que, desde distintas épocas y estilos, han sabido conjugar sexo y terror en un mismo latido.

2 de septiembre . It Follows (David Robert Mitchell, 2014)
9 de septiembre Crash (David Cronenberg, 1996)
16 de septiembre Raw (Grave, Julia Ducournau, 2016)
23 de septiembre Cat People (Paul Schrader, 1982)
30 de septiembre Shivers (David Cronenberg, 1975)

Cine Debate con It Follows. El deseo como maldición

Comenzamos el ciclo con It Follows el martes 2 de septiembre. Seguimos adentrándonos en los territorios donde lo íntimo se vuelve amenaza y donde el deseo abre la puerta a lo monstruoso. En nuestro ciclo de cine debate Un Conejo con Ojo: Eros y Thanatos, comenzamos con una de las películas más inquietantes de los últimos años: It Follows (2014), escrita y dirigida por David Robert Mitchell. Una historia en la que el sexo no es liberación, sino cadena; un acto que transmite una condena invisible, como si el propio placer llevara en su interior la semilla de la muerte.

Tras una relación sexual, Jay descubre que ha sido “marcada” por una presencia implacable que adopta distintas formas humanas y la persigue lentamente hasta alcanzarla. La única manera de librarse es transmitiendo la maldición a otra persona. Pero el mal no se extingue: se hereda. Así, lo erótico se transforma en paranoia, y la intimidad en territorio de miedo perpetuo.

Este thriller de terror contemporáneo combina elementos del slasher, el gótico suburbano y la alegoría social. Nos invita a preguntarnos si la verdadera condena es el ente que acecha, o el peso psicológico de sabernos portadores de un mal intransferible.

¡Nos espera una apasionante velada de deseo y sombras!

Te esperamos este martes a las 19:30h en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) para compartir una de las películas más enigmáticas de finales del siglo pasado. Acompáñanos en esta nueva aventura cinematográfica de la mano de nuestro conejo blanco con un solo ojo.

Acerca de It Follows

Estrenada en el Festival de Cannes de 2014, It Follows consolidó a David Robert Mitchell como una de las voces más originales del cine de terror reciente. La película se ganó el aplauso de la crítica internacional por su atmósfera sofocante, su puesta en escena y su capacidad para actualizar el mito del “mal sexualmente transmisible” con una estética inquietante y elegante.

La banda sonora, compuesta por Disasterpeace, aporta un pulso electrónico que late como un corazón enfermo. Sus sintetizadores retumban entre la melancolía ochentera y la ansiedad contemporánea, convirtiendo cada plano en un paisaje sonoro hipnótico.

La fotografía refuerza la sensación de amenaza difusa: planos abiertos, horizontes suburbanos donde cualquier figura que se acerque puede ser el monstruo. La cámara se mueve con lentitud obsesiva, como replicando el paso inexorable de la maldición.

Influencias y estilo

It Follows dialoga con:

  • Los slashers de los 70 y 80 (Halloween de John Carpenter, A Nightmare on Elm Street de Wes Craven).
  • El gótico suburbano de Stephen King y sus adaptaciones.
  • El cine de paranoia contemporánea (The Ring, Candyman).

Su estilo se nutre de la tradición y, al mismo tiempo, renueva el género con un tempo pausado y un terror más psicológico que explícito.

Recepción crítica

En Rotten Tomatoes cuenta con un 95% de aprobación, en IMDb con un 6,8/10, y en FilmAffinity con un 6,3/10. La crítica la describió como “una pesadilla urbana de aire retro y atmósfera opresiva”. Fue considerada una de las mejores películas de terror de la década de 2010.

Temas de debate de It Follows

  • Sexo y transmisión: ¿qué simboliza la maldición? ¿Es metáfora de las ETS, de la culpa o de la herencia del miedo?
  • Paranoia y vigilancia: ¿qué significa un ente que avanza despacio, pero sin detenerse jamás?
  • Juventud y herencia: ¿cómo dialoga la película con la idea de un mundo donde los jóvenes heredan los miedos de generaciones anteriores?
  • El plano abierto: ¿por qué la cámara insiste en mostrarnos espacios vacíos donde siempre puede aparecer una amenaza?
  • Eros y Thanatos: ¿cómo se entrelazan el deseo y la muerte en esta historia?

Ficha

https://www.filmaffinity.com/es/film811561.html

Tráiler

Cine Debate con Crash. Erotismo del metal y la carne

En el ciclo Un Conejo con Ojo: Eros y Thanatos seguimos transitando los territorios donde el deseo se funde con lo siniestro. Esta vez nos enfrentamos a una de las películas más perturbadoras y polémicas del cine contemporáneo: Crash (1996), dirigida por David Cronenberg. Una obra que convierte el accidente de tráfico en escenario erótico y el cuerpo herido en objeto de fascinación.

James Ballard, productor de televisión, sufre un accidente de coche que cambia su vida. En lugar de repulsión, descubre un mundo subterráneo de hombres y mujeres que experimentan una atracción sexual hacia los choques, las cicatrices y el metal retorcido. La colisión se convierte en rito iniciático, el dolor en estímulo, la herida en caricia.

En este filme, Cronenberg da un paso más allá en su obsesión por la “nueva carne”. Crash explora hasta qué punto el deseo humano puede desviarse hacia lo inconfesable, y cómo la tecnología y la máquina se funden con el cuerpo en un abrazo tan carnal como mortuorio.

¡Nos espera una velada sobrecogedora de carne y metal!

Te esperamos este martes a las 19:30h en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) para compartir una de las películas más enigmáticas de finales del siglo pasado. Acompáñanos en esta nueva aventura cinematográfica de la mano de nuestro conejo blanco con un solo ojo.

Acerca de Crash

Basada en la novela homónima de J. G. Ballard, la película fue estrenada en el Festival de Cannes en 1996, donde causó escándalo y fascinación a partes iguales. Obtuvo el Premio Especial del Jurado, con un acta en la que se reconocía su audacia y su capacidad de “abrir nuevos caminos en el cine”.

Protagonizada por James Spader, Holly Hunter, Elias Koteas, Deborah Kara Unger y Rosanna Arquette, el reparto encarna a personajes que viven en el borde, explorando los límites de la experiencia humana a través de la violencia mecánica.

Estética y sonido

La fotografía fría, casi quirúrgica, de Peter Suschitzky convierte los escenarios industriales y los coches destrozados en paisajes eróticos. Los interiores metálicos y el resplandor nocturno refuerzan la idea de que la modernidad es un terreno donde el deseo se deforma.

La música minimalista de Howard Shore, colaborador habitual de Cronenberg, añade un pulso contenido, como un zumbido interior, que acompaña la extrañeza emocional de los personajes.

