Seguimos con el cine musical en nuestro cine debate Un Conejo con Ojo. En nuestra tercera entrega de este mes de abril os prometemos un montón de risas con The Rutles – All You Need is Cash, una joya poco conocida pero absolutamente imprescindible para cualquier amante del cine, la música y el humor británico
Creada por Eric Idle (Monty Python) y el músico Neil Innes, esta falsa biografía documental —o mockumentary— narra la historia ficticia de The Rutles, una banda que, curiosamente, recuerda demasiado a cierta banda de Liverpool…
A lo largo de 76 minutos, All You Need Is Cash no solo parodia los clichés de los documentales musicales y las leyendas del rock, sino que también ofrece una aguda crítica al fenómeno de la fama, la industria musical y la mitificación de las estrellas.
Con apariciones estelares de Mick Jagger, Paul Simon, Bill Murray o el propio George Harrison, la película se convierte en un juego entre realidad y ficción con este delirante parodia de la beatlemanía.
Te esperamos el próximo martes a las 19:30h en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) para vivir juntos el mejor humor británico con la historia alternativa del grupo musical más famoso de todos los tiempos. Cine + coloquio + buena compañía. Hazte fan de nuestro conejo blanco con un solo ojo.
The Rutles es la historia de una banda que nunca existió… pero que todo el mundo reconoce. En 1978, la BBC y la NBC emitieron simultáneamente una comedia que desconcertó y fascinó: The Rutles: All You Need Is Cash. Esta joya del humor británico, fue pionera del falso documental (mockumentary), fue codirigida por Eric Idle (de Monty Python) y Gary Weis (realizador de segmentos en Saturday Night Live). La idea nació como una parodia directa de la beatlemanía, pero terminó convirtiéndose en una sátira tan bien lograda que muchos la consideran el mejor retrato que jamás se ha hecho de The Beatles… incluyendo los documentales serios.
La idea y el contexto
La semilla de The Rutles germinó en el universo cómico de Monty Python y floreció con la colaboración del programa Saturday Night Live, donde Eric Idle ya había introducido el concepto en un sketch. El proyecto creció hasta convertirse en una película de televisión de 76 minutos que imita paso a paso la historia de los Beatles, desde sus orígenes en Liverpool (reconvertido aquí en «Rutland») hasta la separación del grupo, pasando por el furor global, los viajes a la India, las tensiones internas y las fases experimentales.
Los actores y sus personajes
Eric Idle interpreta a Dirk McQuickly (el «Paul» de la banda) y también hace de narrador del falso documental, con su habitual ironía británica.
Neil Innes, exmiembro de la Bonzo Dog Doo-Dah Band y colaborador de los Python, interpreta a Ron Nasty (el «John Lennon» del grupo), además de componer todas las canciones originales de The Rutles.
Los otros miembros de la banda son Stig O’Hara (Ricky Fataar, como el «George») y Barry Wom (John Halsey, como el «Ringo»).
El reparto está lleno de guiños cómicos y apariciones estelares:
George Harrison aparece como un periodista que entrevista a ejecutivos sin saber que está siendo estafado.
Mick Jagger y Paul Simon ofrecen entrevistas «serias» sobre el impacto de los Rutles, como si hubieran existido de verdad.
También encontramos a Bill Murray, Gilda Radner, Dan Aykroyd y Michael Palin.
La banda sonora: una copia perfecta
Uno de los logros más sorprendentes de la película es su banda sonora original, compuesta íntegramente por Neil Innes. Canciones como Cheese and Onions, I Must Be In Love, Piggy in the Middle o Doubleback Alley no solo parodian los estilos musicales de los Beatles, sino que lo hacen con tal precisión melódica y lírica que podrían pasar por grabaciones perdidas del cuarteto de Liverpool.
De hecho, Innes fue demandado más tarde por los herederos de Lennon-McCartney, ya que algunas canciones eran «demasiado similares» al original.
Estreno y críticas
En su estreno, la película fue un modesto éxito en Reino Unido, pero tuvo una recepción desigual en Estados Unidos, donde no todos los espectadores entendieron la sátira. Sin embargo, con el paso de los años se convirtió en una obra de culto, especialmente entre los fans de los Beatles y los seguidores del humor británico. Hoy en día, The Rutles es considerada una precursora directa de otros mockumentaries como This Is Spinal Tap (1984) o incluso de series como The Office o Parks and Recreation, que beben de su formato documental paródico.
Además, la banda The Rutles trascendió la película: llegaron a hacer conciertos reales, discos adicionales y hasta una secuela tardía en 2002 (The Rutles 2: Can’t Buy Me Lunch).
En Resumen
Más que una broma en forma de falso documental, The Rutles es una obra de culto que nos hace pensar sobre el absurdo de la fama y la fina línea que separa el mito de la parodia.
¿Creéis que The Rutles es una burla o una carta de amor a The Beatles? ¿Qué hace que una parodia funcione: la fidelidad al original o el ingenio para distorsionarlo?
¿Puede una copia tener valor artístico por sí misma?
Las canciones de The Rutles no solo imitan, sino que tienen calidad musical propia. ¿Dónde está el límite entre homenaje, imitación y creación original?
La construcción del mito en la cultura pop
¿Cómo se construyen los relatos que elevan a una banda como The Beatles a categoría de mito? ¿The Rutles desmonta ese proceso o lo confirma?
El humor británico como herramienta de crítica
¿Qué elementos del humor británico están presentes en la película (ironía, absurdo, understatement…)? ¿Cómo se diferencia este estilo de otras formas de comedia, como el humor estadounidense?
La cultura de la nostalgia
La película fue hecha en los 70 sobre una banda de los 60. Hoy la vemos en los 2020 como un reflejo de ambos. ¿Cómo envejece la nostalgia?
Falsos documentales y verdad emocional
All You Need Is Cash no es un documental real, pero ¿nos dice algo verdadero sobre la música, la fama o el paso del tiempo?
Participación de celebridades reales
¿Qué efecto tiene ver a George Harrison o Mick Jagger participando del juego? ¿Refuerza la sátira o la convierte en algo más ambiguo?
El punto de encuentro será en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) el próximo martes a las 19:30h.
Las veladas se dividirán en tres partes. La primera media hora la dedicaremos a tomar algo, a presentar la película y a conocernos. Después a las 20:00h tendremos la proyección. Todas las proyecciones se realizan en VOSE. Para finalizar tendremos un coloquio que durará hasta las 23:00h.
¿Cómo será el coloquio?
Los encuentros son participativos y queremos conocer vuestra opinión para que se pueda generar un debate abierto y constructivo. No es necesario conocimiento de cine para participar y es más, huimos del conversador pedante ya que para ellos tenemos a la wikipedia. ¡Queremos que cada martes seamos capaces de generar algo fantástico y diferente!. ¡Queremos saber lo que sientes y que seas capaz de contarlo!
A partir del tema de discusión y de lo visto en la película, las historias personales son bienvenidas y además, son una buena forma de dar a conocer lo que pensamos y lo que sentimos. ¡Nuestro deseo es que participes y seas activo!
Cine y el debate siempre van de la mano, y por eso queremos que te hagas fan de nuestro conejo blanco con un solo ojo.
¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas
El coste de inscripción a la sesión de debate y coloquio es gratuita para los socios de Happening Madrid y para el resto aquello con lo que deseéis y podáis participar. Se puede reservar en entradium en este enlace:
Las invitaciones gratuitas para los socios La reserva gratuita para hacer luego la aportación que se desee a la finalización del coloquio Los que deseen hacer una aportación de 3€ Los que deseen hacer una aportación de 5€
y además debes de reservar por whatsapp en cualquiera de estos números
Ciclo de Cine Debate 8M. Cuatro miradas feministas.
En nuestro Cine Debate “Un Conejo con Ojo” este mes de marzo la programación girará en torno al Día de la Mujer que se celebra el 8 de marzo. Os hemos seleccionado cuatro títulos, dirigidos por mujeres, que abordan el universo femenino desde un punto de vista muy personal.
La selección es Outrage(1950) de Ida Lupino, Las Vírgenes Suicidas (1999) de Sofia Coppola, Mi vida sin mi (2003) de Isabel Coixet y How to Have Sex (2023) de Molly Manning Walker. La agresión sexual en los años 50 en la américa más profunda que nos presenta Ultraje; el suicidio, la idealización de la mujer y el peso de los mandatos patriarcales que podremos ver en Las Vírgenes Suicidas; la visión íntima y humana sobre la autodeterminación femenina que nos trae Mi Vida Sin Mí, y por último, el consentimiento y el deseo en la adolescencia de la generación Z que discutiremos con Have About Sex.
Las Vírgenes Suicidas (The Virgin Suicides, Sofia Coppola, 1999)
La Vírgenes Suicidas está basada en la novela de Jeffrey Eugenides de nombre homónimo que se publicó en 1993. Las Vírgenes Suicidas es un retrato melancólico de la adolescencia femenina a través de la historia de las hermanas Lisbon, cinco jóvenes atrapadas en un hogar opresivo donde la estricta moral religiosa y el control paterno las conducen a su trágico destino. La película está relatada desde la visión nostálgica de los chicos del barrio que la observan, idealizan y desean. Un relato de fragmentos de recuerdos, obsesiones y misterios nunca resueltos.
Las Vírgenes Suicidas fue el debut en la dirección de Sofia Coppola. Una estética etérea, una sensibilidad especial y exquisita, una fotografía única y una magistral banda sonora a cargo de Air son las señas de identidad de esta película.
En el debate hablaremos de la idealización de la mujer desde la mirada masculina, de la opresión familiar y social, del suicidio y de las expectativas de la vida que nunca llegan.
Estos temas serán el centro de nuestra charla en «Un Conejo con Ojo» el próximo martes a las 19:30h. Un Conejo con Ojo es un cine debate organizado por Big Tree Books y Happening Madrid para las tardes de los martes desde el corazón más castizo de Madrid. Unas veladas para disfrutar del cine y hacerlo pensando y dialogando. Hazte fan de nuestro conejo blanco con un solo ojo
Acerca de Las Vírgenes Suicidas (The Virgin Suicides, Sofia Coppola, 1999)
Las Vírgenes Suicidas es el debut de Sofia Coppola (1971) como directora. Es esta su ópera prima, abordó el universo femenino en la adolescencia con un estilo minimalista y poético. En vez de dramatizar de forma explícita sobra el suicidio, se nos invita a cuestionar en que manera la sociedad idealiza, controla y silencia a las mujeres jóvenes, a veces, con resultados muy dramáticos,
Encabeza el cartel la actriz Kirsten Dunst que da vida Lux Lisbon, la más carismática y rebelde de las hermanas. James Woods y Kathleen Turner son los padres hipercontroladores, religiosos y muy conservadores de las hermanas. La voz en off de Giovanni Ribisi nos guía a través de la historia que se narra desde la perspectiva de los chicos del barrio, quienes intentan reconstruir el enigma de las Lisbon años después de los sucesos.
La película tiene una atmosfera onírica que es realzada por la magistral fotografía de Edward Lachman, que usa una paleta de colores pastel que contrasta con la oscuridad que rodea al suicidio. La banda sonora original es del grupo Air que se ha convertido en un clásico casi inseparable de la película.
El filme está basado en la novela The Virgin Suicides, escrita por Jeffrey Eugenides y publicada en 1993. Al igual que en el caso de Sofia Coppola, fue la primera novela del autor. Tuvo una gran acogida de crítica y público. La historia llamó la atención por su original enfoque poético sobre la adolescencia y la muerte.
La adaptación de la película es bastante fiel en líneas generales a la novela con algunas diferencias significativas. En la novela, el tono de la narración es más introspectivo y se profundiza más en la obsesión de los chicos por las hermanas Lisbon. También se profundiza más en el mundo interior de las chicas. En enfoque de la película es más visual y atmosférico, transmitiendo emociones en vez de describirla. Sofia Coppola deja ciertos aspectos abiertos a la interpretación del espectador capturando la belleza trágica de la historia sin necesidad de explicaciones detalladas.
Sinopsis
Las vírgenes suicidas es una adaptación cinematográfica de la novela de nombre homónimo. La historia se centra en las cinco hermanas Lisbon, adolescentes que viven en un suburbio de Detroit durante la década de 1970. Tras el suicidio de la más joven, Cecilia, las otras cuatro hermanas —Lux, Bonnie, Mary y Therese— se sumen en un profundo aislamiento, controladas por sus estrictos y sobreprotectores padres.
La narración se hace desde la perspectiva de un grupo de chicos del vecindario que las observan fascinados y obsesionados con ellas.
Desde su estreno en 1999, Las Vírgenes Suicidas ha sido muy bien recibida por la crítica.
Rotten Tomatoes: Tiene un 79% de críticas positivas. Destacando su hermosa fotografía y la poderosa actuación de Kirsten Dunst».
Metacritic: 76/100
Roger Ebert, el renombrado crítico de cine, le otorgó tres de cuatro estrellas, señalando que la película “captura la poesía y el dolor de la adolescencia con una mirada tierna y nostálgica”.
The Guardian la describió como “una ópera trágica sobre la feminidad, el deseo y la represión”, destacando el impacto de la dirección de Coppola.
Es su contra, algunos críticos señalan que la narración desde la perspectiva masculina limita la exploración interna de las hermanas Lisbon
En cuanto a los premios, galardones y nominaciones destacamos:
Festival de Cannes (1999): Seleccionada para la Quincena de Realizadores, donde recibió ovaciones por su estilo y su originalidad.
Independent Spirit Awards (2000): Nominada a Mejor Primer Guion para Sofia Coppola.
Premios Chlotrudis (2001): Ganó el premio a Mejor Dirección para Sofia Coppola.
Premios de la Asociación de Críticos de Cine de Chicago (2000): Nominada a Mejor Nueva Directora (Sofia Coppola).
Festival de Cine de Sitges (1999): Nominada a Mejor Película
Premios Young Hollywood (2000): Kirsten Dunst ganó el premio a Actriz del Año, reconociendo su trabajo en esta película y en Bring It On.
A pesar de no haber recibido grandes premios en su momento, Las Vírgenes Suicidas se ha convertido en una película de culto, especialmente entre el público joven y cinéfilo. Su estética, su banda sonora y su manera de abordar la adolescencia femenina han influido en muchas otras obras posteriores. Sofia Coppola consolidó su carrera tras este debut y luego ganó el Oscar a Mejor Guion Original por Lost in Translation (2003), demostrando que su talento como directora seguiría creciendo.
