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Cine debate con Aterriza como Puedas. El Humor y lo Correcto ¿Nos podemos reír de todo?

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Entradas al cine debate / Plan de Meetup

  1. Acerca de “Aterriza como puedas”
    1. El género spoof, Zero Hours! y las películas de catastrofes de los 70s
    2. Los gags más políticamente incorrectos de Airplane
      1. El interrogatorio al niño en la cabina
      2. La niña del café: “Lo tomo negro… como a mis hombres”
      3. La escena del “jive” subtitulado
      4. El chiste del aborto
      5. Otto, el piloto automático hinchable
      6. Conclusión sobre los gags
  2. Los temas del coloquio
    1. El humor “incorrecto”: ¿transgresión o pereza?
    2. El deadpan como arma: actores serios diciendo barbaridades
    3. Traducción y doblaje: el chiste que muta
  3. Otras cuestiones acerca de la película
    1. Los actores principales
    2. ¿Cuándo se estrenó la película?
    3. Premios y reconocimientos
    4. La música de la película
  4. Punto de encuentro y planning de la velada
  5. ¿Cómo será el coloquio?
  6. ¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas
  7. ¿Cómo hacer las reservas y pagos a Happening Madrid de cada una de las experiencias?
  8. ¿Qué es Happening Madrid?
  9. ¿Cómo apuntarte a nuestras experiencias? Los enlaces

Este martes, en nuestro Cine Debate “Un Conejo con Ojo” despegamos en el vuelo 209 rumbo al humor más turbulento con Aterriza como puedas (Airplane!, 1980), clásico que revolucionó la comedia y redefinió el género del spoof. Obra de culto y espejo provocador de su tiempo, esta sátira delirante nos servirá de punto de partida para reflexionar —desde 2026— sobre los límites del humor, lo políticamente correcto y cómo ha envejecido la comedia vez hizo temblar los cimientos del humor americano de la época.

Un conejo con ojo es un cine debate organizado por Big Tree Books y Happening Madrid para las tardes de los martes, desde el corazón más castizo de Madrid. Unas veladas para disfrutar del cine y, sobre todo, para pensarlo en voz alta, discutir, disentir y compartir ideas alrededor de una pantalla compartida.

Información y Reservas

Acerca de “Aterriza como puedas”

En Aterriza como puedas (Airplane!, 1980) el trío ZAZ –Jim Abrahams y los hermanos David y Jerry Zucker– construye una comedia hilarante a partir del molde más serio posible: el cine de catástrofes aéreas de los 70. La película parasita deliberadamente el esqueleto narrativo de Zero Hour! (1957), reutiliza situaciones y diálogos, y los distorsiona lo justo para empujarlos al territorio del absurdo, del chiste visual, del doble sentido y del gag recurrente.

El resultado es una metralleta de humor: 87 minutos de chistes encadenados, juegos de lenguaje, puns, running jokes y apariciones imposibles, donde prácticamente todo puede convertirse en remate, desde un anuncio de aeropuerto hasta un plano de cabina. En su tiempo, fue uno de los éxitos más inesperados del inicio de los 80: costó relativamente poco, arrasó en taquilla, obtuvo nominaciones al Globo de Oro como mejor comedia o musical, al BAFTA por su guion y ganó el premio del Sindicato de Guionistas al mejor guion adaptado de comedia.

Junto con las películas de los Monty Python, la cinta fijó las coordenadas del humor absurdo moderno, apoyándose en la tradición anárquica de títulos como Sopa de ganso, que ya había demostrado que los géneros más solemnes podían convertirse en campo de minas cómico. Aterriza como puedas se ríe de la cotidianidad –un café, un manual de vuelo, una conversación trivial– y la empuja hasta convertirla en caricatura, en un universo donde lo “normal” es precisamente lo primero que salta por los aires.

Sinopsis de “Aterriza como puedas”

El vuelo 209 de la Trans American despega de Los Ángeles con destino a Chicago. Entre los pasajeros viajan misioneros, ancianos, niños, un jugador de baloncesto famoso, una pareja en crisis y un ex piloto de combate con miedo a volar, Ted Striker, que intenta reconquistar a su ex, la azafata Elaine Dickinson.[8][1]

Tras una intoxicación alimentaria, la tripulación cae indispuesta y el avión se queda prácticamente sin nadie capaz de tomar los mandos. Ted, traumatizado por su pasado en combate, es el único que puede intentar aterrizar la nave con la ayuda de Elaine, del controlador McCroskey desde tierra y de un doctor de gesto inmutable, el inolvidable Dr. Rumack. Sobre esta premisa absolutamente seria, la película construye una orgía de situaciones imposibles, chistes físicos, diálogos delirantes y una galería de personajes que van del patetismo al surrealismo sin pedir perdón.

Enlaces de “Aterriza como puedas”

Ficha

https://www.filmaffinity.com/es/film445878.html

Tráiler

El género spoof, Zero Hours! y las películas de catastrofes de los 70s

El género spoof es la vertiente más extrema de la parodia cinematográfica: toma tramas, personajes y clichés de películas reconocibles y los reproduce casi al calco para deformarlos con humor absurdo, chistes a bocajarro y una acumulación de gags que desactiva la seriedad del original. En el caso de Aterriza como puedas (Airplane!, 1980), el molde argumental viene prácticamente entero de Zero Hour! (1957), un drama aéreo en el que la intoxicación alimentaria de pasajeros y tripulación obliga a un piloto traumatizado por la guerra a volver a tomar los mandos, hasta el punto de que muchos diálogos y escenas se repiten casi palabra por palabra, solo que cambiando la interpretación grave por un tono completamente disparatado. Sobre esa base, la película funciona también como burla del cine de catástrofes de los 70, especialmente de la saga Aeropuerto (desde Airport, 1970, y sus secuelas como Aeropuerto 75), que fijó el modelo del reparto coral, el accidente inminente y el suspense en cabina y torre de control; Aterriza como puedas mantiene todos esos elementos de melodrama aéreo, pero los convierte en una sucesión frenética de chistes que dinamitan, con cariño y crueldad a la vez, los códigos solemnes del género.

Los gags más políticamente incorrectos de Airplane

Ver hoy Aterriza como puedas es entrar en una zona de turbulencias morales donde el humor “incorrecto” deja de ser etiqueta cool y se convierte en campo de análisis. No todo lo que incomoda es valiente, ni todo lo que ha envejecido mal fue alguna vez brillante: algunos chistes apuntan al género y a sus solemnidades; otros, directamente, se apoyan en estereotipos que hoy leemos con mucha menos paciencia.

El interrogatorio al niño en la cabina

Qué es: Joey, un niño, entra en la cabina y el copiloto entabla con él una conversación en apariencia amable que rápidamente deriva en una serie de preguntas llenas de insinuaciones sexuales: sobre “hombres desnudos”, “vestuarios”, “gladiadores” o “prisiones turcas”. La comicidad se construye a partir de la incomodidad y del equívoco: un adulto diciendo lo indecible con sonrisa cordial.

Por qué hoy chirría: en 1980 se podía leer como humor incómodo y algo gamberro; en 2026, el subtexto es imposible de esquivar. Lo que escuchamos roza el acoso verbal a un menor, envuelto en la coartada del chascarrillo veloz. El gag nos obliga a ver cómo la sexualización infantil se usaba como combustible cómico sin apenas filtro.

Qué revela de la época: cierta tolerancia a usar lo sexual como broma universal, incluso cuando el encuadre ético es turbio. La infancia se convierte en disfraz para contenidos adultos: si lo dice un niño, se relativiza el impacto.

La niña del café: “Lo tomo negro… como a mis hombres”

Qué es: en la cabina de pasajeros, una niña recibe una taza de café y responde, con aplomo adulto, que lo toma negro “como a mis hombres”. La escena dura un suspiro, el avión sigue su curso y el gag se pierde entre otras veinte bromas.

Por qué hoy chirría: el chiste opera en dos frentes. Por un lado, sexualiza a una menor, cuya gracia reside en hablar como si fuera una mujer experimentada en clave de seducción. Por otro, utiliza la raza como ingrediente rápido, no para pensar el racismo sino para explotarlo como guiño picante de sobremesa.

Qué revela de la época: esa confianza casi ciega en que “si lo dice un niño es gracioso”, aunque el contenido sea impropio, y en que los marcadores raciales pueden usarse como recurso cómico sin grandes consecuencias.

La escena del “jive” subtitulado

Qué es: dos pasajeros negros conversan en “jive”, una jerga asociada a una comunidad concreta, mientras los personajes blancos no entienden nada; entra en escena una señora blanca que asegura “hablar jive” y el diálogo se “traduce” mediante subtítulos blanquísimos, de tono casi sitcom de los 50.

Por qué hoy chirría: el gag convierte una forma de habla en pantomima, en lengua “exótica” cuya mera existencia se vuelve chiste. El dispositivo cómico funciona desde una mirada que trata ese lenguaje como raro, ininteligible, útil solo como detonante de risa. En términos contemporáneos, roza la apropiación y el estereotipo.

Matiz importante: hay lecturas que sostienen que la broma apunta a la torpeza del mainstream blanco más que al habla negra, subrayando que quienes quedan en evidencia son los que no entienden nada. Esa defensa existe, pero no anula el hecho de que el efecto cómico dependa de una caricatura.

El chiste del aborto

Qué es: en medio del caos general, aparece un gag en torno al aborto mencionado como alternativa “sensata” en un cruce de diálogos: el tema entra, golpea como remate y desaparece sin desarrollo ni contexto. El procedimiento es claro: se toma un asunto inflamable y se utiliza como punchline de shock.

Por qué hoy chirría: los debates sobre derechos reproductivos, coerción, trauma y autonomía corporal han ganado visibilidad y densidad en estas décadas. En ese marco, la broma se percibe como una banalización de un conflicto íntimo y político que difícilmente cabe en una frase lanzada al vuelo.

Qué revela de la época: una cultura del “todo vale” en buena parte de la comedia mainstream, en la que lo tabú se usa como chispa antes que como materia de reflexión.

Otto, el piloto automático hinchable

Qué es: el piloto automático del avión resulta ser un muñeco hinchable, Otto, que se activa inflándolo; la película explota la idea con humor físico y una batería de insinuaciones sexuales, incluyendo toqueteos y gag final con la “pareja” de Otto.

Por qué hoy chirría: el muñeco convierte literalmente el cuerpo en objeto, y la aparición de su compañera refuerza la mirada de una sexualidad de gag rápido, muy masculina, donde la dignidad y el consentimiento desaparecen tras la coartada de que “solo es un hinchable”. Precisamente por eso muchos de estos chistes se leen hoy como producto de su tiempo, fósiles de una manera de entender el deseo y el cuerpo que ha quedado en evidencia.

Conclusión sobre los gags

Estos ejemplos que hemos señalado muestran cómo Aterriza como puedas funciona hoy también  como documento histórico además de simple comedia. La película revela una época en la que la risa mainstream se construía sin apenas freno a partir de cuerpos, razas, infancia y sexualidad, usando lo tabú como combustible rápido sin preguntarse demasiado por el coste simbólico. Los gags del niño en la cabina o de la niña del café exhiben una naturalización de la sexualización infantil; la escena del “jive” se apoya en una mirada blanca que convierte una forma de habla negra en objeto de exotización; el chiste del aborto reduce un conflicto político y emocional complejo a un fogonazo de shock; y Otto condensa una visión profundamente objetualizadora del cuerpo y del deseo. Nada de esto “anula” la potencia cómica, ni borra su importancia en la historia del spoof, pero sí obliga a desplazar la pregunta: ya no es solo “¿de qué nos reímos?”, sino “¿a costa de quién?” y “qué parte de esa risa dependía de estructuras de poder y cegueras culturales que hoy vemos con mucha más nitidez”.

La película, con el transcurso de los años, se ha convertido en una privilegiada herramienta para pensar en los límites del humor. Nos habla de quien tenía derecho a bromear, sobre qué y quién quedaba en el lado del golpe.

Los temas del coloquio

Podemos considerar que el tema central sobre el que nos habla Aterriza como puedas es la naturaleza del humor absurdo y del spoof: cómo se puede dinamitar un género entero desde dentro, manteniendo intactos sus códigos visuales y narrativos mientras se desarma su solemnidad a golpe de gag. A partir de ahí, se abren varias líneas de conversación: el humor “incorrecto”, el deadpan (“chistes con cara de poker”) como arma cómica, el papel del doblaje y la traducción, y la herencia de esta película en el cine de comedia posterior.

El humor “incorrecto”: ¿transgresión o pereza?

Cuando se dice que Aterriza como puedas es “poco políticamente correcta”, conviene afinarlo un poco más. Hay chistes que apuntan a estructuras de poder y a la rigidez de los géneros –se ríen del cine de catástrofes, de la masculinidad heroica, de la épica de manual– y otros que se sostienen en estereotipos raciales, sexuales o de género que hoy resultan, como mínimo, incómodos. No todo lo que ofende es valiente, ni todo lo que envejece mal era genial.

¿Qué gags te parecen “intocables” por su ingeniería cómica, y cuáles te sacan de la película por su enfoque?
¿Hasta qué punto el contexto histórico explica un chiste… y hasta qué punto solo lo excusa?
¿La corrección política limita el humor o lo obliga a ser más inteligente?

El deadpan como arma: actores serios diciendo barbaridades

Uno de los grandes hallazgos del film es su reparto: rostros asociados a registros serios –Leslie Nielsen, Robert Stack, Lloyd Bridges, Peter Graves– diciendo barbaridades con la solemnidad de un parte de guerra. El humor nace de la colisión entre lo que se dice y cómo se dice: la película imita la textura dramática del cine de desastres, pero vacía de gravedad sus diálogos.

¿Por qué funciona mejor el chiste cuando el actor lo hace desde la seriedad en vez de la simpatía?
¿Qué diferencia hay entre humor absurdo y humor tonto?
¿Hasta qué punto el deadpan ha influido en comedias posteriores que imitan esta seriedad desquiciada?

Traducción y doblaje: el chiste que muta

En una comedia tan dependiente del juego verbal, el doblaje y la traducción se convierten en campo de minas: hay bromas intraducibles, juegos de palabras que se reinventan y referencias culturales que viajan mal. El doblaje español de Aterriza como puedas, muy querido por parte del público, casi configura una película paralela, con sus propias ocurrencias y modulaciones.

¿Qué chistes sobreviven mejor: los visuales o los verbales?
¿Hay momentos en los que el doblaje español “mejora” el chiste original, o simplemente crea otros nuevos?
¿Crees que en una película como esta es preferible verla en VOSE o en doblaje, y por qué?

Otras cuestiones acerca de la película

Los actores principales

  • Robert Hays como Ted Striker, ex piloto de combate con trauma y miedo a volar, convocado de nuevo al mando en la peor situación posible.[11][1]
  • Julie Hagerty como Elaine Dickinson, azafata y ex pareja de Ted, decidida a salvar el vuelo mientras lidia con la neurosis de su antiguo amor.[13][11]
  • Leslie Nielsen como el Dr. Rumack, médico de gesto imperturbable cuya seriedad absoluta se convierte en uno de los motores cómicos de la película.[2][11]
  • Reparto coral que incluye, entre otros, a Kareem Abdul-Jabbar, Lloyd Bridges, Peter Graves, Robert Stack y Barbara Billingsley, todos ellos puestos al servicio del disparate con una entrega demoledora.[13][1]

¿Cuándo se estrenó la película?

La película se estrenó en 1980, en plena fiebre por el cine de catástrofes y con el recuerdo fresco de la saga Airport, que había marcado la década anterior. Aquello que parecía un producto menor y gamberro acabó entrando en listas de “mejores comedias de la historia” y, con el tiempo, fue seleccionada para preservación en el National Film Registry de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos por su relevancia cultural y estética.

Premios y reconocimientos

Aterriza como puedas fue reconocida por la industria y por la crítica:

  • Nominación al Globo de Oro a la mejor película (Comedia o musical).
  • Nominación al BAFTA al mejor guion.
  • Premio del Sindicato de Guionistas de América (WGA) al mejor guion adaptado de comedia.
  • Inclusión en el National Film Registry en 2010, como obra de especial importancia histórica.

La música de la película

La banda sonora corre a cargo de Elmer Bernstein, compositor asociado habitualmente a dramas y películas serias, que aquí decide tomarse la comedia completamente en serio. Su partitura suena como si estuviera acompañando un drama aeronáutico respetable: fanfarrias, tensión, clímax orquestales, todo al servicio de una historia que, en realidad, se dedica a dinamitar el género.[2]

Esa seriedad musical amplifica el absurdo: cuanto más épica suena la orquesta, más claro queda que lo que vemos es un avión lleno de gags, un desastre que no deja de ser un parque temático del disparate.

Punto de encuentro y planning de la velada

El punto de encuentro será en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) el próximo martes a las 19:30h.

Las veladas se dividirán en tres partes. La primera media hora la dedicaremos a tomar algo, a presentar la película y a conocernos. Después a las 20:00h tendremos la proyección. Todas las proyecciones se realizan en VOSE. Para finalizar tendremos un coloquio que durará hasta las 23:00h.

¿Cómo será el coloquio?

Los encuentros son participativos y queremos conocer vuestra opinión para que se pueda generar un debate abierto y constructivo. No es necesario conocimiento de cine para participar y es más, huimos del conversador pedante ya que para ellos tenemos a la wikipedia. ¡Queremos que cada martes seamos capaces de generar algo fantástico y diferente!. ¡Queremos saber lo que sientes y que seas capaz de contarlo!

A partir del tema de discusión y de lo visto en la película, las historias personales son bienvenidas y además, son una buena forma de dar a conocer lo que pensamos y lo que sentimos. ¡Nuestro deseo es que participes y seas activo!

Cine y el debate siempre van de la mano, y por eso queremos que te hagas fan de nuestro conejo blanco con un solo ojo.

¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas

El coste de inscripción a la sesión de debate y coloquio es de 5€

Reservar por whatsapp en cualquiera de estos números

Ángel (https://wa.me/+34640743115)

María (https://wa.me/+3463063998)

Las plazas son muy limitadas

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Cine Debate con (500) Days of Summer. Expectativas y realidad en el amor romántico.

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Entradas al cine debate / Plan de Meetup

  1. Acerca de (500) Days of Summer
    1. Sinopsis de (500) Days of Summer
    2. Los temas del coloquio
    3. Expectativas, idealización y narrador poco fiable
    4. Amor romántico, cine y cultura pop
    5. Duelo, aprendizaje y “final feliz”
    6. Otras cuestiones acerca de la película
      1. Director, guion y reparto
      2. ¿Cuándo se estrenó la película?
      3. Premios y recepción
      4. La música de la película
  2. Punto de encuentro y planning de la velada
  3. ¿Cómo será el coloquio?
  4. ¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas
  5. ¿Cómo hacer las reservas y pagos a Happening Madrid de cada una de las experiencias?
  6. ¿Qué es Happening Madrid?
  7. ¿Cómo apuntarte a nuestras experiencias? Los enlaces

Este próximo martes en nuestro cine debate “Un Conejo con Ojo” veremos la singular (500) Days of Summer, ópera prima del director estadounidense Marc Webb, en nuestro cine fórum semanal “Un conejo con ojo” en Big Tree Books. Esta película melancólica juega con el espectador y desmonta la típica comedia romántica colocándonos dentro de la cabeza de Tom, un joven que confunde el enamoramiento con el destino y el mito del alma gemela con la realidad compleja de las relaciones. A través de una narración no lineal vamos saltando adelante y atrás en los 500 días que dura su historia con Summer, viendo cómo sus expectativas chocan una y otra vez con lo que realmente ocurre.