Influencias y estilo

Crash se inserta en la tradición del body horror, pero abandona el gore y la mutación orgánica para centrarse en la fusión simbólica entre hombre y máquina. Dialoga con:

  • La obra literaria de J. G. Ballard, obsesionada con los traumas modernos.
  • El cine de Jean-Luc Godard en su etapa más experimental (Week-end, 1967).
  • La tradición futurista y tecnófila que ve en la máquina no sólo utilidad, sino fetiche.

Recepción crítica

  • FilmAffinity: 6,1 / 10
  • IMDb: 6,4 / 10
  • Rotten Tomatoes: 64 % (crítica), 54 % (público)

Una película divisiva: censurada y prohibida en varios países, adorada por críticos que la consideraron visionaria y denostada por otros que la tacharon de obscena o vacía. Con el tiempo, ha adquirido estatus de culto como una de las cumbres más incómodas de Cronenberg.

Temas de debate de Crash

  • Eros y Thanatos: ¿por qué el accidente automovilístico, emblema de la modernidad, se convierte en un acto erótico?
  • El cuerpo herido: ¿qué revela la atracción hacia la cicatriz y la deformidad?
  • Tecnología y deseo: ¿cómo transforma la máquina la manera en que concebimos la intimidad?
  • Fetichismo y sociedad: ¿hasta dónde puede llegar el deseo cuando se libera de toda norma social?
  • El amor y la catástrofe: ¿puede el choque, literal y figurado, convertirse en el único modo de conexión auténtica entre los personajes?

Ficha

https://www.filmaffinity.com/es/film874087.html

Trailer

Cine Debate con Raw. El apetito de la carne

En nuestro ciclo Un Conejo con Ojo: Eros y Thanatos, seguimos explorando los territorios donde el deseo y el espanto se confunden. Esta vez viajamos a la frontera del rito iniciático, al despertar de la juventud cuando el cuerpo reclama su lugar en el mundo: Raw (Grave, 2016), ópera prima de la francesa Julia Ducournau. Un relato que entrelaza descubrimiento sexual, hambre literal y metamorfosis monstruosa en una misma pulsión.

Justine, una brillante estudiante de veterinaria criada en el vegetarianismo más estricto, ingresa en la universidad para iniciar sus estudios. En las primeras jornadas de novatadas, es forzada a comer carne cruda por primera vez. Ese gesto aparentemente inocente despierta en ella un apetito incontrolable: la carne animal ya no basta, y el deseo se transforma en necesidad de devorar a otros.

El viaje de Justine es una parábola sobre el despertar sexual, la hermandad, la transgresión y el descubrimiento de que la identidad no es nunca inocente. Ducournau convierte el campus universitario en un campo de pruebas donde eros y canibalismo se funden en un mismo rito de paso.

Te esperamos este martes a las 19:30h en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) para compartir una de las películas más enigmáticas de finales del siglo pasado. Acompáñanos en esta nueva aventura cinematográfica de la mano de nuestro conejo blanco con un solo ojo.

Acerca de Raw

Estrenada en la Semana de la Crítica del Festival de Cannes de 2016, la película sorprendió por su crudeza y su capacidad de conjugar el terror corporal con el relato de maduración adolescente. En su recorrido por festivales (Toronto, Sitges, Sundance) recibió premios y, en más de una ocasión, generó desmayos entre el público por la visceralidad de sus imágenes.

Garance Marillier encarna a Justine con una mezcla de vulnerabilidad y ferocidad, acompañada por Ella Rumpf como su hermana mayor, clave en el desarrollo de la historia. Su relación, a medio camino entre el amor y la rivalidad, articula el conflicto central: el deseo como herencia y condena familiar.

Estética y sonido

La fotografía de Ruben Impens aporta una paleta fría y clínica que contrasta con los estallidos de rojo visceral. La cámara se adentra en los cuerpos, en los rituales estudiantiles, en la fisicidad del deseo, con un naturalismo perturbador.

La música de Jim Williams, con sus notas disonantes y ambientes inquietantes, contribuye a crear una sensación de rito arcaico disfrazado de vida universitaria.

Influencias y estilo

Raw dialoga con varias tradiciones:

  • El body horror de Cronenberg, donde el cuerpo es siempre escenario de mutación.
  • Los relatos de iniciación (Carrie de Brian De Palma, Ginger Snaps de John Fawcett).
  • El canibalismo como metáfora del deseo reprimido, desde Trouble Every Day hasta The Silence of the Lambs.

Ducournau, sin embargo, imprime una voz personalísima: un equilibrio entre lo grotesco y lo poético, entre el rito tribal y la intimidad femenina.

Recepción crítica

  • FilmAffinity: 6,3 / 10
  • IMDb: 7,0 / 10
  • Rotten Tomatoes: 93 % (crítica), 76 % (público)

Elogiada por su frescura y su audacia, Raw se convirtió en un film de culto instantáneo. La crítica la destacó como uno de los debuts más poderosos del cine europeo reciente.

Temas de debate de Raw

  • Rito de paso: ¿qué significa que el despertar adulto esté marcado por la transgresión y la violencia?
  • Sexo y hambre: ¿qué relación hay entre deseo carnal y apetito caníbal?
  • La herencia familiar: ¿qué papel juega la transmisión entre hermanas?
  • Universidad como selva: ¿cómo funcionan las novatadas y rituales estudiantiles como metáfora de un mundo feroz?
  • El cuerpo femenino: ¿qué revela la película sobre el lugar del cuerpo de la mujer en la sociedad contemporánea?

Ficha

https://www.filmaffinity.com/es/film252645.html

Trailer

Cine Debate con Cat People. El deseo que devora

En nuestro ciclo Un Conejo con Ojo: Eros y Thanatos, nos adentramos en un relato donde el amor y la carne se tornan metamorfosis: Cat People (1982), dirigida por Paul Schrader. Una historia en la que la pasión no puede consumarse sin invocar a la bestia que habita en lo más profundo del ser.

Irena, una joven interpretada por Nastassja Kinski, se reúne con su hermano Paul (Malcolm McDowell) después de años separados. Descubre entonces la herencia oscura de su familia: pertenecen a una estirpe maldita que, al entregarse al deseo carnal, se transforma en pantera. La atracción amorosa se vuelve amenaza, y el erotismo se convierte en monstruo.

Cat People no es solo un remake del clásico de Jacques Tourneur (1942): es un ejercicio febril de erotismo gótico donde los cuerpos se confunden con sombras felinas, donde la represión se convierte en condena, y donde amar es siempre arriesgar la propia forma humana.

Te esperamos este martes a las 19:30h en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) para compartir una de las películas más enigmáticas de finales del siglo pasado. Acompáñanos en esta nueva aventura cinematográfica de la mano de nuestro conejo blanco con un solo ojo.

