Luna llena, atardeceres, montaña, picnic, punk, tapeo y baile para despedir agosto por todo lo alto.
Agosto se nos va. Pero no vamos a dejar que se marche discretamente.
Para despedir uno de los meses más intensos del verano madrileño hemos preparado un fin de semana muy Happening: caminar, contemplar Madrid desde otros puntos de vista, subir a la Sierra, compartir picnic, escuchar música en directo, descubrir barrios, tapear y bailar hasta que el cuerpo diga basta.
Y tendremos además una invitada excepcional: la Luna llena del Esturión, que alcanzará su plenitud durante la madrugada del viernes 28 y nos acompañará, enorme y luminosa, durante buena parte del fin de semana.
El viernes comenzaremos viendo caer el Sol y salir la Luna desde la Dama del Manzanares y, para quienes quieran continuar, cambiaremos el mirador por la pista de baile de Siroco. El sábado nos iremos a Monte Abantos para contemplar desde la Cruz de Rubens una Luna todavía prácticamente llena sobre San Lorenzo de El Escorial y el Monasterio. Y el domingo cambiaremos radicalmente de registro: punk feminista mexicano, Mercado de Numancia, cañas y tapeo por Puente de Vallecas.
VIERNES 28 DE AGOSTO · 19:30 H 🌅 Atardecer y Luna llena desde la Dama del Manzanares 🌕
Empezamos el fin de semana de una de las maneras que más nos gustan: caminando por Madrid mientras cae la tarde.
Nos encontraremos a las 19:30 h en Matadero, entrando por Legazpi bajo el Depósito, y desde allí iniciaremos un paseo que nos llevará hasta uno de esos lugares madrileños que todavía conservan algo de secreto: la Dama del Manzanares.
Allí, sobre el cerro de La Atalayuela, Madrid cambia completamente de aspecto. La escultura de Manolo Valdés domina uno de los miradores más singulares del sur de la ciudad, con una vista abierta sobre el Manzanares, Madrid Río y buena parte del horizonte madrileño.
La propuesta es sencilla: caminar, subir, extender las mantas, compartir algo de picnic, contemplar el atardecer y esperar a que la Luna vaya ganando presencia sobre el cielo de verano.
Y no será una Luna cualquiera. Durante la madrugada de ese mismo viernes habrá alcanzado su plenitud la conocida como Luna llena del Esturión.
Una pequeña excursión urbana para comenzar el fin de semana sin necesidad de salir de Madrid.
VIERNES 28. 00:30 H.🪩 De la Luna a la pista de baile: Squalo Club en Siroco
Y aquí no termina necesariamente el viernes.
Para quienes después del paseo, el picnic y la Luna llena desde la Dama del Manzanares todavía tengan ganas de seguir la noche, proponemos una segunda parte.
Terminamos bajo el cielo de Madrid, bajamos de la Dama… y cambiamos completamente de escenario: de la Luna llena a la pista de baile de Sala Siroco.
A partir de las 00:30 h, ya en la madrugada del sábado 29, llega Squalo Club, una noche dedicada al Italo Disco, los sintetizadores, la electrónica y los sonidos de baile, con Julia Pé, Luska y Giorgio Toalliter aka Fer Xplosion.
El cambio de registro nos parece bastante Happening: comenzar la tarde caminando junto al Manzanares, ver ponerse el Sol, contemplar la Luna desde uno de los miradores más extraños de Madrid y acabar unas horas después bailando bajo tierra en Malasaña.
SÁBADO 29 DE AGOSTO · 18:15 H. 🥾 Monte Abantos, Cruz de Rubens y una noche bajo la Luna 🌕
El sábado subimos el nivel. Y también la montaña.
Nos vamos a San Lorenzo de El Escorial para realizar una excursión al atardecer por Monte Abantos hasta uno de sus grandes balcones naturales: la Cruz de Rubens.
Será una excursión construida alrededor de varios momentos muy diferentes. Primero, el ascenso. Subiremos al caer la tarde recorriendo algunos de los lugares más interesantes de Abantos, pasando por los Tesoros de Abantos y el entorno del Puerto de San Juan de Malagón.
Después llegará el atardecer. Desde la Cruz de Rubens tendremos a nuestros pies San Lorenzo de El Escorial y el Monasterio, mientras la Sierra comienza a oscurecerse. Allí extenderemos las mantas y haremos nuestro picnic frente al paisaje.
Y después llegará probablemente uno de los momentos más especiales de toda la excursión. La Luna comenzará a aparecer sobre la llanura madrileña. No será ya astronómicamente Luna llena, pero seguirá siendo una Luna prácticamente llena a simple vista.
Abajo, las luces de San Lorenzo. A nuestros pies, el Monasterio. Al fondo, Madrid. Y sobre todo ello, la Luna.
Después iniciaremos la bajada nocturna hacia San Lorenzo de El Escorial, acompañados por la luz de la noche, hasta llegar al conjunto monumental. Y todavía nos quedará una última imagen: la Luna sobre la Lonja del Monasterio de El Escorial.
Una excursión pensada no solo para caminar, sino para vivir cómo el paisaje se transforma desde la tarde hasta la noche.
DOMINGO 30 DE AGOSTO · 12:30 H. 🎸 Las Fokin Biches en La Trinchera + tapeo por Vallecas 🍻
Y después de tanta Luna, silencio, montaña y paisaje… el domingo toca ruido.
Nos vamos a Puente de Vallecas. A las 12:30 h nos encontraremos en La Trinchera, dentro del Mercado de Numancia, para ver en directo a Las Fokin Biches.
⚡ ¿Quiénes son Las Fokin Biches?
Las Fokin Biches son una banda mexicana de punk feminista que mezcla punk, post-punk y otras influencias para construir canciones de denuncia y protesta. Sus letras hablan de violencia de género, desigualdad, resistencia y reivindicación social.
No parece precisamente música pensada para acompañar el hilo musical de unos grandes almacenes. Y eso, naturalmente, juega bastante a su favor.
Además, La Trinchera es uno de esos espacios que encajan especialmente bien con lo que buscamos en Happening: pequeño, popular, alternativo, cercano y metido dentro de un mercado de barrio.