(500) Days of Summer se estrenó en 2009 y está protagonizada por Joseph Gordon‑Levitt y Zooey Deschanel, quienes dan vida a Tom Hansen y Summer Finn con una química tan magnética como contradictoria. Desde entonces se ha convertido en una película de culto por su forma de hablar del amor, del desamor y de la necesidad de reconstruirse, con una banda sonora muy presente que homenajea a The Smiths y un uso muy creativo del montaje y la voz en off.

(500) Days of Summer no es una historia de amor, sino una historia sobre cómo miramos el amor, cómo lo idealizamos y cómo aprendemos (o no) de lo que nos ocurre.

Un conejo con ojo es un cine debate organizado por Big Tree Books y Happening Madrid para las tardes de los martes desde el corazón más castizo de Madrid. Unas veladas para disfrutar del cine y hacerlo pensando y dialogando. Hazte fan de nuestro conejo blanco con un solo ojo.

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Acerca de (500) Days of Summer

En (500) Days of Summer (2009), el director Marc Webb construye un relato fragmentado y lleno de idas y venidas temporales a partir del recuerdo de Tom, un joven que trabaja escribiendo felicitaciones y que está convencido de que solo será feliz cuando encuentre al amor de su vida. La película arranca con una advertencia clara del narrador: “Ésta es una historia de chico conoce a chica, pero no es una historia de amor”, marcando desde el principio el juego con las expectativas del espectador.

La estructura no lineal nos permite ver la relación en distintos momentos, yuxtaponiendo días luminosos con días sombríos, lo que desmonta la ilusión romántica de Tom y nos hace tomar conciencia de sus proyecciones sobre Summer. Summer, por su parte, es una joven que dice abiertamente que no cree en el amor con mayúsculas ni en las etiquetas de pareja, pero aun así acepta embarcarse en una relación ambigua con él. Entre ambos se despliega un recorrido que mezcla humor, dolor, autoconocimiento y una mirada generacional muy ligada a la cultura pop, la música indie y la cinefilia.

Sinopsis de (500) Days of Summer

Tom Hansen es un arquitecto frustrado que trabaja escribiendo tarjetas de felicitación y que vive convencido de que el destino le tiene reservada a “la elegida”. Cuando llega a la oficina Summer Finn, la nueva asistente de su jefe, Tom siente que por fin ha encontrado esa señal que llevaba años esperando: comparten gustos musicales, sensibilidad y una forma aparentemente similar de entender el mundo.

La película nos muestra, a saltos, momentos de felicidad y de ruptura: citas, paseos, noches de karaoke, discusiones en un bar, silencios incómodos y, finalmente, la separación. Mientras Tom insiste en leer la relación como una gran historia romántica, Summer le recuerda desde el principio que no quiere “algo serio”, que no cree en los finales de cuento ni en las etiquetas. Tras la ruptura, Tom se hunde, revisa una y otra vez los recuerdos y, a través de ese proceso, empieza a cuestionar no solo lo que ocurrió con Summer, sino también su idea misma del amor y de sí mismo.

El film culmina con un giro irónico cuando Tom, ya encaminado hacia una vida más acorde con su vocación de arquitecto, conoce a otra chica… llamada Autumn, cerrando el círculo con un guiño entre lo esperanzador y lo ambiguo.

Los temas del coloquio

Podemos considerar que el tema central de (500) Days of Summer es el choque entre expectativa y realidad en las relaciones afectivas. La película muestra cómo Tom proyecta sobre Summer una fantasía de alma gemela, construida a partir de canciones, películas (“malinterpretación” de El graduado incluida) y clichés románticos, mientras ignora lo que ella le está diciendo de forma directa. Así, el film funciona casi como un espejo incómodo de la idealización: nos invita a preguntarnos cuánto de lo que vivimos tiene que ver con la otra persona y cuánto con nuestro propio guion interno.

Junto a este eje principal, la película explora otros temas: la diferencia de expectativas en una misma relación, el papel de la cultura pop en la construcción del amor romántico, la dificultad de aceptar un “no es para tanto” donde esperábamos un “para siempre” y el proceso de duelo y reconstrucción personal tras una ruptura. También propone una mirada interesante sobre la perspectiva: casi todo lo vemos desde la visión sesgada de Tom, lo que convierte a Summer en un personaje parcialmente inaccesible, leído desde sus deseos y frustraciones.

Como preguntas generales que nos podemos hacer después de ver la película, te propongo:

  • ¿Cómo ves la relación entre Tom y Summer? ¿Crees que alguna vez están realmente en la misma página o siempre están en historias distintas dentro de la misma relación?
  • El narrador insiste en que “no es una historia de amor”. ¿Estás de acuerdo o te parece que sí lo es, pero de otro tipo (amor propio, amor maduro, etc.)?
  • La secuencia de “expectativas vs. realidad” en la fiesta es uno de los momentos clave de la película. ¿Qué te hizo sentir? ¿Te has visto alguna vez en una situación parecida?
  • ¿Consideras que Tom es un romántico “inocente” o ves también comportamientos tóxicos en su manera de aferrarse a una historia que ya no existe?
  • ¿Te parece que la película “culpa” a Summer o, por el contrario, intenta desmontar la figura de la chica idealizada y devolverle su complejidad?

Expectativas, idealización y narrador poco fiable

Uno de los puntos más interesantes del film es cómo usa el montaje, la voz en off y la estructura de los 500 días para mostrarnos un narrador poco fiable: casi todo lo que vemos está filtrado por la memoria de Tom. Eso nos lleva a preguntarnos hasta qué punto estamos ante “lo que pasó” o ante “lo que él recuerda/cree que pasó”. Las mismas escenas pueden verse primero como momentos mágicos y, al revisarlas más tarde, como señales de que algo no iba bien (gestos de desinterés, silencios, cambios de tono).

Preguntas posibles para el debate:

  • ¿En qué escenas notas más claramente que la película está contada desde el punto de vista de Tom y no de forma “objetiva”?[4]
  • Si la historia estuviera narrada desde el punto de vista de Summer, ¿cómo crees que cambiaría? ¿La veríamos como más coherente y menos “cruel”?[7][6]
  • ¿Qué te sugiere la decisión de jugar con la cronología (ir y venir entre días felices y tristes) en tu manera de empatizar con los personajes?

Amor romántico, cine y cultura pop

(500) Days of Summer dialoga continuamente con otras películas, con canciones y con el imaginario de las comedias románticas clásicas. Tom ha construido su visión del amor a partir de esas referencias, lo que le lleva a leer su historia como un guion predestinado en lugar de como una relación concreta, con sus límites y contradicciones.

Más preguntas para el coloquio:

  • ¿Qué papel crees que juegan la música y las citas cinéfilas en la construcción de la relación de Tom y Summer? ¿Refuerzan el vínculo o lo distorsionan?
  • La película critica, en cierto modo, las comedias románticas… pero utiliza muchos de sus recursos formales (montajes musicales, voz en off, humor, finales “cerrados”). ¿Te parece coherente esta paradoja?
  • ¿Hasta qué punto la cultura pop influye en cómo esperamos que sea una relación? ¿Te reconoces en ese tipo de influencias?

Duelo, aprendizaje y “final feliz”

El tramo final de la película se centra más en Tom después de Summer: su crisis, su caída a lo más hondo y su decisión de reenfocar su vida hacia la arquitectura y hacia una manera más realista de entender el amor. El encuentro posterior con Summer, ya casada, sirve como espejo de todo el recorrido: lo que para él fue una historia destinada a durar para siempre, para ella fue una relación importante pero situada en un momento concreto de su vida.

Algunas preguntas posibles:

  • ¿Crees que Tom realmente aprende algo de lo que le ocurre o simplemente se consuela con la aparición de Autumn?
  • ¿Ves el final como optimista, cínico o irónico? ¿Qué te sugiere ese juego de nombres “Summer/Autumn”?
  • ¿Sientes que la película invita a revisar nuestras ideas sobre el “final feliz” o se queda en una variación ingeniosa de la fórmula romántica?

Otras cuestiones acerca de la película

Director, guion y reparto

  • Director: Marc Webb, en su debut en el largometraje, después de una carrera previa ligada al videoclip, algo que se nota en el ritmo, el uso de la música y ciertos recursos visuales.
  • Guion: Scott Neustadter y Michael H. Weber, que construyen una estructura en 500 días no cronológicos, jugando con la reiteración y el contraste.
  • Tom Hansen: Joseph Gordon‑Levitt, que encarna a un protagonista vulnerable, idealista y, a veces, ciego ante la realidad que tiene delante.
  • Summer Finn: Zooey Deschanel, que da vida a una figura enigmática y carismática, más compleja de lo que el propio Tom está dispuesto a admitir.
  • Aparecen también Chloë Grace Moretz como la hermana pequeña de Tom, que funciona como una especie de conciencia crítica, y pequeños papeles como el de Minka Kelly (Autumn).

https://www.filmaffinity.com/es/film917377.html

¿Cuándo se estrenó la película?

La película se estrenó en 2009, presentándose en festivales como Sundance y consolidándose rápidamente como una de las comedias románticas “alternativas” más comentadas de su década.

Premios y recepción

(500) Days of Summer obtuvo un notable éxito de crítica y fue nominada, entre otros reconocimientos, a dos Globos de Oro (Mejor película – comedia o musical y Mejor actor de comedia/musical para Joseph Gordon‑Levitt). Además, figura con frecuencia en listas de películas que renovaron el género romántico al introducir una mirada más ambivalente y autoconsciente sobre el amor.[8][7][2]

La música de la película

La banda sonora de (500) Days of Summer es un elemento clave en la construcción del tono y de la relación entre los protagonistas, con temas de grupos como The Smiths, Regina Spektor o Wolfmother, entre otros. Una escena muy recordada es aquella en la que Tom y Summer conectan por su amor compartido a The Smiths, que funciona casi como “señal” de afinidad romántica dentro del universo cultural indie de la época.[8][4][2]

Podemos también abrir preguntas sobre esto:

  • ¿Qué canciones o momentos musicales de la película se te quedaron más grabados? ¿Por qué?
  • ¿Crees que la banda sonora refuerza la idealización de Tom o ayuda a matizarla?

Punto de encuentro y planning de la velada

El punto de encuentro será en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) el próximo martes a las 19:30h.

Las veladas se dividirán en tres partes. La primera media hora la dedicaremos a tomar algo, a presentar la película y a conocernos. Después a las 20:00h tendremos la proyección. Todas las proyecciones se realizan en VOSE. Para finalizar tendremos un coloquio que durará hasta las 23:00h.

¿Cómo será el coloquio?

Los encuentros son participativos y queremos conocer vuestra opinión para que se pueda generar un debate abierto y constructivo. No es necesario conocimiento de cine para participar y es más, huimos del conversador pedante ya que para ellos tenemos a la wikipedia. ¡Queremos que cada martes seamos capaces de generar algo fantástico y diferente!. ¡Queremos saber lo que sientes y que seas capaz de contarlo!

A partir del tema de discusión y de lo visto en la película, las historias personales son bienvenidas y además, son una buena forma de dar a conocer lo que pensamos y lo que sentimos. ¡Nuestro deseo es que participes y seas activo!

Cine y el debate siempre van de la mano, y por eso queremos que te hagas fan de nuestro conejo blanco con un solo ojo.

¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas

El coste de inscripción a la sesión de debate y coloquio es de 5€

Reservar por whatsapp en cualquiera de estos números

Ángel (https://wa.me/+34640743115)

María (https://wa.me/+3463063998)

Las plazas son muy limitadas

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¿Qué es Happening Madrid?

¿Cómo apuntarte a nuestras experiencias? Los enlaces

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Cine Debate con Hierro 3. Del amor invisible y silencioso

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Entradas al cine debate / Plan de Meetup

  1. Acerca de “Hierro 3”
    1. Sinopsis de Hierro 3
    2. Enlaces de Hierro 3
      1. Ficha
      2. Tráiler
  2. Los temas del coloquio
    1. La violencia de género y las relaciones abusivas
    2. Hierro 3 y su significado en la película. Lo relegado e insignificante
    3. Las casas vacías
    4. El ser solitario. El que no se ve
  3. Otras cuestiones acerca de la película
    1. Los actores principales
    2. ¿Cuándo se estrenó la película?
    3. Premios y reconocimientos
    4. La música de la película
  4. Punto de encuentro y planning de la velada
  5. ¿Cómo será el coloquio?
  6. ¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas
  7. ¿Cómo hacer las reservas y pagos a Happening Madrid de cada una de las experiencias?
  8. ¿Qué es Happening Madrid?
  9. ¿Cómo apuntarte a nuestras experiencias? Los enlaces

Este próximo martes en nuestro cine debate “Un Conejo con Ojo” veremos la magistral Hierro 3 del director coreano Kim Ki-duk en nuestro cine fórum semanal Un Conejo con Ojo. Esta película del silencio, con muy pocos diálogos, más que hablar nos muestra cosas. Nos muestra otras formas de existir, relacionarse y amar. Nos pone ante nuestros ojos la barbaríe de las relaciones abusivas y sus consecuencias. Con una enorme fuerza visual nos hace ensoñar y como espectadores tenemos que explicar la historia que vemos en pantalla. Nos obliga a participar activamente en ese transcurrir.

Hierro 3 el año 2004 ganó el premio al mejor director en el festival de Venecia y el premio a la mejor película en el festival de Valladolid.

Hierro 3 no invita a reflexionar sobre el sentido de la posesión y de la pertenencia, el vacío y la capacidad de conectar con los demás de maneras distintas e insospechadas mientras revisitamos la soledad, el amor no convencional, la comunicación mas allá de las palabras dentro de un universo visual hipnótico y minimalista.

Un conejo con ojo es un cine debate organizado por Big Tree Books y Happening Madrid para las tardes de los martes desde el corazón más castizo de Madrid. Unas veladas para disfrutar del cine y hacerlo pensando y dialogando. Hazte fan de nuestro conejo blanco con un solo ojo.

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Acerca de “Hierro 3”

En Hierro 3 (2004), el director corenao Kim Ki-duk teje una historia de silencios que hablan más alto que cualquier palabra, de amores invisibles que desafían las normas y de vidas marginales que encuentran su sentido. El título está inspirado en el palo de golf hierro 3, que es el que menos se utiliza, a modo de eco de sus personajes que son almas perdidas que transitan por un mundo que las ignora. Almas ignoradas y sutiles que sin embargo, dejan una impronta imborrable. La historia de Tae-suk y  Sun-hwa protagonizadas por Jae Hee y Lee Seung-yeon se estrenó en el Festival de Venecia en donde ganó el León de Plata y cautivó con su poesía visual.

Hierro 3 es una de las obras más conocidas y valoradas de Kim Ki-duk, siendo muy apreciada por su poesía visual y su capacidad de transmitir emociones profundas sin el uso de la palabras. Es una referencia del cine de autor y de su manera de tratar temas universales como el amor y la libertad de una manera tan única.

Sinopsis de Hierro 3

Tae-suk es un joven que lleva una vida fuera de lo común. Su rutina consiste en ocupar temporalmente viviendas ajenas cuando sabe que sus propietarios están ausentes. No roba ni daña los hogares; por el contrario, deja una huella casi invisible: duerme en camas que no le pertenecen, come un poco de lo que encuentra en las neveras y devuelve el gesto de esta hospitalidad involuntaria reparando pequeños desperfectos o haciendo la colada. Es como un fantasma que pasa desapercibido, dejando los espacios incluso mejores de cómo los encontró.

Sun-hwa, en cambio, vive atrapada en un matrimonio que la ha reducido a una sombra de lo que era. Antaño una hermosa modelo, ahora está confinada en una lujosa prisión bajo el control de un marido abusivo. Su existencia está marcada por el silencio y el dolor, en una casa tan fría como los lujos que la adornan.

Cuando Tae-suk entra en la casa de Sun-hwa, sus mundos chocan y, al mismo tiempo, se entrelazan. Sin palabras, reconocen en el otro un alma gemela. Unidos por un vínculo invisible pero profundo, comienzan un viaje juntos, compartiendo una existencia que desafía las normas convencionales. Como figuras etéreas, se mueven por el mundo sin dejar huellas, aceptando en silencio su destino peculiar y extraño, donde el amor y la libertad se entrelazan de manera poética.

Enlaces de Hierro 3

Ficha

https://www.filmaffinity.com/es/film477052.html

Tráiler

Los temas del coloquio

Podemos considerar que el tema principal sobre el que no habla la película “Hierro 3” es la conexión y comunicación humana más allá de las palabras y las normas convencionales. En la trama podemos ver como dos almas pueden encontrarse y complementarse en medio de la soledad, el dolor y el vacío existencial. La película aborda el amor como un vínculo silencioso, casi místico, y reflexiona sobre cómo los seres humanos pueden escapar de las estructuras sociales y emocionales opresivas para encontrar una forma de libertad personal y espiritual

Y junto a este tema principal camina la sombre de las relaciones abusivas y la violencia de género que invisibilizan a las personas que lo sufren.

Como preguntas generales que nos podemos después de ver el filme están las siguientes:

¿Qué opinas de la relación entre Tae-suk y Sun-hwa? ¿Crees que su conexión es más poderosa al desarrollarse sin palabras?

En un mundo donde el lenguaje es tan importante, ¿es posible construir relaciones significativas a través de gestos y miradas como lo hacen los protagonistas?

¿Cómo interpretas el silencio entre los personajes? ¿Es un refugio, una limitación, o una forma superior de comunicación?

¿Crees que la película propone un modelo de amor ideal o simplemente muestra una excepción dentro de la sociedad?

¿Cómo interpreta la película el impacto de la violencia de género en la vida de Sun-hwa?

La violencia de género y las relaciones abusivas

La violencia doméstica, como un viento invisible pero implacable, se filtra entre las paredes de las casas, de la intimidad. De esa intimidad en donde irrumpe nuestro protagonista Tae-Suk. La violencia en la intimidad del hogar y el abuso van sofocando poco a poco a quienes la padecen hasta despojarlas de su esencia. En Hierro 3, Kim Ki-duk aborda este tema desde una perspectiva sutil y silenciosa, pero profundamente conmovedora. Sun-hwa, la protagonista, vive atrapada en una cárcel dorada, un hogar lleno de lujos que no protege, sino que aísla. Su marido, a la vez opresor y amo de ese espacio, utiliza el control como una herramienta de poder, relegándola a una sombra de sí misma, un espectro de lo que alguna vez fue, esa bella modelo.

Hay un contraste entre la opulencia de su entorno y la emocional en la que se encuentra sumida. Sun-hwa no solo está prisionera de su matrimonio, sino también de una sociedad que ignorar su sufrimiento. La violencia que la asfixia no necesita gritos constantes ni golpes visibles; es el silencio impuesto, la mirada evasiva y la soledad forzada. En la quietud de su existencia, el abuso se convierte en un eco interminable que le recuerda su pérdida de libertad.

Cuando Tae-suk irrumpe en su vida, lo hace como un fantasma que trae consigo una brisa fresca, casi imperceptible, pero capaz de cambiarlo todo. No hay palabras entre ellos, pero tampoco las necesitan. En su conexión silenciosa, Sun-hwa redescubre algo que creía perdido: la sensación de ser vista, entendida y valorada. Mientras su marido utiliza el silencio como un arma de control, Tae-suk lo convierte en un refugio, un espacio de libertad donde ella puede respirar sin miedo.