Acerca de Cat People

Estrenada en 1982, la película de Schrader se caracteriza por su atmósfera sensual y oscura. Kinski y McDowell ofrecen interpretaciones cargadas de magnetismo, acompañados por John Heard y Annette O’Toole. El guion de Alan Ormsby reinterpreta el mito con un tono mucho más explícito que la sugerencia del original.

La música de Giorgio Moroder aporta una cadencia hipnótica y electrónica, mientras que la canción principal, “Cat People (Putting Out Fire)” interpretada por David Bowie, se convirtió en un himno icónico que atraviesa la película como un latido ardiente.

Estética y sonido

La fotografía de John Bailey explora la oscuridad con contrastes intensos y colores cálidos, subrayando la sensualidad latente. Los cuerpos desnudos, la sangre y las sombras felinas se entrelazan para construir un universo de erotismo fatal.

La ciudad de Nueva Orleans, con su aire pantanoso y decadente, se convierte en escenario perfecto para un cuento donde la pasión es también amenaza.

Influencias y estilo

El expresionismo y la sugerencia del cine clásico de Tourneur.

El erotismo febril de los 80, donde lo prohibido se filma con una intensidad casi barroca.

La tradición gótica de las “maldiciones familiares”, donde la herencia pesa como condena.

Schrader imprime a la historia un tono febril, cargado de sensualidad y violencia contenida, que la convierte en una pieza de culto.

Recepción crítica

  • FilmAffinity: 6,2 / 10
  • IMDb: 6,2 / 10
  • Rotten Tomatoes: 62 % (crítica), 53 % (público)

En su estreno fue recibida con división: acusada de excesiva por algunos, celebrada por otros como una obra de erotismo perturbador. Hoy es considerada un clásico de culto por su mezcla de sensualidad, terror y delirio visual.

Temas de debate de Cat People

Deseo y animalidad: ¿qué significa que el acto sexual despierte a la bestia?

Reprimir o liberar: ¿qué nos dice la película sobre la represión de los instintos?

Herencia maldita: ¿cómo pesa la familia como cadena de lo inevitable?

Erotismo y monstruo: ¿hasta qué punto lo prohibido potencia la atracción?

Remake y reinterpretación: ¿qué cambia Schrader respecto al original de 1942?

Ficha

https://www.filmaffinity.com/es/film789038.html

Tráiler

Cine Debate con Shivers. El virus del deseo

En el ciclo Un Conejo con Ojo: Eros y Thanatos volvemos a los orígenes del terror corporal contemporáneo con Shivers (1975), el primer largometraje de David Cronenberg. Una obra transgresora y polémica que, bajo la apariencia de una película de serie B, inaugura un nuevo territorio: el del deseo convertido en epidemia.

En una urbanización de lujo a las afueras de Montreal, un experimento médico se descontrola. Un parásito diseñado para reemplazar órganos comienza a propagarse entre los residentes, alterando su conducta sexual hasta transformarles en seres dominados por un apetito carnal incontrolable. Lo que comienza como un intento de mejora científica se convierte en un brote de deseo colectivo, violento y contagioso.

Con Shivers, Cronenberg anuncia el camino que recorrerá gran parte de su filmografía: el cuerpo como lugar de horror y de revelación, la ciencia como catalizador de mutaciones y la sexualidad como pulsión inevitablemente ligada a la destrucción.

Te esperamos este martes a las 19:30h en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) para compartir una de las películas más enigmáticas de finales del siglo pasado. Acompáñanos en esta nueva aventura cinematográfica de la mano de nuestro conejo blanco con un solo ojo.

Acerca de Shivers

Estrenada en 1975, la película causó un auténtico escándalo en Canadá, hasta el punto de generar un debate parlamentario sobre el uso de fondos públicos en cine considerado “obsceno”. Lejos de hundirla, aquella polémica convirtió a Shivers en un título de culto y abrió la puerta a la carrera de uno de los cineastas más influyentes del género.

Los actores Paul Hampton, Joe Silver y Lynn Lowry encarnan a personajes atrapados en un edificio que pronto se convierte en microcosmos de pesadilla, donde los ascensores, pasillos y apartamentos son invadidos por cuerpos poseídos por el parásito.

Estética y sonido

Rodada con bajo presupuesto, la película aprovecha la frialdad arquitectónica del complejo residencial para crear una atmósfera de laboratorio social. El contraste entre la modernidad de los espacios y el caos sexual que los invade produce un efecto inquietante.

La música de Ivan Reitman (sí, el futuro director de Ghostbusters) añade un tono casi irónico en momentos, reforzando la tensión entre el artificio cotidiano y el horror visceral.

Influencias y estilo

Shivers inaugura el body horror como género propio:

  • Una herencia de la ciencia ficción de los 50, donde la amenaza es contagio.
  • La tradición del terror sexual reprimido, desde Repulsión de Polanski hasta La invasión de los ladrones de cuerpos.
  • Una mirada clínica y, a la vez, grotesca sobre el deseo como fuerza imparable.

Recepción crítica

  • FilmAffinity: 6,0 / 10
  • IMDb: 6,4 / 10
  • Rotten Tomatoes: 85 % (crítica), 57 % (público)

En su momento, fue tachada de enfermiza y provocadora; hoy se la reconoce como pieza fundacional del cine de Cronenberg y del terror moderno.

Temas de debate de Shivers

  • El deseo como epidemia: ¿qué significa que el sexo se transmita como un virus?
  • La ciencia y lo monstruoso: ¿dónde está la frontera entre progreso y catástrofe?
  • El edificio como microcosmos: ¿qué dice la película sobre la vida en comunidad y la represión en la sociedad moderna?
  • Erotismo y violencia: ¿por qué el placer y el horror se confunden en la narración?
  • El nacimiento del body horror: ¿qué huella deja esta película en el cine posterior?

Ficha

https://www.filmaffinity.com/es/film274571.html

Tráiler

Punto de encuentro y planning de la velada

El punto de encuentro será en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) el próximo martes a las 19:30h.

Las veladas se dividirán en tres partes. La primera media hora la dedicaremos a tomar algo, a presentar la película y a conocernos. Después a las 20:00h tendremos la proyección. Todas las proyecciones se realizan en VOSE. Para finalizar tendremos un coloquio que durará hasta las 23:00h.

¿Cómo será el coloquio?

Los encuentros son participativos y queremos conocer vuestra opinión para que se pueda generar un debate abierto y constructivo. No es necesario conocimiento de cine para participar y es más, huimos del conversador pedante ya que para ellos tenemos a la wikipedia. ¡Queremos que cada martes seamos capaces de generar algo fantástico y diferente!. ¡Queremos saber lo que sientes y que seas capaz de contarlo!