Después del concierto llegará la segunda parte del plan: tapearemos por el Mercado de Numancia y por los alrededores de Puente de Vallecas. Porque descubrir Madrid también consiste en sentarse alrededor de una mesa, pedir unas cañas y dejar que la conversación continúe.
📍 La Trinchera · Mercado de Numancia · Calle de Josefa Díaz, 4 · Puente de Vallecas
• Viernes por la tarde: paseo por Madrid, picnic, atardecer y Luna llena desde la Dama del Manzanares.
• Viernes noche / madrugada del sábado: Italo Disco y baile en Siroco.
• Sábado: ascenso a Monte Abantos, Cruz de Rubens, atardecer, picnic, Luna sobre El Escorial y descenso nocturno hasta el Monasterio.
• Domingo: punk feminista mexicano, Mercado de Numancia y tapeo por Puente de Vallecas.
De un mirador sobre el Manzanares a una pista de baile en Malasaña. De Malasaña a las alturas de Abantos. Y de la Sierra a un mercado de Vallecas lleno de guitarras, cerveza y ruido.
Madrid, montaña, música, gastronomía y gente.
No se nos ocurre una manera mucho mejor de decirle adiós a agosto.
Este domingo 23 de agosto os proponemos descubrir tres rincones muy poco communes de Madrid. Comenzaremos desayunando juntos en la Alameda de Osuna, visitaremos el Castillo de la Alameda y recorreremos el Jardín Histórico de El Capricho. Para rematar, nos iremos a tomar unas cañas, picar algo y hacer sobremesa en La Terraza del Camping Osuna.
Punto de encuentro y planning
Hora
Actividad
10:30
Encuentro y desayuno en Cervecería El 9 (C/ de La Rioja, 5).
11:00
Salida caminando hacia el Castillo de la Alameda.
11:15–12:15
Visita al Castillo de la Alameda.
12:15–12:30
Paseo hasta El Capricho.
12:30–14:30
Recorrido por el Jardín Histórico de El Capricho.
14:30
Cañas, tapeo y sobremesa en La Terraza del Camping.
Castillo de la Alameda de Osuna
Madrid no es precisamente una ciudad de castillos, y por eso el Castillo de la Alameda resulta tan singular. Construido en el siglo XV, es uno de los escasos ejemplos de arquitectura militar medieval conservados dentro del actual municipio de Madrid. El interés del enclave es aún mayor porque las excavaciones arqueológicas han documentado en su entorno ocupaciones anteriores, con vestigios de la Edad del Bronce y de época romana.
La visita está prevista entre las 11:15 y las 12:15 h. La entrada al recinto es gratuita.
El Capricho es uno de los parques más bellos y singulares de Madrid. Fue creado a partir de 1784 por los duques de Osuna y, muy especialmente, por iniciativa de María Josefa de la Soledad Alonso Pimentel, duquesa de Osuna. El resultado es un jardín concebido como una combinación de naturaleza, arquitectura, paisaje y fantasía, frecuentado en su época por algunas de las figuras más destacadas de la vida cultural y social madrileña.
Durante el paseo podremos reconocer tres grandes estilos de jardín:
El parterre o jardín francés, geométrico y ordenado, frente a la fachada occidental del palacio.
El giardino italiano, situado en la zona más baja y antigua de la finca.
El jardín paisajista inglés, que ocupa buena parte del conjunto y busca una apariencia más libre y natural.
El parque alberga además una gran variedad de especies: robles, pinos, cipreses, tejos, cedros, plátanos, castaños de Indias, lilos y árboles del amor, entre otras. También se encuentra aquí el búnker de la Posición Jaca, construido durante la Guerra Civil para albergar el Cuartel General del Ejército Republicano del Centro. La visita a su interior requiere un acceso específico y no forma parte de esta excursión.
Terminaremos la mañana —ya convertida en sobremesa— en La Terraza del Camping Osuna, situada en un entorno arbolado entre El Capricho y el Parque Juan Carlos I. Es la zona social y de restauración del camping, vinculada también a sus conciertos y actividades musicales.
Llegaremos aproximadamente a las 14:30 h, con la idea de tomar unas cañas, comer o compartir algunas raciones y alargar tranquilamente la sobremesa. La comida y las consumiciones no están incluidas en el precio de la actividad; cada asistente abonará lo que consuma.
Cómo llegar al punto de encuentro
Punto de encuentro: Cervecería El 9, C/ de La Rioja, 5 · Alameda de Osuna.
Metro: Línea 5, estación Alameda de Osuna. Desde allí se continúa andando hasta el punto de encuentro.
Autobús: la zona cuenta con varias líneas urbanas, entre ellas 101, 105 y 151.
Si vienes en coche, calcula algo de margen para aparcar y llegar al bar antes de las 10:30 h.
Nos vamos a Colmenar Viejo para ver en directo a La La Love You, una de las bandas madrileñas más populares del pop-rock actual. El concierto forma parte de los Conciertos de Remedios 2026 y se celebra en la Plaza de Toros La Corredera. La actuación comienza a las 22:00 y es gratuita, con control de aforo previo por motivos de seguridad.
La idea es sencilla: quedar con tiempo al lado de la plaza, tomar una cerveza juntos, entrar pronto para evitar problemas de aforo y disfrutar del concierto sin prisas.
Datos básicos
Fecha
Sábado 22 de agosto de 2026
Punto de encuentro
20:15 · El Ventorro · Avenida de los Remedios, 1 · Colmenar Viejo
Concierto
22:00 · La La Love You
Lugar
Plaza de Toros La Corredera · Colmenar Viejo
Precio
GRATUITO · sin entrada de pago, hasta completar aforo
Contacto Happening Madrid
WhatsApp: 640 743 115
Plan de la tarde-noche
20:15
Punto de encuentro en El Ventorro. Nos reunimos en la entrada/terraza, junto a La Corredera.
20:15–20:45
Cerveza, refresco o algo rápido de picar mientras llega el grupo.
20:45–21:00
Nos acercamos juntos a la Plaza de Toros para entrar con margen. No apuraremos la previa: el concierto es gratuito y hay control de aforo.