A la larga, la película ha sido reivindicada como una obra clave del cine femenino contemporáneo, con un estilo visual y narrativo que sigue siendo estudiado en escuelas de cine.
Los temas de coloquio de Las Vírgenes Suicidas
La idealización de la mujer y la mirada masculina
Las Vírgenes Suicidas está narrada desde la perspectiva de los chicos del vecindario, quienes observan a las hermanas Lisbon como un misterio y las ven inalcanzables.
¿Cómo influye la perspectiva masculina en la forma en que se recuerdan a las hermanas Lisbon? ¿Crees que la película ofrece una crítica a la manera en que la sociedad representa a las mujeres? ¿Qué impacto tiene la idealización de las mujeres en la construcción de su propia identidad?
La represión familiar y el control sobre la adolescencia femenina
Las hermanas Lisbon viven bajo reglas extremadamente estrictas impuestas por sus padres religiosos.
¿Qué representa el hogar de las Lisbon en términos de control y represión? ¿Cómo afecta el exceso de protección en la adolescencia? ¿Siguen existiendo hoy en día familias que impongan este tipo de restricciones?
El suicidio y el peso de las expectativas sociales
El suicidio de las hermanas Lisbon es el centro de la historia, pero la película deja abiertas muchas interpretaciones.
¿Por qué crees que la película no ofrece una explicación clara sobre las razones del suicidio de las hermanas? ¿Cómo influye la falta de comunicación en la familia en el desenlace de la historia? ¿Cómo podemos abordar el suicidio juvenil en la actualidad y evitar que se romantice?
El papel de la religión y los valores conservadores
Los padres imponen a las hermanas Lisbon una moral religiosa que limita la libertad su libertad.
¿Cómo influye la religión en la educación de las hijas en la película? ¿Crees que los valores ultraconservadores pueden ser un factor de opresión en la sociedad actual? ¿Cómo se comparan estos valores con los de otras épocas y culturas?
El paso del tiempo y la nostalgia por la adolescencia
La película está contada desde el recuerdo de los chicos, lo que genera un tono nostálgico.
¿Cómo afecta la nostalgia a la manera en que se recuerdan los eventos del pasado? ¿Cuánto de lo que narran los chicos es realidad y cuánto es construcción idealizada? ¿Cómo se relaciona esta película con otras historias sobre la adolescencia y la memoria?
Sofia Coppola y su mirada feminista en el cine
En la filmografía de Sofia Coppola el universo femenino es protagonista, donde ahonda en temas como la soledad, la identidad y el deseo de libertad de sus personajes. Su cine tiene una estética delicada que desafía las representaciones tradicionales de la mujer en Hollywood.
En Las Vírgenes Suicidas, Coppola nos muestra cómo la sociedad y el entorno familiar oprimen a las hermanas Lisbon, pero también cómo son observadas y mitificadas por los chicos del barrio. Esta mirada crítica sobre la objetificación de la mujer y la imposibilidad de que las protagonistas cuenten su propia historia con voz propia es un tema recurrente en su obra.
A lo largo de su carrera, Coppola ha dirigido películas como Lost in Translation (2003), Marie Antoinette (2006) y The Beguiled (2017), donde las protagonistas enfrentan restricciones impuestas por la sociedad, a menudo desde un punto de vista íntimo y contemplativo. Su cine explora la experiencia femenina a través de la imagen, la atmósfera y la construcción de personajes complejos.
Banda Sonora de Las Vírgenes Suicidas
Las Vírgenes Suicidas tiene una gran banda sonora original compuesta por el dúo francés de música electrónica Air. El tema PlayGround Love se ha convertido en un clásico inseparable de la película.
Además de Air, la banda sonora incluye clásicos del rock de los años 70, como Magic Man de Heart, Hello It’s Me de Todd Rundgren, So Far Away de Carole King, o I’m not in love de 10cc
Aquí tenéis un enlace a la lista completa de temas, tanto lo originales de Air como los clásicos de los 70s
Curiosidades
Toronto
Aunque la película nos habla de las hermanas Lisbon que viven en Detroit (Michigan) se rodó en Toronto (Canadá)
Kirsten Dunst
Sofia Coppola tenía claro desde el principio que Kirsten Dunst era perfecta para interpretar a Lux Lisbon. La actriz, que venía de protagonizar Entrevista con el vampiro y Jumanji, aceptó el papel sin dudarlo, viendo en él una oportunidad para interpretar un personaje más complejo.
Michelangelo Antonioni
Coppola se inspiró en la estética de Antonioni y su uso de la contemplación y el simbolismo visual.
Jeffrey Eugenides
El autor de la novela, Jeffrey Eugenides, quedó impresionado con la adaptación de Coppola y la fidelidad con la que capturó la esencia de su historia. Aunque se hicieron algunos cambios, la película mantiene el tono nostálgico y melancólico de la novela original.
El punto de encuentro será en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) el próximo martes a las 19:30h.
Las veladas se dividirán en tres partes. La primera media hora la dedicaremos a tomar algo, a presentar la película y a conocernos. Después a las 20:00h tendremos la proyección. Todas las proyecciones se realizan en VOSE. Para finalizar tendremos un coloquio que durará hasta las 23:00h.
¿Cómo será el coloquio?
Los encuentros son participativos y queremos conocer vuestra opinión para que se pueda generar un debate abierto y constructivo. No es necesario conocimiento de cine para participar y es más, huimos del conversador pedante ya que para ellos tenemos a la wikipedia. ¡Queremos que cada martes seamos capaces de generar algo fantástico y diferente!. ¡Queremos saber lo que sientes y que seas capaz de contarlo!
A partir del tema de discusión y de lo visto en la película, las historias personales son bienvenidas y además, son una buena forma de dar a conocer lo que pensamos y lo que sentimos. ¡Nuestro deseo es que participes y seas activo!
Cine y el debate siempre van de la mano, y por eso queremos que te hagas fan de nuestro conejo blanco con un solo ojo.
¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas
El coste de inscripción a la sesión de debate y coloquio es gratuita para los socios de Happening Madrid y para el resto aquello con lo que deseéis y podáis participar. Se puede reservar en entradium en este enlace:
Las invitaciones gratuitas para los socios La reserva gratuita para hacer luego la aportación que se desee a la finalización del coloquio Los que deseen hacer una aportación de 3€ Los que deseen hacer una aportación de 5€
y además debes de reservar por whatsapp en cualquiera de estos números
Ciclo de Cine Debate 8M. Cuatro miradas feministas.
En nuestro Cine Debate “Un Conejo con Ojo” este mes de marzo la programación girará en torno al Día de la Mujer que se celebra el 8 de marzo. Os hemos seleccionado cuatro títulos, dirigidos por mujeres, que abordan el universo femenino desde un punto de vista muy personal.
La selección es Outrage(1950) de Ida Lupino, Las Vírgenes Suicidas (1999) de Sofia Coppola, Mi vida sin mi (2003) de Isabel Coixet y How to Have Sex (2023) de Molly Manning Walker. La agresión sexual en los años 50 en la américa más profunda que nos presenta Ultraje; el suicidio, la idealización de la mujer y el peso de los mandatos patriarcales que podremos ver en Las Vírgenes Suicidas; la visión íntima y humana sobre la autodeterminación femenina que nos trae Mi Vida Sin Mí, y por último, el consentimiento y el deseo en la adolescencia de la generación Z que discutiremos con Have About Sex.
Ultraje (Outrage, Ida Lupino, 1950)
A mediados del siglo XX el cine apenas abordaba de manera directa la violencia de género y las películas dirigidas por mujeres eran una absolute excepción. Outrage de Ida Lupino es, aparte de una joya del cine negro magistralmente dirigida, una voz que rompe ese silencio, no solo por hablar acerca de la agresión sexual desde el punto de vista de la mujer, sino por hacerlo desde la perspectiva social y psicológica que el trauma causa en la víctima. La película sigue a Ann Walton, una joven cuya vida da un vuelco tras ser víctima de una agresión sexual. A través de su historia, Lupino muestra las secuelas emocionales del trauma y la falta de apoyo que las mujeres encuentran en una sociedad que prefiere ignorar el problema. Con una mirada adelantada a su tiempo, Outrage es una denuncia contra la revictimización de las mujeres y la cultura del silencio que rodea la violencia sexual.
Es la primera de estas cuatro obras que hemos seleccionado para este mes de marzo de 2025. La más antigua de este ciclo y su inclusión nos hace ver como el cine feminista se hacia paso incluso en contexto donde hablar de ciertos temas era casi impensable.
Outragees una película estadounidense dirigida por Ida Lupino que se estrenó en 1950. La cinta, a pesar de la censura y las limitaciones impuestas por la industria en aquel momento, se atrevió a narrar la historia de Ann Walton, una joven que sufre una agresión sexual y se ve forzada a huir de su entorno debido a la presión social y el estigma que la persigue.
En una época en la que los crímenes sexuales apenas eran representados en la gran pantalla, Outrage logró dar voz a una problemática ignorada y se convirtió en un antecedente fundamental para el tratamiento cinematográfico de la violencia de género.
Ida Lupino, antes de dirigir Outrage, ya se había consolidado como una directora vanguardista dentro del cine independiente de Hollywood. Su trabajo se caracterizaba por un fuerte interés en los problemas sociales y psicológicos, con un estilo sobrio y directo. Anteriormente había dirigido Not Wanted (1949), sobre el embarazo no deseado, y Never Fear (1949), que abordaba la polio. Su interés por retratar realidades marginadas la convirtió en una de las cineastas más audaces de su tiempo.
En cuanto a su técnica, Lupino emplea en Outrage un estilo visual realista que evita el melodrama. La cámara sigue a Ann Walton de cerca, transmitiendo su angustia e incomodidad a través de planos cerrados y una iluminación que acentúa su aislamiento. La dirección de Lupino destaca por su sobriedad y su capacidad de generar empatía sin caer en el sensacionalismo.
El reparto está encabezado por Mala Powers en el papel de Ann Walton, una actriz que en esta película ofrece una interpretación conmovedora y llena de matices. Junto a ella, Robert Clarke y Leo Penn. Robert Clarke interpreta a Jim Owens, un hombre comprensivo que intenta ayudar a Ann en su proceso de recuperación, mientras que Leo Penn da vida a Frank Marini, un personaje que representa la desconfianza y la insensibilidad que la sociedad puede mostrar ante las víctimas de violencia.
La fotografía está a cargo de Archie Stout que era conocido por su trabajo en westerns y dramas sociales. Archi Stout utiliza marcados contrates entre luces y sombras para plasmar el estado emocional de Ann. Las escenas nocturnas y los espacios cerrados refuerzan la sensación de claustrofobia y desesperación que atraviesa la protagonista. Es una fotografía tremendamente bella que te captura y a veces, conmueve.
En cuanto a la música, la banda sonora de Outrage es de Paul Sawtell, confiando en gran medida en el uso del silencio y de piezas musicales discretas para enfatizar la tensión y la vulnerabilidad de Ann, dando más autenticidad a la crudeza de la historia.
Sinopsis de Outrage
Ann Walton es una joven trabajadora con una vida sencilla que se ve brutalmente alterada tras ser atacada por un desconocido. Aunque el acto de violencia es insinuado más que mostrado explícitamente, la película se centra en el impacto que la agresión tiene en la vida de Ann. La sociedad que la rodea reacciona con incomodidad, sospecha y falta de empatía, llevándola a alejarse de su comunidad y a cuestionar su propia identidad.
Temas de debate de Ultraje (Outrage, Ida Lupino, 1950)
Culpabilización y estigmatización
Uno de los elementos más potentes de Outrage es su crítica a la manera en que la sociedad reacciona ante una víctima de violencia sexual. La protagonista enfrenta miradas de desconfianza y la carga de la culpa, en lugar de recibir apoyo y comprensión.
¿Hasta qué punto sigue vigente la idea de que una víctima de violación es responsable de lo que le ocurre? ¿Ha cambiado la percepción social sobre estos delitos desde 1950 hasta hoy? ¿Cuál es el papel del cine en la construcción de estas narrativas?
Justicia social y respuesta institucional
La película también pone en evidencia la ausencia de un sistema de apoyo para las víctimas de agresiones sexuales en la década de 1950.
¿Cómo han evolucionado las leyes y mecanismos de protección para las víctimas de violencia de género? ¿Se sigue percibiendo una falta de acción por parte de las instituciones en la actualidad? ¿Cómo influye la representación mediática en la percepción de estos crímenes?
El papel de Ida Lupino en la historia del cine
Ida Lupino fue una de las pioneras en abordar temáticas sociales complejas dentro del cine de Hollywood. Su mirada se aleja del sensacionalismo y pone el foco en la realidad psicológica de la víctima.
¿En qué medida el cine dirigido por mujeres ha cambiado la representación de la violencia de género? ¿Por qué crees que Ida Lupino decidió contar esta historia en aquella época? ¿Qué impacto tuvo Outrage en su tiempo y cómo la valoramos hoy?
El punto de encuentro será en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) el próximo martes a las 19:30h.
Las veladas se dividirán en tres partes. La primera media hora la dedicaremos a tomar algo, a presentar la película y a conocernos. Después a las 20:00h tendremos la proyección. Todas las proyecciones se realizan en VOSE. Para finalizar tendremos un coloquio que durará hasta las 23:00h.
¿Cómo será el coloquio?
Los encuentros son participativos y queremos conocer vuestra opinión para que se pueda generar un debate abierto y constructivo. No es necesario conocimiento de cine para participar y es más, huimos del conversador pedante ya que para ellos tenemos a la wikipedia. ¡Queremos que cada martes seamos capaces de generar algo fantástico y diferente!. ¡Queremos saber lo que sientes y que seas capaz de contarlo!
A partir del tema de discusión y de lo visto en la película, las historias personales son bienvenidas y además, son una buena forma de dar a conocer lo que pensamos y lo que sentimos. ¡Nuestro deseo es que participes y seas activo!
Cine y el debate siempre van de la mano, y por eso queremos que te hagas fan de nuestro conejo blanco con un solo ojo.
¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas
El coste de inscripción a la sesión de debate y coloquio es gratuita para los socios de Happening Madrid y para el resto aquello con lo que deseéis y podáis participar. Se puede reservar en entradium en este enlace:
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Seguimos explorando las posibilidades del tiempo y la percepción de la realidad con otro de los títulos de ciencia ficción de principios de este siglo. En esta ocasión, analizaremos Source Code (Código Fuente), un thriller que combina acción y suspense en una historia que nos acerca a cuestiones profundas sobre el destino, la conciencia y la identidad. Una vez más, ciencia ficción, cien y filosofía se dan la mano.