A partir del tema de discusión y de lo visto en la película, las historias personales son bienvenidas y además, son una buena forma de dar a conocer lo que pensamos y lo que sentimos. ¡Nuestro deseo es que participes y seas activo!

Cine y el debate siempre van de la mano, y por eso queremos que te hagas fan de nuestro conejo blanco con un solo ojo.

¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas

El coste de inscripción a la sesión de debate y coloquio es gratuita para los socios de Happening Madrid y para el resto aquello con lo que deseéis y podáis participar

Hay que reservar en entradium en este enlace:

https://entradium.com/events/cine-debate-de-los-martes

donde tendréis varias opciones a elegir:

– Las invitaciones para los socios

– La reserva gratuita para hacer luego la aportación que se desee a la finalización del coloquio

– Una aportación de 3€

– Una aportación de 5€

y además debés de reservar por whatsapp en cualquiera de estos números

Ángel (https://wa.me/+34640743115)

María (https://wa.me/+3463063998)

Las plazas son muy limitadas

Cine debate con Come True. Los que miran tus sueños.

Entradas al cine debate / Plan de Meetup

  1. Acerca de Come True
    1. Sinopsis de Come True
    2. 🎞 Ficha
    3. 🎞 Trailer
  2. Temas de debate en Come True
    1. Tus sueños como materia de estudio de la ciencia
    2. La imagen de lo que no debería verse
    3. La tecnología y el yo vigilado
    4. Despersonalización y estados alterados
    5. El final abierto: el terror como bucle existencial
  3. Come True y el cine del subconsciente
  4. Anthony Scott Burns: el horror atmosférico del inconsciente tecnológico
  5. Punto de encuentro y planning de la velada
  6. ¿Cómo será el coloquio?
  7. ¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas
  8. ¿Cómo hacer las reservas y pagos a Happening Madrid de cada una de las experiencias?
  9. ¿Qué es Happening Madrid?
  10. ¿Cómo apuntarte a nuestras experiencias? Los enlaces

Seguimos explorando los rincones más oscuros de la mente, la identidad y la percepción en nuestro cine debate Un Conejo con Ojo. Esta semana proyectamos una joyita poco conocida del cine de terror psicológico contemporáneo: Come True (2020), escrita y dirigida por Anthony Scott Burns.

Una película que nos arrastra a un territorio onírico inquietante, donde los límites entre el sueño y la vigilia se desdibujan, y lo inconsciente toma forma en paisajes sombríos y figuras que parecen salir de nuestras peores pesadillas. Con ecos de El ente, A Nightmare on Elm Street y el universo de Lynch y Cronenberg, Come True es una experiencia cinematográfica de alto voltaje que nos dejará atónitos y llenos de preguntas

¿Qué ocurre cuando lo más íntimo de nuestro subsconciente—nuestros sueños— se convierte en material de estudio?
¿Qué sucede cuando los científicos entran en tu mente… y no quieren salir?

Te esperamos este martes a las 19:30h en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) para compartir una de las películas más enigmáticas de finales del siglo pasado. Acompáñanos en esta nueva aventura cinematográfica de la mano de nuestro conejo blanco con un solo ojo.

Acerca de Come True

Come True es una película de terror psicológico y ciencia ficción dirigida por Anthony Scott Burns y estrenada en 2020. Protagonizada por Julia Sarah Stone y Landon Liboiron, cuenta la historia de Sarah, una adolescente con insomnio y pesadillas recurrentes que se apunta a un estudio del sueño para encontrar algo de paz. Pero pronto descubrirá que hay algo mucho más oscuro acechando en los rincones de su inconsciente… y que sus sueños podrían no ser solo suyos.

La película que es visualmente hipnótica destaca por su atmósfera inquietante, conuna cuidada dirección de fotografía. Destacan los tonos fríos, las sombras densas y los encuadres claustrofóbicos consiguiendo un perfecto reflejo del estado emocional de la protagonista. La imagen parece filtrada por una neblina digital, reforzando la sensación de estar atrapados entre el sueño y la vigilia, entre lo real y lo simulado.

Come True nos ofrece una muy lograda banda sonora, compuesta por el propio director bajo el alias de Pilotpriest, en colaboración con el grupo canadiense Electric Youth. El resultado es un viaje sonoro que mezcla sintetizadores analógicos con texturas melódicas oníricas y escalofriantes, al estilo de John Carpenter, Vangelis y Disasterpeace, creando un tapiz emocional perfecto para el desconcierto que atraviesa nuestra protagonista en la película.

El reparto lo encabeza Julia Sarah Stone que nos ofrece una poderosa interpretación poderosa de una vulnerable Sarah que nos transmite el desgaste mental y el miedo más profundo de manera natural y sin necesidad de grandes artificios. El rostro de Sarah se convierte en el centro emocional de la historia. Por su parte en el personaje central masculino, Landon Liboiron realiza un excelente trabajo danto vida a un personaje misterioso y desconcertante, que, al igual que Sarah, está atrapado en el extraño funcionamiento del experimento.

Come True se sitúa en la tradición del cine de terror existencial y experimental, con claras influencias de David Cronenberg, David Lynch, Andrzej Żuławski, Stanley Kubrick y del anime psicológico como Paprika de Satoshi Kon.

Come True no busca darnos respuestas, nos instala en la duda, el simbolismo y el misterio. Una experiencia que para ver y sentir donde la historia es lo de menos.

Sinopsis de Come True

Sarah es una adolescente solitaria y perturbada por insomnios y pesadillas recurrentes. No puede dormir en casa, así que deambula por la ciudad hasta quedarse dormida en bancos, parques o en casa de una amiga. Desesperada por descansar, se apunta a un experimento de investigación sobre el sueño. Al principio parece que ha encontrado un lugar seguro donde dormir y sentirse cuidada, pero pronto descubre que sus sueños están siendo observados, analizados… y que hay algo en ellos que no debería estar ahí.

Lo que empieza como una oportunidad de escapar de su insomnio se convierte en una inmersión aterradora. ¿Qué pasa cuando nuestras pesadillas toman forma? ¿Y si hay otros soñando lo mismo?

🎞 Ficha

https://www.filmaffinity.com/es/reviews/3/509996.html

🎞 Trailer

Temas de debate en Come True

La película Come True, aparte de suonírica experiencia visual y sensorial, nos abre múltiples líneas de reflexión acerca del sueño, la identidad, la vigilancia y lo desconocido.

Tus sueños como materia de estudio de la ciencia

Lo que soñamos es una de las experiencias más íntimas. En Come True, este espacio tan íntimo es colonizado por la ciencia. Lo inconsciente se convierte en un campo de observación y análisis.

¿Hasta qué punto puede ser intervenido lo inconsciente?
¿Estamos preparados para que nuestras pesadillas se traduzcan en datos y gráficos?