22:00
Concierto de La La Love You en La Corredera.
Después
Fin abierto: regreso a Madrid en transporte nocturno o continuar la noche por Colmenar, según cada uno.
Cómo venir desde Madrid en transporte público
Opción recomendada: autobús interurbano desde Plaza de Castilla. Para llegar al encuentro con margen, la combinación más cómoda que hemos comprobado es:
19:30 · Línea 725 desde el Intercambiador de Plaza de Castilla.
20:00 aprox. · Paso por Colmenar Viejo. Desde allí, paseo hasta El Ventorro / La Corredera.
20:15 · Punto de encuentro del grupo en El Ventorro.
Alternativas: las líneas 721, 722, 724, 725 y 726 comunican Plaza de Castilla con Colmenar Viejo, aunque no todas tienen el mismo recorrido ni frecuencia. La 721 tiene una salida a las 19:45 los sábados, con un tiempo estimado hasta Colmenar de unos 35 minutos; por tanto, llegaría algo después de la hora inicial de encuentro.
Cercanías: la línea C-4b también llega a Colmenar Viejo, pero la estación está más apartada de La Corredera. Para esta quedada, el autobús desde Plaza de Castilla resulta más directo.
Regreso a Madrid
Línea nocturna N702 · Colmenar Viejo → Plaza de Castilla. El CRTM publica pasos aproximados por Avenida de la Libertad a las 00:30, 02:00 y 05:00. Son horarios aproximados de paso, por lo que conviene estar en la parada con antelación.
Aforo, acceso y bebidas
El concierto es gratuito, pero el Ayuntamiento confirma control de aforo previo por motivos de seguridad.
Por eso recomendamos estar en la zona de acceso alrededor de las 20:45–21:00 y no esperar hasta última hora.
Tomaremos algo antes en El Ventorro, que está a escasos metros de la Plaza de Toros.
Sobre las barras dentro del recinto: en la información oficial de 2026 consultada no aparece todavía el detalle de barras o venta de bebidas. En ediciones anteriores sí se instalaron barras, pero no lo damos como confirmado para este concierto.
No recomendamos acudir con botellas de vidrio ni bebidas propias al acceso: la organización puede aplicar restricciones de seguridad.
Punto de encuentro
El Ventorro · Avenida de los Remedios, 1 · Colmenar Viejo Es un bar-restaurante histórico situado a escasos metros de la Plaza de Toros La Corredera. Quedaremos en la entrada o terraza para que sea fácil localizar al grupo.
Llegar con tiempo: el principal riesgo de la noche no es el transporte, sino que el concierto alcance el aforo autorizado.
Llevar el móvil con batería suficiente y tener localizado el N702 para la vuelta.
Calzado cómodo: aunque el plan es urbano, habrá algo de paseo y bastante tiempo de pie.
Cada participante se hace responsable de sus consumiciones y de su regreso a Madrid.
Si alguien llega más tarde, que avise al grupo antes de las 21:00 para coordinar la entrada.
Información verificada
Datos revisados el 20 de agosto de 2026. Los horarios de transporte pueden sufrir modificaciones de servicio, por lo que es aconsejable comprobarlos de nuevo el mismo sábado.
La verbena más esperada del verano madrileño vuelve a llenar La Latina de música, terrazas, barras en la calle, ambiente castizo y fiesta hasta bien entrada la noche. Desde Happening Madrid hemos preparado seis planes diferentes para recorrer algunos de los rincones con más ambiente de las Fiestas de La Paloma y disfrutar de todo esto:
Dos grandes conciertos en Las Vistillas: Celtas Cortos, el jueves, y Miss Caffeina, el domingo.
El regreso de una de las terrazas más escondidas y especiales de La Latina: Lava Madrid, en la calle de los Mancebos, con programación y propuesta gastronómica especial.
La terraza de uno de los locales de música en directo más indie y alternativos del barrio: Contraclub.
Las barras y el ambiente electrónico de Hangar 48, en la calle Bailén.
Tapas castizas, organillo, chotis y una de las mejores orejas de Madrid en el Bar Muñiz.
El extraordinario ambiente de las calles Calatrava, Paloma, Ángel y Águila durante la tarde del 15 de agosto, día grande de las fiestas.
La tradicional Procesión de la Virgen de La Paloma.
La barra de uno de los locales más clásicos de Las Vistillas: María Pandora.
El ambientazo de la calle Humilladero y el sabor más castizo de la Plaza de la Paja.
Todo organizado para que podáis ir entrando y saliendo de los planes, incorporándoos en los distintos puntos de encuentro y disfrutando de las fiestas a vuestro ritmo.
Planning y puntos de encuentro
Jueves 13 de agosto · Celtas Cortos en Las Vistillas
Hora
Punto / actividad
21:00 h
María Pandora · Plaza de Gabriel Miró, 1
21:30 h
Concierto de Celtas Cortos · Plaza de Las Vistillas
23:30 h
Hangar 48 · Calle Bailén, 24
Viernes 14 de agosto · Humilladero y Plaza de la Paja
Hora
Punto / actividad
22:00 h
Pajaritos Mojados · Calle del Humilladero, 3
23:30 h
Plaza de la Paja · Punto de encuentro frente a La Musa
01:00 h
Hangar 48 · Calle Bailén, 24
Sábado 15 de agosto · Calatrava y Procesión de La Paloma
Hora
Punto / actividad
15:00 h
Bar Muñiz · Calle de Calatrava, 3
16:30 h
Bipolar · Calle de Calatrava, 6
18:00 h
Pajaritos Mojados
19:30 h
La Gildería
20:00 h
Procesión de La Paloma
Sábado 15 de agosto · Lava + Contraclub + Hangar 48
Cuando termine la tarde castiza, cambiamos de registro y seguimos la fiesta por algunos de los locales con más personalidad del barrio.