¿Qué harías si pudieras revivir los últimos minutos de la vida de otra persona una y otra vez? ¿Podría la conciencia sobrevivir más allá del cuerpo físico? ¿Es el tiempo un flujo único o existen múltiples realidades paralelas? Estas son algunas de las preguntas que abordaremos en nuestro cine debate.
Estas y muchas otras preguntas serán el centro de nuestra charla en «Un Conejo con Ojo» el próximo martes a las 19:30h.
Un Conejo con Ojo es un cine debate organizado por Big Tree Books y Happening Madrid para las tardes de los martes desde el corazón más castizo de Madrid. Unas veladas para disfrutar del cine y hacerlo pensando y dialogando. Hazte fan de nuestro conejo blanco con un solo ojo
Source Code es un thriller de ciencia ficción que combina una gran dosis de acción con dilemas éticos acerca de la percepción de la realidad, el destino y la identidad. Duncan Jones, director de Moon, nos ofrece una película muy bien construida y de alta intensidad que juega con la idea del tiempo y la conciencia. El guionista de la película es Ben Rippley
Source Code está protagonizada por Jake Gyllenhaal como Colter Stevens, Michelle Monaghan como Christina Warren y Vera Farmiga como la capitana Goodwin. La dirección de fotografía es de Don Burgess, quien juega entre los contrastes en el interior del tren, cálidos, y el mundo exterior, carente de vida. Con los momentos iniciales en de cada bucle en donde la calidez resalta el personaje de Christina hasta llegar a la inevitable explosión. La banda sonora original, entre lo clásico y la electrónica, es de Chris Bacon aportan la necesaria atmósfera de tensión.
Con una duración de 93 minutos, Source Code es un cruce de caminos magistral entre la ciencia ficción y las películas de acción, con un toque romántico y una fuerte carga filosófica.
Sinopsis de “Source Code”
El capitán Colter Stevens (Jake Gyllenhaal) es un soldado que despierta en el cuerpo de otra persona a bordo de un tren en dirección a Chicago. Aunque todos los demás pasajeros parecen conocerlo él no tiene absolutamente ninguna idea de dónde está y ni siquiera de quién es. Su último recuerdo antes de despertar sobresaltado en el tren es estar pilotando un helicóptero durante una misión en Irak. Ahora parece que está inmerso en el cuerpo de alguien que va a trabajar por la mañana en el tren como si se tratase de otro día cualquiera. Pronto descubre la verdad. Está atrapado en un programa experimental del gobierno llamado Source Code, que le permite revivir los últimos ocho minutos de la vida de una persona para descubrir la identidad de un terrorista. A medida que avanza la trama, Colter comienza a cuestionar la verdadera naturaleza de su misión, su identidad y su destino.
La película recibió los siguientes premios y nominaciones:
Premios Hugo 2012: Nominada a Mejor Presentación Dramática en Formato Largo.
Premios Scream 2011:Jake Gyllenhaal fue nominado como Mejor Actor de Ciencia Ficción.
Premios Bradbury 2011:Ben Ripley y Duncan Jones fueron nominados por su destacada contribución en escritura de ciencia ficción.
Visual Effects Society Awards 2012: Nominada a Mejores Efectos Visuales de Apoyo en una Película.
La película ha sido generalmente bien tratada por la crítica que ha elogiado su trama inteligente y la actuación de sus protagonistas. En Rotten Tomatoes, cuenta con una aprobación del 92% basada en 266 críticas, con un consenso que la describe como un «thriller de ciencia ficción inteligente y satisfactorio».
Metacritic le otorga una puntuación de 74 sobre 100, indicando «críticas generalmente favorables».
Nuestro protagonista, Colter Stevens, se enfrenta a una crisis existencial al descubrir que su conciencia ha sido trasladada a la de otra persona, ocupando du cuerpo, dentro de un programa gubernamental experimental. Esto nos plantea un interesante dilema filosófico acerca de la identidad y la conciencia. ¿qué nos define realmente como individuos? ¿Es nuestra identidad algo inmodificable? ¿Puede cambiar nuestra identidad dependiendo del contexto y de las experiencias?
Por otor lado, en Source Code, la mente de Colter sigue funcionando incluso cuando su cuerpo físico ha sido destruido ¿puede la conciencia existir independientemente del cuerpo?
Por último, en la película se sugiere que existen múltiples versiones de los mismos eventos. La noción de destino queda comprometida y nos hace revisar la importancia real de nuestras decisiones.
¿Qué nos define como individuos? ¿Nuestra mente, nuestro cuerpo o nuestras acciones? Si nuestra conciencia pudiera trasladarse al cuerpo de otra persona, ¿seguiríamos siendo nosotros mismos? Si Colter Stevens sigue vivo en la simulación del Source Code, ¿podemos decir que ha trascendido la muerte? ¿Existe realmente el libre albedrío en la película o el protagonista está cumpliendo un destino inevitable? Si el Source Code creara una nueva realidad en cada reinicio, ¿cuál sería la versión “real” de los eventos? ¿Qué implicaciones éticas podría tener la utilización de la conciencia de una persona en un sistema experimental como el de la película? Si pudieras trasladar tu conciencia a otro cuerpo después de la muerte, ¿lo harías? ¿Seguirías siendo “tú”? Si tuvieras la oportunidad de revivir un momento de tu vida hasta cambiarlo, ¿lo harías? ¿Crees que eso te haría más feliz?
Determinismo vs. libre albedrío
A lo largo de la historia que nos narra la película, Colter va descubriendo que puede alterar situaciones en casa ciclo del Source Code. Sin embargo, le aseguran que lo que hace no cambia la realidad, sino que solo sirve como simulación. Pero parece ser, que no es así.
¿Crees que Colter realmente cambia el futuro creando una nueva realidad o que solo es una simulación? Si tuvieras la posibilidad de revivir un momento de tu vida hasta cambiarlo, ¿lo harías?
Tiempo y realidades paralelas
En Source Code, cada iteración de los ocho minutos podría generar potencialmente, una nueva línea de tiempo en un universo de realidades múltiples.
¿Crees que la teoría de los universos paralelos tiene cabida en la ciencia real? ¿Cada decisión que tomamos podría generar una nueva realidad?
Ética y tecnología
El programa Source Code usa la conciencia de una persona moribunda para revivir momentos específicos del pasado con el fin de resolver un acto terrorista. Todo esto, nos plantea un dilema ético sobre los límites de la ciencia.
¿Es moralmente aceptable usar la conciencia de un soldado moribundo sin su consentimiento? ¿Podría existir una tecnología como el Source Code? ¿Crees que los avances tecnológicos deben tener límites éticos o el fin justifica los medios?
Amor y conexión en un tiempo limitado
Colter se enamora de Christina en un lapso de ocho minutos repetidos una y otra vez. Su amor no nace de la convivencia, sino de la urgencia de encontrar un significado en el tiempo que le queda.
¿Es posible enamorarse en solo ocho minutos? ¿El amor de Colter por Christina es real o es una construcción producto de la desesperación? ¿Cómo cambia la percepción del amor cuando se vive bajo la sombra de la muerte o la pérdida de la identidad?
La figura del padre y la importancia de cerrar ciclos
Uno de los momentos más emotivos de la película es la llamada de Colter a su padre, una despedida que nunca hubiera podido tener en su vida real.
¿Por qué es tan importante para Colter despedirse de su padre si todo puede ser una simulación? ¿Hasta qué punto los asuntos no cerrados con nuestros seres queridos nos afectan en nuestra vida? Si pudieras hablar con alguien que ya no está en tu vida, ¿qué le dirías?
La banda sonora de Source Code
La banda sonora original de Source Code la compuso Chris Bacon para la película y lanzada en 2011. El álbum, titulado Source Code (Original Motion Picture Score), consta de 16 pistas en donde se combinan elementos orquestales con música electrónica.
Chris Bacon es un reconocido compositor de bandas sonoras de cine y de televisión americano que ha sido nominado 4 veces a los premios Emi. De la banda sonora de “Source Code” os destacamos el bellísimo tema “Frozen Moment”. Podéis escuchar la banda sonora en este enlace de Spotify
Punto de encuentro y planning de la velada
El punto de encuentro será en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) el próximo martes a las 19:30h.
Las veladas se dividirán en tres partes. La primera media hora la dedicaremos a tomar algo, a presentar la película y a conocernos. Después a las 20:00h tendremos la proyección. Todas las proyecciones se realizan en VOSE. Para finalizar tendremos un coloquio que durará hasta las 23:00h.
¿Cómo será el coloquio?
Los encuentros son participativos y queremos conocer vuestra opinión para que se pueda generar un debate abierto y constructivo. No es necesario conocimiento de cine para participar y es más, huimos del conversador pedante ya que para ellos tenemos a la wikipedia. ¡Queremos que cada martes seamos capaces de generar algo fantástico y diferente!. ¡Queremos saber lo que sientes y que seas capaz de contarlo!
A partir del tema de discusión y de lo visto en la película, las historias personales son bienvenidas y además, son una buena forma de dar a conocer lo que pensamos y lo que sentimos. ¡Nuestro deseo es que participes y seas activo!
Cine y el debate siempre van de la mano, y por eso queremos que te hagas fan de nuestro conejo blanco con un solo ojo.
¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas
El coste de inscripción a la sesión de debate y coloquio es gratuita para los socios de Happening Madrid y para el resto aquello con lo que deseéis y podáis participar. Se puede reservar en entradium en este enlace:
Las invitaciones gratuitas para los socios La reserva gratuita para hacer luego la aportación que se desee a la finalización del coloquio Los que deseen hacer una aportación de 3€ Los que deseen hacer una aportación de 5€
y además debes de reservar por whatsapp en cualquiera de estos números
La Fiesta de Carnaval del Círculo de Bellas es una de las mas esperadas, transgresoras, únicas y deseadas en la noche madrileña a lo largo del año. Este año ya está aquí y el 1 de marzo desde las 22:30h hasta las 6:00h de la madrugada se desatará la locura. Cada año hay una temática y este tiene como eje central el surrealismo. Será un Carnaval Surrealista inspirado en figuras como Buñuel, Leonora Carrington, Breton, Remedios Varo, Max Ernst y David Lynch. Será una noche donde lo imposible se hará posible. Lo que realmente es imposible es que Happening Madrid no esté allí celebrándolo un año más con un equipo de gente que va a desatar la locura.
Aquí os dejamos un video con muchas ideas de disfraces surrealistas
Carnaval 2025 con Happening Madrid
Ir con Happening Madrid es una experiencia única para disfrutar en grupo:
Tendremos un descuento especial de un 15% a la hora de coger la entrada en la web del Círculo de Bellas Artes. El enlace es este. A la hora de sacar la entrada tendréis que introducir el código de descuento HAPPENINGCBA 2025
Tendremos un chat de grupo en el que habláramos desde día antes sobre los disfraces y como hacer una entrada impactante e increíble en la fiesta del Círculo. ¡Algo que siempre recordaremos! Este es el enlace de invitación del grupo https://chat.whatsapp.com/FjFjUnZPDEA7Hj43ZpLbey
Hay un concurso en donde se sortean dos entradas dobles para el Carnaval. Las bases del concurso se pueden leer en el apartado correspondiente.
Intentaremos, aunque no es obligatorio, tener una línea argumental para nuestros disfraces. Para este año puede ser muy buena idea basarse en disfraces surrealistas basados en la cinematografía de David Lynch de películas como Twin Peaks, Erasehead, Lost Highway o Blue Velvet.
Quedaremos un poco antes (a las 21:45h) en un local para tomar unas cañas, hacer unas fotos iniciales de grupo y preparar la gran noche. Será en las Bóvedas de Cibeles (C/ Alcalá, 43). Allá donde comienza la Gran Vía, enfrente del Edificio Metropoli y enfrente del del Círculo de Bellas Artes. Allí comenzará nuestro peculiar comienzo de fiesta surrealista y carnavalera. Allí todos los miembros del grupo se conocerán y comenzará la magia
Entraremos al Círculo de Bellas Artes, preferiblemente juntos y en grupo, a las 22:30h, antes de que todo el mundo llene y las colas se hagan largas. Lo primero que haremos es dejar nuestros abrigos en el ropero y hacernos las primeras fotos en las majestuosas escaleras de mármol del Círculo. Subiremos por esas escaleras hasta la segunda planta en donde entraremos en el Salón de Baile. Veremos sus columnas dobles, la altura de 10 metros, y la preciosa cúpula que nos corona. Seguiremos sacando las primeras fotos y comenzará la fiesta. Tendremos barras para pedir copas en el Salón de Baile en la Planta Segunda y en la Sala de Columnas en la Planta Cuarta. Tras tomarnos la copa que se incluye con la entrada es seguro que querremos repetir. Los precios en barra para estas siguientes copas son los habituales, sin que abusen de los precios. Hasta el año pasado las copas costaban a 10€.
En la fiesta se hace mucho ejercicio subiendo y bajando escaleras, bailando y disfrutando. ¡Hay que venir con mucha energía!
Es importante venir bien disfrazado, pero estar cómodos porque hay que moverse mucho.
La locura surrealista está asegurada.
No es bueno dejar para última hora coger el abrigo en el ropero. Es mejor bajar un poco antes, recogerlo y ya quedarse abajo. Lo normal es que a última hora disfrutemos de una batucada tremenda.
¿Se acaba la fiesta a las 6 la mañana? Bueno, puede que si o puede que no. A esas horas muchas almas se agolparán junto a la puerta esperando su próximo devenir. No hay que perder la esperanza ya que muchoa afters hay en Madrid con ganas de acoger a un colección surrealista de personajes disfrazados y ya cerebraleente tocados para estirar la fiesta aún más
¿Dónde acabaremos? Solo os puedo decir que la noche será surrealista
Como hay mucha gente, seremos muchos y la fiesta es surrealista, es seguro que nos perderemos. Para encontrarnos tenemos el chat de whatsapp. ¡La tecnología tienes sus cosas buenas también!
Recordad que el chat también nos valdrá para subir las fotos que hagamos después de que se acabe la fiesta. ¡No abandonéis grupo rápidamente! Dejad un tiempo prudencial para que todo el mundo de recupere del fiestorro y pueda subir sus fotos. El tiempo medio de recuperación de una fiesta de este estilo es de unos 21 días. En primavera ya estaréis completamente recuperados.