Kim Ki-duk no muestra un enfrentamiento directo ni una liberación heroica, porque el abuso rara vez permite resoluciones simples. La transformación de Sun-hwa es interna, casi imperceptible, como una flor que comienza a abrirse tras un largo invierno. En la no hay respuestas fáciles pero, gracias a su poesía visual y exploración de los silencios nos muestra un camino para ser libres.

Las preguntas que nos podemos hacer sobre este tema podrían ser las siguientes

¿Qué te transmite la transformación de Sun-hwa a lo largo de la trama?
¿Qué simboliza la casa lujosa donde vive Sun-hwa? ¿Es un espacio de protección o una prisión?
Kim Ki-duk aborda la violencia de género de forma sutil ¿Crees que este enfoque es efectivo?
¿Cómo se representa la invisibilidad de las víctimas de violencia de género a través del personaje de Sun-hwa?
El silencio en la relación de Sun-hwa con su marido contrasta con el silencio en su relación con Tae-suk. ¿Qué diferencia hay entre estos dos tipos de silencio?
¿Qué crítica crees que hace la película hacia las estructuras sociales que perpetúan las relaciones abusivas?
¿Por qué crees que las dinámicas de control y abuso son tan difíciles de visibilizar en la sociedad?
En la película, el abuso parece «normalizado» en el entorno de Sun-hwa. ¿Qué nos dice esto sobre cómo la sociedad trata la violencia de género?
¿Cómo interpreta cada uno la liberación de Sun-hwa? ¿Es completa o queda limitada por las circunstancias?
¿Qué papel juega la conexión con Tae-suk en su proceso de liberación? ¿Es él quien la salva, o ella misma encuentra su fortaleza?
¿Crees que la película da esperanza a las víctimas de violencia de género o se mantiene en una visión más realista?
¿Qué emociones o pensamientos te genera el tratamiento de las relaciones abusivas en Hierro 3?
¿Qué aspectos de la película te hicieron reflexionar sobre el impacto de la violencia de género en la vida de las personas?
¿Crees que el arte, como el cine, puede ayudar a visibilizar las relaciones abusivas y contribuir a su prevención?

Hierro 3 y su significado en la película. Lo relegado e insignificante

El palo de golf Hierro 3 es un símbolo de lo relegado e insignificante. En este deporte, el palo de hierro 3 es uno de los menos utilizados, considerado difícil de manejar y poco práctico para la mayoría de los jugadores. Se le ve como una herramienta que rara vez se elige, relegada a un segundo plano.

Tae-suk y Sun-hwa son, de alguna manera, como ese palo: marginados, invisibles, y considerados poco importantes por la sociedad.

La violencia en la película está muy asociada al palo de golf. El marido violento y abusador de Sun-hwa utiliza este palo de golf como arma de intimidación y control. Es un símbolo de violencia, opresión y abuso dentro de la película. Sin embargo, la transformación de este símbolo violento en un título poético es un reflejo de cómo la película trata los temas de dolor y sufrimiento, encontrando belleza  en medio de ellos.

¿Qué emociones te genera el uso del palo de golf en las escenas de abuso? ¿Cómo refuerza esto la narrativa sobre la opresión y el control?
¿Tae-suk y Sun-hwa son marginados e invisibles para la sociedad, al igual que el Hierro 3 lo es en el golf. ¿Qué crítica social crees que hace la película a través de esta metáfora?
¿Cómo transforma la película la percepción de lo «insignificante»?
 ¿Crees que los actos de Tae-suk y Sun-hwa logran darle un significado distinto a su existencia?
¿Qué nos enseña el simbolismo del Hierro 3 sobre el valor de las cosas (y personas) que la sociedad tiende a ignorar o menospreciar?

Las casas vacías

Si ves colgada propaganda en la cerradura de una puerta durante mucho tiempo es que esa casa está vacía: esta es la idea inicial sobre la que Kim Ki-duk fue pertreñando Hierro 3: La idea de un ser solitario que va ocupando casas vacías, pero no lo hace con intención de ocuparlas, sino que solo reposa brevemente dándoles calidez. Tampoco roba. A cambio él hace algo positivo por aquellos que viven allí: arregla algo, hace la colada, o cualquier otra acción positiva.

¿Qué crees que simbolizan las casas vacías en la película?
¿Representan soledad, desapego o una búsqueda de conexión? ¿Cómo crees que reflejan el estado emocional de Tae-suk y su forma de interactuar con el mundo?
¿Qué mensaje transmite Tae-suk al dejar las casas en mejor estado del que las encontró?
¿Es un acto de redención, una forma de comunicación o simplemente un reflejo de su deseo de dar algo positivo a un mundo que lo ignora?
¿Cómo cambia la percepción de «invadir» casas vacías cuando Tae-suk no roba ni daña, sino que cuida?
¿Crees que esto desafía nuestras ideas sobre la propiedad, el hogar y el significado de «pertenecer» a un espacio?

El ser solitario. El que no se ve

Solo un ser solitario pretendería vivir de esa forma. En el Catálogo de los Seres Imaginarios de Jorge Luis Borges aparece el llamado Esquivo. El Esquivo siempre está detrás de algo. Por más vueltas que diera un hombre, siempre lo tenía detrás y por eso nadie lo ha visto.

Es un ser que escapa constantemente a la percepción directa, lo que lo convierte en una metáfora del misterio, de lo que es inalcanzable o de lo que está oculto a la vista. La idea del Esquivo también puede interpretarse como una reflexión sobre la imposibilidad de conocer completamente algo o alguien, ya que siempre hay algo que permanece oculto, fuera del alcance de nuestra comprensión.

Este concepto de invisibilidad y ocultamiento tiene una fuerte resonancia con los temas de la identidad, la soledad y la evasión, que Borges explora a través de esta figura fantástica.

Las escenas que veréis en la película a este respecto os encantarán.

¿Cómo interpretas la relación entre Tae-suk y el concepto del Esquivo de Borges?
¿Crees que su vida errante y su forma de ser invisible reflejan una metáfora del Esquivo  de Borges, alguien que se oculta detrás de todo pero nunca es visto?
En la película, Tae-suk se mueve entre las casas sin dejar rastro. ¿Qué simboliza esta invisibilidad?
¿Es una forma de liberación o, por el contrario, una condena a la soledad y a la desconexión del mundo que lo rodea?
¿Cómo conecta la idea del Esquivo con el tema de la soledad y la búsqueda de identidad en Hierro 3?
¿Crees que la invisibilidad de Tae-suk es una manera de escapar de la sociedad o una forma de encontrar su verdadero ser?

Otras cuestiones acerca de la película

Los actores principales

Lee Seung-yeon como Sun-hwa: La mujer atrapada en un matrimonio abusivo que encuentra una nueva esperanza al conectar con Tae-suk.

Jae Hee como Tae-suk: El joven errante cuya vida silenciosa y desapegada le lleva a conectar con Sun-hwa.

Kwon Hyuk-ho como el esposo abusivo de Sun-hwa.

¿Cuándo se estrenó la película?

La película se estrenó el 7 de septiembre de 2004 en el Festival de Cine de Venecia, donde recibió una cálida acogida por su estilo único y su poderosa narrativa visual.

Premios y reconocimientos

Hierro 3 es una película aclamada internacionalmente y que ha ganado en varios festivales:

León de Plata a la Mejor Dirección en el Festival Internacional de Cine de Venecia (2004).
Premio FIPRESCI en Venecia por su audaz propuesta cinematográfica.
Premio a Mejor Película Asiática en el Festival de Cine de Bangkok (2005).
Gran Premio del Jurado en el Festival de Cine de Oporto, Fantasporto (2005).
Reconocimientos en festivales como los Blue Dragon Awards en Corea del Sur.

La música de la película

El tema musical central de Hierro 3 es una pieza instrumental titulada «Gafsa» de Natacha Atlas. Preciosa melodía que es recurrente a lo largo de la película y construye su atmósfera.

Natacha Atlas es una cantante egipcio-británica que es pionera en la fusión de la música árabe y del norte de áfrica con la electrónica.

El tema elegido para la película es del año 1997 y se grabó en el álbum Halim.

Aquí os dejo una completa ficha de este disco

https://www.discogs.com/es/release/114342-Natacha-Atlas-Halim

Gafsa es una ciudad de Túnez. La canción está cantada en árabe y es una bella canción de amor que dice lo siguiente

Soplaron los vientos del amor en mi mente
trayéndome el saludo del ser amado.
Soplaron los vientos del amor en mi mente
trayéndome el saludo del ser amado.

Me dice: «Vuelve, querido mío,
ven al encuentro, aunque seas un extraño».
Me dice: «Vuelve, querido mío,
ven al encuentro, aunque seas un extraño».

Le respondí: «Ella fue quien perturbó mi ser»,
y ella dijo: «Mi deseo está cumplido».
Le respondí: «Ella fue quien perturbó mi ser»,
y ella dijo: «Mi deseo está cumplido».

Apareció desde su alta torre
y dijo: «Tus palabras son extrañas».

Regresa, amor mío,
no tengo suerte en este mundo.
Eres mi amor, pero
no puedes ser legítimamente mío.

¡Ay, noche, oh mis ojos!
Regresa, amor mío,
no tengo suerte en este mundo.
Eres mi amor, pero
no puedes ser legítimamente mío.

¡Ay, noche!

Soplaron los vientos del amor en mi mente
trayéndome el saludo del ser amado.
Soplaron los vientos del amor en mi mente
trayéndome el saludo del ser amado.

Trayéndome el saludo del ser amado,
trayéndome el saludo del ser amado.

Punto de encuentro y planning de la velada

El punto de encuentro será en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) el próximo martes a las 19:30h.

Las veladas se dividirán en tres partes. La primera media hora la dedicaremos a tomar algo, a presentar la película y a conocernos. Después a las 20:00h tendremos la proyección. Todas las proyecciones se realizan en VOSE. Para finalizar tendremos un coloquio que durará hasta las 23:00h.

¿Cómo será el coloquio?

Los encuentros son participativos y queremos conocer vuestra opinión para que se pueda generar un debate abierto y constructivo. No es necesario conocimiento de cine para participar y es más, huimos del conversador pedante ya que para ellos tenemos a la wikipedia. ¡Queremos que cada martes seamos capaces de generar algo fantástico y diferente!. ¡Queremos saber lo que sientes y que seas capaz de contarlo!

A partir del tema de discusión y de lo visto en la película, las historias personales son bienvenidas y además, son una buena forma de dar a conocer lo que pensamos y lo que sentimos. ¡Nuestro deseo es que participes y seas activo!

Cine y el debate siempre van de la mano, y por eso queremos que te hagas fan de nuestro conejo blanco con un solo ojo.

¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas

El coste de inscripción a la sesión de debate y coloquio es de 5€

Reservar por whatsapp en cualquiera de estos números

Ángel (https://wa.me/+34640743115)

María (https://wa.me/+3463063998)

Las plazas son muy limitadas

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¿Cómo apuntarte a nuestras experiencias? Los enlaces

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UNA TARDE DE AMOR ENMASCARADO EN EL MERCADO DE ANTÓN MARTÍN

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El Mercado de Antón Martín presenta “La tarde de los Romances Enmascarados”: una celebración especial de San Valentín y carnaval con música romántica, bailes lentos y speed dating con antifaz. El jueves 12 de febrero, de 19:00 a 23:00, disfrutaremos de una sesión de música pinchada, varias actuaciones en directo y citas de 5 minutos en tres mesas preparadas para que puedas conocer gente nueva en un ambiente cuidado y divertido. Para organizar los turnos y compatibilidades, se solicitará una breve encuesta previa (gustos de música, cine, planes de ocio, rango de edad y preferencias). Recomendamos venir con antifaz; habrá algunos disponibles en el propio mercado.

  1. Tres actos para una noche fascinante
    1. ACTO I · Speed Dating Enmascarado (19:00–20:30)
    2. ACTO II · Concierto de María Honolulu & Friends (20:30–21:00)
    3. ACTO III · Baile romántico social (22:00–24:00)
  2. La dinámica de la tarde Speed Dating, concierto y baile
    1. ¿Qué es un Speed Dating (Citas Rápidas)?
  3. ¿Cómo surgió esta idea?
  4. ¿Por qué funciona tan bien?
  5. Speed Dating Enmascardo. La potencia de la máscara
  6. Como rellenar el cuestionario y como apuntarse
  7. ¿Cómo realizar la inscripción?
  8. Epílogo: lo que en realidad estamos celebrando
INFORMACIÓN Y RESERVAS

Una celebración especial jueves 12 en víspera de San Valentín y Carnaval. Citas rápidas enmascaradas, concierto y sesión de amor oscuro

Eros y Dyonisos son los dioses del amor y del enmascaramiento. Amor y carnaval se reúnen en un evento este próximo jueves 12 en el Mercado de Antón Martín. Dos fuerzas contradictorias confluyen esa noche:

  1. El amor oficial de San Valentín.
    Ese amor que tiene flores, flechas, promesas y fotos de pareja. El amor como institución: dulce, luminoso, casi obligatorio. San Valentín es el santo patrono de la narrativa romántica…. Su flecha es un mito antiguo: el amor como muerte súbita, como destino que te atraviesa, como “esto tenía que pasar”.
  2. La sensualidad del Carnaval.
    En carnevale, nos abandonamos la carne y nos despojamos de cualquier prejuicio, son los últimos días de exceso antes de la abstinencia. No es solo fiesta: es el umbral entre permiso y prohibición. Nos lo vamos a permitir todo y no vamos a pedir permiso.

Lo fascinante es que estas tres fuerzas coexistan y se contradigan.

San Valentín es la cara más amable de Eros que nos recuerda que el amor a veces es verdadero y eterno.

Carnaval, en cambio, es el territorio donde Dyonisos nos da permiso de gozar sin culpa y donde las tentaciones no se negocian, sino que nos entregamos al placer bajo la coartada de la música, la fiesta y la máscara.

Por eso hemos imaginado el evento como una noche en tres actos, casi como un pequeño teatro. Un relato que va de lo social a lo íntimo, de la palabra al cuerpo, del juego a la música y de la música al baile.

Tres actos para una noche fascinante

ACTO I · Speed Dating Enmascarado (19:00–20:30)

CUESTIONARIO SPEED DATING

Empezamos con el experimento: citas rápidas con máscara.
Es un truco psicológico, cuando te tapas, te desinhibes. Cuando te tapas, te escuchas. Cuando te tapas, la mirada deja de ser un escaparate y se convierte en un diálogo.

Aquí no vienes a “presentarte” como si estuvieras en una entrevista. Vienes a jugar con la presencia, con la conversación breve, con esa chispa que dura cinco minutos y, sin embargo, puede dejar huella. El formato es sencillo y eficaz: 45 citas de 5 minutos. Lo rápido, paradójicamente, puede ser más honesto: no hay tiempo para fabricar un personaje, solo ser y sorprender.

Precio: El precio para apuntarte al Speed Dating es de 5€

ACTO II · Concierto de María Honolulu & Friends (20:30–21:00)

La dulce y sensual voz de María nos inundará durante media hora en un repertorio de estándares de jazz clásico lleno de elegancia y romanticismo.

ACTO III · Baile romántico social (22:00–24:00)

Y luego, el desenlace carnal y físico. El baile enmascarado es la respuesta más antigua a todas las preguntas complicadas. Las palabras se agotan; el cuerpo sigue. Lo llamamos “baile zombi” porque nos gusta ese romanticismo torcido: baladas oscuras, humor negro, sensualidad con un punto de película. Estamos en viernes 13.

Aquí se resuelve el choque: San Valentín con su flecha, Carnaval con su permiso, y el miedo supersticioso como telón de fondo. ¿Qué gana? No lo sabemos. Y esa incertidumbre es, precisamente, lo que hace que valga la pena.

La dinámica de la tarde Speed Dating, concierto y baile

¿Qué es un Speed Dating (Citas Rápidas)?

Un speed dating es, básicamente, un “mercado de primeras impresiones” con reloj: una serie de citas rápidas (normalmente 3–8 minutos) en las que vas rotando de persona en persona. Hablas un poco, te haces una idea rápida y, al final, marcas en una lista quién te interesa. Si hay interés mutuo, la organización facilita el contacto (o invita a que os escribáis).

Tiene algo de teatro social: concentrar en pocos minutos lo que normalmente tardas horas (o semanas de chat) en decidir. Y, a la vez, tiene algo de filosofía práctica: te obliga a elegir “con poca información”, justo donde solemos equivocarnos… o acertar por intuición.

¿Cómo surgió esta idea?

La versión moderna se suele atribuir a Rabbi Yaacov Deyo en Los Ángeles a finales de los 90, como una forma estructurada de ayudar a gente soltera a conocerse en persona de manera eficiente. A partir de ahí se popularizó y se convirtió en formato replicable: bares, asociaciones, universidades, eventos temáticos.

¿Por qué funciona tan bien?

Funciona también por tres razones muy humanas:

  • Resuelve el mayor cuello de botella del ligue contemporáneo: pasar del “hola” al “nos vemos”.
  • Reduce el coste del rechazo: no hay una “gran cita fallida”; hay unos cuantos micro-encuentros.
  • Es un juego en común: Todos jugáis con las mismas reglas, en el mismo tiempo, con la misma tensión simpática.

Es casi una versión social de la “toma de muestras”: pruebas pequeñas antes de comprometerte con una cena, una copa larga o un domingo.

Speed Dating Enmascardo. La potencia de la máscara

Un speed dating enmascarado funciona especialmente bien cuando no se vende como “ligue”, sino como acto social completo: un pequeño carnaval urbano donde la cita rápida es solo el primer movimiento de una noche con música en vivo y un baile posterior. Ahí aparecen virtudes muy concretas —y bastante elegantes— que un speed dating “normal” no tiene.

La máscara convierte la timidez en personaje

La gente no llega “a ser evaluada”, llega a jugar un papel. Y ese cambio es oro: la máscara te concede permiso para ser más ingenioso, más amable, más atrevido. En vez de “hola, ¿a qué te dedicas?”, aparece un tono más teatral y humano: “¿Quién eres tú esta noche?”.
Su virtud principal es que baja la ansiedad sin necesidad de alcohol ni aderezos

La primera impresión se vuelve más justa

No, la máscara no elimina lo físico —seguimos oyendo la voz, viendo gestos, percibiendo estilo—, pero sí desactiva el descarte instantáneo por cara y abre un margen para que la conversación respire.

Compra tiempo para que aparezca lo interesante: humor, inteligencia, sensibilidad, manera de escuchar.

El formato deja de ser “entrevista” y se vuelve “encuentro”

La mayoría de speed datings fracasan cuando se parecen a un casting. La máscara ayuda a romper esa lógica. Sin la presión de “mostrarme bien”, la gente se permite estar.

De “demostrar” se pasa a  “conectar”.

La música en vivo. Lo común social y emocional

Tras la sesión de citas tenemos música en directo. Esto crea una atmósfera compartida y relaja toda tensión. Todos estamos bajo el mismo pulso, el mismo clima, la misma vibración. Generamos una memoria común en tiempo real. La música hace que el evento pase a ser un recuerdo y no una suma de mini-citas.

El baile posterior es el segundo acto de la verdad

El speed dating mide la compatibilidad verbal. El baile mide otra cosa: presencia, complicidad, energía corporal, sentido del juego, cuidado del espacio del otro.
Y, sobre todo, el baile ofrece algo decisivo: la posibilidad de re-elegir sin presión.
Convierte el “me interesas” en un acercamiento natural sin formalismos.