Hora
Punto / actividad
22:00 h
Lava Madrid · Calle de los Mancebos, 6
23:30 h
Terraza de Contraclub · Calle Yeseros, 6 · Pop / Indie
01:00 h
Hangar 48 · Calle Bailén, 24 · Electrónica
Domingo 16 de agosto · Fiesta Castiza del Agua
Hora
Punto / actividad
16:30 h
Bipolar · Calle Calatrava, 6
17:00 h
Primera Fiesta Castiza del Agua de la calle Calatrava · Vermut y lectura de poesía
19:00 h
Reparto de limonada
Domingo 16 de agosto · Miss Caffeina en Las Vistillas
Despedimos las fiestas regresando a uno de sus escenarios más emblemáticos.
Hora
Punto / actividad
21:00 h
María Pandora · Plaza de Gabriel Miró, 1
21:30 h
Concierto de Miss Caffeina · Plaza de Las Vistillas
Participar es muy sencillo. Solo tenéis que reservar por WhatsApp en el 640 743 115, indicando a qué plan os vais a incorporar, el punto de encuentro elegido y la hora aproximada de llegada.
Es un domingo de julio en Madrid a media tarde. Camino desde Cascorro hacia Tirso de Molina. Cerca del Rastro el calor golpea como una bofetada. El aire parece polvo en suspensión. Las pisadas, las voces, las caras, los perros: todo parece pesar más.
Voy rumbo a casa. Son muchas las cosas que hacer al llegar. Vida que recordar. Vida que olvidar.
Entro en la que fue Plaza del Progreso. El sol cae casi vertical sobre las fachadas y las baldosas exhalan un calor espectral. La gente busca las sombras de los árboles y las sombrillas en las terrazas.
Camino hacia la boca de metro, pasando los puestos de flores.
Durante décadas, la plaza recibió a quienes llegaban al centro sin dinero, buscaban trabajo, vendían lo que podían o intentaban atravesar unas horas más de vida. Droga y navajas se cobraron almas. La marginación se oculta detrás de las flores, no puede esconderse. Entre flores y manteros algunos observan y son observados. No se les permite no hacer nada.
Paso deprisa junto a todos los espectros, ya vivos, ya muertos.
Bajo por las escaleras de la boca del metro. Busco el abono transporte en los bolsillos del pantalón. Quiero adentrarme en el túnel y dejar atrás las flores oscuras que crecen en la ciudad. La mezcla de olores de la Plaza del Progreso quedó arriba. Reduzco el paso durante unos segundos y observo los azulejos de sus paredes tal como los concibió Antonio Palacios. Un espacio público convertido en pasillo de tránsito tras un siglo de caminantes. El madrileño piensa caminando por su ciudad. En Madrid los pensamientos se recorren.
Paso el abono por el lector. El torno se abre ante mí y tras pasarlo tuerzo a la izquierda en dirección a Valdecarros. Subo un tramo de escaleras, luego las vuelvo a bajar. En Tirso hay que ganar altura para volverla a perder, es como si el metro quisiera probar la decisión de quien entra.
El ruido del andén llega antes que el andén. Conversaciones. Pasos. Roce de suelas y una maleta que golpea su contenido en cada escalón.
Un tren parece que se aproxima desde Sol, con el chirrido de la doble curva que hace cuando viene desde allí. Antes, el metro de Madrid era una herida a cielo abierto que cicatrizaba rápidamente. Ahora avanza bajo tierra como un organismo extraño que atraviesa Madrid sin avisar.
Mucha gente en el andén. Regresan del Rastro turistas, parejas, grupos de amigos y algunos zombis del sábado. Camino hacia el centro donde hay menos gente. Las salidas siempre están en los extremos.
Una mujer sostiene un ramo envuelto en papel. Las flores también descienden. A pocos metros un hombre apoyado contra la pared habla solo o con unos auriculares invisibles. Nadie lo mira ni lo cuestiona.
En el banco hay dos jóvenes negros. Uno lleva una mochila de repartidor y el otro viste una camiseta de fútbol. Un vigilante pasa junto a ellos y vuelve la cabeza después de adelantarlos. Quizá solo está mirando. Quizá no.
Miro la hora en el móvil. El tren entra en la estación, remueve el aire y se detiene. La gente da un paso hacia delante. Con las puertas todavía cerradas todos han buscado sus posiciones desde las que podrán entrar. Viene repleto. Las puertas se abren, salen cuatro, suben muchos más.
Me dejo llevar por la presión. Intento avanzar hacia el interior, pero una mochila me cierra el paso. Quedo junto a la puerta. Tengo el brazo pegado al cuerpo y apenas puedo mover la mano derecha. Delante de mí hay un cristal lleno de reflejos. Detrás de mí, respiraciones. Un vagón tomado por cuerpos, mochilas y teléfonos.
El metro avisa que va a partir. Las puertas se juntan. El tren arranca y los cuerpos se inclinan hacia atrás. Apoyo la cabeza contra el cristal para mantener el equilibrio y encontrar un poco de solidez.
La veo muy cerca de mí. Sus ojos azules me miran con intensidad, velados por el cansancio. Está en la otra hoja de la puerta, con la cabeza apoyada sobre el cristal. Su sien queda casi a la altura de la mía y entre los dos se extiende la junta de goma que divide las puertas. Parece estar en la cincuentena, lleva el pelo recogido, aunque varios mechones han escapado y uno le cruza la frente. Tiene arrugas alrededor de los ojos y dos líneas que descienden hacia la boca.
Su mirada tiene luz, una luz que parece querer descansar en otra mirada. Sonríe y me mira dulce y serena. Me atraviesa y se refleja. Ausculta dentro de mí. Sonríe con seguridad. No me invade. No me intimida. Me mira a mí.
El tren abandona Tirso de Molina y entra en el túnel que nos lleva a Antón Martín. Las luces del andén desaparecen. El cristal es apoyo y espejo del otro cristal. Veo mi cara. Veo la suya. Veo su mirada sobre mi reflejo. Veo su sonrisa. Miro sin apartar la vista y le sonrío. No sé por qué no habría de sonreír. No encuentro ningún motivo para romper esta comunicación. La sonrisa de una desconocida dentro de un vagón lleno de gente ausente produce el efecto de una puerta que se abre donde no había ninguna salida.