Detalles del Carnaval Surrealista 2025 en el Círculo de Bellas Artes
El pregón
El pregón del Carnaval del Círculo de Bellas Artes 2025 será un gran momento que da el pistoletazo de salida a la fiesta más esperada del año en Madrid. Lleno de humor, irreverencia y un toque de excentricidad surrealista.
Este 2025, los encargados de la misión serán Paco Clavel y PutoMikel
Paco Clavel
Icono del kitsch, la transgresión y el humor más desenfadado. Cantante, agitador cultural y referente de la movida madrileña, Clavel ha hecho de la excentricidad su bandera, convirtiéndose en el maestro de ceremonias perfecto para una noche donde lo absurdo y lo extraordinario se dan la mano.
PutoMikel
Escritor, divulgador y creador de contenido, conocido por su particular forma de narrar la historia desde una perspectiva gamberra e inteligente. Su humor ácido y su capacidad para transformar el conocimiento en puro entretenimiento encajan a la perfección con el espíritu del Carnaval del CBA.
El line up de djs de este año
El Carnaval Surrealista 2025 del Círculo de Bellas Artes contará con una variada selección de DJs y artistas que animarán la noche del 1 de marzo. A continuación, un resumen del line-up:
Dembooty
Umami y Crks290 fusionan sonidos del Reino Unido con bajos potentes, explorando estilos como bass, hard drums, ritmos rotos, dubstep, ghetto y deconstructed.
El Cuerpo del Disco
DJs habituales en la escena madrileña, ofrecen sesiones en constante evolución, libres de prejuicios y en sintonía con el público.
Cherry Pie
Destaca por su identidad musical única y su habilidad para cautivar al público, creando sets donde convergen diversos estilos de manera excepcional.
Espada & Jotapop
María y Jota, pareja de DJs madrileños, combinan elegancia y energía en sus sesiones, llevando siempre el baile como protagonista.
2DELIO
Con sets llenos de energía, mezclan hyperpop, house, reggaetón y otros géneros, adaptándose a diferentes ambientes y eventos.
Alnank
Sus sesiones son viajes festivos que transitan entre ritmos bailables latinos y otros géneros, fusionando la verbena tradicional con el ambiente de club.
Mandanga
Proyecto que rinde homenaje a la música, estética y actitud de los años 80, recuperando sonidos electrónicos y sintetizadores de esa década dorada.
Omar DJ
Con más de 25 años de experiencia, ha sido una figura clave en la escena nocturna madrileña, destacando en eventos como Fucking Monday y colaborando en proyectos internacionales.
Curaduría Musical
La curaduría musical del evento está a cargo de El Cuerpo del Disco, quienes garantizarán una selección musical diversa y acorde que definirá la identidad sonora de la noche tan surrealista de la noche.
El cártel de este año
Aparte de disfraces, música y desenfreno el Círculo de Bellas Artes, por su propia esencia e identidad, homenajea cada año al arte más libre. Cada año se encarga el cartel a un artista de reconocido prestigio. Este año la responsabilidad ha recaído en Olga de Dios, ilustradora de trayectoria internacional, conocida por su imaginario y su capacidad para dar vida a personajes muy originales. Su obra, simbólica y cargada de color, tiene un punto de ternura irreverente. Su estética encaja a la perfección con la propuesta de este año para la fiesta: un carnaval surrealista donde la realidad se derrite y los sueños toman el control.
En su cartel para esta edición, Olga de Dios juega con la deformación de las formas, con criaturas que parecen saltar desde otra dimensión para invitarnos a una noche de delirio colectivo. Es una pieza surrealista irresistible para una noche sin límites a la imaginación
Los lugares
La grandiosa escalinata del Círculo de Bellas Artes
Una vez que hemos franqueado la entrada al Círculo y nos encontramos ya dentro, en su planta baja, frente a nosotros nos encontramos con esa impresionante escalinata y ese inmenso cartel que anuncia la fiesta a la que acabamos de entrar.
Es aquí donde sacaremos las fotos más espectaculares con nuestros atuendos.
Bajo la Cúpula del Salón de Baile
En la planta segunda del Círculo de Bellas Artes se encuentra el majestuoso Salón de Baile. Un espacio enorme circundado por columnas y con 10 metros de altura. Un lugar increíble coronado por una imperial cúpula en donde en las alocadas fiestas de hace 100 años se tiraba confeti des arriba.
Es este el escenario principal donde sucederá la magia más surrealista y donde se podrán ver los disfraces más increíbles que se lucirán esa noche. ENLACE SALÓN DE BAILE
Bailando entre mármoles y columnas
Y si no fuese suficiente en la planta 4 tenemos la Sala de Columna, con una pared cubierta con un precioso espejo y con 18 pilares que dan nombre a la sala. Este será, de forma simultánea al Salón de Baile, nuestro segundo lugar de baile surrealista. ENLACE SALA DE COLUMNAS
Los disfraces surrealistas para el Carnaval 2025
Aquí os proponemos 25 ideas de disfraces surrealistas
Disfraces inspirados en artistas y obras surrealistas 🎨
Salvador Dalí viviente – Bigotes imposibles, traje elegante y un reloj derretido colgado del brazo.
René Magritte en persona – Un hombre con bombín y un manzano flotando en la cara.
Leonora Carrington mística – Vestuario onírico con elementos fantásticos y animales mitológicos.
Remedios Varo viajera interdimensional – Capas con formas geométricas y arte esotérico en la ropa.
Max Ernst collage humano – Mezcla de texturas y elementos recortados en el cuerpo.
Disfraces de objetos que cobran vida 🕰️
Reloj derretido – Inspirado en La persistencia de la memoria, un traje deformado con un reloj colgando.
Pipa que no es una pipa – Vestirse como una pipa gigante con el texto “Ceci n’est pas une pipe”.
Teléfono langosta – Un teléfono antiguo con una langosta en la cabeza como Dalí.
Mano gigante surrealista – Disfraz de una mano enorme con ojos en los dedos.
Sombrero con piernas – Un sombrero enorme con piernas humanas que salen por debajo.
Disfraces de figuras inquietantes y oníricas 👁️
Hombre con cabeza de ojo – Un ojo gigante en lugar de la cabeza.
Persona con cara de cubo – Inspirado en los juegos de perspectiva surrealistas.
Espejo humano – Un marco de espejo en la cara reflejando otra realidad.
Bailarín sin cara – Un traje de gala con una cara en el pecho y una máscara en la mano.
Figura geométrica viviente – Un disfraz cúbico o triangular con patrones imposibles.
Disfraces inspirados en el cine surrealista 🎬
El hombre de los sueños de David Lynch – Inspirado en Mulholland Drive o Eraserhead.
Personaje de Un perro andaluz – Con un ojo «cortado» por una cuchilla.
El enigmático Henry de Eraserhead – Con su icónico peinado y expresión aterradora.
Los extraños de La montaña sagrada – Vestidos ceremoniales con símbolos esotéricos.
Criatura híbrida de Buñuel – Mitad animal, mitad humano con contrastes absurdos.
Disfraces de seres imposibles y metamórficos 🌀
Hombre-silla – Mitad cuerpo humano, mitad mueble.
Ser con dos mitades distintas – Un lado elegante, el otro monstruoso.
Pájaro-humano de los sueños – Inspirado en criaturas de Leonora Carrington y Max Ernst.
Árbol andante con manos – Tronco con ramas que terminan en manos reales.
Doble identidad surrealista – Dos caras distintas en un mismo cuerpo, como un reflejo de otro mundo.
El Surrealismo y el Cine de David Lynch: Un Viaje a lo Inexplicable
En este punto os vamos a dar ideas para disfraces surrealistas basado de la cinematografía de David Lynch
El surrealismo es una puerta abierta a lo desconocido, un movimiento artístico que desafía la lógica y nos sumerge en lo onírico, lo subconsciente y lo ilógico. Desde los pinceles de Dalí, Magritte y Max Ernst, hasta la pantalla grande con Buñuel y Cocteau, el surrealismo ha creado mundos en los que las reglas de la realidad se desvanecen y los sueños toman el control.
Dentro de este universo aparece David Lynch, un cineasta que ha llevado el surrealismo a nuevas dimensiones. Su cine es una mezcla de lo cotidiano y lo extraordinario, donde lo familiar se transforma en algo inesperado. Desde las calles industriales de Eraserhead hasta la atmósfera hipnótica de Blue Velvet, los enigmas de Twin Peaks o los juegos de identidad en Lost Highway, Lynch nos invita a sumergirnos en historias donde lo inexplicable se convierte en parte del paisaje.
Para el Carnaval Surrealista 2025, nada mejor que traer a la vida estos mundos con cinco disfraces inspirados en sus películas. Cada uno de estos personajes representa una parte esencial de su cine: el misterio, lo abstracto, lo onírico y lo simbólico. Son figuras que parecen sacadas de un sueño del que no se puede despertar del todo, personajes atrapados en un universo que desafía cualquier intento de explicación lógica.
Aquí tienes cinco disfraces que transformarán la noche en un auténtico carnaval lynchiano:
Hombre de Otro Lugar (Twin Peaks) – Un personaje enigmático que habla al revés y baila en una habitación roja.
Henry Spencer (Eraserhead) – Un hombre atrapado en un universo industrial, con un peinado imposible y un bebé que desafía la naturaleza.
El Hombre Misterioso (Lost Highway) – Una figura vestida de negro con un rostro que parece desdoblarse entre realidades.
Dorothy Vallens (Blue Velvet) – La femme fatale envuelta en terciopelo azul, con una voz que parece hipnotizar el tiempo.
La Mujer del Radiador (Eraserhead) – Una presencia etérea sobre un escenario, con una sonrisa enigmática y una canción que parece venir de otra dimensión.
Con estos disfraces, el Carnaval Surrealista se convertirá en una película de David Lynch, donde cada detalle oculta algo más y la imaginación se expande sin límites. La única pregunta es: ¿hasta dónde llegará el sueño? 🎭🔻🌀
Y seguimos con otro de los grandes títulos de viajes en el tiempo, drama psicológico, fantasía y romance de principios de este siglo. Le llega el turno a El Efecto Mariposa (The . Butterfly Effect) del año 2004
Nuestras decisiones no solo afectan a nuestras vidas, sino que también hacen cambiar a las personas que nos rodean. ¿Qué pasa si podemos viajar a nuestro pasado y cambiar ciertas cosas y ciertos momentos traumáticos? Cada pequeño acto tendrá consecuencias inesperadas y efectos colaterales en la vida de nuestros seres queridos y cercanos. Es un efecto mariposa que mueve todo el futuro. ¿Sería posible tener el control total sobre nuestras vidas? ¿Puede el amor justificar cambiarlo todo?
Estas y muchas otras preguntas serán el centro de nuestra charla en «Un Conejo con Ojo» el próximo martes a las 19:30h.
Un Conejo con Ojo es un cine debate organizado por Big Tree Books y Happening Madrid para las tardes de los martes desde el corazón más castizo de Madrid. Unas veladas para disfrutar del cine y hacerlo pensando y dialogando. Hazte fan de nuestro conejo blanco con un solo ojo
Un Conejo con Ojo es un cine debate organizado por Big Tree Books y Happening Madrid para las tardes de los martes desde el corazón más castizo de Madrid. Unas veladas para disfrutar del cine y hacerlo pensando y dialogando. Hazte fan de nuestro conejo blanco con un solo ojo
El Efecto Mariposa (The Butterfly Effect) es una película estadounidense dirigida por Eric Bress y J. Mackye Gruber que se estrenó en el año 2004. The Butterfly Effect es un thriller psicológico y de ciencia ficción que nos habla de la teoría del caos y del efecto mariposa: Cómo pequeños cambios en el pasado pueden provocar enormes consecuencias en el futuro, no solo para nosotros, sino también para las personas de nuestro entorno más cercano. Protagonizada por Ashton Kutcher como Evan Treborn, un joven atormentado por su pasado y sus lagunas mentales; Amy Smart como Kayleigh Miller, el amor de su vida desde la infancia, cuya vida cambia drásticamente según las decisiones que Evan va tomando; y Melora Walters como Andrea Treborn, su madre, quien lucha por sacar adelante a su hijo en medio de su sufrimiento. En definitiva, una historia que combina elementos de drama, suspenso y ciencia ficción para ofrecer una experiencia cinematográfica arrolladora y fascinante.
La película se desarrolla bajo una atmósfera sombría con giros argumentales inesperados, recurriendo a flashbacks y cambios de línea temporal mientras nos enfrentamos a las distintas posibilidades que Evan Treborn (Ashton Kutcher) se encuentra al intentar arreglar su pasado. Cada decisión que toma Evan lo lleva a un futuro inesperado. Todo esto nos muestra lo complejo que es intervenir en el destino. Con una duración de 113 minutos el El Efecto Mariposa combina una historia que nos envuelve con una profunda reflexión filosófica sobre el poder de nuestras elecciones y sus consecuencias.
Sinopsis de “El Efecto Mariposa”
Evan Treborn (Ashton Kutcher) es un joven marcado por sus lagunas mentales y situaciones traumáticas que no puede recordar. En su lucha por encontrar respuestas, descubre que al leer sus antiguos diarios tiene el poder de viajar al pasado a ese momento y que puede reescribir su historia. Pero, con cada intento de corregir el pasado, altera radicalmente el presente, generando nuevas realidades imprevisibles. Evan se enfrenta a un gran dilema ya que cada vez que arregla algo del pasado consiguiendo la felicidad de alguien en el presente empeora la vida de otra persona o incluso la suya propia. ¿Puede realmente arreglar las cosas con su poder o solo está condenado a empeorarlas?
La película recibió la nominación a “Mejor película de ciencia ficción” de los premios Saturn 2004
En líneas generales la película tuvo muy dispares críticas desde las positivas hasta las enormemente negativas. Con el tiempo la película ha tenido mucha mejor aceptación entre el público con una cohorte importante de seguidores
La película El Efecto Mariposa (The Butterfly Effect) hace que nos cuestionemos si realmente tenemos control sobre nuestras vidas o si nuestras acciones presentes están determinadas por una serie de eventos previos. A lo largo de la historia, Evan trata de cambiar su destino y el de quienes lo rodean, pero cada intento trae consecuencias inesperadas.
¿Crees que Evan tiene verdadero control sobre su destino? ¿Hasta qué punto nuestras elecciones cambian radicalmente nuestra vida? ¿Crees que la película defiende una visión determinista del universo?