La imagen de lo que no debería verse

La película construye un lenguaje visual inquietante: figuras humanas sin rostro, pasillos infinitos, geometrías inestables. Lo que vemos parece surgir de lo más profundo del subconsciente, como si el cine nos mostrara imágenes que deberían permanecer ocultas.

¿Qué sentimos cuando nos enfrentamos a lo inexplicable?
¿Hay cosas que el cine puede mostrar que la mente humana no puede soportar?

La tecnología y el yo vigilado

El experimento del sueño se presenta como una ayuda, pero rápidamente se transforma en una forma de control. Mientras el cuerpo duerme, otros observan, miden y extraen información.

¿Estamos cediendo nuestra intimidad a cambio de comodidad o soluciones rápidas?
¿Hasta qué punto puede la ciencia intervenir en la psique sin consecuencias éticas o personales?

Despersonalización y estados alterados

Sarah pierde poco a poco su capacidad para distinguir lo real de lo onírico. Su cuerpo, su voluntad y su identidad empiezan a disolverse. El miedo ya no es a lo externo, te hace desconfiar de uno mismo.

¿Cómo reaccionamos ante la sensación de no ser dueños de nosotros mismos?
¿Qué relación hay entre el terror y la pérdida del yo?

El final abierto: el terror como bucle existencial

La última escena de Come True deja al espectador atrapado en una paradoja que pone en duda todo lo anterior. ¿Fue real? ¿Fue un sueño? ¿Acaso importa?

¿Cómo interpretas el final de la película?
¿Qué nos dice ese bucle sobre la naturaleza del miedo y la percepción?
¿Puede el sueño ser una cárcel sin salida?

Come True y el cine del subconsciente

Come True se inscribe en una tradición de cine que explora el inconsciente como si fuera un campo de batalla, películas como Possession (1981), Jacob’s Ladder (1990), Inland Empire (2006) o Paprika (2006) entrarían en esta clasificación. Para estas películas, la mente no es una línea clara de pensamientos: es un mar oscuro de símbolos, traumas y deseos reprimidos.

Anthony Scott Burns crea una atmósfera inspirada en el cyberpunk retro, la estética de los 80, y el sonido de sintetizadores etéreos, que recuerda al trabajo de Carpenter y Vangelis. La música, a cargo del propio director bajo el alias Pilotpriest junto a Electric Youth, nos acompaña: envuelve y distorsiona, haciendo de la experiencia algo envolvente y claustrofóbico.

Anthony Scott Burns: el horror atmosférico del inconsciente tecnológico

Anthony Scott Burns es uno de los nombres emergentes del cine de género contemporáneo, un creador multidisciplinar que combina sus habilidades como director, guionista, director de fotografía y compositor musical bajo el alias Pilotpriest. Su cine se ve, se escucha, se siente y se absorbe como una experiencia sensorial completa.

Antes de Come True, participó en el proyecto antológico Holidays (2016), con el segmento Father’s Day, una historia inquietante sobre la voz de un padre desaparecido que guía a su hija hacia un lugar desierto y misterioso. Ya en este corto aparecen los elementos que definirán su estilo: el uso de sonido envolvente, la estética retrofuturista, los espacios vacíos cargados de tensión, y una narrativa que se mueve entre lo emocional y lo ominoso.

Con Come True (2020), Burns consolida su visión personal: una mezcla de ciencia ficción, body horror, estética synthwave y obsesión con los estados alterados de conciencia. Lejos del terror explícito o el susto fácil, apuesta por un miedo lento, envolvente, que brota de la atmósfera y de la desorientación perceptiva.

Su cine bebe de influencias como David Cronenberg, Stanley Kubrick, John Carpenter o Andrei Tarkovsky, pero también de la estética de los años 80 y del diseño sonoro como vehículo narrativo. En Come True, él mismo compone la banda sonora junto al artista Electric Youth, generando una fusión entre imagen y sonido que acentúa la alienación de los personajes.

Burns es un cineasta que filma el temor a perder el control interior, la fragilidad del yo frente a la ciencia, la tecnología y los sueños. En su cine, los protagonistas no se enfrentan a monstruos externos, sino a realidades que se desmoronan desde dentro, como si lo que diera miedo no fuera el mundo, sino lo que el mundo revela de nosotros.

Punto de encuentro y planning de la velada

El punto de encuentro será en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) el próximo martes a las 19:30h.

Las veladas se dividirán en tres partes. La primera media hora la dedicaremos a tomar algo, a presentar la película y a conocernos. Después a las 20:00h tendremos la proyección. Todas las proyecciones se realizan en VOSE. Para finalizar tendremos un coloquio que durará hasta las 23:00h.

¿Cómo será el coloquio?

Los encuentros son participativos y queremos conocer vuestra opinión para que se pueda generar un debate abierto y constructivo. No es necesario conocimiento de cine para participar y es más, huimos del conversador pedante ya que para ellos tenemos a la wikipedia. ¡Queremos que cada martes seamos capaces de generar algo fantástico y diferente!. ¡Queremos saber lo que sientes y que seas capaz de contarlo!

A partir del tema de discusión y de lo visto en la película, las historias personales son bienvenidas y además, son una buena forma de dar a conocer lo que pensamos y lo que sentimos. ¡Nuestro deseo es que participes y seas activo!

Cine y el debate siempre van de la mano, y por eso queremos que te hagas fan de nuestro conejo blanco con un solo ojo.

¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas

El coste de inscripción a la sesión de debate y coloquio es gratuita para los socios de Happening Madrid y para el resto aquello con lo que deseéis y podáis participar. Se puede  reservar en entradium en este enlace:

https://entradium.com/events/cine-debate-de-los-martes

donde tendréis varias opciones a elegir:

Las invitaciones gratuitas para los socios
La reserva gratuita para hacer luego la aportación que se desee a la finalización del coloquio
Los que deseen hacer una aportación de 3€
Los que deseen hacer una aportación de 5€

y además debes de reservar por whatsapp en cualquiera de estos números

Ángel (https://wa.me/+34640743115)
María (https://wa.me/+3463063998)

Las plazas son muy limitadas

¿Cómo hacer las reservas y pagos a Happening Madrid de cada una de las experiencias?

¿Qué es Happening Madrid?

¿Cómo apuntarte a nuestras experiencias? Los enlaces

Cine debate con Paprika. Sueños compartidos, realidad difusa y conciencia líquida.