Bajo la mirada rápidamente, pero quiero que sepa que sigo observándola. Veo unas zapatillas rotas donde se entrevé el calcetín. Los cordones son una amalgama de hilos anudados que apenas cumplen su función. Su pantalón roza el suelo y aún con el calor de julio lleva un abrigo de mangas sucias.
Pienso que es una indigente, sin techo, sin hogar. La imagino sin consuelo y sin amor. La palabra aparece antes de que sea consciente de su significado: indigente. No habla de quién es, sino del lugar donde la ciudad ha decidido colocarla. La imagino vagando por Madrid, con el abrigo como único refugio.
Home Is Where the Hatred Is.
Ahora mis ojos recorren lentamente sus piernas, sus caderas, sus manos, el cuello y la boca. No intento ocultar la lentitud de mi mirada. Cuando regreso a sus ojos, ella continúa observándome, sonriendo con ternura. Sabe cómo la he mirado. No aparta los ojos. Nada cambia. Hay ternura y algo más que reconozco como deseo, aunque sé que puedo estar inventándolo.
El deseo inventa una historia entre la invitación de su mirada y la promesa de su sonrisa. Pienso en Shame, en aquella mujer que se desvanece entre la gente antes de que el deseo se convierta en persecución.
El metro se aproxima a Antón Martín. Acerco la cabeza unos centímetros. Ella hace lo mismo. El cristal detiene el movimiento. Nuestras frentes podrían tocarse si desapareciera la división entre las hojas. Pienso en tocar su cara, rozar su cabello y recorrer con mi pulgar la comisura de sus labios y las líneas que descienden hacia la boca. No me atrevo.
El tren sigue avanzando y el vagón se mueve con él. Las ruedas golpean los raíles y los cuerpos se desplazan de un lado al otro. Nuestro cristal nos mantiene a salvo de todo y genera luces y sombras. Luz, sombra, más sombra, luz. A veces puedo verla con claridad y otras sus ojos se desdibujan en el reflejo junto a su sonrisa.
No hay palabras, solo el lenguaje de su sonrisa y de su mirada. Nadie observa las dos cabezas apoyadas en la misma puerta. La voz anuncia Antón Martín. El tren reduce la velocidad. El sonido de las ruedas cambia y las luces del andén penetran en el vagón. Su rostro aparece sin las sombras del túnel. Veo la marca junto a la ceja, el cansancio bajo los ojos y el polvo acumulado en el abrigo.
Vuelvo a pensar en la plaza que hemos dejado atrás: en sus flores y en las almas que la ciudad empuja hacia sus lugares más terribles.
El tren se detiene. Las puertas liberan el cierre y los dos separamos la cabeza del cristal casi al mismo tiempo. Las hojas empiezan a abrirse mientras nuestros rostros se separan. Ella levanta la mano sin dejar de mirarme. Sonríe, alcanza mi mejilla y la recorre lentamente hasta dejar la palma junto a mi boca. Siento su piel caliente en mi cara. Todo ocurre en un segundo. Sale por la puerta y empieza a recorrer el andén. La gente entra en el vagón y ocupa el espacio que ha dejado. Por un instante su sonrisa y su mirada se pierden entre los cuerpos. Ella avanza por el andén. Se vuelve. Me busca. Cuando encuentra mis ojos, sonríe. Las puertas se cierran.
2. Vega en un mundo raro
La medianoche acaba de despuntar sobre Madrid este 1 de mayo de 1993. Vega sale por la puerta de la Sala Caracol y el aire fresco de la calle Bernardino Obregón le golpea el rostro, pero ella apenas lo nota. Está ardiendo por dentro. En sus retinas aún baila el claroscuro del escenario: el poncho rojo, la madera de las guitarras, la quietud rotunda de Chavela. El concierto ha sido mítico. Vega piensa que esa noche puede pasar cualquier cosa y que no quiere terminarla sola.
Camina deprisa hacia la Glorieta de Embajadores. Solo unos minutos antes compartía canciones y silencios con cientos de almas; ahora vuelve a estar sola. La melancolía y la euforia del concierto se entrelazan. En sus labios aún resuenan los versos de Borges que la voz ronca de la cantante desgranó entre acordes.
Al llegar a la glorieta, Vega tiene dos opciones para continuar hacia su casa en el barrio de Oporto: bajar por el Paseo de las Acacias o entrar en el metro de Embajadores y atravesar el largo túnel de transbordo. Esa noche no quiere hacer el camino por la superficie. Prefiere adentrarse bajo tierra y recorrer aquellos doscientos cincuenta metros de azulejos blancos y luz parpadeante. Atravesar el túnel es cruzar el umbral que la devuelve a su realidad. Un corredor de fuga interminable.
Al cruzar los tornos, el silencio subterráneo la envuelve. No hay casi nadie. Baja los tramos de escaleras que la conducen al pasillo. La atmósfera es aséptica, ajena al calor humano que acaba de dejar atrás. Las paredes blancas, las baldosas grises, las líneas rectas y la sucesión de fluorescentes forman una geometría implacable. Piensa que el mundo es raro y la memoria le devuelve instantáneamente la melodía. Empieza a cantar en voz baja la canción que poco antes había llenado la sala.
Que no sabes llorarQue no entiendes de amorY que nunca has amado…
Su voz choca con la bóveda del pasillo y se vuelve metálica. El eco desgarra la calidez de la letra. Vega continúa caminando absorbida por la intensidad de la canción.
Entonces recuerda esa otra canción que tanto esperaba y que Chavela no le regaló: Las simples cosas. ¿Por qué no la habría cantado? Sus pasos acompañan el discurrir de la melodía. Sin darse cuenta, funde ambas canciones en un lamento personal que se extiende por el pasillo vacío.
Uno vuelve siempre a los mismos sitios donde amó la vida. Pero nunca has amado…
Canta como quiere, mezclando las letras, perdida en sus pensamientos. Durante unos instantes solo existen ella, la memoria y la música.
De pronto, la acústica del túnel se ensucia.
Vega oye unos pasos detrás de ella. Su cadencia, más pesada, se cuela en la canción, hasta entonces acompañada solo por el eco de sus zapatos. No deja de caminar. No deja de tararear. Su voz pierde fuerza y acaba convertida en un murmullo que roza las paredes.