Como moldea el pasado nuestra identidad personal
En El Efecto Mariposa se nos da entender que los cambios en el pasado moldean la personalidad de una persona.
Si tuvieras la oportunidad de cambiar un suceso pasado en tu vidad ¿lo harías? ¿Crees que una sola decisión en nuestra vida puede alterar por completo quiénes somos? ¿Se puede intentar borrar el sufrimiento de nuestra existencia?
Ética y Responsabilidad
Evan intenta cambiar el pasado para ayudar a sus seres queridos y que sus vidas sean mejores, Los resultados acaban siendo desastrosos para alguien. Lo que se arregla por un lado se desarregla por otro.
¿Crees que sería moralmente correcto modificar el pasado si pudiéramos hacerlo? ¿Qué responsabilidad tiene Evan sobre los destinos de los demás personajes cuando hace un cambio en el pasado?
La vida real y los efectos mariposa
En El Efecto Mariposa se incide en la idea de que nuestras pequeñas acciones del presente pueden tener consecuencias enormes en el futuro, tanto para nosotros como para el entorno
¿Alguna vez alguna pequeña decisión tuya ha tenido una gran impacto en tu vida futura? ¿Crees que se pude ser consciente de ello? ¿Nuestra vidas están regidas por el caos o siguen un orden predertimando?
Las consecuencias de los traumas del pasado
En The Butterfly Effect podemos ver personajes marcados de por vida por una situación traumática en su infancia.
¿Cómo trata la película el impacto del trauma infantil en la vida adulta? ¿Hasta qué punto nuestra vida está definida por nuestras experiencias de la infancia? ¿Cómo debemos enfrentarnos en la realidad a los traumas pasados cuando no podemos alterarlos cómo en la película? ¿Olvidad es una opción?
Banda sonora de la película El Efecto Mariposa
En la banda sonora de «El efecto mariposa» (2004) se combina una partitura original compuesta por Michael Suby con una selección de canciones de diversos artistas que ayudan a crear la atmósfera de la película. En cuanto a la música original, este trabajo supuso el debut de Michael Suby como compositor cinematográfico. Se recogen además piezas de conocidos grupos y artistas como Oasis (Stop Crying Your Heart Out), The Chemical Brothers (My Elastic Eye) y Jimmy Eat World (Hear You Me). No existe una lista de reproducción oficial de la banda sonora en Spotify pero podemos encontrar diferentes recopilaciones realizadas por los usuarios. Aquí os dejamos una:
Y un video basado en la peli de Stop Crying Your Heart Out
Otros temas de interés
Acerca de los directores
Eric Bress y J. Mackye Gruber son colaboradores habituales de la industria cinematográfica, destacando especialmente en los géneros de thriller y ciencia ficción. Algunos de sus principales trabajos al margen de El Efecto Mariposa son los siguientes:
Eric Bress:
«Destino final 2» (2003): Coescribió el guion de esta secuela de la popular saga de terror, donde un grupo de personas intenta escapar de la muerte tras sobrevivir a un accidente masivo. «The Final Destination» (2009): Participó en el guion de la cuarta entrega de la franquicia «Destino final», continuando con la temática de escapar de la muerte tras premoniciones. «Ghosts of War» (2020): Escribió y dirigió este thriller sobrenatural ambientado en la Segunda Guerra Mundial, donde cinco soldados se enfrentan a eventos paranormales en un castillo francés ocupado. «Kyle XY» (2006-2009): Creador y productor ejecutivo de esta serie de televisión de ciencia ficción que sigue la vida de un adolescente sin recuerdos.
J. Mackye Gruber:
«Destino final 2» (2003) y «Kyle XY (2006-2009)
Punto de encuentro y planning de la velada
El punto de encuentro será en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) el próximo martes a las 19:30h.
Las veladas se dividirán en tres partes. La primera media hora la dedicaremos a tomar algo, a presentar la película y a conocernos. Después a las 20:00h tendremos la proyección. Todas las proyecciones se realizan en VOSE. Para finalizar tendremos un coloquio que durará hasta las 23:00h.
¿Cómo será el coloquio?
Los encuentros son participativos y queremos conocer vuestra opinión para que se pueda generar un debate abierto y constructivo. No es necesario conocimiento de cine para participar y es más, huimos del conversador pedante ya que para ellos tenemos a la wikipedia. ¡Queremos que cada martes seamos capaces de generar algo fantástico y diferente!. ¡Queremos saber lo que sientes y que seas capaz de contarlo!
A partir del tema de discusión y de lo visto en la película, las historias personales son bienvenidas y además, son una buena forma de dar a conocer lo que pensamos y lo que sentimos. ¡Nuestro deseo es que participes y seas activo!
Cine y el debate siempre van de la mano, y por eso queremos que te hagas fan de nuestro conejo blanco con un solo ojo.
¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas
El coste de inscripción a la sesión de debate y coloquio es gratuita para los socios de Happening Madrid y para el resto aquello con lo que deseéis y podáis participar. Se puede reservar en entradium en este enlace:
Las invitaciones gratuitas para los socios La reserva gratuita para hacer luego la aportación que se desee a la finalización del coloquio Los que deseen hacer una aportación de 3€ Los que deseen hacer una aportación de 5€
y además debes de reservar por whatsapp en cualquiera de estos números
Llega San Valentín! Hemos bajado la guardia y dejado que la melancolía inunde nuestro corazón. Os traemos una historia que entrelaza el tiempo, el amor y las segundas oportunidades, donde lo extraordinario se esconde en lo cotidiano, con el inconfundible humor británico en su versión más inteligente y elegante. Todo ello envuelto en una banda sonora de exquisitos temas pop e indie, con How Long Will I Love You de The Waterboys como estandarte. Nos referimos a About Time, una cuestión de tiempo que desgranaremos en nuestra próxima sesión de cine debate.
Este próximo martes en nuestro cine debate “Un Conejo con Ojo” vamos a ver y hablar de About Time (Cuestión de Tiempo, 2013). Comedia romántica de cine fantástico con viajes en el tiempo ¿Te imaginas que pudieras retornar al punto de tu vida que quisieras para cambiar las cosas? Esto es lo que le pasa a nuestro personaje, pero todo tiene sus consecuencias. Reflexionaremos sobre la vida, el amor y como usamos nuestro tiempo. ¿Cuál es el significado de tener el control sobre el tiempo? ¿Podríamos eliminar el dolor de nuestras vidas? Estas y muchas otras preguntas serán el centro de nuestra charla en «Un Conejo con Ojo» el próximo martes a las 19:30h.
Un Conejo con Ojo es un cine debate organizado por Big Tree Books y Happening Madrid para las tardes de los martes desde el corazón más castizo de Madrid. Unas veladas para disfrutar del cine y hacerlo pensando y dialogando. Hazte fan de nuestro conejo blanco con un solo ojo
About Time es una película británica estrenada en 2013 y dirigida por Richard Curtis, quien también escribió el guion. Curtis es conocido por películas como Love Actually o Notting Hill. About Time es una comedia romántica, de cine fantástico y de viajes en el tiempo muy especiales. Película sensible y elegante sobre la fugacidad del tiempo y la importancia de vivir el presente. El guion escrito por Curtis está dentro de la tradición de las historias que combinan el humor británico con un toque emocional y humano.
La película está protagonizada por Domhnall Gleeson, Rachel McAdams y Bill Nighy que nos ofrecen unas muy brillantes interpretaciones. Visualmente, la fotografía de John Guleserian con una iluminación suave y tonalidades nostálgicas nos hacen evocar la memoria y el paso del tiempo. La banda sonora, compuesta por Nick Laird-Clowes (The About Time Theme) y complementada con una cuidada selección de temas contiene temas como How Long Will I Love You de The Waterboys pero interpretada en la peli en las versiones de Jon Boden y Ellie Goulding. Es muy especial también Il Mondo de Jimmy Fontana y Into My Arms de Nick Cave
About Time tuvo críticas de todas las tonalidades. Aunque se ha consolidado como una película clave dentro de su género. Algunos consideran que su tono sentimental es excesivo, pues recurre a lugares comunes para provocar la emoción del espectador. Otros, sin embargo, elogian su capacidad sincera para conmover.
Con una duración de 123 minutos, About Time es comedia romántica, es meditación existencialista e historia de cine fantástico de viajes en el tiempo. Con una construcción excelente, fotografía magnífica, música muy bien seleccionada, grandes actuaciones, se convierte en un regalo que se disfruta cuando se ve y nos hace pensar sobre la vida y como usamos nuestro tiempo. Su capacidad para conmover es tan sincera como su exceso de sentimentalismo. Hay que verla en los momentos apropiados.
Sinopsis de “About Time”
Tim Lake (Domhnall Gleeson) es un joven, cariñoso y algo torpe, que lleva una vida familiar y cotidiana. Al llegar a los 21 años su padre (Bill Nighy) le cuenta que todos los hombres de la familia han tenido desde siempre un don, el de poder viajar en el tiempo. Sin embargo, ese viaje es solo a momentos del pasado previamente vividos.
Con su poder, Tim se lanza a la búsqueda de lo que considera esencial en la vida: el amor. Así Mary (Rachel McAdams), la chica se sus sueños, se convierte en su horizonte y en la razón última de su danza entre el pasado y el presente. Así va tejiendo la ilusión de una historia perfecta. Tim también usa su poder para ayudar a las personas que quiere, pero pronto empieza a entender que esto tiene sus consecuencias.
La historia avanza en una reflexión sobre la familia, la pérdida y finalmente, en la importancia de vivir el presente. About Time es una película optimista que nos hace darnos cuenta de que la felicidad no se encuentra en cambiar el pasado, sino en aprender a disfrutar cada día como si fuera único.
About Time no tuvo presencia en premios importantes como los Oscar o los BAFTA. Estos fueron los reconocimientos que alcanzó:
Premios Empire (2014). Mejor actor británico (Domhnall Gleeson) – Ganador Premios Satellite (2013). Mejor actor de reparto (Bill Nighy) – Nominado Premios de la Crítica de San Diego (2013).Mejor película de ciencia ficción/fantasía – Nominada Premios London Critics Circle Film Awards (2014). Actor británico del año (Domhnall Gleeson) – Nominado Premios Teen Choice Awards (2014).Mejor película romántica – Nominada Mejor actor en película romántica (Domhnall Gleeson) – Nominado Mejor actriz en película romántica (Rachel McAdams) – Nominada
Otros enlaces
IMDb (Internet Movie Database) – Datos completos, reparto, trivia y críticas: IMDb – About Time
Wikipedia – Historia, producción, banda sonora y recepción de la película: Wikipedia – About Time
La importancia de vivir el presente y valorar los pequeños momentos
El tema central de About Time gira en torno a la importancia de vivir el presente y valorar los pequeños momentos. El don del viaje en su tiempo pasado se usa en la película para aprender a usar el tiempo de la mejor manera posible. De hecho, a lo largo del transcurso de la historia nos damos cuenta de que ni siquiera es necesario el don para conseguirlo. Más bien parece que es un recurso para mostrarnos la importancia de vivir la vida atendiendo a los pequeños detalles desde la cotidianidad. Es una especie de paradoja existencial para decirnos que el verdadero secreto no está en cambiar el pasado, sino en aprender a vivir cada día como si no fuera posible repetirlo. El tiempo no hay que controlarlo sino disfrutarlo.
¿Crees que vives tu vida intensamente? Si pudieras viajar en el tiempo como Tim, ¿usarías ese don para corregir errores o simplemente para revivir momentos felices? ¿Crees que Tim es más feliz cuando deja de viajar en el tiempo y empieza a vivir cada día sin repetirlo? ¿Por qué?
El tiempo y la búsqueda de la felicidad
En About Time, Tim tiene el poder de viajar en el tiempo y lo usa para mejorar pequeños aspectos de su existencia, corrige algunos momentos y hace más especiales ciertas experiencias. Sin embargo, a lo largo de la película, se da cuenta de que la felicidad no depende de controlar el tiempo, sino de cómo elige vivirlo.
La historia nos invita a reflexionar: ¿Seríamos realmente más felices si pudiéramos modificar el pasado y eliminar nuestros errores? ¿O la felicidad radica en aceptar la vida con sus imperfecciones y aprender a valorar cada momento tal como es?
Olvidar el presente
Solo se puede vivir el presente, pero estamos siempre muy afectados por lo pasado y muy temerosos del futuro
¿Cuántas veces nos preocupamos tanto por el pasado o el futuro que olvidamos apreciar el presente?
El amor y las segundas oportunidades
La relación entre Tim y Mary es una exploración de cómo las pequeñas decisiones pueden cambiar el rumbo de una historia de amor. ¿Qué haríamos si tuviéramos la oportunidad de repetir momentos hasta que fueran perfectos? ¿Es el amor algo que se puede perfeccionar o simplemente hay que dejarlo fluir?
El amor más allá de la apariencia
Uno de los momentos más emblemáticos y cargados de simbología de About Time es la cena a ciegas en el restaurante Dans Le Noir?. Allí Tim y Mary se conocen sin verse. En un mundo donde la atracción física suele ser el primer filtro en las relaciones, esta escena nos plantea una cuestión esencial: ¿qué sucede cuando eliminamos la apariencia del juego del amor?
Dans Le Noir? (en español, “En la oscuridad”) es un restaurante pionero en experiencias gastronómicas a ciegas. La particularidad es que los clientes cenan en completa oscuridad y son guiados hasta sus mesas y atendidos por camareros invidentes. Esto genera una experiencia sensorial única, donde los sentidos del gusto, el olfato y el oído se intensifican al no depender de la vista. El restaurante fue fundado en París en 2004 y tienes locales en otros ciudades como Londres, Madrid, Nantes y Toulouse.
Es allí donde se conocen casualmente Tim y Mary en la película. Mary va con una amiga y posteriormente llega al restaurante Tim con un amigo. El camarero invidente que los guía hasta la mesa los coloca en la misma que Mary, Tim y Mary se encuentran sin saber cómo es el otro físicamente, lo que convierte su conversación en la única base para su conexión, que se nota claramente. Es después al salir de restaurante cuando por fin se ven y se intercambian los teléfonos.
Esta escena es muy importante ya que nos plantea que el amor va más allá de la apariencia. La atracción también puede surgir de la complicidad y la conversación. Es unencuentro real e irrepetible y a diferencia de otras escenas en la película, Tim no usa su poder para modificarlo. Es completamente espontáneo. Simbólicamente, Tim también está «a ciegas» sobre su futuro – Él no sabe aún lo importante que será Mary en su vida, al igual que no puede verla en ese momento.