El baile arregla el mayor defecto del speed dating  “¿y ahora qué?”

En muchos formatos, termina la última ronda y se rompe el hechizo: la gente se queda desubicada. Si hay baile, el final no es un corte, es una continuación orgánica.
El evento no acaba y se transforma.

Se crea una micro-sociedad: no solo parejas, también comunidad

En un acto así, incluso quien no “liga” se va con algo: una noche bonita, conversaciones, música, una historia que contar. Eso es crucial para que el evento funcione como ritual social recurrente.
No depende de que “salga pareja”; depende de que salga vida.

En definitiva

Un speed dating enmascarado con música en vivo y baile posterior transforma un mecanismo de eficiencia social en una experiencia sensorial y narrativa: primero conversas, luego sientes, y al final te mueves con el otro. Y ahí —en esa secuencia— es donde aparece lo que buscamos de verdad: una conexión que no sea solo mental, ni solo física, sino completa.

Como rellenar el cuestionario y como apuntarse

RELLENAR FORMULARIO

Para inscribirte en el Speed Dating Enmascarado tienes que rellenar el formulario cuyo enlace está al final y luego hacer el pago del evento. Es muy sencillo: primero nos dejas tus datos de contacto (nombre, teléfono y correo) y tu edad. Después marcas tus preferencias de cita (si quieres conocer a chico, chica o te da igual) y el rango de edad que te interesa.

A continuación, eliges algunas cosas que te definen para que podamos emparejarte mejor durante las 45 citas: tu música favorita (hasta tres estilos), si te gusta bailar, el tipo de películas que más disfrutas (hasta tres) y tus planes de viaje ideales (hasta dos). También te preguntamos si tienes mascotas y, si la respuesta es sí, cuál.

Por último, hay tres preguntas directas para afinar compatibilidades y evitar malentendidos: tu “modo de vida” (si eres más de acostarse contigo o levantarse contigo), si crees que hay que contarlo todo en pareja, y qué modelo de relación prefieres (monógama, abierta, poliamorosa o swinger).

Las preguntas marcadas con * son obligatorias. Con tus respuestas, organizamos las rotaciones para que tus citas tengan sentido y la tarde sea más divertida, más cómoda y mucho más afinada.

El enlace al formulario es:

https://docs.google.com/forms/d/e/1FAIpQLSe4MpYYrCJ_eUU1iu072tOerlssLpu13VvfQnaMHcurGlpzFA/viewform

Información y Reservas

¿Cómo realizar la inscripción?

Para apuntarse al Speed Dating Enmascarado hay que pagar una inscripción de 5€ y rellenar el formulario.

Solo se te considerará inscrito cuando realices la reserva por whatsapp (https://wa.me/+34640743115) y se realice el pago en la formas indicadas.

Epílogo: lo que en realidad estamos celebrando

Al final, este evento no es solo una fiesta temática. Es una pregunta puesta en escena:
¿Qué hacemos con el deseo cuando se nos permite no ser “los de siempre”?
¿Nos volvemos mejores, peores, más sinceros, más cobardes, más libres?
¿Es la máscara una mentira… o una vía de acceso a una verdad que de cara descubierta no nos atrevemos a mostrar?

San Valentín promete eternidad. Carnaval se ríe de la eternidad. Viernes 13 amenaza con romperlo todo.
Y nosotros, en Madrid, hacemos lo de siempre cuando la realidad se vuelve rara: convertirlo en noche, en música, en conversación, en baile.

Si alguna vez hubo un día para permitirte una historia distinta, es este.
Ponte la máscara.
Y ven a ver qué flecha te toca… y qué parte de ti se atreve a responder.

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COLISIÓN CÓSMICA: EROS, PHOBOS Y DYONISOS (SPEED DATING, CONCIERTO Y BAILE SOCIAL)

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Una celebración especial del viernes 13 vísperas de San Valentín y Carnaval: Citas rápidas enmascaradas, concierto y sesión de amor oscuro

  1. Una celebración especial del viernes 13 vísperas de San Valentín y Carnaval: Citas rápidas enmascaradas, concierto y sesión de amor oscuro
  2. La dinámica de la tarde Speed Dating, concierto y baile
    1. ¿Qué es un Speed Dating (Citas Rápidas)?
    2. ¿Cómo surgió esta idea?
    3. ¿Por qué funciona tan bien?
    4. Speed Dating Enmascardo. La potencia de la máscara
  3. Como rellenar el cuestionario y como apuntarse
  4. Precios y opciones (claridad, que el deseo también necesita logística)
  5. Epílogo: lo que en realidad estamos celebrando
INFORMACIÓN Y RESERVAS

Eros, Phobos y Dyonisos son los dioses del amor, del miedo y del enmascaramiento. máscaras. Amor, terror y carnaval se reúnen en un evento este próximo viernes 13 en el sótano más underground de Lavapiés. Desde el corazón del rastro cerca de la plaza de Cascorro y de Embajadores está Big Tree Book donde celebramos esta tarde del amor enmascarado.

Será toda una colisión cósmica en la era de acuario que hace un guiño a Piscis, aunque no haga falta telescopio para verla. Basta con mirar lo que se ha alineado en esta noche:

  1. El amor oficial de San Valentín.
    Ese amor que tiene flores, flechas, promesas y fotos de pareja. El amor como institución: dulce, luminoso, casi obligatorio. San Valentín es el santo patrono de la narrativa romántica…. Su flecha es un mito antiguo: el amor como muerte súbita, como destino que te atraviesa, como “esto tenía que pasar”.
  2. El terror de viernes 13.
    La superstición como una sombra fantástica. El viernes 13 es el día en que aceptamos, por un momento, que no controlamos del todo la realidad. Que puede torcerse lo que dábamos por seguro. Que hay una grieta bajo el suelo del sentido común. La fecha que nos recuerda lo frágil e imprevisible como parte del juego.
  3. La sensualidad del Carnaval.
    En carnevale, nos abandonamos la carne y nos despojamos de cualquier prejuicio, son los últimos días de exceso antes de la abstinencia. No es solo fiesta: es el umbral entre permiso y prohibición. Nos lo vamos a permitir todo y no vamos a pedir permiso.

Lo fascinante es que estas tres fuerzas coexistan y se contradigan.

San Valentín es la cara más amable de Eros que nos recuerda que el amor a veces es verdadero y eterno.

Carnaval, en cambio, es el territorio donde Dyonisos nos da permiso de gozar sin culpa y donde las tentaciones no se negocian, sino que nos entregamos al placer bajo la coartada de la música, la fiesta y la máscara.

Y ahí, en medio, aparece viernes 13, que es el recordatorio de que la vida tiene humor negro: une al santo del amor con la fiesta de la ambigüedad erótica bajo la sombra del mal fario. Es como poner en la misma habitación a un poeta enamorado, a una criatura nocturna y a un bromista cruel… y pedirles que bailen.

¿Y por qué hacer esto?
Porque, a veces, lo más humano no es elegir un bando —románticos o cínicos, fieles o libertinos—, sino habitar la tensión. Ver qué pasa cuando el deseo se vuelve explícito y la máscara te da valor. Ver qué pasa cuando el amor pretende ser serio y la noche insiste en ser imprevisible. Ver qué pasa cuando el miedo se asoma, pero en lugar de paralizarnos, nos despierta.

Por eso hemos imaginado el evento como una noche en tres actos, casi como un pequeño teatro. Un relato que va de lo social a lo íntimo, de la palabra al cuerpo, del juego a la música y de la música al baile.

Tres actos para una noche imposible

ACTO I · Speed Dating Enmascarado (18:30–20:30)

CUESTIONARIO SPEED DATING

Empezamos con el experimento: citas rápidas con máscara.
Es un truco psicológico, cuando te tapas, te desinhibes. Cuando te tapas, te escuchas. Cuando te tapas, la mirada deja de ser un escaparate y se convierte en un diálogo.

Aquí no vienes a “presentarte” como si estuvieras en una entrevista. Vienes a jugar con la presencia, con la conversación breve, con esa chispa que dura cinco minutos y, sin embargo, puede dejar huella. El formato es sencillo y eficaz: 45 citas de 5 minutos. Lo rápido, paradójicamente, puede ser más honesto: no hay tiempo para fabricar un personaje, solo ser y sorprender.

Precio: El precio para apuntarte al Speed Dating es de 10€ que incluyen una consumición. Si tienes que sorprender hazlo con una copa en la mano

ACTO II · Concierto de Alberto Viña (20:30–22:00)

Este acto es el puente, y en realidad, el corazón.
Después del carrusel de encuentros, la música entra como quien baja la luz de una habitación. De pronto, todo se vuelve más lento, más íntimo. El concierto no es un “relleno”: es el momento en que la noche cambia de textura. Lo que antes era conversación breve se convierte en emoción compartida.

Hay algo profundo en escuchar música en vivo después de conocer gente. La música actua de filtro, de cámara oscura. Te ayuda a distinguir la simple simpatía en la posibilidad de verdad. Te da un lugar donde mirar sin hablar, donde acercarte sin invadir, donde el deseo puede respirar.

Precio: El precio del concierto es de 5€. El precio del concierto junto con el Speed Dating enmascarado es de 15€

ACTO III · Baile Zombi de Amor Enmascarado (22:00–24:00)

Y luego, el desenlace carnal y físico. El baile enmascarado es la respuesta más antigua a todas las preguntas complicadas. Las palabras se agotan; el cuerpo sigue. Lo llamamos “baile zombi” porque nos gusta ese romanticismo torcido: baladas oscuras, humor negro, sensualidad con un punto de película. Estamos en viernes 13.

Aquí se resuelve el choque: San Valentín con su flecha, Carnaval con su permiso, y el miedo supersticioso como telón de fondo. ¿Qué gana? No lo sabemos. Y esa incertidumbre es, precisamente, lo que hace que valga la pena.

La entrada al baile es gratuita. Habrá pay after show (aportación voluntaria al final): porque esto no es un producto cerrado, es un ritual compartido, y se sostiene con complicidad.

La dinámica de la tarde Speed Dating, concierto y baile

¿Qué es un Speed Dating (Citas Rápidas)?

Un speed dating es, básicamente, un “mercado de primeras impresiones” con reloj: una serie de citas rápidas (normalmente 3–8 minutos) en las que vas rotando de persona en persona. Hablas un poco, te haces una idea rápida y, al final, marcas en una lista quién te interesa. Si hay interés mutuo, la organización facilita el contacto (o invita a que os escribáis).

Tiene algo de teatro social: concentrar en pocos minutos lo que normalmente tardas horas (o semanas de chat) en decidir. Y, a la vez, tiene algo de filosofía práctica: te obliga a elegir “con poca información”, justo donde solemos equivocarnos… o acertar por intuición.

¿Cómo surgió esta idea?

La versión moderna se suele atribuir a Rabbi Yaacov Deyo en Los Ángeles a finales de los 90, como una forma estructurada de ayudar a gente soltera a conocerse en persona de manera eficiente. A partir de ahí se popularizó y se convirtió en formato replicable: bares, asociaciones, universidades, eventos temáticos.

¿Por qué funciona tan bien?

Funciona también por tres razones muy humanas:

  • Resuelve el mayor cuello de botella del ligue contemporáneo: pasar del “hola” al “nos vemos”.
  • Reduce el coste del rechazo: no hay una “gran cita fallida”; hay unos cuantos micro-encuentros.
  • Es un juego en común: Todos jugáis con las mismas reglas, en el mismo tiempo, con la misma tensión simpática.

Es casi una versión social de la “toma de muestras”: pruebas pequeñas antes de comprometerte con una cena, una copa larga o un domingo.

Speed Dating Enmascardo. La potencia de la máscara

Un speed dating enmascarado funciona especialmente bien cuando no se vende como “ligue”, sino como acto social completo: un pequeño carnaval urbano donde la cita rápida es solo el primer movimiento de una noche con música en vivo y un baile posterior. Ahí aparecen virtudes muy concretas —y bastante elegantes— que un speed dating “normal” no tiene.

La máscara convierte la timidez en personaje

La gente no llega “a ser evaluada”, llega a jugar un papel. Y ese cambio es oro: la máscara te concede permiso para ser más ingenioso, más amable, más atrevido. En vez de “hola, ¿a qué te dedicas?”, aparece un tono más teatral y humano: “¿Quién eres tú esta noche?”.
Su virtud principal es que baja la ansiedad sin necesidad de alcohol ni aderezos

La primera impresión se vuelve más justa

No, la máscara no elimina lo físico —seguimos oyendo la voz, viendo gestos, percibiendo estilo—, pero sí desactiva el descarte instantáneo por cara y abre un margen para que la conversación respire.

Compra tiempo para que aparezca lo interesante: humor, inteligencia, sensibilidad, manera de escuchar.

El formato deja de ser “entrevista” y se vuelve “encuentro”

La mayoría de speed datings fracasan cuando se parecen a un casting. La máscara ayuda a romper esa lógica. Sin la presión de “mostrarme bien”, la gente se permite estar.

De “demostrar” se pasa a  “conectar”.

La música en vivo. Lo común social y emocional

Tras la sesión de citas tenemos música en directo. Esto crea una atmósfera compartida y relaja toda tensión. Todos estamos bajo el mismo pulso, el mismo clima, la misma vibración. Generamos una memoria común en tiempo real. La música hace que el evento pase a ser un recuerdo y no una suma de mini-citas.

El baile posterior es el segundo acto de la verdad

El speed dating mide la compatibilidad verbal. El baile mide otra cosa: presencia, complicidad, energía corporal, sentido del juego, cuidado del espacio del otro.
Y, sobre todo, el baile ofrece algo decisivo: la posibilidad de re-elegir sin presión.
Convierte el “me interesas” en un acercamiento natural sin formalismos.

El baile arregla el mayor defecto del speed dating  “¿y ahora qué?”

En muchos formatos, termina la última ronda y se rompe el hechizo: la gente se queda desubicada. Si hay baile, el final no es un corte, es una continuación orgánica.
El evento no acaba y se transforma.

Se crea una micro-sociedad: no solo parejas, también comunidad

En un acto así, incluso quien no “liga” se va con algo: una noche bonita, conversaciones, música, una historia que contar. Eso es crucial para que el evento funcione como ritual social recurrente.
No depende de que “salga pareja”; depende de que salga vida.

En definitiva

Un speed dating enmascarado con música en vivo y baile posterior transforma un mecanismo de eficiencia social en una experiencia sensorial y narrativa: primero conversas, luego sientes, y al final te mueves con el otro. Y ahí —en esa secuencia— es donde aparece lo que buscamos de verdad: una conexión que no sea solo mental, ni solo física, sino completa.

Como rellenar el cuestionario y como apuntarse

RELLENAR FORMULARIO

Para inscribirte en el Speed Dating Enmascarado tienes que rellenar el formulario cuyo enlace está al final y luego hacer el pago del evento. Es muy sencillo: primero nos dejas tus datos de contacto (nombre, teléfono y correo) y tu edad. Después marcas tus preferencias de cita (si quieres conocer a chico, chica o te da igual) y el rango de edad que te interesa.

A continuación, eliges algunas cosas que te definen para que podamos emparejarte mejor durante las 45 citas: tu música favorita (hasta tres estilos), si te gusta bailar, el tipo de películas que más disfrutas (hasta tres) y tus planes de viaje ideales (hasta dos). También te preguntamos si tienes mascotas y, si la respuesta es sí, cuál.

Por último, hay tres preguntas directas para afinar compatibilidades y evitar malentendidos: tu “modo de vida” (si eres más de acostarse contigo o levantarse contigo), si crees que hay que contarlo todo en pareja, y qué modelo de relación prefieres (monógama, abierta, poliamorosa o swinger).

Las preguntas marcadas con * son obligatorias. Con tus respuestas, organizamos las rotaciones para que tus citas tengan sentido y la tarde sea más divertida, más cómoda y mucho más afinada.

El enlace al formulario es:

https://docs.google.com/forms/d/e/1FAIpQLSck-py1Kt3uKRJjweNDDmylDmQLb5vHskTdMAy5J6lNqeiyyw/viewform

Solo se te considerará inscrito cuando realices la reserva por whatsapp (https://wa.me/+34640743115) y se realice el pago en la formas indicadas.

Información y Reservas

Precios y opciones (claridad, que el deseo también necesita logística)

  • 10€ → Apuntarte al Speed Dating (Acto I) que incluye consumición
  • 5€ → Apuntarte solo al concierto (Acto II)
  • 15€ → Apuntarte a todo (Actos I + II + III)
  • 0€ → Solo baile (Acto III) + aportación voluntaria al final (pay after show)

Inscripciones e info por WhatsApp: 640 743 115

Epílogo: lo que en realidad estamos celebrando

Al final, este evento no es solo una fiesta temática. Es una pregunta puesta en escena:
¿Qué hacemos con el deseo cuando se nos permite no ser “los de siempre”?
¿Nos volvemos mejores, peores, más sinceros, más cobardes, más libres?
¿Es la máscara una mentira… o una vía de acceso a una verdad que de cara descubierta no nos atrevemos a mostrar?

San Valentín promete eternidad. Carnaval se ríe de la eternidad. Viernes 13 amenaza con romperlo todo.
Y nosotros, en Madrid, hacemos lo de siempre cuando la realidad se vuelve rara: convertirlo en noche, en música, en conversación, en baile.

Si alguna vez hubo un día para permitirte una historia distinta, es este.
Ponte la máscara.
Y ven a ver qué flecha te toca… y qué parte de ti se atreve a responder.

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Cine Debate con El día de la marmota – Solo cuando ames llegará un nuevo amanecer

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Entradas al cine debate / Plan de Meetup

  1. Acerca de “El día de la marmota”
    1. Sinopsis de “El día de la marmota”
    2. Enlaces de “El día de la marmota”
      1. Ficha
      2. Tráiler
      3. Premios
      4. Otros enlaces
  2. Los temas del coloquio de El Día de la Marmota (Atrapado en el tiempo)
    1. El eterno retorno
    2. El sentido de la vida
    3. El mito de la segunda oportunidad infinita
    4. Amor y obsesión
    5. Moral sin consecuencias: ¿qué harías si el mañana no existiera?
    6. ¿La rutina con tiempo puede transformar a las personas?
    7. La crítica a la cotidianidad que esconde el día de la marmota
  3. ¿Porqué y dónde se celebra el Día de la marmota?
  4. La vida real de la marmota Phil
  5. Frases de la película El Día de la Marmota (Atrapado en El Tiempo)
  6. Algunas curiosidades sobre la película
    1. Phil marmota, Phil meteorólogo y Feel (sentimiento)
    2. Woodstock
    3. Pensilvania Polka
    4. I got you babe
  7. Punto de encuentro y planning de la velada
  8. ¿Cómo será el coloquio?
  9. ¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas
  10. ¿Cómo hacer las reservas y pagos a Happening Madrid de cada una de las experiencias?
  11. ¿Qué es Happening Madrid?
  12. ¿Cómo apuntarte a nuestras experiencias? Los enlaces
RESERVAR

Este próximo martes en nuestro cine debate “Un Conejo con Ojo” vamos a ver y hablar de El día de la marmota (Groundhog Day, 1993), una maravillosa película de culto sobre los ciclos temporales, como llegar a ser la mejor versión de uno mismo y aprender a vivir. Romántica, divertida, icónica y que nunca aburre aunque se haya visto cien veces. Tendremos una velada para explorar la repetición infinita de lo cotidiano y la posibilidad de transformarnos en alguien mucho mejor.