Levanta la vista. Una mujer avanza desde el otro extremo del pasillo, bajo la sucesión de fluorescentes: abrigo claro, bolso pegado al costado. Vega siente alivio. Ya no está sola.
Sigue caminando hacia ella mientras escucha los pasos a su espalda. Cuando la distancia se reduce, la mira y le sonríe.
La mujer no responde. Sus ojos se fijan en Vega durante un instante, pero después se desplazan. Pasan junto a su rostro y se detienen en un punto situado detrás de ella. Vega mantiene todavía la sonrisa, esperando que regrese. En el rostro de la mujer nace otra sonrisa, dirigida por encima de su hombro. Vega siente cómo la suya se le apaga en la boca. No es para ella. A su espalda, los pasos reducen la marcha. Durante una fracción de segundo Vega permanece inmóvil.
Se vuelve y ve a un hombre atractivo que avanza por el túnel detrás de ella. No mira a Vega, mira a la mujer que viene de frente y le devuelve la sonrisa. No hay saludo, reconocimiento ni sorpresa. Vega comprende que no se conocen. La mujer sostiene su mirada, se aparta el pelo de la mejilla y sonríe al hombre. Él hace lo mismo.
La mujer reduce el paso. El hombre también.
Vega vuelve a mirar hacia delante. Aún queda espacio suficiente para cruzarse con la mujer. Podría pasar junto a ella, rozar su hombro y continuar hasta el final del pasillo. La mujer se acerca al hombre y, al hacerlo, ocupa el camino de Vega. Él lo ve y acelera. Ella mantiene la sonrisa. Él vuelve a responder con la suya.
El hombre alcanza a la mujer y la atrae hacia sí. Ella le rodea el cuello y lo besa. Vega intenta pasar junto a ellos, pero él la agarra con la otra mano y la desplaza con violencia. Su espalda golpea la pared y cae al suelo.
La mujer se separa un instante. Mira a Vega, encogida contra las baldosas. Él le acerca la boca al cuello y ella cierra los ojos. Después le sujeta la cara y vuelve a besarlo.
Continúan besándose mientras se dejan caer al suelo. Sus manos se buscan. Jadeos. Respiraciones cada vez más profundas. Vega permanece entre la pared y sus cuerpos.
Vega mira a la mujer. Durante un instante cree que sus ojos se encuentran, pero la desconocida vuelve a él. Lo abraza. Lo besa.
La mujer se levanta, mira al hombre una última vez y se marcha apresuradamente por el pasillo. Al alejarse, piensa que ella no ha golpeado a nadie. No tiene por qué hacerse cargo de lo que haga un desconocido.
Vega se queda a solas con él.
El hombre se arrodilla a su lado. La sujeta contra el suelo y le tapa la boca. La viola sobre las baldosas. Vega mantiene los ojos abiertos. Los fluorescentes siguen parpadeando.
Después le aprieta el cuello. El aire se le corta antes de que pueda gritar.
El hombre se levanta y se arregla la ropa. Mira hacia ambos extremos del pasillo. No viene nadie. Se marcha.
Vega ha dejado de respirar.
En el túnel, los fluorescentes siguen parpadeando.
3. La luz en el subsuelo
“Mi nombre es el de una estrella, la estrella más luminosa. Yo soy Vega y la luz camina conmigo”, se dice mientras recorre aquel pasillo interminable. Lo repite como si las palabras pudieran mantenerla despierta.
Otra vez está allí.
No sabe si es de día o de noche. Hace tiempo que dejó de saberlo. Solo reconoce las paredes blancas, los fluorescentes y aquel corredor que nunca termina. Las entrañas de Madrid.
Vega se despierta siempre así, en algún punto del pasillo de transbordo, como un fotograma detenido en mitad de una película. Empieza a caminar sobre las baldosas grises sin saber hacia dónde.
A veces encuentra gente. Entonces levanta la mirada y busca una sonrisa.
Vega continúa andando. Algunas personas pasan junto a ella sin verla. Otras parecen mirar a través de su cuerpo. De vez en cuando alguien sostiene su mirada durante un instante y entonces algo dentro de ella vuelve a encenderse.
Necesita que alguien la vea. Una vez. De verdad.
Su luz apenas sobrevive en aquella subexposición eterna.
Vega no sabe qué ocurriría después. Solo sabe que quiere salir del pasillo y volver a tocar el mundo.
Vega ha cambiado. Cada día es el mismo despertar, pero el tiempo pasa.
Así recorre el metro de Madrid, buscando sonrisas. Vega todavía quiere hacer suyas las simples cosas.
Hay noches de verano que piden poco: caminar despacio, mirar cómo se apaga Madrid, compartir algo sencillo de comer y esperar a que la Luna vaya ganando presencia sobre el cielo.
El domingo 28 de junio de 2026 nos iremos desde Matadero hasta la Dama del Manzanares para disfrutar de un plan tranquilo y muy madrileño: paseo al atardecer, picnic en altura y contemplación de la Luna casi llena desde uno de los miradores más singulares del sur de Madrid.
La Dama del Manzanares, también conocida como la Cabeza de Ariadna, se alza sobre el cerro artificial de La Atalaya, dentro del Parque Lineal del Manzanares. Es una de esas piezas extrañas, modernas y algo misteriosas de Madrid: una gran cabeza femenina coronada por una estructura metálica, mirando hacia la ciudad como si vigilara el río, el horizonte y nuestras ganas de seguir encontrando rincones nuevos.
Título del plan: Atardecer, contemplación de la Luna y picnic desde la Dama del Manzanares
Punto de encuentro: 20:00 h en Matadero, entrando por Legazpi bajo el Depósito.
Recorrido: 20:30 h a 21:30 h — Paseo hasta la Dama del Manzanares.
La distancia entre Matadero y la Dama del Manzanares es de aproximadamente 3 kilómetros de ida, siguiendo el curso del río Manzanares hacia el sur. Es un recorrido urbano, cómodo y prácticamente llano durante la mayor parte del trayecto, bajando por el eje del río desde la zona de Legazpi / Matadero hacia el Parque Lineal del Manzanares.