Entradas al cine debate / Plan de Meetup

  1. Acerca de Paprika
    1. Sinopsis de Paprika
    2. 🎞 Ficha
    3. 🎞 Trailer
  2. Los temas de Paprika
    1. El sueño como espacio de verdad y caos
    2. Identidad difusa y fragmentación del yo
    3. Mente y tecnología
    4. Inconsciente colectivo
    5. Ilusión vs Realidad
  3. El cine de Satoshi Kon: el desdoblamiento de la percepción
  4. Películas esenciales de Satoshi Kon
    1. Perfect Blue (1997)
    2. Millennium Actress (2001)
    3. Tokyo Godfathers (2003)
    4. Paprika (2006)
  5. Punto de encuentro y planning de la velada
  6. ¿Cómo será el coloquio?
  7. ¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas
  8. ¿Cómo hacer las reservas y pagos a Happening Madrid de cada una de las experiencias?
  9. ¿Qué es Happening Madrid?
  10. ¿Cómo apuntarte a nuestras experiencias? Los enlaces

Continuamos nuestro viaje por territorios donde la mente se desdobla, la identidad se deshace y la tecnología penetra el inconsciente. Hablaremos de los sueños colectivos con una película

Esta vez, nuestro conejo blanco con un solo ojo nos lleva al terreno del sueño colectivo con una de las películas más hipnótica y revolucionaria del anime japonés: Paprika (2006), dirigida por Satoshi Kon. Un festín visual y filosófico sobre los límites entre lo real y lo onírico, entre el yo consciente y el deseo reprimido. Nos sumergimos junto a la Dra. Atsuko Chiba, una psiquiatra que bajo el alias de Paprika entra en los sueños de sus pacientes gracias a una revolucionaria tecnología: el DC Mini. Pero cuando el aparato es robado y usado para manipular sueños a escala global, la distinción entre vigilia y sueño comienza a derrumbarse. ¿Qué sucede cuando el inconsciente colectivo se desborda? ¿Puede un sueño destruir la realidad?

Te esperamos este martes a las 19:30h en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) para compartir una de las películas más enigmáticas de finales del siglo pasado. Acompáñanos en esta nueva aventura cinematográfica de la mano de nuestro conejo blanco con un solo ojo.

Acerca de Paprika

Paprika es una película de animación japonesa dirigida por Satoshi Kon, basada en la novela homónima de Yasutaka Tsutsui. Estrenada en 2006, es una obra maestra del cine de animación y un hito en la representación del inconsciente. Fue una de las últimas películas de Kon antes de su fallecimiento en 2010, y su influencia se puede ver en obras inmensas como Inception de Christopher Nolan.

Sinopsis de Paprika

En un futuro próximo, un grupo de científicos desarrolla una tecnología que permite introducirse en los sueños de otras personas para analizarlos y curar enfermedades mentales. La Dra. Atsuko Chiba utiliza esta herramienta, el DC Mini, bajo su álter ego onírico Paprika. Pero cuando uno de los dispositivos es robado, los sueños comienzan a invadir la realidad, mezclando deseos reprimidos, traumas y fantasías en una espiral descontrolada. Solo Paprika podrá enfrentarse a la disolución de los límites entre lo real y lo imaginario.

🎞 Ficha

https://www.filmaffinity.com/es/film292688.html

🎞 Trailer

Los temas de Paprika

El sueño como espacio de verdad y caos

En Paprika, los sueños no son solo refugio o interpretación, sino campo de batalla donde se decide la integridad de la realidad.

¿Qué función cumplen los sueños en nuestra vida cotidiana?
¿Son un reflejo veraz de lo que somos, o un espacio de evasión?
¿Qué sucede cuando los sueños se filtran en la vigilia?

Identidad difusa y fragmentación del yo

Paprika y Atsuko comparten un cuerpo, pero no una identidad. Una es control racional; la otra, libertad imaginativa.

¿Hasta qué punto somos una sola persona?
¿Qué máscaras usamos en distintos contextos?
¿Es Paprika un álter ego liberador o una forma de negación?

Mente y tecnología

El DC Mini puede curar, pero también controlar. Su poder radica en que accede al lugar más vulnerable: el inconsciente.

¿Hasta dónde debemos permitir que la tecnología penetre en nuestra psique?
¿Hay algo “intocable” en nuestra mente?
¿Quién debería tener acceso a los sueños?

Inconsciente colectivo

En la película, los sueños se entrelazan, creando una única pesadilla compartida. El yo se disuelve en un carnaval delirante de símbolos.

¿Es posible un “sueño común”?
¿Qué pasa cuando lo reprimido colectivo irrumpe?
¿Puede la cultura ser una forma de sueño compartido?

Ilusión vs Realidad

Como en eXistenZ o The Matrix, la película cuestiona la solidez de lo real. Pero aquí la clave está en el deseo, no en la lógica.

¿Cómo definimos lo real?
¿Es más real lo que sentimos o lo que vemos?
¿Qué nos dice esto sobre la sociedad del espectáculo y la virtualidad?

El cine de Satoshi Kon: el desdoblamiento de la percepción

Satoshi Kon fue un maestro en difuminar los límites de la realidad, creando universos donde los personajes se deslizan entre planos sin que el espectador tenga nunca una certeza clara en que plano se encuentran. En películas como Perfect Blue (1997), Millennium Actress (2001) o Tokyo Godfathers (2003), la narración se fragmenta para reflejar un mundo donde lo subjetivo y lo objetivo se entrelazan.

En Paprika, Kon lleva al extremo esta disolución de fronteras: el espacio de los sueños se convierte en escenario principal, y las leyes del mundo onírico contaminan la realidad. Con una estética psicodélica, cargada de símbolos y referencias, Paprika nos cuenta una historia que estalla en mil fragmentos de sentido, color y emoción.

Kon quiere hacernos cuestionar quienes somo cuando soñamos, que parte de nosotros  escapa de la realidad y cual es el precio de dejarse llevar por la fantasía

Películas esenciales de Satoshi Kon

Perfect Blue (1997)

Thriller psicológico sobre una estrella del pop acosada por su imagen pública. Confusión mental, dobles y paranoia.

Millennium Actress (2001)

Un repaso a la historia del cine japonés a través de la vida (y los recuerdos) de una actriz que confunde el pasado con la ficción.

Tokyo Godfathers (2003)

Comedia dramática navideña sobre tres marginados que encuentran a una bebé en la basura. Realismo mágico urbano.

Paprika (2006)

Sueños, tecnología y deseo en un festín visual que anticipa muchos de los dilemas actuales sobre identidad, vigilancia y evasión.

Punto de encuentro y planning de la velada

El punto de encuentro será en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) el próximo martes a las 19:30h.

Las veladas se dividirán en tres partes. La primera media hora la dedicaremos a tomar algo, a presentar la película y a conocernos. Después a las 20:00h tendremos la proyección. Todas las proyecciones se realizan en VOSE. Para finalizar tendremos un coloquio que durará hasta las 23:00h.

¿Cómo será el coloquio?