Veremos al carismático Bill Murray haciendo de Phil Connors, un meteorólogo egocéntrico y cínico, atrapado en el tiempo en un bucle temporal que le hará revivir una y otra vez el mismo día. Enfrentado a esta extraña paradoja, tendrá que decidir cómo vivir su eternidad en el 2 de febrero en Punxsutawney, un pueblecito que odia mucho Phil. ¿Estará condenado a repetir lo mismo para siempre o podrá cambiar su destino?

Y sobre todo esto será de lo que charlaremos en nuestra próxima sesión de Un conejo con ojo el próximo martes las 19:30h.

Un conejo con ojo es un cine debate organizado por Big Tree Books y Happening Madrid para las tardes de los martes desde el corazón más castizo de Madrid. Unas veladas para disfrutar del cine y hacerlo pensando y dialogando. Hazte fan de nuestro conejo blanco con un solo ojo.

Información y Reservas

Acerca de “El día de la marmota”

Atrapado en el tiempo, El día de la marmota o Groundhog Day es una película de cine fantástico y comedia romántica americana de año 1993. Su director es Harold Ramis. La película que inicialmente fue denostada por la crítica, ha trascendido a su época y se convertido en una película de culto, convirtiéndose en una referencia en la cultura popular y en una exploración fascinante del destino, el tiempo y la posibilidad de transformación.

En la peli podremos ver a Bill Murray dando vida al sarcástico Phil Connors; a Andy McDowell haciendo de Rita, productora del programa llena de humanidad y confianza en el prójimo, y a Chris Elliot que encarna al cámara Larry.

A día de hoy es aclamada por los mismos que años atrás la condenaban al ostracismo, en 2006 fue votada como una de las 50 mejores comedias de la historia del cine por la revista de cine Premiere y en la actualidad ocupa el octavo puesto en la lista de las mejores películas americanas de género fantástico. ( AFI’s 10 Top 10,)

Sin lugar a duda Atrapado en el Tiempo (El día de la marmota en su traducción literal del inglés) es una de las películas que más veces he visto a lo largo de mi vida. Jamás aburre y siempre hace que vuelvas a sonreír o reír a carcajadas. Una vez que la vuelves a ver, da igual cuantas veces la hayas visto antes, siempre pasas horas e incluso días pensando en ella y su mensaje.

Atrapado en el tiempo

La idea de Atrapado en el tiempo es bien simple: El continuo retorno. ¿Qué pasaría si te despertaras siempre en el mismo día? Eso es lo que le pasa a nuestro protagonista Phil. Phil pasa unos 10.000 años en un bucle temporal que se repite en el mismo día: El día de la marmota que se celebra cada 2 de febrero en algunos pueblos de Estado Unidos y Canadá. Es decir, Phil tiene la posibilidad de poder revivir 3.650.000 veces el mismo día.

Con mucho humor la película nos invita a hacer una exploración profunda de la transformación personal a lo largo de incontables repeticiones. Phil experimenta incredulidad, nihilismo, desesperación,  apatía, aceptación, hasta que poco a poco descubre que si utiliza su situación para mejorar y ayudar a los demás se estará también ayudando a sí mismo. Es un viaje crecimiento interior en el que solo verá un nuevo amanecer el día que aprenda a amar de verdad.

Todo esto es lo que ha convertido a El día de la marmota (o Atrapado en el tiempo) un clásico de culto que sigue apasionando a todos los públicos.

Sinopsis de “El día de la marmota”

Phil, que es el papel interpretado por Bill Murray, es un meteorólogo de una cadena de televisión americana. Todos los años le toca cubrir el acontecimiento del Día de la Marmota en el pueblo de Punxsutawney (Condado de Jefferson en Pensilvania). Phil es bastante cretino, creído y falto de empatía. No consiente que los sentimientos se cuelen en su vida y, mucho menos en su corazón. Su actitud es bastante repulsiva frente a la encantadora Rita (Andy McDowell), que es la productora del programa, y al cámara Larry (Chris Elliot). Phil es un hombre frustrado en sus ambiciones y aburrido con su trabajo, y en su arrogancia piensa que su carrera profesional no avanza todo lo rápido que merecería.

En el Día de la Marmota, que es cada 2 de febrero, el comportamiento de una marmota decide si el invierno está a punto de acabar o, por el contrario, tardará 5 semanas más en hacerlo.

Después de la grabación del show de Phil, tanto del animalito como del humano, el pequeño equipo tiene que volver a Pittsburgh. El regreso no es posible por culpa de una tormenta de nieve y tienen que volver y dormir de nuevo en Punxsutawney

A la mañana siguiente Phil descubre que sigue en el mismo día. La canción I got your Baby en la versión Sonny & Cher de 1965 le volverá a despertar los próximos 3.650.000.

Phil pasa por diversos momentos:  Asombro, desesperación, aceptación

Haga lo que haga ese día sus actos no tendrán consecuencias y volverá, en un bucle infinito temporal, a ser las 6 de la mañana del 2 de Febrero.

Enlaces de “El día de la marmota”

Ficha

Atrapado en el tiempo, El día de la marmota o Groundhog Day es una película americana de cine fantástico y comedia romántica americana de año 1993. Su director es Harold Ramis. Se estrenó en 1993 y dura 101’. La historia original es de Danny Rubin que es coguionista junto con el director.

https://www.filmaffinity.com/es/film245798.html

Tráiler

Premios

En su momento no recibió grandes premios en su momento. Su reconocimiento llegó con posterioridad.  Algunos de los premios y nominaciones que obtuvo incluyen:

Premios BAFTA (1994): Mejor Guion Original para Danny Rubin y Harold Ramis.

Premios de la Sociedad Nacional de Críticos de Cine (1993): Mejor Actor para Bill Murray (segundo puesto).

Premios Saturn (Academia de Ciencia Ficción, Fantasía y Terror) (1994): Nominación a Mejor Película de Fantasía.

Premios Hugo (1994): Nominada a Mejor Presentación Dramática.

Otros enlaces

Wikipedia

https://es.wikipedia.org/wiki/Groundhog_Day

IMDb – Groundhog Day (1993)

https://www.imdb.com/title/tt0107048/

Rotten Tomatoes – Groundhog Day

https://www.rottentomatoes.com/m/groundhog_day

Roger Ebert – Crítica original de Groundhog Day

https://www.rogerebert.com/reviews/groundhog-day-1993

The Making of Groundhog Day – Harold Ramis

Los temas del coloquio de El Día de la Marmota (Atrapado en el tiempo)

La rutina del día a día como prisión temporal y también como oportunidad para encontrar el sentido de la vida es uno de los temas centrales de la película.

El eterno retorno

El día de la marmota nos plantea un dilema existencial: si tuviéramos que revivir el mismo día una y otra vez, ¿qué haríamos? ¿intentaríamos mejorar, o simplemente nos resignaríamos? Phil Connors pasa por todas las situaciones emocionales posibles, negación, enfado, disfrute irresponsable, desesperación, apatía  y, finalmente, transformación.

Al ver la evolución de Phil nos damos cuenta de que cada día, aunque parezca igual que el anterior, es una oportunidad para crecer si lo afrontamos de otra manera.

¿Cómo cambiarías si supieras que tienes tiempo infinito para hacerlo?
¿Es posible cambiar sin un evento externo que nos obligue a hacerlo?

El sentido de la vida

Phil empieza a preguntarse cuál es el propósito de su existencia cuando se da cuenta de que nada de lo que hace tiene consecuencias permanentes. Este cuestionamiento filosófico está en la línea de los pensamientos existencialistas, que nos invitan a encontrar significado en la vida a través de nuestras propias elecciones.

¿Crees que Phil encuentra el sentido de su vida al final de la película?
¿Cuál es el motor que transforma  a Phil en la repetición y lo lleva a mejorar?

1.15-21H

El mito de la segunda oportunidad infinita

Con el tiempo, Phil se da cuenta de que corregir errores de forma infinita no lo hace más feliz ni le da propósito a su vida. La película nos plantea una idea interesante: ¿qué pasaría si la vida nos diera oportunidades ilimitadas para enmendar nuestros fallos? ¿Nos haría mejores o nos llevaría a un estado de apatía? En la historia, Phil solo encuentra sentido a su existencia cuando deja de intentar «corregir» su entorno y comienza a vivir con autenticidad, aprendiendo y evolucionando de manera genuina.

En la vida real, los errores y las oportunidades perdidas nos enseñan lecciones importantes. La incertidumbre y la irreversibilidad de nuestras decisiones dan valor a nuestras acciones.

¿Qué pasaría si puedes corregir indefinidamente los errores de tu vida?
¿Seguiríamos esforzándonos por mejorar? ¿Lo dejaríamos para después?

Amor y obsesión

Uno de sus principales objetivos de Phil dentro de su bucle temporal es conquistar a Rita, que representa para él la mujer perfecta ideal. Phil, gracias a su ventaja temporal, aprende todo sobre ella: sus gustos, sus valores y sus sueños, y se moldea a sí mismo en la versión perfecta que ella espera para conquista su amor. Sin embargo, cada vez que esta cerca, la falsedad de su estrategia queda en evidencia y Rita lo rechaza.

La película nos dice que el amor no se puede obtener a partir de muchos intentos y de manipulación, sino con una conexión auténtica que surge solo de la transformación personal. Que el esfuerzo y la perseverancia pueden garantizar el amor de alguien es una idea romántica equivocada y apunta hacia que solo la transformación interna que posibilite la conexión lo hace viable.

¿Es realmente válido dedicar toda una vida a intentar conquistar a una persona, o el amor solo surge cuando dejamos de perseguirlo como un objetivo?
¿Dedicarías toda una vida a conquistar al amor de tus sueños?

Moral sin consecuencias: ¿qué harías si el mañana no existiera?

En El día de la marmota, Phil Connors descubre que al estar atrapado en un bucle temporal donde cada día es exactamente igual al anterior, sus actos no tienen consecuencias. Al principio, esta falta de consecuencias lo lleva a un comportamiento hedonista y egoísta: roba dinero, manipula a la gente, come sin control y se burla de todos a su alrededor. Sin miedo al futuro, siente que puede hacer lo que quiera sin que haya repercusiones.

Con el tiempo descubre que esta aparente «libertad» no le da satisfacción. Sin consecuencias, sus actos pierden significado y el placer se convierte en hastío. Al final, Phil comprende que la verdadera satisfacción no está en actuar sin límites, sino en encontrar propósito, conectar con los demás y mejorar como persona, incluso cuando nadie está mirando.

¿Nuestras acciones están guiadas por nuestras convicciones o por el miedo a las consecuencias?
¿Seguiríamos actuando con ética si supiéramos que el mundo se reinicia al día siguiente?
¿Harías lo que quisieras si supieras que no hay un mañana y tus actos no tienen consecuencias?

¿La rutina con tiempo puede transformar a las personas?

Phil Connors comienza como un hombre arrogante, egocéntrico y cínico. Su visión del mundo está basada en el desprecio por los demás y en la creencia de que nada ni nadie puede cambiarlo. Sin embargo, al quedar atrapado en un bucle temporal y vivir el mismo día una y otra vez, se enfrenta a una posibilidad única: el cambio no es inmediato ni impuesto por factores externos, sino resultado de una repetición interminable que lo obliga a mirarse a sí mismo y evolucionar.

En un primer momento, Phil utiliza el tiempo infinito para su beneficio: manipula situaciones, intenta conquistar a Rita a través del engaño y se aprovecha de su conocimiento del día para satisfacer sus propios deseos. Pero con el paso de los días (o años, según algunas teorías), el vacío existencial se hace evidente y descubre que la única forma de escapar de su ciclo es convertirse en una mejor persona, no por conveniencia, sino por elección genuina.

Esta transformación nos lleva a cuestionar si el cambio es inevitable cuando el tiempo es infinito. Si alguien como Phil, con suficiente repetición y experiencia, logra pasar de ser un capullo integral a un hombre noble, ¿implica esto que cualquier persona, con el tiempo suficiente, podría volverse mejor? ¿O hay quienes nunca cambiarían, sin importar cuántas oportunidades tengan?

¿Que un capullo integral se convierta en un tipo excelente es solo cuestión de tiempo?

La crítica a la cotidianidad que esconde el día de la marmota

Es posible que muchos de nosotros vivamos una vida bastante “marmotil” y nuestros días pasen haciendo poco más o menos lo mismo. Levantarnos a la misma hora, ducharnos, desayunar, ir al trabajo en transporte público, comer, gimnasio, de nuevo oficina, a veces una caña afterwork, cenar y a dormir.

Así, un día tras otro, podemos llegar a pensar que estamos encerrados en el mismo día. Creemos que no existe posibilidad de salvación para nosotros y solo deseamos que un agente externo del tipo lotería o similar nos saque de nuestro particular bucle temporal.

Sin embargo, para poder disfrutar, como le pasa a Phil cuando coge las riendas de su único día, tenemos que tomar el control y provocar variaciones.

Tenemos que dejar de pensar en nosotros mismos y pensar en los demás. Tenemos que darnos cuenta de que en la generosidad y conocimiento está nuestra posibilidad de salvación.

Es eso exactamente lo que hace Phil. Pase de ser un capullo a ser un tipo genial. Pensar, que según algunas fuenes,  solo ha necesitado 3.650.000 días.

De verdad ¿No crees que tú lo puedes mejorar?

Em definitiva, para que el tiempo avance y tengamos un nuevo amanecer es necesario estar abierto al mundo. Si permaneces cerrado y ensimismado en ti mismo el tiempo no avanzas, tú no avanzas. Cuando te abres al mundo y a los demás abandonando el egocentrismo el tiempo, como tu vida, fluye.

¿Porqué y dónde se celebra el Día de la marmota?

El Día de la Marmota es el 2 de febrero. Es decir, en mitad del tiempo transcurrido entre el solsticio de invierno y el equinoccio de primavera.  De manera análoga Halloween se encuentra entre el equinoccio de otoño y el solsticio de invierno. En otras partes del mundo, como en Europa Occidental, lo que se celebra en estas fechas es el Carnaval.  Sin embargo, en este caso, la fecha es variable por la primera luna llena de la primavera. Es decir, el Carnaval se sitúa 40 días antes que la primera luna llena después del equinoccio de primavera.

Volviendo al tema marmotil que nos ocupa, este día se celebra en ciertos lugares de Estados Unidos y Canadá. El lugar más conocido de su celebración se encuentra en el Condado de Jefferson en Pensilvania y se llama Punxsutawney. La marmota predictora se llama siempre Phil. Notar que es igual que el nombre de nuestro protagonista en la película El día de la Marmota (The GroundHod Day o Atrapado en el Tiempo).

El día de la marmota es un método folclórico que usan los granjeros para saber cuándo acabará el invierno. Si la marmota al salir no ve su sombra, por ser un día nublado, entonces no volverá a la madriguera y eso significa que el invierno termino ya.  Pero si la marmota ve su sombra, porque el día es soleado, significa que el invierno durará todavía seis semanas más.

¿Es un método fiable? Pues parece ser que no. La precisión marmotil está en un bajísimo 39%.

El día de la marmota se lleva celebrando dese 1887.

La vida real de la marmota Phil

Phil vive a cuerpo de rey en Punxsutawney. Esta marmota no está en una madriguera. Nuestro Phil vive en una madriguera de temperatura controlada por los humanos en el centro de Punxsutawney en la plaza Barclay. Tampoco Phil tiene necesidad de salir a buscar pareja ya que también se encargan de sus apetitos sexuales. Aunque generalmente las marmotas no tienen pareja estable Phil si. A Phil le buscan la supermegachachi marmota para que cohabite con ella.

Con todos estos datos parece ser que nuestro bicho cuando le sacan a hacer su show no parece que vaya muy entusiasmado.

Si alguna vez vais a ver este bonito pueblo habréis de saber que podéis ver el hogar de Phil desde una cristalera dispuesta para ello en la biblioteca de Punxutawney.

Frases de la película El Día de la Marmota (Atrapado en El Tiempo)

Phil/:¿»Alguna vez ha tenido un Deja Vu, señora Lancaster?

Sra Lancaster:»Creo que no pero puedo preguntar en la cocina»

No sólo sobreviví a un atropello. No sólo exploté ayer. He sido apuñalado, envenenado, congelado, ahorcado y quemado (mirada incrédula de la camarera) y cada día me despierto sin un solo rasguño. Soy inmortal.

– ¿Va a ver a la marmota?- Sí, así es.

– ¿La primavera empezará pronto?

– Predigo el 21 de marzo.

– ¡Buena suposición! ¡Creo que ése es de verdad el 1er. día de la primavera!

Estuve en las Islas Vírgenes una vez. Conocí a una chica. Comimos langosta, tomamos piña colada. Al anochecer hicimos el amor como animales. Ese fue un buen día. ¿Por qué ese día no se repitió una y otra vez?

– ¿Qué harías si estuvieses anclado en un lugar y todos los días fueran iguales sin importar lo que hicieras?

– Eso resume mi vida.

– Déjenme hacerles una pregunta. ¿Y si no hubiera un mañana?

– ¿Si no hubiera un mañana? Entonces no habría consecuencias. No tendría resaca.

– Podríamos hacer lo que quisiéramos.

– ¿Sabes qué día es hoy?
– No, ¿cuál?
– Hoy es mañana

Lo que quería decir era que creo que eres la persona más dulce, más hermosa que jamás he conocido. Nunca vi a nadie más amable con la gente que tú. La primera vez que te vi algo me ocurrió. Nunca te lo dije, pero supe que quería abrazarte con mucha fuerza. No me merezco a alguien como tu pero si pudiera te juro que te amaría el resto de mi vida.

Y en este enlace todavía tenéis alguna mas

https://netotem.com/frases-de-cine-atrapado-en-el-tiempo-1993

Algunas curiosidades sobre la película

Phil marmota, Phil meteorólogo y Feel (sentimiento)

Phil, el metereólogo, y Phil, la marmota se llaman igual. Además también suena como feel. Es justo los sentimientos lo que le falta a nuestro amigo al principio de la película y necesita muchos miles de días para conseguirlo.

En la vida real ambos Phil no se llevaron muy bien durante el rodaje. Phil marmota mordió a Phil metereólogo que tuvo que ser vacunado.

Woodstock

La película se rodó en Woodstock en el estado de Illinois. Aquí tenéis un enlace con el wlaking tour y los sitios de la peli:

http://www.woodstockgroundhog.org/

Este pueblo encentra separado de Punxsutawney en 547 millas. Woodstock es el lugar donde en 1969 se hizo el famoso festival.

Pensilvania Polka

La canción que se escucha insistentemente durante el festejo es Pensilvania Polka. Aquí la tenéis:

Pennsylvania Polka es una canción popular de polka que se hizo famosa en la década de los 40 del pasado siglo gracias a Frankie Yankovic, uno de los músicos más influyentes en la historia de este género en los Estados Unidos que tue conocido como el rey de la polka. La canción fue escrita por Lester Lee y Zeke Manners en 1942.

Strike up the music, the band has begun,

The Pennsylvania Polka!

Pick out your partner and join in the fun,

The Pennsylvania Polka!