El único matiz importante es la llegada final: para subir hasta la Dama hay que ascender al cerro de La Atalaya. No es una subida dura, pero sí rompe la idea de terreno completamente llano. El paseo junto al río es suave; la recompensa final es ganar altura para ver Madrid desde otra perspectiva.
Programa previsto:
20:00 h — Punto de encuentro en Matadero, entrando por Legazpi bajo el Depósito.
20:30 h a 21:30 h — Paseo hasta la Dama del Manzanares.
21:30 h a 22:15 h — Atardecer y picnic.
22:15 h a 23:00 h — Observación de la Luna.
Regreso — Metro desde Hospital 12 de Octubre o autobús 23.
Precio de la excursión: 5 € Gratis para socios de Happening Madrid
El 28 de junio de 2026 no tendremos luna llena exacta, pero sí una Luna casi llena, con una iluminación aproximada del 96,1%. La luna llena exacta llegará el 30 de junio de 2026 a la 01:56 h, por lo que la noche de nuestro picnic será perfecta para verla grande, luminosa y muy presente.
Puesta de sol en Madrid: 21:49 h
Final del crepúsculo civil: 22:22 h
Final del crepúsculo náutico: 23:04 h
Final del crepúsculo astronómico: 23:53 h
Para nuestro plan, la franja más bonita será la que va de 22:15 h a 23:00 h. A esa hora el cielo ya habrá perdido la claridad del atardecer, pero todavía conservará ese azul profundo de las noches de verano. Será el momento en que la Luna empezará a dominar la escena.
Salida de la Luna: 21:08 h
Dirección de salida: Este-sureste / sureste, con un azimut aproximado de 128º.
Esto significa que, durante la observación, no miraremos hacia la postal clásica del centro de Madrid, sino hacia el sureste y sur-sureste. La Luna irá subiendo poco a poco desde esa zona del horizonte.
Posición aproximada durante la observación:
A las 22:15 h, la Luna estará todavía baja, alrededor de 8º sobre el horizonte, hacia el sureste.
A las 23:00 h, estará algo más alta, alrededor de 13º, ya moviéndose hacia el sur-sureste.
No será una Luna alta. Esa es precisamente parte de la belleza del plan: veremos una Luna baja, cálida, casi llena, levantándose lentamente sobre el sur de Madrid.
Momento más alto de la Luna esa noche: Aproximadamente a la 01:29 h del lunes 29 de junio, con una altura de unos 20,8º sobre el horizonte.
Puesta de la Luna: 05:50 h del lunes 29 de junio, por el suroeste.
Este no es un plan de prisa. Es una pequeña ceremonia urbana: salir de Matadero, caminar río abajo, dejar atrás el ruido más evidente de la ciudad, llegar a La Atalaya, extender la manta, compartir el picnic y esperar a que el cielo haga su trabajo.
Madrid tiene muchos atardeceres hermosos, pero pocos lugares tan extraños y sugerentes como la Dama del Manzanares. Allí el paisaje se vuelve un poco futurista, un poco mitológico y un poco de barrio. Al fondo, la ciudad; arriba, la Luna; alrededor, la noche de verano.
¿Te apetece exprimir al máximo el sábado con un plan que lo tiene todo? Te proponemos una experiencia que combina naturaleza, historia, picnic al atardecer y música en directo en uno de los barrios más animados de Madrid.
Empezaremos con el recorrido de la Senda Botánica de Casa de Campo, seguiremos con un cena picnic junto al Puente de la Culebra y cerraremos la noche en las Fiestas de Aluche con los conciertos de Jaime Urrutia y Ele B
Punto de encuentro: 20:00 h en la salida de Metro Lago, línea 10.[1]
Excursión: Cómodo paseo de 4kms en terreno llano y sin desnivel en la ida. De vuelta 2kms hasta <M> o Fiesta de Aluche
Qué llevar:Calzado cómodo, algo de cena o picoteo, agua, mantita o pareo para tumbarse
Planning
20:00 h — Quedada y presentaciones en la salida del Metro Lago
20:15 h a 22:00 h — Paseo por la Senda Botánica al atardecer, aprovechando la luz del atardecer
22:00 h — Picnic nocturno junto al Puente de la Culebra, en un entorno histórico y tranquilo.
23:00 h — Traslado al recinto ferial de Aluche. (o al <M> Casa de Campo aquellos que ya se vayan)
23:30 h — Concierto de Jaime Urrutia.
01:30 h — Actuación de Ele B y cierre de fiesta.
Un plan de sábado en la noche que combina excursión sencilla, picnic y concierto: empezamos recorriendo la Senda Botánica de Casa de Campo al atardecer, cenamos junto al Puente de la Culebra y terminamos la noche en las Fiestas de Aluche con los directos de Jaime Urrutia y Ele B.
La Senda Botánica de la Casa de Campo es uno de los secretos naturales mejor guardados de Madrid; un itinerario lineal y llano de unos 4 kilómetros que sigue el curso del arroyo Meaques. A diferencia de los característicos paisajes secos del parque, este recorrido destaca por un frondoso «bosque de galería» o de ribera. Caminar por esta senda ofrece un oasis de frescor donde los sauces, olmos y grandes fresnos de hoja estrecha crecen gracias a la humedad del agua, sirviendo además de refugio para la fauna local y regalando estampas espectaculares, especialmente con los tonos dorados del otoño.
El gran tesoro de esta ruta es que funciona como un museo vivo, albergando la mayor concentración de Árboles Singulares catalogados de la Casa de Campo. Estos ejemplares están protegidos por la Comunidad de Madrid debido a su imponente envergadura, rareza climática o extrema longevidad. Sobreviviendo al paso de los siglos y a temporales históricos, estos gigantes de la naturaleza se convierten en paradas obligatorias para los senderistas que buscan conectar con el Madrid más ancestral.
Entre los ejemplares más ilustres destaca el majestuoso Roble del Puente de Hierro, una rareza botánica de más de 250 años que supera los 25 metros de altura y que prospera en pleno suelo madrileño gracias al arroyo. A su lado, la Encina del Puente de Hierro compite en espectacularidad con sus 350 años de edad y una copa gigantesca de 24 metros de diámetro. Tampoco se queda atrás la bellísima Encina del Puente de la Culebra (de unos 300 años), situada estratégicamente junto a la famosa obra barroca de Sabatini.