Es un momento mágico e inesperado que le ofrece el destino. Puede que sea el momento más importante de su vida. Hay cosas que no necesitan ser cambiadas ni corregidas.
Esta escena en Dans Le Noir? nos invita a reflexionar sobre cómo percibimos el amor, sobre las primeras impresiones y sobre la importancia de la conexión emocional más allá de lo que se ve.
¿Cómo influye la apariencia en nuestras relaciones y qué pasaría si no la viéramos en un primer contacto? Si Tim hubiera visto a Mary antes de hablar con ella, ¿habría cambiado algo? ¿Cuántas veces nos dejamos llevar por la primera impresión sin dar oportunidad a conocer a alguien más allá de lo físico? ¿Crees que en nuestra sociedad actual sería posible un «amor a ciegas» como el de Tim y Mary, o dependemos demasiado de la imagen? Si tuvieras una primera cita en completa oscuridad, ¿te sentirías más o menos libre para ser tú mismo/a?
La relación entre padre-hijo
Uno de los aspectos más conmovedores de la película es la relación entre Tim y su padre. ¿Cómo influyen nuestras relaciones familiares en la manera en que vivimos el tiempo?
¿Cómo podemos aprovechar mejor los momentos con nuestros seres queridos?
El sufrimiento inevitable
A pesar de su don, Tim no puede evitar ciertos eventos trágicos de la vida. La película nos recuerda que hay cosas que no podemos controlar y que aprender a aceptar la pérdida es parte del viaje humano.
Si incluso con la capacidad de viajar en el tiempo no podemos evitar el sufrimiento, ¿cómo podemos aprender a aceptarlo y vivir con él? Si tuvieras la posibilidad de cambiar el pasado, ¿tratarías de evitar el sufrimiento o aceptarías que es parte de la vida? ¿Crees que Tim habría sido más feliz si nunca hubiera tenido el don de viajar en el tiempo y simplemente hubiera vivido su vida con normalidad? ¿Qué nos enseña la relación de Tim con su padre sobre la importancia de los momentos compartidos, incluso cuando sabemos que terminarán? ¿Hasta qué punto es bueno intentar evitar el dolor? ¿Crees que aprender a enfrentarlo nos hace más fuertes?
Caos y espontaneidad. Kit Kat: La hermana de Tim en About Time
Kit Kat, es la hermana de Tim interpretada por Lydia Wilson es un espíritu libre y caótico que representa la parte más impulsiva, espontánea y desordenada de la vida, en contraste con la actitud más estructurada y reflexiva de su hermano. Sus increíbles abrazos son casi intimidatorios. Ella choca con las reglas y las expectativas del mundo real. Lucha con sus propias debilidades: toma malas decisiones en el amor, se siente perdida y enfrenta problemas de autodestrucción.
Kit Kat es algo más que un arquetipo entre Manic Pixie Dream Girl y Wildcard. Kit Kat es un ser luminoso con sus sombre que necesita el apoyo familiar para salir adelante. Es la persona con la que Tim tiene una relación cercana, además de su padre. Es su confidente e incluso Tim le cuenta su secreto, cosa que no hace con Mary.
Kit Kat tiene su historia independiente de Tim en la película. Se enamora de Jimmy, un hombre tóxico que no la valora. Sus impulsos la llevan a situaciones problemáticas, como el accidente de coche que sufre después de una crisis emocional. Ella representa el lado frágil y vulnerable de la vida. Al principio ella es incapaz de encontrar la estabilidad emocional. Tim intenta arreglar las cosas con su don, pero esta no es la solución, ya que el cambio debe de venir desde dentro. No siempre podemos salvar a los demás, pero si podemos siempre estar allí para apoyarlos. Al final, con el apoyo de Tim y Mary, Kit Kat logra salir adelante y estabilizar su vida.
¿Qué representa Kit Kat en About Time? ¿Cómo cambia la relación entre Tim y Kit Kat a lo largo de la película? ¿Crees que Tim hace bien en intentar cambiar el pasado de su hermana, o debería haberla dejado aprender por sí misma? ¿Qué mensaje nos deja la historia de Kit Kat sobre la importancia del amor propio y las segundas oportunidades? ¿Te identificas más con la planificación de Tim o con la espontaneidad de Kit Kat? ¿Por qué? ¿Hasta qué punto podemos ayudar a nuestros seres queridos sin intervenir demasiado en sus vidas?
Harry, el dramaturgo amargado de About Time
Uno de los personajes secundarios más memorables de About Time es Harry, interpretado por Tom Hollander, es un dramaturgo cínico, amargado y con un sentido del humor mordaz, que se convierte en el casero de Tim cuando este se muda a Londres. Harry es un antihéroe.
Harry es el antihéroe de la historia, el personaje que se burla del sentimentalismo de la película y que nunca parece encontrar la felicidad, pero que, paradójicamente, se convierte en una de las figuras más memorables de About Time. Su humor ácido y su visión pesimista contrastan con el optimismo de Tim, recordándonos que no todos afrontamos la vida de la misma manera… y que algunos simplemente disfrutan siendo gruñones.
Mientras Tim es optimista, ingenuo y amable, Harry es huraño, sarcástico y constantemente irritado con el mundo.
¿Te parece un personaje necesario o solo un alivio cómico en la película?
Banda sonora de la película About Time
Richard Curtis es un director muy conocido por su pasión por la música y por su magnifica elección en las bandas sonoras de sus películas, tanto de las que ha sido directos como guionista.
En la película “About Time” esto sigue siendo cierto y la banda sonora tiene un significado muy especial en la historia. Banda sonora emotiva y profunda que acompaña en los momentos clave reforzando el impacto emocional de las escenas. Clásicos pop e indie, muchos de ellos llenos de nostalgia y romanticismo.
Hay dos temas especialmente claves en la película: “How long Will I love You” e “Il Mondo”
How Long Will I Love You
How Long Will I LoveYou es una canción original de The Waterboys que fue lanzada en 1990 dentro del álbum Room to Roam. En la película se pueden escuchar dos versiones de este tema: La de Ellie Goulding y la Jon Boden, Sam Sweeney & Ben Coleman del año 2013 grabadas especialmente para la película. Ellie Goulding incluyó el tema en la reedición de 2014 de su álbum Halcyon Days de 2012
La letra de esta canción es una declaración de amor eterno e incondicional que transciende al tiempo y que encaja perfectamente en el contexto de la película.
La interpretación de Ellie Goulding tiene un tono más íntimo y sentimental, con una instrumentación suave dirigida por el piano y una atmósfera nostálgica.
El video oficial de la canción no guarda relación la película sino con un cortometraje de 12 minutos en donde Ellie Goulding es coprotagonista con Dylan Edwards dirigido por Roger Michell. Está grabado íntegramente con un Iphone 5s
Il Mondo
Il Mondo es un clásico del pop italiano de 1965 interpretado por Jimmy Fontana. El mundo gira, el tiempo pasa, los amores llegan y se van. Perfecta parta la película y para la conexión entre generaciones, entre el padre y el hijo. Aparece en dos momentos en la película. En una primera vez en una conversación entre Tim y su padre en la casa paterna. Il mondo es el tema que elige Tim para que suene en su boda con Mary. Y así ocurre en mitad del caos de viento y lluvia de ese día. El tema de 1965 de Jimmy Fontana fue grabado por Ennio Morricone E La Sua Orchestra.
Enlaces para la banda sonora
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Punto de encuentro y planning de la velada
El punto de encuentro será en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) el próximo martes a las 19:30h.
Las veladas se dividirán en tres partes. La primera media hora la dedicaremos a tomar algo, a presentar la película y a conocernos. Después a las 20:00h tendremos la proyección. Todas las proyecciones se realizan en VOSE. Para finalizar tendremos un coloquio que durará hasta las 23:00h.
¿Cómo será el coloquio?
Los encuentros son participativos y queremos conocer vuestra opinión para que se pueda generar un debate abierto y constructivo. No es necesario conocimiento de cine para participar y es más, huimos del conversador pedante ya que para ellos tenemos a la wikipedia. ¡Queremos que cada martes seamos capaces de generar algo fantástico y diferente!. ¡Queremos saber lo que sientes y que seas capaz de contarlo!
A partir del tema de discusión y de lo visto en la película, las historias personales son bienvenidas y además, son una buena forma de dar a conocer lo que pensamos y lo que sentimos. ¡Nuestro deseo es que participes y seas activo!
Cine y el debate siempre van de la mano, y por eso queremos que te hagas fan de nuestro conejo blanco con un solo ojo.
¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas
El coste de inscripción a la sesión de debate y coloquio es gratuita para los socios de Happening Madrid y para el resto aquello con lo que deseéis y podáis participar. Se puede reservar en entradium en este enlace:
Las invitaciones gratuitas para los socios La reserva gratuita para hacer luego la aportación que se desee a la finalización del coloquio Los que deseen hacer una aportación de 3€ Los que deseen hacer una aportación de 5€
y además debes de reservar por whatsapp en cualquiera de estos números
Este próximo martes en nuestro cine debate “Un Conejo con Ojo” vamos a ver y hablar de El día de la marmota (Groundhog Day, 1993), una maravillosa película de culto sobre los ciclos temporales, como llegar a ser la mejor versión de uno mismo y aprender a vivir. Romántica, divertida, icónica y que nunca aburre aunque se haya visto cien veces. Tendremos una velada para explorar la repetición infinita de lo cotidiano y la posibilidad de transformarnos en alguien mucho mejor.
Veremos al carismático Bill Murray haciendo de Phil Connors, un meteorólogo egocéntrico y cínico, atrapado en el tiempo en un bucle temporal que le hará revivir una y otra vez el mismo día. Enfrentado a esta extraña paradoja, tendrá que decidir cómo vivir su eternidad en el 2 de febrero en Punxsutawney, un pueblecito que odia mucho Phil. ¿Estará condenado a repetir lo mismo para siempre o podrá cambiar su destino?
Y sobre todo esto será de lo que charlaremos en nuestra próxima sesión de Un conejo con ojo el próximo martes las 19:30h.
Un conejo con ojo es un cine debate organizado por Big Tree Books y Happening Madrid para las tardes de los martes desde el corazón más castizo de Madrid. Unas veladas para disfrutar del cine y hacerlo pensando y dialogando. Hazte fan de nuestro conejo blanco con un solo ojo.
Atrapado en el tiempo, El día de la marmota o Groundhog Day es una película de cine fantástico y comedia romántica americana de año 1993. Su director es Harold Ramis. La película que inicialmente fue denostada por la crítica, ha trascendido a su época y se convertido en una película de culto, convirtiéndose en una referencia en la cultura popular y en una exploración fascinante del destino, el tiempo y la posibilidad de transformación.
En la peli podremos ver a Bill Murray dando vida al sarcástico Phil Connors; a Andy McDowell haciendo de Rita, productora del programa llena de humanidad y confianza en el prójimo, y a Chris Elliot que encarna al cámara Larry.
A día de hoy es aclamada por los mismos que años atrás la condenaban al ostracismo, en 2006 fue votada como una de las 50 mejores comedias de la historia del cine por la revista de cine Premiere y en la actualidad ocupa el octavo puesto en la lista de las mejores películas americanas de género fantástico. ( AFI’s 10 Top 10,)
Sin lugar a duda Atrapado en el Tiempo (El día de la marmota en su traducción literal del inglés) es una de las películas que más veces he visto a lo largo de mi vida. Jamás aburre y siempre hace que vuelvas a sonreír o reír a carcajadas. Una vez que la vuelves a ver, da igual cuantas veces la hayas visto antes, siempre pasas horas e incluso días pensando en ella y su mensaje.
La idea de Atrapado en el tiempo es bien simple: El continuo retorno. ¿Qué pasaría si te despertaras siempre en el mismo día? Eso es lo que le pasa a nuestro protagonista Phil. Phil pasa unos 10.000 años en un bucle temporal que se repite en el mismo día: El día de la marmota que se celebra cada 2 de febrero en algunos pueblos de Estado Unidos y Canadá. Es decir, Phil tiene la posibilidad de poder revivir 3.650.000 veces el mismo día.
Con mucho humor la película nos invita a hacer una exploración profunda de la transformación personal a lo largo de incontables repeticiones. Phil experimenta incredulidad, nihilismo, desesperación, apatía, aceptación, hasta que poco a poco descubre que si utiliza su situación para mejorar y ayudar a los demás se estará también ayudando a sí mismo. Es un viaje crecimiento interior en el que solo verá un nuevo amanecer el día que aprenda a amar de verdad.
Todo esto es lo que ha convertido a El día de la marmota (o Atrapado en el tiempo) un clásico de culto que sigue apasionando a todos los públicos.
Sinopsis de “El día de la marmota”
Phil, que es el papel interpretado por Bill Murray, es un meteorólogo de una cadena de televisión americana. Todos los años le toca cubrir el acontecimiento del Día de la Marmota en el pueblo de Punxsutawney (Condado de Jefferson en Pensilvania).Phil es bastante cretino, creído y falto de empatía. No consiente que los sentimientos se cuelen en su vida y, mucho menos en su corazón. Su actitud es bastante repulsiva frente a la encantadora Rita (Andy McDowell), que es la productora del programa, y al cámara Larry (Chris Elliot).Phil es un hombre frustrado en sus ambiciones y aburrido con su trabajo, y en su arrogancia piensa que su carrera profesional no avanza todo lo rápido que merecería.
En el Día de la Marmota, que es cada 2 de febrero, el comportamiento de una marmota decide si el invierno está a punto de acabar o, por el contrario, tardará 5 semanas más en hacerlo.
Después de la grabación del show de Phil, tanto del animalito como del humano, el pequeño equipo tiene que volver a Pittsburgh. El regreso no es posible por culpa de una tormenta de nieve y tienen que volver y dormir de nuevo en Punxsutawney
A la mañana siguiente Phil descubre que sigue en el mismo día. La canción I got your Baby en la versión Sonny & Cher de 1965 le volverá a despertar los próximos 3.650.000.
Phil pasa por diversos momentos: Asombro, desesperación, aceptación
Haga lo que haga ese día sus actos no tendrán consecuencias y volverá, en un bucle infinito temporal, a ser las 6 de la mañana del 2 de Febrero.