I got you babe

5:59, 6:00 y vuelve a sonar la canción. ¡El martirio se repite! La canción con la que todas las mañanas se despierta Phil es «I Got You Babe». «I Got You Babe» es la canción más famosa de Sonny & Cher y la que los catapultó a la fama en 1965. Se convirtió en su primer gran éxito, alcanzando el número 1 en el Billboard Hot 100 y es todo un himno del amor juvenil de los años 60 y de la contracultura que puso en órbita a la pareja y acabó convirtiéndose en una de las más emblemáticas de la música pop de los años 60.

Esta canción aparece en el número 444 de las 500 mejores canciones de todos los tiempos según la revista Rolling Stone

La canción ha sido usada en numerosas películas y series, pero nada comparado con su aparición en el Día de la Marmota en 1993. Cada mañana suena en el despertador de la habitación de Bead and Breakfast de Phil Connors, y es el símbolo de que el ciclo vuelve a comenzar.

Ha sido versionada por múltiples artistas, incluyendo UB40 & Chrissie Hynde, quienes la llevaron nuevamente a las listas de éxitos en los 80.

Punto de encuentro y planning de la velada

El punto de encuentro será en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) el próximo martes a las 19:30h.

Las veladas se dividirán en tres partes. La primera media hora la dedicaremos a tomar algo, a presentar la película y a conocernos. Después a las 20:00h tendremos la proyección. Todas las proyecciones se realizan en VOSE. Para finalizar tendremos un coloquio que durará hasta las 23:00h.

¿Cómo será el coloquio?

Los encuentros son participativos y queremos conocer vuestra opinión para que se pueda generar un debate abierto y constructivo. No es necesario conocimiento de cine para participar y es más, huimos del conversador pedante ya que para ellos tenemos a la wikipedia. ¡Queremos que cada martes seamos capaces de generar algo fantástico y diferente!. ¡Queremos saber lo que sientes y que seas capaz de contarlo!

A partir del tema de discusión y de lo visto en la película, las historias personales son bienvenidas y además, son una buena forma de dar a conocer lo que pensamos y lo que sentimos. ¡Nuestro deseo es que participes y seas activo!

Cine y el debate siempre van de la mano, y por eso queremos que te hagas fan de nuestro conejo blanco con un solo ojo.

¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas

El coste de inscripción a la sesión de debate y coloquio es gratuita para los socios de Happening Madrid y para el resto aquello con lo que deseéis y podáis participar. Se puede  reservar en entradium en este enlace:

https://entradium.com/events/cine-debate-de-los-martes

donde tendréis varias opciones a elegir:

Las invitaciones gratuitas para los socios
La reserva gratuita para hacer luego la aportación que se desee a la finalización del coloquio
Los que deseen hacer una aportación de 3€
Los que deseen hacer una aportación de 5€

y además debes de reservar por whatsapp en cualquiera de estos números

Ángel (https://wa.me/+34640743115)
María (https://wa.me/+3463063998)

Las plazas son muy limitadas

¿Cómo hacer las reservas y pagos a Happening Madrid de cada una de las experiencias?

¿Qué es Happening Madrid?

¿Cómo apuntarte a nuestras experiencias? Los enlaces

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Ausencias. Ciclo de enero de 2026 en nuestro Cine Debate “Un conejo con ojo” 

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  1. Intro
  2. 6/1/26. The Vanishing (George Sluizer, 1988). La obsesión frente a lo inacabado.
  3. 13/01 L’Avventura  (Michelangelo Antonioni, 1960). La incomunicación y el vacío moderno.
  4. 20/1 Caché (Michael Haneke, 2005). La culpa y la memoria reprimida.
  5. 27/01 Picnic at Hanging Rock (Peter Weir, 1975). El misterio y la imposibilidad de comprender.
  6. Punto de encuentro y planning de la velada
  7. ¿Cómo será el coloquio?
  8. ¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas
Información y reservas

Intro

Enero es un mes que invita a reflexionar sobre lo que ya no está. El año que comienza sustituye al que se ha ido, y en ese tránsito se filtran el silencio, la introspección y cierta sensación de soledad. No en vano, a este mes se le asocia el llamado “Blue Monday”, ese día que simboliza el bajón emocional del invierno. 

Desde nuestro cine debate “Un conejo con ojo”, hemos querido dedicar enero a las ausencias: a las presencias que se desvanecen, a los huecos que permanecen abiertos, a lo que desaparece y sin embargo sigue determinándolo todo. 

Las cuatro películas que conforman este ciclo —The Vanishing, L’Avventura, Caché y Picnic at Hanging Rock— proponen una reflexión audiovisual sobre la desaparición como estado moral y emocional, más allá del misterio o de cualquier resolución narrativa. Cada historia nos hace pensar en cómo la ausencia transforma miradas, relaciones y narraciones. 

El ciclo Ausentes son cuatro propuestasque atraviesan el territorio del vacío, del silencio y de lo inacabado. Son películas que nos invitan a mirar de frente aquello que se escapa y que no está. Un enfoque que nos hará descubrir una nueva manera de sentir y de pensar el cine.

Todos los martes de enero de 2026 a las 19:30h en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17).

6/1/26. The Vanishing (George Sluizer, 1988). La obsesión frente a lo inacabado.

La desaparición de una joven en una gasolinera se convierte en el detonante de una obsesión que consume los años y destruye la posibilidad de seguir viviendo. George Sluizer filma con precisión glacial una de las obras más perturbadoras del cine europeo contemporáneo. 

Aquí, la necesidad de saber se revela como una trampa moral: conocer la verdad tiene un precio insoportable. The Vanishing nos enfrenta a la pregunta de si el deseo de certeza puede anular la vida misma.

 Preguntas para el debate 

– ¿Qué nos impulsa realmente a necesitar saberlo todo? 
– ¿Puede la búsqueda de respuestas convertirse en un modo de no aceptar la pérdida?
– ¿Hasta qué punto es posible convivir con la incertidumbre?

Ficha

https://www.filmaffinity.com/es/film627268.html

13/01 L’Avventura  (Michelangelo Antonioni, 1960). La incomunicación y el vacío moderno.

Antonioni convirtió la desaparición de una mujer durante un viaje por el Mediterráneo en un punto de inflexión del cine moderno. Aquí la ausencia se transforma en una forma de mirar. La búsqueda se diluye y el deseo se desplaza, hasta que el vacío se vuelve paisaje. 

La desaparición se convierte en experiencia. La película retrata la incomunicación, la incapacidad de los vínculos y el desconcierto existencial de una sociedad donde nadie parece poder conectar con el otro.

Preguntas para el debate 

– ¿Qué refleja la película sobre la dificultad de sentir en un mundo saturado de presencia?
¿Por qué la desaparición funciona como metáfora de la crisis de sentido?
¿Cómo consigue Antonioni convertir la ausencia en forma estética?

Ficha

https://www.filmaffinity.com/es/film376399.html

20/1 Caché (Michael Haneke, 2005). La culpa y la memoria reprimida.

Un matrimonio comienza a recibir cintas de vídeo anónimas que muestran su propia vida cotidiana. No falta un cuerpo, sino una responsabilidad. Michael Haneke convierte la desaparición en un espejo incómodo donde se revelan la culpa y la negación colectiva. 

A través de la mirada y la vigilancia, el film indaga en la fragilidad de la verdad y en la violencia de lo que se ha querido olvidar. Caché es una reflexión inquietante sobre la memoria silenciada y la responsabilidad moral.

Preguntas para el debate 

– ¿Qué mecanismos usamos para ocultar lo que no queremos recordar?
– ¿Hasta qué punto la mirada puede ser también una forma de violencia?
– ¿Somos, como sociedad, responsables de las desapariciones que decidimos no mirar?

Ficha

https://www.filmaffinity.com/es/film420247.html

27/01 Picnic at Hanging Rock (Peter Weir, 1975). El misterio y la imposibilidad de comprender.

Durante una excursión escolar en el año 1900, varias jóvenes desaparecen en una formación rocosa. Nadie comprende qué ha pasado. Peter Weir filma uno de los misterios más poéticos del cine, donde el tiempo parece suspenderse y el paisaje adquiere una fuerza hipnótica. 

No hay respuestas, solo un vacío que desarma cualquier intento de explicación racional. Picnic at Hanging Rock nos enfrenta a los límites del conocimiento y al poder de lo inexplicable.

Preguntas para el debate 

– ¿Por qué necesitamos una explicación frente a lo que no podemos entender?
– ¿Qué papel juega la naturaleza como presencia ambigua o fuerza indomable?
– ¿Qué ocurre cuando el cine decide no cerrar el relato?

Ficha

https://www.filmaffinity.com/es/film213266.html

Punto de encuentro y planning de la velada

El punto de encuentro será en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) el próximo martes a las 19:30h.
Las veladas se dividirán en tres partes. La primera media hora la dedicaremos a tomar algo, a presentar la película y a conocernos. Después a las 20:00h tendremos la proyección. Todas las proyecciones se realizan en VOSE. Para finalizar tendremos un coloquio que durará hasta las 23:00h.

¿Cómo será el coloquio?

Los encuentros son participativos y queremos conocer vuestra opinión para que se pueda generar un debate abierto y constructivo. No es necesario conocimiento de cine para participar y es más, huimos del conversador pedante ya que para ellos tenemos a la wikipedia. ¡Queremos que cada martes seamos capaces de generar algo fantástico y diferente!. ¡Queremos saber lo que sientes y que seas capaz de contarlo!
A partir del tema de discusión y de lo visto en la película, las historias personales son bienvenidas y además, son una buena forma de dar a conocer lo que pensamos y lo que sentimos. ¡Nuestro deseo es que participes y seas activo!
Cine y el debate siempre van de la mano, y por eso queremos que te hagas fan de nuestro conejo blanco con un solo ojo.

¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas

El coste de inscripción a la sesión de debate y coloquio es gratuita para los socios de Happening Madrid y para el resto aquello con lo que deseéis y podáis participar (5€ generalmente por bizum al 654805437

Ángel ([https://wa.me/+34640743115](https://wa.me/+34640743115))
María ([https://wa.me/+3463063998](https://wa.me/+3463063998))
Las plazas son muy limitadas

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Gamberra Navidad. Ciclo de diciembre

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  1. Intro
  2. Martes 9 de diciembre. Kiss Kiss, Bang Bang (Shane Black, 2005, EE.UU., 102’)
  3. Martes 16 de diciembre. Gremlins. (Joe Dante, 1984, EE.UU., 111’)
  4. Martes 30 de diciembre. El día de la bestia. (Álex de la Iglesia, 1995, España, 103’)
  5. Punto de encuentro y planning de la velada
  6. ¿Cómo será el coloquio?
  7. ¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas
Información y reservas

Intro

Para este mes de diciembre proponemos un breve ciclo dedicado a la cara irreverente de la Navidad. Tres películas que desmontan el decorado tradicional, rompen el envoltorio festivo y revelan lo que hay debajo: caos, humor negro y un espíritu contestatario que combina muy bien con estas fechas: El día de la bestia, Gremlins y Kiss Kiss, Bang Bang

Martes 9 de diciembre. Kiss Kiss, Bang Bang (Shane Black, 2005, EE.UU., 102’)

https://www.filmaffinity.com/es/film455962.html

Shane Black firma un noir juguetón y ácido ambientado en una Navidad de escaparate en Los Ángeles. Un ladrón que tropieza con Hollywood, un detective sarcástico y una actriz que no logra salir de la precariedad se ven envueltos en una trama que mezcla crimen, industria y sátira.

En el debate hablaremos de cómo Shane Black usa la Navidad como contraste irónico para exponer una ciudad llena de impostura; del juego metanarrativo del narrador; de la mezcla de géneros entre el noir clásico y la comedia negra; y del modo en que la película desmantela los tópicos de Hollywood desde dentro.

Martes 16 de diciembre. Gremlins. (Joe Dante, 1984, EE.UU., 111’)

https://www.filmaffinity.com/es/film455839.html

Joe Dante convierte la Navidad en un laboratorio del caos: un regalo adorable se transforma en una invasión de criaturas que atacan todo lo que la cultura popular considera “espíritu navideño”. Humor mordaz, sátira del consumismo y una mirada nada ingenua al sueño americano.

En el debate trataremos el uso del monstruo como reflejo del exceso; la crítica al consumo como religión laica; la tensión entre lo familiar y lo siniestro; y cómo Dante mezcla terror cómico con un retrato muy lúcido del miedo a que el hogar deje de ser un refugio.

Martes 30 de diciembre. El día de la bestia. (Álex de la Iglesia, 1995, España, 103’)

https://www.filmaffinity.com/es/film926890.html

Álex de la Iglesia sitúa el Apocalipsis en un Madrid saturado de luces, ruido y contradicciones. Un cura obsesionado, un heavy perdido y un showman oportunista recorren una ciudad que parece fabricada con restos de anuncios, frustraciones y una energía a punto de estallar.

El Día de la Bestía

En el debate profundizaremos en la representación de Madrid como personaje; la mezcla de horror, sátira y cine urbano deudor del cómic; la crítica a los medios y al sensacionalismo; el choque entre fe, marginalidad y espectáculo; y el modo en que la película captura el nervio social de los años 90

Punto de encuentro y planning de la velada

El punto de encuentro será en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) el próximo martes a las 19:30h.
Las veladas se dividirán en tres partes. La primera media hora la dedicaremos a tomar algo, a presentar la película y a conocernos. Después a las 20:00h tendremos la proyección. Todas las proyecciones se realizan en VOSE. Para finalizar tendremos un coloquio que durará hasta las 23:00h.

¿Cómo será el coloquio?

Los encuentros son participativos y queremos conocer vuestra opinión para que se pueda generar un debate abierto y constructivo. No es necesario conocimiento de cine para participar y es más, huimos del conversador pedante ya que para ellos tenemos a la wikipedia. ¡Queremos que cada martes seamos capaces de generar algo fantástico y diferente!. ¡Queremos saber lo que sientes y que seas capaz de contarlo!
A partir del tema de discusión y de lo visto en la película, las historias personales son bienvenidas y además, son una buena forma de dar a conocer lo que pensamos y lo que sentimos. ¡Nuestro deseo es que participes y seas activo!
Cine y el debate siempre van de la mano, y por eso queremos que te hagas fan de nuestro conejo blanco con un solo ojo.

¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas

El coste de inscripción a la sesión de debate y coloquio es gratuita para los socios de Happening Madrid y para el resto aquello con lo que deseéis y podáis participar (5€ generalmente por bizum al 654805437

Ángel ([https://wa.me/+34640743115](https://wa.me/+34640743115))
María ([https://wa.me/+3463063998](https://wa.me/+3463063998))
Las plazas son muy limitadas

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Experiencias Happening (6-9 de noviembre de 2025)

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  1. Jueves 6 20:00h Afterwork. Teatro AZarte. Estreno de Reencuentro
    1. Reencuentro
    2. Enlaces con las entradas
    3. Punto de encuentro y planning del meetup
    4. Precio y reservas
  2. Viernes 7 22:00h Tapeo Barrio de las Letras y Happening Soul Train Underground Party
    1. El tapeo
    2. Precio del Meetup
  3. Viernes 7 23:30h Happening Soul Train Underground Party, Sessions, Soul Train Line
    1. Underground Party
    2. Precio del Meetup
  4. Sábado 8 18:00h Tardeo Indie de Madrid. Teatro Magno ¡Bailar sin parar!
    1. El plan
    2. Grupo de Whatsapp para el tardeo
    3. Punto de encuentro y plannig del meetup
    4. Precio de la inscripción al meetup
  5. Domingo 9 13:00h Serrería Belga (1001 Quijotes). Macao (japo oriental). Cheer Karaoke
    1. Lo que haremos
    2. Punto de encuentro y planning del Meetup
    3. Precio y reservas
  6. ¿Qué es Happening Madrid?
  7. ¿Cómo hacer lar reservas y pagos a Happening Madrid?
  8. Resumen de las experiencias Happening del 6 al 9de Noviembre de 2025
    1. Jueves 6
      1. 20:15 Taberna Ángel Sierra (C/ Gravina, 11) 21:00h Sala Azarte (C. de San Marcos, 19)
    2. Viernes 7
      1. 22:00h Cervecería El Diario a las 22:00h (C/ Huertas, 69). 23:30h Muller Bar (C/ Huertas 38)
    3. Sábado 8
      1. 18:00h Bar Los Pinchitos (C. de los Madrazo, 7)  18:45 Teatro Magno (C. de Cedaceros, 7)  
    4. Domingo 9
      1. 13:00h Espacio Cultural la Serrería Belga (C. de la Alameda, 15) 15:00h Macao Príncipe (c/ Príncipe, 16 ). 17:00h Cheers Karaoke (C. de las Huertas, 50)
Reservas por WhatsApp

Un fin de semana lleno de sorpresas: tabernas centenarias, teatro, Chueca, tapeo, Barrio de las Letras, Happening Soul Train Underground en Muller, Tardeo Indie, Exposición Mil y Un Quijotes, comida japo oriental en Maco y Karaoke.

¿Te atreves con todo? ¡Te espero!

Apúntate en  https://www.meetup.com/happening-gp/events/

Jueves 6 20:00h Afterwork. Teatro AZarte. Estreno de Reencuentro

https://www.meetup.com/happening-gp/events/311855997/

Reencuentro

El jueves 6 de noviembre a las 21:00h se estrena REENCUENTRO en la Sala AZarte, un monólogo de Walter de la Reta, con texto de María Inés González y Miguel Ángel Cárcano.

La obra trata sobre Juan y Alberto, dos amigos de la universidad que se reencuentran tras veinte años sin verse. En otra época, uno se llevaba el mundo por delante y el otro era el típico perdedor, pero años de frustraciones y triunfos los han puesto en otro lugar. Alberto cree que toca un ajuste de cuentas, sin saber que Juan también necesita algo de él. Como dos caras de una misma moneda, cada uno de ellos es parte del otro.

Enlaces con las entradas

https://www.atrapalo.com/entradas/reencuentro_e4930971/

Reencuentro

https://teatromadrid.com/espectaculo/reencuentro

Punto de encuentro y planning del meetup

A las 20:15 quedamos en la Taberna Ángel Sierra (C/ Gravina, 11) entrando por su puerta de la Calle de San Gregorio. La taberna se encuentra en la mismísima plaza de Chueca. Es un lugar único y centenario con un excelente vermú de grifo.

A las 21:00h dará comienzo la obra en la Sala Azarte, que se encuentra muy cerca

https://maps.app.goo.gl/pia61qbLxL3nZaRR7

Precio y reservas

El precio de inscripción al meetup es de 5€. Gratis para socios de Happening Madrid.

Cada cual ha de comprar la entrada al teatro

Viernes 7 22:00h Tapeo Barrio de las Letras y Happening Soul Train Underground Party

https://www.meetup.com/happening-gp/events/311869716/

El tapeo

Tapeo previo a la fiesta en la conocida Cervecería El Diario a las 22:00h (C/ Huertas, 69). Aquí podemos tomar raciones y canapés de todo tipo.

Entre 23h y 23:30h nos acercaremos a Muller Bar (C/ Huertas 38) para asistir al Happening Soul Train Underground Party.

Precio del Meetup

Gratis para socios de Happening Madrid. 5€ para el resto

Viernes 7 23:30h Happening Soul Train Underground Party, Sessions, Soul Train Line

https://www.meetup.com/happening-gp/events/311747082/

Underground Party

Te esperamos en la mejor fiesta del año en Muller Bar (Calle de las Huertas, 38)

🔥 Happening Soul Train – 7 de noviembre🔥

¿Te gustan las buenas fiestas donde estás on fire?

¿Eres del rollo retro? ¿De los que bailan hasta que los pies dicen basta?