Los encuentros son participativos y queremos conocer vuestra opinión para que se pueda generar un debate abierto y constructivo. No es necesario conocimiento de cine para participar y es más, huimos del conversador pedante ya que para ellos tenemos a la wikipedia. ¡Queremos que cada martes seamos capaces de generar algo fantástico y diferente!. ¡Queremos saber lo que sientes y que seas capaz de contarlo!

A partir del tema de discusión y de lo visto en la película, las historias personales son bienvenidas y además, son una buena forma de dar a conocer lo que pensamos y lo que sentimos. ¡Nuestro deseo es que participes y seas activo!

Cine y el debate siempre van de la mano, y por eso queremos que te hagas fan de nuestro conejo blanco con un solo ojo.

¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas

El coste de inscripción a la sesión de debate y coloquio es gratuita para los socios de Happening Madrid y para el resto aquello con lo que deseéis y podáis participar. Se puede  reservar en entradium en este enlace:

https://entradium.com/events/cine-debate-de-los-martes

donde tendréis varias opciones a elegir:

Las invitaciones gratuitas para los socios
La reserva gratuita para hacer luego la aportación que se desee a la finalización del coloquio
Los que deseen hacer una aportación de 3€
Los que deseen hacer una aportación de 5€

y además debes de reservar por whatsapp en cualquiera de estos números

Ángel (https://wa.me/+34640743115)
María (https://wa.me/+3463063998)

Las plazas son muy limitadas

¿Cómo hacer las reservas y pagos a Happening Madrid de cada una de las experiencias?

¿Qué es Happening Madrid?

¿Cómo apuntarte a nuestras experiencias? Los enlaces

Cine debate con eXistenZ. Realidad Virtual Biotecnológica y cuerpos alterados.

Entradas al cine debate / Plan de Meetup

  1. Acerca de eXistenZ
    1. Sinopsis de eXistenZ
    2. 🎞 Ficha
    3. 🎞 Trailer
  2. Los temas de eXistenZ
    1. La realidad como simuilación
    2. El cuerpo como interfaz
    3. Control y Paranoia
    4. Identidad líquida
    5. La inmersión total y la evasión
  3. El cine de Cronenberg: cuerpos, tecnología y mutación del yo
  4. Películas esenciales de Cronenberg
    1. Videodrome (1983)
    2. The Fly (1986)
    3. Naked Lunch (1991)
    4. Crash (1996)
  5. eXistenZ (1999)
  6. 1999. El año que el cine se miró en el espejo digital
    1. The Matrix – Wachowski
    2. eXistenZ – Cronenberg
    3. Fight Club – Fincher
    4. Being John Malkovich – Jonze
    5. The Sixth Sense – Shyamalan
    6. The Truman Show – Weir
  7. Punto de encuentro y planning de la velada
  8. ¿Cómo será el coloquio?
  9. ¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas
  10. ¿Cómo hacer las reservas y pagos a Happening Madrid de cada una de las experiencias?
  11. ¿Qué es Happening Madrid?
  12. ¿Cómo apuntarte a nuestras experiencias? Los enlaces

Continuamos nuestro viaje por las fronteras de la mente, la identidad y la tecnología en nuestro cine debate Un Conejo con Ojo, esta vez con una película de culto del maestro de del cuerpo mutante y la distorsión perceptiva: eXistenZ (1999), dirigida por David Cronenberg. Una exploración alucinante sobre la confusión entre lo real y lo simulado.

En esta ocasión acompañamos a Allegra Geller, una reconocida diseñadora de videojuegos orgánicos, en la prueba de su nueva creación: eXistenZ. Pero algo falla, y Allegra se ve obligada a entrar al juego con un joven asistente, mientras el mundo real y el virtual se entrelazan de forma inquietante. ¿Estamos dentro del juego o fuera de él? ¿Quién controla a quién? ¿Y qué ocurre con nuestros cuerpos cuando la mente ya no distingue la diferencia?

En este cine debate hablaremos de la construcción de la realidad, del cuerpo como interfaz, del control tecnológico, de la inmersión y la desconexión, y de lo inquietante que es no saber si lo que vivimos es realmente verdad.

Te esperamos este martes a las 19:30h en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) para compartir una de las películas más enigmáticas de finales del siglo pasado. Acompáñanos en esta nueva aventura cinematográfica de la mano de nuestro conejo blanco con un solo ojo.

Acerca de eXistenZ

eXistenZ es una película de ciencia ficción dirigida por David Cronenberg, escrita por él mismo y protagonizada por Jennifer Jason Leigh y Jude Law. Se estrenó en 1999, es una reflexión muy pereturbadora sobre la tecnología, la percepción y el yo, que combina elementos de cine de terror y thriller con la filosofía existencial. Es considerada una respuesta orgánica y visceral a The Matrix, estrenada el mismo año.

Sinopsis de eXistenZ

Allegra Geller es la creadora del videojuego más esperado del momento: eXistenZ, una experiencia totalmente inmersiva que se conecta directamente al cuerpo humano mediante una “biopod”. Pero durante una presentación privada, es atacada por un fanático y se ve obligada a escapar con un joven guardaespaldas. Para comprobar que el juego sigue funcionando, ambos se conectan… y lo que empieza como una prueba técnica se convierte en un viaje paranoico por mundos superpuestos donde ya no está claro qué es real y qué es parte del juego.

🎞 Ficha

https://www.filmaffinity.com/es/film792969.html

🎞 Trailer

Los temas de eXistenZ

La realidad como simuilación

En eXistenZ, el mundo virtual no es una copia, sino una experiencia que puede sustituir a la realidad misma.

¿Cómo definimos hoy qué es “real”?
¿Es menos verdadero lo que sentimos en un entorno virtual?
¿Qué peligros o libertades implica vivir en mundos simulados?

El cuerpo como interfaz

Los jugadores se conectan al juego mediante un puerto orgánico instalado en su espina dorsal, fusionando tecnología y carne.

¿Qué significa convertirnos en extensiones de nuestras máquinas?
¿Dónde acaba el cuerpo y empieza la tecnología?
¿Qué relación hay entre placer, control y vulnerabilidad en este vínculo?

Control y Paranoia

A medida que avanza la película, la sospecha de estar dentro de un juego dentro de otro juego se hace insoportable.

¿Hay algún momento en que creas que los protagonistas están “fuera del juego”?
¿Qué te genera esa sensación de no tener punto de referencia?
¿Qué nos dice esto sobre la desconfianza hacia las estructuras que gobiernan nuestras vidas?

Identidad líquida

Los personajes asumen roles sin saber si son verdaderos o parte del guion del juego.

¿Cómo cambia nuestra identidad cuando el entorno no es estable?
¿Hasta qué punto somos lo que creemos o lo que hacemos?
¿Qué pasa con el yo cuando todo es representación?