Enlaces de “El día de la marmota”
Ficha
Atrapado en el tiempo, El día de la marmota o Groundhog Day es una película americana de cine fantástico y comedia romántica americana de año 1993. Su director es Harold Ramis. Se estrenó en 1993 y dura 101’. La historia original es de Danny Rubin que es coguionista junto con el director.
En su momento no recibió grandes premios en su momento. Su reconocimiento llegó con posterioridad. Algunos de los premios y nominaciones que obtuvo incluyen:
Premios BAFTA (1994): Mejor Guion Original para Danny Rubin y Harold Ramis.
Premios de la Sociedad Nacional de Críticos de Cine (1993): Mejor Actor para Bill Murray (segundo puesto).
Premios Saturn (Academia de Ciencia Ficción, Fantasía y Terror) (1994): Nominación a Mejor Película de Fantasía.
Premios Hugo (1994): Nominada a Mejor Presentación Dramática.
Los temas del coloquio de El Día de la Marmota (Atrapado en el tiempo)
La rutina del día a día como prisión temporal y también como oportunidad para encontrar el sentido de la vida es uno de los temas centrales de la película.
El eterno retorno
El día de la marmota nos plantea un dilema existencial: si tuviéramos que revivir el mismo día una y otra vez, ¿qué haríamos? ¿intentaríamos mejorar, o simplemente nos resignaríamos? Phil Connors pasa por todas las situaciones emocionales posibles, negación, enfado, disfrute irresponsable, desesperación, apatía y, finalmente, transformación.
Al ver la evolución de Phil nos damos cuenta de que cada día, aunque parezca igual que el anterior, es una oportunidad para crecer si lo afrontamos de otra manera.
¿Cómo cambiarías si supieras que tienes tiempo infinito para hacerlo? ¿Es posible cambiar sin un evento externo que nos obligue a hacerlo?
El sentido de la vida
Phil empieza a preguntarse cuál es el propósito de su existencia cuando se da cuenta de que nada de lo que hace tiene consecuencias permanentes. Este cuestionamiento filosófico está en la línea de los pensamientos existencialistas, que nos invitan a encontrar significado en la vida a través de nuestras propias elecciones.
¿Crees que Phil encuentra el sentido de su vida al final de la película? ¿Cuál es el motor que transforma a Phil en la repetición y lo lleva a mejorar?
1.15-21H
El mito de la segunda oportunidad infinita
Con el tiempo, Phil se da cuenta de que corregir errores de forma infinita no lo hace más feliz ni le da propósito a su vida. La película nos plantea una idea interesante: ¿qué pasaría si la vida nos diera oportunidades ilimitadas para enmendar nuestros fallos? ¿Nos haría mejores o nos llevaría a un estado de apatía? En la historia, Phil solo encuentra sentido a su existencia cuando deja de intentar «corregir» su entorno y comienza a vivir con autenticidad, aprendiendo y evolucionando de manera genuina.
En la vida real, los errores y las oportunidades perdidas nos enseñan lecciones importantes. La incertidumbre y la irreversibilidad de nuestras decisiones dan valor a nuestras acciones.
¿Qué pasaría si puedes corregir indefinidamente los errores de tu vida? ¿Seguiríamos esforzándonos por mejorar? ¿Lo dejaríamos para después?
Amor y obsesión
Uno de sus principales objetivos de Phil dentro de su bucle temporal es conquistar a Rita, que representa para él la mujer perfecta ideal. Phil, gracias a su ventaja temporal, aprende todo sobre ella: sus gustos, sus valores y sus sueños, y se moldea a sí mismo en la versión perfecta que ella espera para conquista su amor. Sin embargo, cada vez que esta cerca, la falsedad de su estrategia queda en evidencia y Rita lo rechaza.
La película nos dice que el amor no se puede obtener a partir de muchos intentos y de manipulación, sino con una conexión auténtica que surge solo de la transformación personal. Que el esfuerzo y la perseverancia pueden garantizar el amor de alguien es una idea romántica equivocada y apunta hacia que solo la transformación interna que posibilite la conexión lo hace viable.
¿Es realmente válido dedicar toda una vida a intentar conquistar a una persona, o el amor solo surge cuando dejamos de perseguirlo como un objetivo? ¿Dedicarías toda una vida a conquistar al amor de tus sueños?
Moral sin consecuencias: ¿qué harías si el mañana no existiera?
En El día de la marmota, Phil Connors descubre que al estar atrapado en un bucle temporal donde cada día es exactamente igual al anterior, sus actos no tienen consecuencias. Al principio, esta falta de consecuencias lo lleva a un comportamiento hedonista y egoísta: roba dinero, manipula a la gente, come sin control y se burla de todos a su alrededor. Sin miedo al futuro, siente que puede hacer lo que quiera sin que haya repercusiones.
Con el tiempo descubre que esta aparente «libertad» no le da satisfacción. Sin consecuencias, sus actos pierden significado y el placer se convierte en hastío. Al final, Phil comprende que la verdadera satisfacción no está en actuar sin límites, sino en encontrar propósito, conectar con los demás y mejorar como persona, incluso cuando nadie está mirando.
¿Nuestras acciones están guiadas por nuestras convicciones o por el miedo a las consecuencias? ¿Seguiríamos actuando con ética si supiéramos que el mundo se reinicia al día siguiente? ¿Harías lo que quisieras si supieras que no hay un mañana y tus actos no tienen consecuencias?
¿La rutina con tiempo puede transformar a las personas?
Phil Connors comienza como un hombre arrogante, egocéntrico y cínico. Su visión del mundo está basada en el desprecio por los demás y en la creencia de que nada ni nadie puede cambiarlo. Sin embargo, al quedar atrapado en un bucle temporal y vivir el mismo día una y otra vez, se enfrenta a una posibilidad única: el cambio no es inmediato ni impuesto por factores externos, sino resultado de una repetición interminable que lo obliga a mirarse a sí mismo y evolucionar.
En un primer momento, Phil utiliza el tiempo infinito para su beneficio: manipula situaciones, intenta conquistar a Rita a través del engaño y se aprovecha de su conocimiento del día para satisfacer sus propios deseos. Pero con el paso de los días (o años, según algunas teorías), el vacío existencial se hace evidente y descubre que la única forma de escapar de su ciclo es convertirse en una mejor persona, no por conveniencia, sino por elección genuina.
Esta transformación nos lleva a cuestionar si el cambio es inevitable cuando el tiempo es infinito. Si alguien como Phil, con suficiente repetición y experiencia, logra pasar de ser un capullo integral a un hombre noble, ¿implica esto que cualquier persona, con el tiempo suficiente, podría volverse mejor? ¿O hay quienes nunca cambiarían, sin importar cuántas oportunidades tengan?
¿Que un capullo integral se convierta en un tipo excelente es solo cuestión de tiempo?
La crítica a la cotidianidad que esconde el día de la marmota
Es posible que muchos de nosotros vivamos una vida bastante “marmotil” y nuestros días pasen haciendo poco más o menos lo mismo. Levantarnos a la misma hora, ducharnos, desayunar, ir al trabajo en transporte público, comer, gimnasio, de nuevo oficina, a veces una caña afterwork, cenar y a dormir.
Así, un día tras otro, podemos llegar a pensar que estamos encerrados en el mismo día. Creemos que no existe posibilidad de salvación para nosotros y solo deseamos que un agente externo del tipo lotería o similar nos saque de nuestro particular bucle temporal.
Sin embargo, para poder disfrutar, como le pasa a Phil cuando coge las riendas de su único día, tenemos que tomar el control y provocar variaciones.
Tenemos que dejar de pensar en nosotros mismos y pensar en los demás. Tenemos que darnos cuenta de que en la generosidad y conocimiento está nuestra posibilidad de salvación.
Es eso exactamente lo que hace Phil. Pase de ser un capullo a ser un tipo genial. Pensar, que según algunas fuenes, solo ha necesitado 3.650.000 días.
De verdad ¿No crees que tú lo puedes mejorar?
Em definitiva, para que el tiempo avance y tengamos un nuevo amanecer es necesario estar abierto al mundo. Si permaneces cerrado y ensimismado en ti mismo el tiempo no avanzas, tú no avanzas. Cuando te abres al mundo y a los demás abandonando el egocentrismo el tiempo, como tu vida, fluye.
¿Porqué y dónde se celebra el Día de la marmota?
El Día de la Marmota es el 2 de febrero. Es decir, en mitad del tiempo transcurrido entre el solsticio de invierno y el equinoccio de primavera. De manera análoga Halloween se encuentra entre el equinoccio de otoño y el solsticio de invierno. En otras partes del mundo, como en Europa Occidental, lo que se celebra en estas fechas es el Carnaval. Sin embargo, en este caso, la fecha es variable por la primera luna llena de la primavera. Es decir, el Carnaval se sitúa 40 días antes que la primera luna llena después del equinoccio de primavera.
Volviendo al tema marmotil que nos ocupa, este día se celebra en ciertos lugares de Estados Unidos y Canadá. El lugar más conocido de su celebración se encuentra en el Condado de Jefferson en Pensilvania y se llama Punxsutawney. La marmota predictora se llama siempre Phil. Notar que es igual que el nombre de nuestro protagonista en la película El día de la Marmota (The GroundHod Day o Atrapado en el Tiempo).
El día de la marmota es un método folclórico que usan los granjeros para saber cuándo acabará el invierno. Si la marmota al salir no ve su sombra, por ser un día nublado, entonces no volverá a la madriguera y eso significa que el invierno termino ya. Pero si la marmota ve su sombra, porque el día es soleado, significa que el invierno durará todavía seis semanas más.
¿Es un método fiable? Pues parece ser que no. La precisión marmotil está en un bajísimo 39%.
El día de la marmota se lleva celebrando dese 1887.
La vida real de la marmota Phil
Phil vive a cuerpo de rey en Punxsutawney. Esta marmota no está en una madriguera. Nuestro Phil vive en una madriguera de temperatura controlada por los humanos en el centro de Punxsutawney en la plaza Barclay. Tampoco Phil tiene necesidad de salir a buscar pareja ya que también se encargan de sus apetitos sexuales. Aunque generalmente las marmotas no tienen pareja estable Phil si. A Phil le buscan la supermegachachi marmota para que cohabite con ella.
Con todos estos datos parece ser que nuestro bicho cuando le sacan a hacer su show no parece que vaya muy entusiasmado.
Si alguna vez vais a ver este bonito pueblo habréis de saber que podéis ver el hogar de Phil desde una cristalera dispuesta para ello en la biblioteca de Punxutawney.
Frases de la película El Día de la Marmota (Atrapado en El Tiempo)
Phil/:¿»Alguna vez ha tenido un Deja Vu, señora Lancaster?
Sra Lancaster:»Creo que no pero puedo preguntar en la cocina»
No sólo sobreviví a un atropello. No sólo exploté ayer. He sido apuñalado, envenenado, congelado, ahorcado y quemado (mirada incrédula de la camarera) y cada día me despierto sin un solo rasguño. Soy inmortal.
– ¿Va a ver a la marmota?- Sí, así es.
– ¿La primavera empezará pronto?
– Predigo el 21 de marzo.
– ¡Buena suposición! ¡Creo que ése es de verdad el 1er. día de la primavera!
Estuve en las Islas Vírgenes una vez. Conocí a una chica. Comimos langosta, tomamos piña colada. Al anochecer hicimos el amor como animales. Ese fue un buen día. ¿Por qué ese día no se repitió una y otra vez?
– ¿Qué harías si estuvieses anclado en un lugar y todos los días fueran iguales sin importar lo que hicieras?
– Eso resume mi vida.
– Déjenme hacerles una pregunta. ¿Y si no hubiera un mañana?
– ¿Si no hubiera un mañana? Entonces no habría consecuencias. No tendría resaca.
– Podríamos hacer lo que quisiéramos.
– ¿Sabes qué día es hoy? – No, ¿cuál? – Hoy es mañana
Lo que quería decir era que creo que eres la persona más dulce, más hermosa que jamás he conocido. Nunca vi a nadie más amable con la gente que tú. La primera vez que te vi algo me ocurrió. Nunca te lo dije, pero supe que quería abrazarte con mucha fuerza. No me merezco a alguien como tu pero si pudiera te juro que te amaría el resto de mi vida.
Phil marmota, Phil meteorólogo y Feel (sentimiento)
Phil, el metereólogo, y Phil, la marmota se llaman igual. Además también suena como feel. Es justo los sentimientos lo que le falta a nuestro amigo al principio de la película y necesita muchos miles de días para conseguirlo.
En la vida real ambos Phil no se llevaron muy bien durante el rodaje. Phil marmota mordió a Phil metereólogo que tuvo que ser vacunado.
Woodstock
La película se rodó en Woodstock en el estado de Illinois. Aquí tenéis un enlace con el wlaking tour y los sitios de la peli:
Este pueblo encentra separado de Punxsutawney en 547 millas. Woodstock es el lugar donde en 1969 se hizo el famoso festival.
Pensilvania Polka
La canción que se escucha insistentemente durante el festejo es Pensilvania Polka. Aquí la tenéis:
Pennsylvania Polka es una canción popular de polka que se hizo famosa en la década de los 40 del pasado siglo gracias a Frankie Yankovic, uno de los músicos más influyentes en la historia de este género en los Estados Unidos que tue conocido como el rey de la polka. La canción fue escrita por Lester Lee y Zeke Manners en 1942.
Strike up the music, the band has begun,
The Pennsylvania Polka!
Pick out your partner and join in the fun,
The Pennsylvania Polka!
I got you babe
5:59, 6:00 y vuelve a sonar la canción. ¡El martirio se repite! La canción con la que todas las mañanas se despierta Phil es «I Got You Babe». «I Got You Babe» es la canción más famosa de Sonny & Cher y la que los catapultó a la fama en 1965. Se convirtió en su primer gran éxito, alcanzando el número 1 en el Billboard Hot 100 y es todo un himno del amor juvenil de los años 60 y de la contracultura que puso en órbita a la pareja y acabó convirtiéndose en una de las más emblemáticas de la música pop de los años 60.
Esta canción aparece en el número 444 de las 500 mejores canciones de todos los tiempos según la revista Rolling Stone
La canción ha sido usada en numerosas películas y series, pero nada comparado con su aparición en el Día de la Marmota en 1993. Cada mañana suena en el despertador de la habitación de Bead and Breakfast de Phil Connors, y es el símbolo de que el ciclo vuelve a comenzar.