¿Tu alma analógica se rebela contra el mundo líquido y virtual?

🎶 Happening Soul Train Party es justo lo que necesitas.

No es una fiesta cualquiera. Es una explosión de energía funky y disco 70-80s.

¡Como si entraras en un episodio de Soul Train! 🚂💃

💥 Música que ha quemado las pistas:

Blaxplo · P-Funk · B-Funk · Funky Disco · 90s · House · Neo Soul

🎧 Actuaciones en directo · DJs

🕺 Soul Train Line · Bailarines · Ambientazo

🪩 Dress code: ¡Saca tu mejor outfit disco!

✨ Siéntete como uno de los Chic con Nile Rodgers en el Studio 54 del NY del 78.

(No hace falta que compongas Le Freak, solo baila como si lo hubieras hecho 😉)

🔮 Una obra efímera e hipnótica que durará más que la historia de Cenicienta.

🥐 Y cómo estás en Madrid, puedes acabar desayunando porras en San Ginés 😋

🎟️ RESERVAS E INFORMACIÓN POR WHATSAPP AL 6740743115  CON ENTRADA LIBRE Y GRATUITA

Precio del Meetup

Gratuito para socios y no socios de Happening Madrid

Sábado 8 18:00h Tardeo Indie de Madrid. Teatro Magno ¡Bailar sin parar!

https://www.meetup.com/happening-gp/events/311869784/

El plan

Volvemos al tardeo indie de Madrid (https://tardeomadrid.es/) para comenzar el 2025.
Indie & Hits desde las 18:00 hasta las 00:00 en el Teatro Magno (C. de Cedaceros, 7)
Tres Djs para en cada sesión
Entrada gratuita con invitaciones para Happening Madrid toda la tarde
Entradas e invitaciones en:
https://tardeomadrid.es/

Grupo de Whatsapp para el tardeo

https://chat.whatsapp.com/FcsZ0eNMiMKFkLIcq9Uc2e

Punto de encuentro y plannig del meetup

El punto de encuentro será en el bar Los Pinchitos (C. de los Madrazo, 7) donde quedaremos para reunirnos y tomarnos la primera caña a las 18:00h. Sobre las 18:45h entraremos en el Teatro Magno (C. de Cedaceros, 7)  para disfrutar el tardeo.
Dependiendo de los asistentes y de aquello que queráis después del tardeo iremos a tomar algo y seguiremos por la noche.

Precio de la inscripción al meetup

El precio de inscripción al meetup es de 5€. Gratis para socios de Happening Madrid.

Domingo 9 13:00h Serrería Belga (1001 Quijotes). Macao (japo oriental). Cheer Karaoke

https://www.meetup.com/happening-gp/events/

Lo que haremos

Comenzamos este domingo 9 de Noviembre de 2025, día de la Almudena, en el Espacio Cultural la Serrería Belga (C. de la Alameda, 15) en donde veremos la exposición Mil y Un Quijotes. Allí quedaremos a las 13:00h.

https://www.serreria-belga.es/actividades/mil-y-un-quijotes-de-el-paular-al-castillo-de-peralada

Tras la visita a la exposición iremos a comer la deliciosa (y muy bien de precio) comida japonesa y oriental de Macao Príncipe (c/ Príncipe, 16 ).

https://restaurantemacao.es/principe/
Tras la comida iremos al Cheers Karaoke (C. de las Huertas, 50) a demostrar nuestras habilidades al micrófono.

https://www.cherskaraoke.com/

Punto de encuentro y planning del Meetup

A las 13:00h en la entrada del Espacio Cultural la Serrería Belga (C. de la Alameda, 15)

De 13:15h a 14:30h estaremos en la Serrería Belga viendo la exposición Mil y Un Quijotes

Nos veremos a las 14:30h en la puerta de entrada de la Serrería Belga para emprender el camino hacia Macao Príncipe. Un paseo de un km que nos llevará desde la Calle de la Alameda hasta la Calle del Príncipe por la Calle de Huertas.

A las 15:00h tenemos la reserva a mi nombre (Ángel Chamorro) para comer en Macao Príncipe. Tenemos varias opciones muy baratas y apetecibles. En principio he reservado 8 plazas con 30% de descuento en carta. Según os vayáis apuntado y me vayáis diciendo iré reservando más espacio.

Sobre las 17:00 iremos al Cheers Karaoke (C. de las Huertas, 50).

Precio y reservas

El precio de inscripción al meetup es de 5€. Gratis para socios de Happening Madrid.

¿Qué es Happening Madrid?

¿Cómo hacer lar reservas y pagos a Happening Madrid?

Resumen de las experiencias Happening del 6 al 9de Noviembre de 2025

Jueves 6

20:15 Taberna Ángel Sierra (C/ Gravina, 11)
21:00h Sala Azarte (C. de San Marcos, 19)

Viernes 7

22:00h Cervecería El Diario a las 22:00h (C/ Huertas, 69).
23:30h Muller Bar (C/ Huertas 38)

Sábado 8

18:00h Bar Los Pinchitos (C. de los Madrazo, 7) 
18:45 Teatro Magno (C. de Cedaceros, 7)  

Domingo 9

13:00h Espacio Cultural la Serrería Belga (C. de la Alameda, 15)
15:00h Macao Príncipe (c/ Príncipe, 16 ).
17:00h Cheers Karaoke (C. de las Huertas, 50)

Apúntate en  https://www.meetup.com/happening-gp/events/

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Terroríficamente divertidas. Comedias de Terror este mes de noviembre en nuestro Cine Debate “Un conejo con ojo”

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Información y reservas
  1. La peliculas y los temas
    1. 🐺 An American Werewolf in London (John Landis, 1981). Metamorfosis, culpa y humor negro.
    2.  Evil Dead II (Sam Raimi, 1987). Exceso, cuerpo, delirio
    3. 🧛 What We Do in the Shadows (Taika Waititi & Jemaine Clement, 2014). La inmortalidad doméstica.
    4. 👠 The Rocky Horror Picture Show (Jim Sharman, 1975). Transgresión, · identidad, ritual
  2. An American Werewolf in London (John Landis, 1981). Metamorfosis, culpa y humor negro
    1. Acerca de
    2. Sinopsis
    3. El debate. Los temas de An American Werewolf in London
      1. La metamorfosis y el cuerpo como enemigo
      2. La culpa y la herencia de la violencia
      3. El humor como defensa frente al horror
      4. El choque cultural
      5. El deseo reprimido
      6. La soledad del condenado
    4. Las preguntas para el debate
    5. Ficha
    6. Trailer
    7. Historia de la película
      1. Recepción de la crítica
      2. Éxito comercial
      3. Cómo se convierte en película de culto
      4. Qué significa para el cine actual
      5. Influencia en otras películas y directores
      6. En resumen
    8. La banda sonora de An American Werewolf in London
    9. Acerca del director
  3. 🧛 What We Do in the Shadows (Taika Waititi & Jemaine Clement, 2014). La inmortalidad doméstica.
    1. Acerca de
    2. Sinopsis
    3. El debate. Los temas de What We Do in the Shadows
      1. Desmitificando al monstruo
      2. La convivencia y la eternidad
      3. El choque entre lo antiguo y lo moderno
      4. El humor como medicina frente al miedo
      5. El monstruo como espejo social
    4. Preguntas para el debate
    5. La banda sonora de What We Do in the Shadows (2014)
    6. Historia de la película
      1. Recepción crítica
      2. Éxito comercial
      3. Película de culto
      4. Qué significa para el cine actual
      5. Influencia en otras películas y directores
      6. En resumen
    7. Ficha
    8. Tráiler
    9. Acerca de los directores
  4. 🪓 Evil Dead II (Sam Raimi, 1987). Exceso, cuerpo y delirio
    1. Acerca de
    2. Sinopsis
    3. Los temas principales de Evil Death II
      1. El cuerpo y la transformación
      2. El humor en el terror
      3. El mal como presencia abstracta
      4. El héroe accidental
      5. El estilo visual
    4. Preguntas para el debate
    5. La banda sonora
    6. Historia de Evil Death II
      1. Producción y rodaje
      2. Recepción y legado
      3. Importancia en el cine contemporáneo
    7. Ficha
    8. Tráiler
    9. Sobre el director
  5. The Rocky Horror Picture Show (Jim Sharman, 1975). Transgresión, · identidad, ritual
    1. Acerca de
    2. Sinopsis
    3. Temas que aborda The Rocky Horror Picture Show
    4. El debate. Preguntas para reflexionar:
    5. Historia de la película The Rocky Horror Picture Show 
      1. Recepción de la crítica
      2. Éxito comercial y cultural
      3. Cómo se convirtió en película de culto
      4. Qué significa para el cine actual
      5. Influencia en otras películas y directores
      6. En resumen
    6. Ficha de The Rocky Horror Picture Show
    7. Trailer
    8. Banda sonora
    9. Acerca del director
  6. Punto de encuentro y planning de la velada
  7. ¿Cómo será el coloquio?
  8. ¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas

En el mes de noviembre en nuestre Cine Debate “Un conejo con ojo” combinamos humor con terror para traeros un ciclo de cuatro películas “Terroríficamente divertidas”. Comenzaremos el martes cuatro con An American Werewolf in London (Un hombre lobo americano en Londres) el clásico de 1981 del director John Landis.  AL segunda entrega para el 11 de noviembre será What We Do in the Shadows (Lo que hacemos en las sombras) del año 2014 y dirigida por Taika Waititi & Jemaine Clement. El martes 21 tendrá su turno Evil Dead II(Terrorificamente muertos) de Sam Raimi del año 1987. Cerramos el ciclo con The Rocky Horror Picture Show el clásico de culto del año 1975 dirigido por Jim Sharman

¡Nos esperan unas divertidísimas y aterradoras veladas de cine y charla!

Te esperamos cada martes a las 19:30h en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) para compartir maravillosa películas y debates. Acompáñanos en esta nueva aventura cinematográfica de la mano de nuestro conejo blanco con un solo ojo.

La peliculas y los temas

🐺 An American Werewolf in London (John Landis, 1981). Metamorfosis, culpa y humor negro.

¿Qué hace que este film mantenga su equilibrio entre el miedo y la comedia sin volverse parodia?
¿La transformación del protagonista es castigo, liberación o simple destino biológico?
¿El humor atenúa el horror o lo hace más humano?

 Evil Dead II (Sam Raimi, 1987). Exceso, cuerpo, delirio

¿Por qué el humor físico resulta tan efectivo en medio del gore?
¿Dónde termina el terror y empieza la autoparodia?
¿Es Ash un héroe o un payaso trágico del caos?

🧛 What We Do in the Shadows (Taika Waititi & Jemaine Clement, 2014). La inmortalidad doméstica.

¿Qué revela esta comedia sobre nuestra necesidad de normalizar incluso lo monstruoso?
¿Se burla de los vampiros o los humaniza?
¿Qué queda del mito cuando lo convertimos en rutina?

👠 The Rocky Horror Picture Show (Jim Sharman, 1975). Transgresión, · identidad, ritual

¿Por qué esta película sigue siendo un acto de liberación medio siglo después?
¿Es una parodia del terror o un himno al exceso como forma de libertad?
¿Qué lugar ocupa el público: espectador, creyente o cómplice?

An American Werewolf in London (John Landis, 1981). Metamorfosis, culpa y humor negro

Acerca de

Abrimos el ciclo de noviembre “Terroríficamente Divertidas” con An American Werewolf in London (Un hombre lobo americano en Londres) , el clásico de John Landis que combinó el mito del hombre lobo con una mezcla de comedia negra, romance trágico y terror visceral. Estrenada en 1981, fue una rareza en su tiempo: una película capaz de hacer reír, pero también de helarte la sangre.

Landis, conocido por su sentido del ritmo cómico, encontró aquí el equilibrio imposible entre el horror puro y la ironía británica. Dos jóvenes americanos recorren a pie los páramos de Yorkshire y, tras un ataque de una criatura salvaje, uno de ellos muere y el otro sobrevive… para descubrir que lleva dentro la maldición del licántropo. Lo que sigue no es solo una historia de terror, sino una comedia macabra sobre la culpa, la transformación y el instinto reprimido.

En An American Werewolf in London, el humor surge del desconcierto que produce ver cómo lo cotidiano se corrompe por lo sobrenatural. Lo que parece una broma cruel del destino se convierte en una parábola sobre la pérdida del control y la imposibilidad de huir de lo que somos.

Sinopsis

David y Jack son dos amigos estadounidenses que viajan por Inglaterra haciendo autostop. En mitad de la noche llegan a un pueblo donde son recibidos con frialdad en un pub cuyo nombre The Slaughtered Lamb. Pese a las advertencias, se internan en la niebla y son atacados por una criatura monstruosa. Jack muere, David sobrevive con heridas que pronto revelan su verdadera naturaleza. Mientras su amigo reaparece desde el más allá para advertirle, David intenta aferrarse a una vida normal en Londres… hasta que la luna llena reclama su precio.

El debate. Los temas de An American Werewolf in London

La película entrelaza humor, horror y tragedia. Algunos de los temas que de los que hablaremos son:

La metamorfosis y el cuerpo como enemigo

La transformación física es un momento de máxima angustia. El humor se congela y el cuerpo se convierte en una cárcel.

La culpa y la herencia de la violencia

Nuestro protagonista, David, no elige su destino, pero debe cargar con el peso de cada muerte.

El humor como defensa frente al horror

Las bromas de Jack o la ironía de las situaciones no alivian, sino que subrayan el absurdo de lo inevitable.

El choque cultural

Un americano perdido en la tradición inglesa del horror gótico: el extranjero como monstruo literal.

El deseo reprimido

La relación entre David y la enfermera Alex es tan tierna como trágica; el deseo humano convive con el animal interior.

La soledad del condenado

La licantropía más que castigo divino se convierte en un aislamiento existencial.

Las preguntas para el debate

¿Qué simboliza la transformación del protagonista: el despertar de la violencia, la pérdida de identidad o la naturaleza humana desatada?
¿El humor ayuda a sobrellevar el horror o lo vuelve más inquietante?
¿Hasta qué punto el film ridiculiza o dignifica el mito del hombre lobo?
¿Qué relación hay entre el deseo, la culpa y la transformación?
¿Por qué la película nos hace empatizar con el monstruo y no con los humanos?
¿Podemos leer la historia como una metáfora del trauma o de la adolescencia —ese momento en que el cuerpo cambia y asusta?
¿Qué aporta el tono británico al humor negro del relato?
¿Por qué el final, tan brutal, resulta inevitablemente melancólico?

Ficha

https://www.filmaffinity.com/es/film949999.html

Trailer

Historia de la película

John Landis escribió el guion de An American Werewolf in London en 1969, cuando tenía apenas dieciocho años y trabajaba como asistente en Yugoslavia durante el rodaje de Kelly’s Heroes. Inspirado por un entierro gitano que presenció —en el que los aldeanos cubrieron el cuerpo con ajo y sellaron la tumba con cadenas “para que no saliera”—, Landis concibió una historia donde el terror y la risa podían convivir sin traicionarse. Pasarían más de diez años antes de que los estudios se atrevieran a financiarla: nadie entendía cómo una película podía ser demasiado divertida para ser de terror, y demasiado sangrienta para ser comedia.

Finalmente, en 1981, con el éxito de Animal House y The Blues Brothers, Landis consiguió la luz verde para su proyecto. Rodó entre Gales y Londres con un presupuesto de unos 10 millones de dólares. Los efectos especiales quedaron a cargo de Rick Baker, cuyo trabajo en la transformación de David (David Naughton) a lobo cambió para siempre la historia del maquillaje cinematográfico: fue tan innovador que la Academia creó un nuevo premio, el Oscar al Mejor Maquillaje, solo para reconocer su logro.

Recepción de la crítica

En su estreno, An American Werewolf in London dividió a la crítica. Algunos la consideraron una blasfemia tonal; otros, una genialidad. The New York Times la describió como “una sátira brillante escondida en una pesadilla”, mientras The Guardian la tachó de “groseramente desequilibrada”. Sin embargo, Roger Ebert la defendió como una obra de terror moderna con un sentido del humor cruelmente humano.
El público, en cambio, la entendió de inmediato: se rieron, se asustaron, y salieron del cine tarareando Blue Moon.

Éxito comercial

Estrenada el 21 de agosto de 1981, la película fue un éxito rotundo en taquilla. Recaudó más de 60 millones de dólares en todo el mundo —seis veces su presupuesto— y se mantuvo semanas entre las más vistas tanto en EE. UU. como en Reino Unido. Su mezcla de horror gráfico, ironía pop y banda sonora compuesta solo por canciones que mencionan la luna (de Sam Cooke a Creedence Clearwater Revival) se volvió irresistible para el público joven.

Cómo se convierte en película de culto

Con el tiempo, la película encontró su lugar más allá del éxito comercial. En los noventa y dos mil, las proyecciones en cines de medianoche, las ediciones especiales en VHS y luego en Blu-Ray consolidaron su estatus de culto. El humor negro, los efectos prácticos de Baker y el retrato melancólico del monstruo resonaron con una generación que buscaba ironía sin perder emoción.
An American Werewolf in London no solo modernizó al hombre lobo; lo volvió trágico, cómico y profundamente humano. Esa mezcla —tan improbable— es lo que mantiene viva su mitología.

Qué significa para el cine actual

Hoy se considera una de las película que marcó el paso del horror clásico al horror moderno. La película demostró que el género de terror podía combinarse con la comedia sin caer en la parodia. Su tono —a medio camino entre la tragedia y la carcajada— anticipa la sensibilidad del cine contemporáneo. Además, An American Werewolf in London fue pionera en tratar la transformación física con realismo doloroso, abriendo el camino al body horror psicológico y emocional.

Influencia en otras películas y directores

Edgar Wright (director de Shaun of the Dead) ha citado la película como su modelo perfecto de comedia de terror equilibrada.

John Landis influenció a Sam Raimi, cuyo Evil Dead II repite esa combinación de slapstick y horror visual.

Neill Blomkamp, Guillermo del Toro y Jordan Peele han reconocido su deuda con la forma en que Landis usa el humor para revelar el miedo social y la violencia reprimida.

La transformación de David inspiró directamente los efectos de The Thing (1982) de John Carpenter y The Fly (1986) de David Cronenberg.

En la cultura popular, desde Thriller (el videoclip de Michael Jackson, también dirigido por Landis) hasta Teen Wolf, su sombra se extiende sobre toda representación del monstruo como víctima.

En resumen

An American Werewolf in London, aparte de ser unapelícula de terror con toques de humor es una reflexión disfrazada de broma sobre la culpa, el deseo y el miedo a uno mismo. Un film que enseñó que reírse del monstruo más real pero no menos aterrador.

La banda sonora de An American Werewolf in London

Toda la banda sonora de An American Werewolf in London está compuesta por canciones que mencionan la luna. Mientras David se desintegra entre culpa, deseo y pelaje, suena un jukebox cósmico sobre romanticismo lunar y transformaciones inevitables.

“Blue Moon” – Bobby Vinton (1961)
Suena en los créditos iniciales. Melosa, casi empalagosa, establece el tono de humor negro: el romanticismo de una balada sobre amor perdido frente a un ataque salvaje en los páramos.

“Bad Moon Rising” – Creedence Clearwater Revival (1969)
Acompaña una de las escenas más inquietantes: David, ajeno a lo que le espera, se prepara para transformarse. El estribillo (“I see a bad moon rising”) funciona como profecía y burla a la vez.