La inmersión total y la evasión

La experiencia de eXistenZ es adictiva. Quienes entran no siempre quieren salir.

¿Qué nos lleva a buscar refugio en mundos ficticios?
¿Podemos perder el deseo de vivir “afuera”?
¿Qué nos está diciendo Cronenberg sobre nuestra relación con la tecnología?

El cine de Cronenberg: cuerpos, tecnología y mutación del yo

David Cronenberg es una de las figuras más influyentes del cine contemporáneo. Un director que explora el lado oscuro de la mente, del cuerpo y la tecnología. A lo largo de su filmografía, ha desarrollado un estilo único, conocido como body horror, donde el cuerpo humano es el escenario de transformaciones grotescas, simbólicas o tecnológicas que reflejan crisis más profundas: existenciales, sociales o psicológicas.

En películas como Videodrome (1983), The Fly (1986), Naked Lunch (1991) o Crash (1996), Cronenberg nos dibuja mundos donde los límites entre máquina y carne, deseo y obsesión enfermiza, realidad y alucinación se desdibujan. Sus personajes, muchas veces, no son víctimas de fuerzas externas, sino del deseo de ir más allá del cuerpo, del lenguaje o de la conciencia.

eXistenZ (1999) recoge todas estas obsesiones en una nueva clave: la del videojuego y la realidad virtual. Aquí, el cuerpo se conecta directamente a la tecnología a través de biopods, dispositivos orgánicos que permiten vivir mundos alternativos en los que las reglas y los límites ya no están claros. La identidad se fragmenta, la percepción se distorsiona, y la confianza en la realidad se evapora.

Hay una cuestión que recorre todo el cine de Cronenberg —¿quién soy yo cuando mi cuerpo cambia, cuando mi mente ya no es fiable, cuando la tecnología se fusiona conmigo?. En eXistenZ esta pregunta alcanza un cénit muy especial. eXistenZ es una reflexión adelantada a su tiempo sobre lo que hoy vivimos con la inteligencia artificial, los metaversos, las redes sociales y la hiperconexión. Es un inmersión profunda en la noción misma de identidad y verdad.

Películas esenciales de Cronenberg

Videodrome (1983)

Violencia mediática y mutación corporal en una televisión que transforma a sus espectadores.

The Fly (1986)

Una historia de amor, ciencia y transformación: el cuerpo como espacio de degeneración e hibridación.

Naked Lunch (1991)

Adaptación libre de Burroughs, entre insectos parlantes, drogas y escritura: surrealista, inquietante y cargada de simbolismo oscuro.

Crash (1996)

Erotismo, accidentes y cuerpos alterados por la tecnología: una película radical sobre deseo y trauma.

eXistenZ (1999)

Realidad virtual y biotecnología en una experiencia donde jugar y vivir se confunden.

1999. El año que el cine se miró en el espejo digital

En 1999, Internet se extendía sin medida, el acceso a la información crecía constantemente y el miedo al efecto 2000 hacían presagiar un futuro incierto e excitante. El cine también empezó a mostrar que la realidad ya no se sentía firme. En un mundo donde lo virtual no era aún cotidiano se sospecha que llegaría a serlo. Varias películas estrenadas en 1999 decidieron tomar esa sensación como punto de partida. Cada una, a su manera, dejó una marca.

The Matrix – Wachowski

Plantea que el mundo visible puede ser una construcción diseñada para mantener el control. La mente vive dormida; el cuerpo, en pausa. Propone ruptura y conciencia.

eXistenZ – Cronenberg

El juego no está en una consola, sino bajo la piel. No busca distraer, sino rediseñar la percepción. La tecnología no es herramienta: es organismo.

Fight Club – Fincher

Un trabajador sin nombre decide desobedecer. No con ideas, sino con golpes. Lo que está en crisis no es el sistema: es el yo que intenta sostenerlo.

Being John Malkovich – Jonze

Un pasadizo lleva al interior de una persona real. La pregunta es inmediata: si puedo vivir como otro, ¿qué sentido tiene seguir siendo yo?

The Sixth Sense – Shyamalan

Una historia contada desde un lugar ciego. El espectador ve, pero no interpreta bien. El final no da la vuelta al relato: revela que lo malentendiste desde el principio.

The Truman Show – Weir

La vida como emisión. El entorno como decorado. Lo que parece libertad es rutina coreografiada. Lo real no depende de la materia, sino del guion.

El año 1999 dejo bien claro que el cine puede ser una herramienta pora dudar de todo: lo que ves, lo que eres, lo que decides. Que la identidad no es estable. Que la percepción no es confiable. Que lo que entendemos como real puede ser apenas una capa de interfaz más.

Punto de encuentro y planning de la velada

El punto de encuentro será en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) el próximo martes a las 19:30h.

Las veladas se dividirán en tres partes. La primera media hora la dedicaremos a tomar algo, a presentar la película y a conocernos. Después a las 20:00h tendremos la proyección. Todas las proyecciones se realizan en VOSE. Para finalizar tendremos un coloquio que durará hasta las 23:00h.

¿Cómo será el coloquio?

Los encuentros son participativos y queremos conocer vuestra opinión para que se pueda generar un debate abierto y constructivo. No es necesario conocimiento de cine para participar y es más, huimos del conversador pedante ya que para ellos tenemos a la wikipedia. ¡Queremos que cada martes seamos capaces de generar algo fantástico y diferente!. ¡Queremos saber lo que sientes y que seas capaz de contarlo!

A partir del tema de discusión y de lo visto en la película, las historias personales son bienvenidas y además, son una buena forma de dar a conocer lo que pensamos y lo que sentimos. ¡Nuestro deseo es que participes y seas activo!

Cine y el debate siempre van de la mano, y por eso queremos que te hagas fan de nuestro conejo blanco con un solo ojo.

¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas

El coste de inscripción a la sesión de debate y coloquio es gratuita para los socios de Happening Madrid y para el resto aquello con lo que deseéis y podáis participar. Se puede  reservar en entradium en este enlace:

https://entradium.com/events/cine-debate-de-los-martes

donde tendréis varias opciones a elegir:

Las invitaciones gratuitas para los socios
La reserva gratuita para hacer luego la aportación que se desee a la finalización del coloquio
Los que deseen hacer una aportación de 3€
Los que deseen hacer una aportación de 5€

y además debes de reservar por whatsapp en cualquiera de estos números

Ángel (https://wa.me/+34640743115)
María (https://wa.me/+3463063998)

Las plazas son muy limitadas

¿Cómo hacer las reservas y pagos a Happening Madrid de cada una de las experiencias?

¿Qué es Happening Madrid?

¿Cómo apuntarte a nuestras experiencias? Los enlaces