Ha sido versionada por múltiples artistas, incluyendo UB40 & Chrissie Hynde, quienes la llevaron nuevamente a las listas de éxitos en los 80.
Punto de encuentro y planning de la velada
El punto de encuentro será en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) el próximo martes a las 19:30h.
Las veladas se dividirán en tres partes. La primera media hora la dedicaremos a tomar algo, a presentar la película y a conocernos. Después a las 20:00h tendremos la proyección. Todas las proyecciones se realizan en VOSE. Para finalizar tendremos un coloquio que durará hasta las 23:00h.
¿Cómo será el coloquio?
Los encuentros son participativos y queremos conocer vuestra opinión para que se pueda generar un debate abierto y constructivo. No es necesario conocimiento de cine para participar y es más, huimos del conversador pedante ya que para ellos tenemos a la wikipedia. ¡Queremos que cada martes seamos capaces de generar algo fantástico y diferente!. ¡Queremos saber lo que sientes y que seas capaz de contarlo!
A partir del tema de discusión y de lo visto en la película, las historias personales son bienvenidas y además, son una buena forma de dar a conocer lo que pensamos y lo que sentimos. ¡Nuestro deseo es que participes y seas activo!
Cine y el debate siempre van de la mano, y por eso queremos que te hagas fan de nuestro conejo blanco con un solo ojo.
¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas
El coste de inscripción a la sesión de debate y coloquio es gratuita para los socios de Happening Madrid y para el resto aquello con lo que deseéis y podáis participar. Se puede reservar en entradium en este enlace:
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Este próximo martes, en nuestro cine debate «Un Conejo con Ojo», vamos a disfrutar y discutir sobre Safety Not Guaranteed, una joya del cine independiente estrenada en 2012. Dirigida por Colin Trevorrow, la película combina comedia, drama y ciencia ficción para ofrecernos una reflexión sobre el tiempo, las relaciones humanas y el sentido de nuestras decisiones. Te invitamos a sumergirte en esta obra encantadora, donde una pequeña nota en un periódico desencadena una historia que cruza los límites entre lo ordinario y lo extraordinario.
Ven a compartir una velada única en la que exploraremos las paradojas temporales y la manera en que la esperanza, la curiosidad y las heridas emocionales modelan nuestra visión del pasado y el futuro.
Y sobre todo esto será de lo que charlaremos en nuestra próxima sesión de Un conejo con ojo el próximo martes las 19:30h.
Un conejo con ojo es un cine debate organizado por Big Tree Books y Happening Madrid para las tardes de los martes desde el corazón más castizo de Madrid. Unas veladas para disfrutar del cine y hacerlo pensando y dialogando. Hazte fan de nuestro conejo blanco con un solo ojo.
Estrenada en 2012, esta película de bajo presupuesto se convirtió rápidamente en una obra de culto dentro del cine independiente. Inspirada en un curioso anuncio real que apareció en un periódico local de los años 90, Safety Not Guaranteed cuenta la historia de tres periodistas que investigan la veracidad detrás de un aviso en busca de un compañero para viajar en el tiempo.
Dirigida por Colin Trevorrow y escrita por Derek Connolly, la película marcó el inicio de la colaboración creativa de ambos cineastas, que luego llevaría a éxitos como Jurassic World. Safety Not Guaranteed se alzó como un ejemplo del poder narrativo del cine independiente, destacando por su capacidad para entrelazar humor, humanidad y misterio en una trama muy especial.
Sinopsis de “Safety not Guaranteed”
Todo comienza con un peculiar anuncio en un periódico: «Se busca alguien para viajar en el tiempo. Esto no es una broma. Tendrás tu arma. Pagaré cuando regresemos. Seguridad no garantizada.» Intrigados, los periodistas Darius, Jeff y Arnau deciden investigar al autor del anuncio, Kenneth, un excéntrico empleado de supermercado que asegura haber construido una máquina del tiempo.
A medida que Darius se acerca a Kenneth, descubre que su obsesión por regresar al pasado esconde una pérdida emocional profunda. La película se convierte en una reflexión íntima sobre la esperanza, la sanación y los riesgos de creer en lo improbable.
Safety Not Guaranteed ganó el premio Waldo Salt al Mejor Guion en el Festival de Sundance 2012 y recibió varias nominaciones en festivales internacionales.
Los temas del coloquio
El tiempo y sus paradojas
En Safety Not Guaranteed, el tiempo no es un concepto rígido ni una excusa para la grandilocuencia visual, sino un vehículo para explorar la vulnerabilidad humana. Más que cuestionar si es posible viajar al pasado, la película nos invita a reflexionar sobre nuestras propias relaciones con el tiempo:
¿Qué cambiarías si tuvieras la oportunidad de volver atrás? ¿El pasado que recordamos es tan objetivo como creemos o está modelado por nuestra percepción emocional? ¿Somos prisioneros del tiempo o podemos trascenderlo mediante la imaginación y la fe?
La búsqueda de conexión entre los seres humanos
Kenneth y Darius, los personajes principales, se enfrentan a sus propias heridas emocionales a lo largo de la película. Sus interacciones reflejan cómo la empatía y la vulnerabilidad pueden abrir puertas a lo inesperado.
¿Cómo influye el pasado en nuestras relaciones actuales? ¿Es la conexión humana la verdadera «máquina del tiempo» que nos permite viajar emocionalmente a través de los años?
La delgada línea entre la genialidad y la locura
Kenneth encarna al soñador que desafía las reglas de la realidad con sus creencias extravagantes. La película se pregunta si necesitamos de estos «locos» para desafiar lo establecido y recordarnos que la vida está llena de posibilidades infinitas.
¿Dónde trazamos la línea entre lo visionario y lo irracional? ¿Hasta qué punto estamos dispuestos a arriesgarnos por un sueño improbable?
El anuncio real en el que está basada la peli
El anuncio original en el que se basa la película Safety Not Guaranteed apareció por primera vez en la edición de septiembre/octubre de 1997 de Backwoods Home Magazine. Fue escrito por John Silveira, editor senior de la revista, como una broma para rellenar espacio en la sección de anuncios clasificados.
El texto del anuncio decía:
«Se busca: Alguien para viajar atrás en el tiempo conmigo. Esto no es una broma. P.O. Box 93022 Oakview, CA. Se te pagará cuando regresemos. Debes traer tus propias armas. Seguridad no garantizada. Solo he hecho esto una vez antes.»
Este anuncio se convirtió en un fenómeno cultural, inspirando memes en internet y, finalmente, la película de 2012 Safety Not Guaranteed. En la cinta, John Silveira hace un pequeño cameo como un hombre que revisa un apartado postal junto al personaje que publicó el anuncio.
Punto de encuentro y planning de la velada
El punto de encuentro será en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) el próximo martes a las 19:30h.
Las veladas se dividirán en tres partes. La primera media hora la dedicaremos a tomar algo, a presentar la película y a conocernos. Después a las 20:00h tendremos la proyección. Todas las proyecciones se realizan en VOSE. Para finalizar tendremos un coloquio que durará hasta las 23:00h.
¿Cómo será el coloquio?
Los encuentros son participativos y queremos conocer vuestra opinión para que se pueda generar un debate abierto y constructivo. No es necesario conocimiento de cine para participar y es más, huimos del conversador pedante ya que para ellos tenemos a la wikipedia. ¡Queremos que cada martes seamos capaces de generar algo fantástico y diferente!. ¡Queremos saber lo que sientes y que seas capaz de contarlo!
A partir del tema de discusión y de lo visto en la película, las historias personales son bienvenidas y además, son una buena forma de dar a conocer lo que pensamos y lo que sentimos. ¡Nuestro deseo es que participes y seas activo!
Cine y el debate siempre van de la mano, y por eso queremos que te hagas fan de nuestro conejo blanco con un solo ojo.
¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas
El coste de inscripción a la sesión de debate y coloquio es gratuita para los socios de Happening Madrid y para el resto aquello con lo que deseéis y podáis participar. Se puede reservar en entradium en este enlace:
Las invitaciones gratuitas para los socios La reserva gratuita para hacer luego la aportación que se desee a la finalización del coloquio Los que deseen hacer una aportación de 3€ Los que deseen hacer una aportación de 5€
y además debes de reservar por whatsapp en cualquiera de estos números
Este próximo martes en nuestro cine debate “Un Conejo con Ojo” vamos a hablar de Palm Spring. Es el segundo martes del año y nos acercamos al “Blue Monday” de una manera muy próxima y, en menos de un mes estaremos en el “Día de la Marmota”. Palm Spring es una irreverente comedia que nos da una visión fresca del conocido día eterno. Palm Spring es una película que nos ayuda a buscar respuestas al sentido de la vida dentro de lo cotidiano haciéndonos ver que son nuestras decisiones, nuestras relaciones y nuestras acciones las que dan significado a un vida que a veces se nos antoja monótona y absurda. También hablaremos acerca de cómo el amor y las conexiones humanas son motores de cambio dentro de la rutina y, especialmente, de las consecuencias de nuestras acciones.
Y sobre todo esto será de lo que charlaremos en nuestra próxima sesión de Un conejo con ojo el próximo martes las 19:30h.
Un conejo con ojo es un cine debate organizado por Big Tree Books y Happening Madrid para las tardes de los martes desde el corazón más castizo de Madrid. Unas veladas para disfrutar del cine y hacerlo pensando y dialogando. Hazte fan de nuestro conejo blanco con un solo ojo.
Palm Spring se estrenaba en el año 2020 y estuvo dirigida por Max Barbakow, Palm Springs es una comedia de cine fantástico con toques románticos que nos da una perspectiva nueva para acercarnos a los bucles temporales de una manera inteligente, divertida y humana. Palm Spring está protagonizada por Andy Samberg, Cristin Milioti y J.K. Simmons.
Palm Spring fue muy bien recibida por la crítica y ha recibido numerosas nominaciones. En el Festival de Sundance de 2021 fue nominada a los Globos de Oro
Palm Springs aborda temas filosóficos existencialistas recordándonos que buscar el sentido de la vida es responsabilidad de cada una de nuestras acciones.
Sinopsis de “Palm Spring”
En la ciudad de Palm Springs en el desierto de Colorado en California, bajo un cielo que parece eterno, se cruzan las almas perdidas de nuestros dos personajes en mitad de la celebración de una boda aparentemente normal. Ellos son Nyles (Andy Samberg) y Sarah (Cristin Milioti).Nyles es un hombre despreocupado y desencantado, mientras Sarah es la sarcástica dama de honor hermana de la novia. Están atrapados en el mismo lugar y en ese mismo día que se repite sin fin. Sin posibilidad de huir y condenados a enfrentarse mutuamente, aprenderán a reírse de ellos mismos, a explorar lo absurdo de la eternidad y, en definitiva, a encontrar una chispa que de sentido a sus vidas en ese mundo.
El tema principal de Palm Springs es la búsqueda del sentido de la vida en la en un mundo de repetición y estancamiento. Usando el recurso del bucle temporal, la película nos plantea que, aunque la vida pueda sentirse como una rutina interminable, su propósito no depende de las circunstancias externas, sino de cómo nos enfrentamos a nuestras elecciones y conectamos con los demás, atreviéndonos a cambiar. Solo al encontrar significado en el presente, podemos avanzar hacia en el camino del conocimiento personal.
Nos podemos hacer las siguientes cuestiones:
¿Crees que la vida tiene un sentido en sí misma o depende de lo que vayas construyendo?
¿Cómo te enfrentas a las rutinas y al «absurdo» de la vida diaria?
¿El amor es un aliado para trascender a la monotonía?
Un poco de filosofía
Albert Camus y el mito de Sísifo:
Podemos encontrar un paralelismo entre el bucle temporal de Palm Springs y el mito de Sísifo. Sisifo está condenado a empujar una roca colina arriba solo para verla caer, una y otra vez. Según Camus, Sísifo encuentra el sentido de su existencia al aceptar su absurdo destino. En la película, Nyles y Sarah deben aceptar la «absurda» repetición de sus días para liberarse de ella y empezar a construir un propósito propio.
El mito de Sisifo es un ensayo que escribió Camus en 1942
Jean-Paul Sartre y la libertad
Sartre decía que estamos condenados a ser libres, es decir, a tomar decisiones que dan forma a nuestra existencia, incluso en condiciones aparentemente determinadas. En el caso de los protagonistas, el bucle actúa como una metáfora de la libertad radical: Atrapados eternamente en el mismo día, lo que hacen con ese tiempo depende solo de ellos.
Podemos ver estas ideas en Sartre en su novela La Nausea de 1938 o en su libro El Ser y la Nada (1943)
El sentido de la vida según Viktor Frankl
Inspirado en su experiencia en los campos de concentración, Frankl propuso que el sentido de la vida se encuentra en las elecciones que hacemos frente a situaciones difíciles. Sarah y Nyles encarnan esta idea al encontrar significado en su conexión mutua y en sus intentos por cambiar, incluso dentro de una situación aparentemente inalterable.
Viktor Frankl nació el 26 de marzo de 1905 en Viena, Austria, y falleció el 2 de septiembre de 1997. Podemos conocer sus ideas en su célebre obra, El hombre en busca de sentido (Man’s Search for Meaning) que fue publicada originalmente en alemán en 1946 bajo el título Ein Psychologe erlebt das Konzentrationslager (Un psicólogo en un campo de concentración). Más tarde, el libro fue traducido a múltiples idiomas y se convirtió en un clásico de la literatura sobre psicología, filosofía y resiliencia.
Punto de encuentro y planning de la velada
El punto de encuentro será en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) el próximo martes a las 19:30h.
Las veladas se dividirán en tres partes. La primera media hora la dedicaremos a tomar algo, a presentar la película y a conocernos. Después a las 20:00h tendremos la proyección. Todas las proyecciones se realizan en VOSE. Para finalizar tendremos un coloquio que durará hasta las 23:00h.
¿Cómo será el coloquio?
Los encuentros son participativos y queremos conocer vuestra opinión para que se pueda generar un debate abierto y constructivo. No es necesario conocimiento de cine para participar y es más, huimos del conversador pedante ya que para ellos tenemos a la wikipedia. ¡Queremos que cada martes seamos capaces de generar algo fantástico y diferente!. ¡Queremos saber lo que sientes y que seas capaz de contarlo!
A partir del tema de discusión y de lo visto en la película, las historias personales son bienvenidas y además, son una buena forma de dar a conocer lo que pensamos y lo que sentimos. ¡Nuestro deseo es que participes y seas activo!
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