“Moondance” – Van Morrison (1970)
Suena durante la escena amorosa entre David y Alex. La luna aquí deja de ser presagio para volverse erotismo: un baile antes de la condena.

“Blue Moon” – Sam Cooke (1960)
Reaparece en versión soul, envolviendo la soledad del protagonista con una calidez engañosa.

“Blue Moon” – The Marcels (1961)
Cierra la película. La versión más festiva y absurda del tema suena justo después del desenlace más trágico, en un contraste brutal: la risa del destino sobre los créditos.

El uso de estas canciones no es casualidad. Landis sustituye la partitura orquestal típica de las películas de terror de entonces por música popular que ironiza sobre la tragedia. Es como si la radio siguiera sonando indiferente al sufrimiento del monstruo convirtiendo en horror en sátira.

Acerca del director

John Landis (Chicago, 1950) es uno de los grandes nombres del cine comercial estadounidense de los años 80. Se formó trabajando como asistente en rodajes europeos antes de debutar con Schlock (1973). Alcanzó fama mundial con las comedias National Lampoon’s Animal House (1978) y The Blues Brothers (1980), que definieron el humor anárquico de su generación.

Con An American Werewolf in London (1981) fusionó terror y comedia como nadie había hecho antes, abriendo camino a un nuevo tipo de horror híbrido. También dirigió el videoclip Thriller de Michael Jackson (1983), el más influyente de la historia, y películas como Trading Places (1983) o Coming to America (1988).

Landis es celebrado por su dominio del ritmo cómico, su amor por la cultura pop y su capacidad para convertir lo grotesco en espectáculo.

🧛 What We Do in the Shadows (Taika Waititi & Jemaine Clement, 2014). La inmortalidad doméstica.

Acerca de

Dentro del ciclo “Terroríficamente divertidas” llega este próximo martes What We Do in the Shadows (Lo que hacemos en las sombras), la comedia vampírica de culto firmada por Jemaine Clement y Taika Waititi. Rodada como un falso documental, muestra la vida cotidiana de cuatro vampiros que comparten piso en Wellington, Nueva Zelanda. Conviven entre facturas, tareas domésticas y fiestas del inframundo. Son inmortales, pero también torpes, narcisistas y ridículamente humanos.

La película desmitifica el horror con un humor absurdo y melancólico: los vampiros no dominan la noche, la sobreviven. Entre peleas por los platos sin fregar y rivalidades con hombres lobo (“no hombres perro”), aflora una ternura inesperada hacia estos seres eternamente fuera de lugar.

Sinopsis

Viago, Vladislav, Deacon y Petyr son vampiros que viven juntos desde hace siglos. Un equipo de documentalistas los sigue para mostrar su día a día: cómo se visten sin reflejo, cómo intentan entrar en clubes sin ser invitados o cómo lidian con la modernidad. Todo cambia cuando convierten accidentalmente en vampiro a un joven mortal, Nick, que les abre las puertas del siglo XXI —redes sociales incluidas—. Pero la inmortalidad, entre tareas del hogar y noches de ligoteo, resulta menos glamourosa de lo esperado.

El debate. Los temas de What We Do in the Shadows

Desmitificando al monstruo

El vampiro deja de ser símbolo de poder o deseo para volverse una figura patética, doméstica, casi entrañable.

La convivencia y la eternidad

La inmortalidad no libra de los conflictos de pareja, del tedio o del desorden compartido.

El choque entre lo antiguo y lo moderno

Las sombras góticas se disuelven bajo la luz de la era digital: selfies, internet, fiestas techno.

El humor como medicina frente al miedo

La comedia revela la fragilidad del mito: reírse de lo eterno es quizá la forma más humana de enfrentarlo.

El monstruo como espejo social

Los vampiros, marginados por naturaleza, encarnan la soledad y la necesidad de pertenecer en un mundo que ya no los entiende.

Preguntas para el debate

¿Hasta qué punto el humor desacraliza o actualiza el mito vampírico?
¿Son los personajes caricaturas o retratos fieles de la soledad moderna?
¿Qué nos dice la película sobre la convivencia y el tiempo compartido?
¿Se puede seguir siendo un “monstruo” en una sociedad que ya banaliza el horror?

La banda sonora de What We Do in the Shadows (2014)

La banda sonora de What We Do in the Shadows (2014) es una mezcla de humor, exotismo y melancolía que acompaña el periplo de los vampiros de Wellington en su rutina tragicómica. Un collage de canciones que van desde lo folclórico al pop irónico.

El tema central es “You’re Dead” de Norma Tanega (1966), una joya olvidada del folk-rock estadounidense que el film rescató del olvido. Con su ritmo ligero y su letra (“Don’t sing if you want to live long”) se convierte en un himno, que fúnebre y juguetón es una perfecta síntesis del espíritu de la película: la muerte como compañera cotidiana, el humor como defensa frente al vacío.

A su lado aparecen piezas como “Skocne” de The Black Ox Orkestar, con su aire de música klezmer que evoca la antigüedad y el nomadismo de estos vampiros anacrónicos, o temas de The Phoenix Foundation, banda neozelandesa responsable de varios cortes instrumentales que aportan textura y ritmo a la vida nocturna de Wellington.

El resultado es una banda sonora que funciona como un espejo sonoro del film: una mezcla entre lo antiguo y lo contemporáneo, lo solemne y lo absurdo.

Historia de la película

Clement y Waititi partieron de un corto homónimo rodado en 2005. Tras casi una década de desarrollo y financiación independiente, el largo se estrenó en 2014 en Sundance y conquistó a crítica y público con su mezcla de humor seco, gore artesanal y sátira de reality show. El rodaje fue en gran parte improvisado: los actores trabajaron sin guion cerrado, construyendo los gags a partir de situaciones reales del día a día.

Recepción crítica

La prensa la aclamó por reinventar la comedia de terror. Variety la llamó “una joya de humor muerto-vivo”; The Guardian la describió como “una lección de inteligencia disfrazada de broma”. En Rotten Tomatoes supera el 95% de valoraciones positivas.

Éxito comercial

Con apenas 1,6 millones de dólares de presupuesto, recaudó más de 7 en todo el mundo, convirtiéndose en fenómeno global gracias al boca a boca y a su humor universal.

Película de culto

El film dio pie a una saga inesperada: la serie homónima (2019–), premiada y aún en emisión, que amplía su universo con nuevos personajes. Sus diálogos se citan, sus memes circulan, y su tono marca un nuevo canon para la comedia sobrenatural.

Qué significa para el cine actual

What We Do in the Shadows confirmó el talento de Waititi, futuro autor de Jojo Rabbit y Thor: Ragnarok, y revitalizó el género vampírico sin necesidad de romanticismo. Su mirada tragicómica sobre la inmortalidad —más cerca del piso compartido que del castillo gótico— inauguró una corriente de terror cotidiano que hoy impregna series y películas de autor.

Influencia en otras películas y directores

La combinación de documental, sátira y horror inspiró obras como The Office of the Dead, Only Lovers Left Alive de Jarmusch, o incluso Renfield. Edgar Wright y Jordan Peele han citado su ingenio estructural como referente de cómo abordar géneros con ironía sin perder respeto por sus mitos.

En resumen

Una comedia negra que demuestra que los monstruos, con siglos encima, siguen preocupándose por las mismas nimiedades que nosotros. What We Do in the Shadows no se ríe del horror, sino con él. Es la prueba de que la inmortalidad también pasa por el absurdo.

Ficha

https://www.filmaffinity.com/es/film493854.html

Tráiler

Acerca de los directores

Jemaine Clement (Nueva Zelanda, 1974) y Taika Waititi (Nueva Zelanda, 1975) se conocieron en la universidad y formaron el dúo cómico The Humourbeasts. Su estilo combina humor seco, parodia cultural y ternura bajo el absurdo. Waititi, más tarde ganador del Oscar por Jojo Rabbit, ha convertido la ironía melancólica en su firma. Clement, por su parte, es también músico y actor (Flight of the Conchords).
Ambos representan una generación que entendió que reírse de los monstruos es la mejor forma de recordar que alguna vez lo fuimos.

🪓 Evil Dead II (Sam Raimi, 1987). Exceso, cuerpo y delirio

Acerca de

Dentro del ciclo “Terroríficamente divertidas” os traemos esta semana Evil Dead II, dirigida por Sam Raimi. Estrenada en 1987, esta película mezcla terror, comedia y efectos especiales artesanales en una propuesta visual que se convirtió en referente del género. Más que una secuela, es una nueva versión del primer Evil Dead (1981), con mayor presupuesto, un tono más irónico y un ritmo vertiginoso.

Bruce Campbell interpreta a Ash Williams, un joven que regresa a una cabaña aislada donde, tras escuchar una grabación con pasajes del Necronomicon Ex-Mortis, despierta una fuerza demoníaca. El resultado es una sucesión de escenas extremas en las que el protagonista lucha contra espíritus, objetos poseídos y su propia mente.

Sinopsis

Ash y su novia Linda se alojan en una cabaña en medio del bosque. Allí descubren una grabación de un arqueólogo leyendo el Libro de los Muertos, lo que desata la posesión de los cuerpos y el caos sobrenatural. Ash intenta sobrevivir en un entorno que se vuelve hostil: puertas que se mueven solas, muebles que se ríen, sangre por todas partes.

A lo largo de la noche llegan nuevos personajes, pero la amenaza ya ha tomado el control. La película mantiene una tensión constante entre el horror y el humor físico, con una narrativa que combina el ritmo del cómic con la energía del cine experimental.

Los temas principales de Evil Death II

El cuerpo y la transformación

El cuerpo humano aparece como espacio de lucha y deformación, elemento central del horror físico.

El humor en el terror

Raimi utiliza la exageración y el absurdo como forma de aliviar la tensión y mantener el ritmo.

El mal como presencia abstracta

la amenaza no tiene rostro ni explicación; es una fuerza invisible que domina el espacio.

El héroe accidental

Ash evoluciona de víctima a figura central del género, caracterizado por su resistencia y su humor.

El estilo visual

el movimiento de cámara se convierte en protagonista, representando la energía descontrolada del mal.

Preguntas para el debate

¿Por qué Evil Dead II logra equilibrar el miedo y la risa sin perder tensión?

¿Qué aporta su lenguaje visual al cine de terror moderno?

¿Puede considerarse una parodia del propio género o una evolución dentro de él?

La banda sonora

Joseph LoDuca compone una música que combina orquesta, sintetizadores y sonidos ambientales. El resultado es una partitura que refuerza tanto las escenas de terror como las de humor grotesco. Los efectos sonoros —voces distorsionadas, risas, golpes— actúan como parte de la atmósfera, integrados en la narración sonora.

Historia de Evil Death II

Producción y rodaje

Después del éxito del primer Evil Dead, Raimi y Bruce Campbell repitieron colaboración con un presupuesto mayor y la producción de Dino De Laurentiis. El rodaje se realizó en Carolina del Norte, en condiciones técnicas complejas debido a la cantidad de efectos prácticos y maquillaje. Raimi empleó innovaciones en cámara y montaje para intensificar la sensación de movimiento.

Recepción y legado

En su estreno, la película sorprendió por su tono autoparódico y su creatividad visual. Con el tiempo se consolidó como una de las obras más influyentes del cine de terror moderno. Críticos como los de Empire o The New York Times destacaron su originalidad y su mezcla de géneros.

El éxito posterior dio lugar a Army of Darkness (1992) y a la serie Ash vs Evil Dead (2015–2018).

Importancia en el cine contemporáneo

Evil Dead II redefinió la forma de entender el terror en los años ochenta, abriendo paso a un estilo más autorreferencial y dinámico. Su influencia se percibe en directores como Peter Jackson, Edgar Wright o Robert Rodriguez, y en películas que combinan humor y horror como Shaun of the Dead o Cabin in the Woods.

Ficha

https://www.filmaffinity.com/es/film216255.html

Tráiler

Sobre el director

Sam Raimi (Michigan, 1959) es un cineasta estadounidense conocido por su estilo visual enérgico y su capacidad para unir humor y terror. Tras dirigir Evil Dead (1981) y Evil Dead II (1987), alcanzó gran reconocimiento con Spider-Man (2002–2007). Su obra se caracteriza por el uso de cámara dinámica, montaje acelerado y una visión creativa del miedo como espectáculo cinematográfico.

The Rocky Horror Picture Show (Jim Sharman, 1975). Transgresión, · identidad, ritual

Acerca de

La cuarta entrega del ciclo “Terroríficamente divertidas” es  The Rocky Horror Picture Show (El show de terror de Rocky), el clásico de Jim Sharman que revolucionó el cine musical y de culto con una mezcla irreverente de ciencia ficción, humor absurdo y horror camp. Estrenada en 1975, la película fue una rareza en su tiempo: un espectáculo capaz de desafiar normas sociales tradicionales y construir un universo de liberación sexual y expresividad sin precedentes.

Sharman, junto con el creador Richard O’Brien, logra equilibrar la extravagancia visual con una crítica social velada. Dos recién prometidos, Brad y Janet, sufren una avería y buscan refugio en un castillo habitado por el extravagante Dr. Frank-N-Furter, un científico travesti que ha creado a Rocky Horror, un hombre perfecto. Lo que sigue es un viaje a lo surrealista y camp donde lo cotidiano se trastoca en una fiesta de identidad y deseo desbordado.

Sinopsis

Brad y Janet, una pareja tradicional y conservadora, se ven atrapados en la noche más inesperada de sus vidas al llegar por accidente al castillo del Dr. Frank-N-Furter. Allí participan en una extravagante convención donde la sexualidad se libera sin tabúes y la cultura camp explota en números musicales y personajes excéntricos. Frank-N-Furter seduce a ambos jóvenes, presentando a su creación Rocky Horror, mientras la fiesta da paso a la revelación, la violencia y finalmente la destrucción por parte de sus sirvientes Riff Raff y Magenta, originarios de la galaxia Transilvania.

Temas que aborda The Rocky Horror Picture Show

Identidad y liberación sexual: Un cuestionamiento radical de las normas de género y sexualidad.

  • La cultura camp como celebración y crítica social.
  • Parodia del cine B, ciencia ficción y horror clásicos.
  • La ruptura de paradigmas conservadores a través del humor y la extravagancia.
  • El poder del deseo y la transformación como motores de la historia.

El debate. Preguntas para reflexionar:

¿Qué simboliza Frank-N-Furter como figura de la liberación y subversión?
¿Hasta qué punto The Rocky Horror Picture Show desafía o reafirma estereotipos?
¿Cómo influye la cultura camp en la recepción de la película?
¿Es Frank-N-Furter un monstruo, un héroe o ambas cosas?
¿Qué papel juega el espectador en la experiencia interactiva que ofrece esta película de culto?

Historia de la película The Rocky Horror Picture Show 

The Rocky Horror Picture Show se estrenó en 1975 y no fue un éxito inmediato, pero el boca a boca y las sesiones de medianoche la convirtieron en un fenómeno que trasciende generaciones. El carisma de Tim Curry como Frank-N-Furter es icónico. La película ha inspirado incalculables representaciones teatrales, celebraciones y una comunidad de seguidores que mantienen vivo su legado.

La película nace del musical original creado por Richard O’Brien y fue dirigida por Jim Sharman, quien junto a su equipo logró trasladar al cine un espectáculo que desafiaba las convenciones. En una época de restricciones morales, la audacia de la cinta fue inusual, pero la libertad creativa y temática que ofrecía resultó revolucionaria para su tiempo, abriendo camino para la representación queer y la cultura camp en el cine.

Recepción de la crítica

En su estreno, la película dividió opiniones, siendo alabada por su originalidad y criticada por su contenido poco convencional. A lo largo de los años, ha sido revalorizada como una obra maestra de culto, con su mezcla de humor, música y provocación humana como elemento clave para crear una comunidad que celebra la diversidad y la irreverencia.

Éxito comercial y cultural

Aunque no fue un éxito inmediato en taquilla, The Rocky Horror Picture Show se consolidó como película de culto con proyecciones en cines de medianoche y un público que interactúa con la cinta, haciendo de cada sesión una experiencia colectiva única. Su banda sonora, llena de canciones pegadizas y números icónicos, es parte fundamental de su encanto.

Cómo se convirtió en película de culto

El fenómeno de las proyecciones interactivas supuso que la película no solo se viera sino se viviera, con disfraces, diálogos y actuaciones simultáneas en las salas. Este tipo de vínculo con el público reforzó su esencia de celebración de la diferencia y libertad.

Qué significa para el cine actual

The Rocky Horror Picture Show es un referente imprescindible en la representación queer, el cine musical y el camp. Mostró que el cine puede ser un espacio de liberación, cuestionamiento y transformación social mediante el humor y la extravagancia.

Influencia en otras películas y directores

El legado de Rocky Horror se puede rastrear en el cine independiente, las representaciones teatrales queer y el cine musical moderno. Su influencia cultural atraviesa géneros y generaciones. Figuras icónicas como John Cameron Mitchell y directores de cine queer citan la película como un icono que cambió las reglas del cine.

En resumen

The Rocky Horror Picture Show es mucho más que una comedia musical o una película de terror: es una reflexión festiva sobre la identidad, la liberación y la celebración radical de la diferencia que sigue inspirando y reuniendo a un público diverso y apasionado.

Ficha de The Rocky Horror Picture Show

https://www.filmaffinity.com/es/film782908.html

Trailer

Banda sonora

Con canciones como “Time Warp” y “Sweet Transvestite”, la música es una parte esencial que conjuga el espíritu rebelde y lúdico de la película, siendo un jukebox atemporal que acompaña las transformaciones y emociones intensas de sus personajes.

Acerca del director

Jim Sharman, director visionario, y Richard O’Brien, creador y autor del musical original, combinaron su talento para crear una obra que trastocó los cánones culturales de su época y se mantiene vigente como un ícono del cine de culto y la cultura pop.

Punto de encuentro y planning de la velada

El punto de encuentro será en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) el próximo martes a las 19:30h.

Las veladas se dividirán en tres partes. La primera media hora la dedicaremos a tomar algo, a presentar la película y a conocernos. Después a las 20:00h tendremos la proyección. Todas las proyecciones se realizan en VOSE. Para finalizar tendremos un coloquio que durará hasta las 23:00h.

¿Cómo será el coloquio?

Los encuentros son participativos y queremos conocer vuestra opinión para que se pueda generar un debate abierto y constructivo. No es necesario conocimiento de cine para participar y es más, huimos del conversador pedante ya que para ellos tenemos a la wikipedia. ¡Queremos que cada martes seamos capaces de generar algo fantástico y diferente!. ¡Queremos saber lo que sientes y que seas capaz de contarlo!

A partir del tema de discusión y de lo visto en la película, las historias personales son bienvenidas y además, son una buena forma de dar a conocer lo que pensamos y lo que sentimos. ¡Nuestro deseo es que participes y seas activo!

Cine y el debate siempre van de la mano, y por eso queremos que te hagas fan de nuestro conejo blanco con un solo ojo.

¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas

El coste de inscripción a la sesión de debate y coloquio es gratuita para los socios de Happening Madrid y para el resto aquello con lo que deseéis y podáis participar con

– Una aportación de 3€ ó

– Una aportación de 5€

El pago lo podéis hacer por bizum al 654.80.54.37 o allí mismo al finalizar el cine debate.

y además debés de reservar por whatsapp en cualquiera de estos números.

Ángel (https://wa.me/+34640743115)

María (https://wa.me/+3463063998)

Las plazas son muy limitadas