Completando este catálogo de monumentos vivos encontramos la robusta Encina del Trillo, famosa por un imponente tronco de más de 4,5 metros de perímetro, y la Encina de la Venta del Batán, cuyos más de dos siglos de historia han dado sombra a generaciones de madrileños. En definitiva, la Senda Botánica no es solo un paseo agradable para desconectar del asfalto, sino una lección de historia ecológica e idílica que demuestra que la naturaleza más pura puede florecer a escasos metros del centro de la ciudad.
El Puente de la Culebra
El Puente de la Culebra es, sin duda, el gran hito arquitectónico de la senda y una de las joyas monumentales más fascinantes de la Casa de Campo. Construido en 1782 bajo el reinado de Carlos III, este puente barroco fue diseñado por el célebre arquitecto italiano Francisco Sabatini. Su objetivo original distaba mucho del uso público actual: en aquella época, la Casa de Campo era un real sitio de acceso exclusivo para la monarquía, y el puente se edificó para conectar de forma palaciega los caminos de caza reales y embellecer los jardines por los que paseaba la corte, cruzando de manera elegante el arroyo Meaques.
Lo que verdaderamente lo hace único y le otorga su curioso nombre es su singular diseño ondulante. Sabatini, rompiendo con las líneas rectas tradicionales, dotó a los pretiles y a la estructura del puente de una silueta sinuosa que serpentea de un extremo al otro, imitando el movimiento de una culebra. Construido combinando el ladrillo rojo visto con la piedra de granito en sus detalles, el puente destaca también por sus llamativos remates en forma de volutas barrocas. Cruzarlo durante la ruta no solo es un respiro en el camino, sino un auténtico viaje en el tiempo que fusiona a la perfección la ingeniería del siglo XVIII con el paisaje natural del arroyo.
Precio y reservas
Precio de la excursión: 5 €.
Gratis para socios de Happening Madrid.
Reservas en Entradium: insertar aquí enlace de Entradium.
Información y reservas por WhatsApp: Ángel – 640 743 115.
El sábado 30 de mayo de 2026 tenemos una cita especial con la luna en la Casa de Campo. Haremos una excursión seminocturna hasta el Cerro de Garabitas, uno de los grandes miradores naturales de Madrid, para ver caer la tarde sobre la ciudad, cenar al aire libre y contemplar la subida de una luna llena muy poco habitual: la Luna Azul de Mayo.
Quedaremos a las 20:30 h en la Fuente del Palacio de Vargas, junto a la Puerta del Río y el Puente del Rey, para reunir al grupo con calma, explicar la ruta y salir puntualmente a las 20:45 h.
La idea es sencilla: caminar al atardecer por la Casa de Campo, subir hasta el Cerro de Garabitas, cenar allí de picnic y disfrutar de la luna cuando vaya ganando altura sobre el horizonte sureste de Madrid. No será una excursión para ver una luna gigantesca saliendo perfectamente entre dos edificios como en una postal fabricada. Será algo mejor: una noche de camino, cielo, ciudad, conversación y paisaje.
Madrid abajo, la Casa de Campo alrededor y la Luna Azul abriéndose paso poco a poco sobre la noche.
La luna llena exacta de mayo será el domingo 31 de mayo de 2026 a las 10:45 h, hora local de Madrid. Ese mes tendrá dos lunas llenas: una el 1 de mayo y otra el 31 de mayo. Esta segunda luna llena dentro del mismo mes natural es lo que popularmente se conoce como Luna Azul.
No significa que la Luna vaya a verse azul. El nombre no se refiere al color, sino a una rareza del calendario. El ciclo lunar dura aproximadamente 29 días y medio, y de vez en cuando ocurre que una luna llena cae al principio de un mes y la siguiente vuelve a entrar dentro del mismo mes. Mayo de 2026 será uno de esos meses poco frecuentes.
Además, esta Luna Azul será también una microluna, porque se producirá cerca del momento en que la Luna está más alejada de la Tierra. Conviene decirlo con claridad: no veremos una luna enorme. Será una luna casi llena, hermosa y muy luminosa, pero no especialmente grande. Su atractivo estará en la rareza del calendario, en el paseo, en el atardecer y en la experiencia compartida.
La noche elegida para la excursión será la del sábado 30 de mayo, porque logísticamente es la más adecuada. Ese día la Luna estará ya prácticamente llena y saldrá en Madrid a las 21:19 h por el este-sureste. Durante nuestra cena estará todavía baja, pero irá subiendo de forma visible.
El atardecer y la noche
El sábado 30 de mayo el sol se pondrá en Madrid a las 21:37 h. El crepúsculo civil terminará a las 22:09 h, el crepúsculo náutico a las 22:50 h y el astronómico a las 23:37 h.
Esto nos deja una secuencia muy bonita para la excursión: salida con la última luz de la tarde, llegada al cerro durante el crepúsculo, cena cuando la ciudad empieza a encenderse y observación de la Luna mientras sube por el sureste.
La Luna no estará muy alta al principio. Entre las 22:00 h y las 23:15 h se moverá aproximadamente desde el sureste hacia el sur-sureste, pasando de unos 6° a unos 15° de altura sobre el horizonte. Dicho de manera sencilla: al principio estará baja, y cualquier árbol, loma o edificio lejano puede taparla parcialmente. A medida que avance la noche se verá mejor.
Este punto es importante. El mirador del Cerro de Garabitas abre fundamentalmente hacia el este y hacia el sur, así que la orientación general es buena. La Luna estará precisamente en ese abanico visual, entre este y sur. Pero no conviene prometer una salida perfecta desde el horizonte. Lo correcto es decir que veremos la Luna Azul subiendo por el sureste de Madrid, y que buscaremos el mejor claro posible desde la zona del mirador.
La ruta: Casa de Campo, Cerro de Garabitas y Madrid nocturno
La excursión tendrá una distancia aproximada de 8 km en total, unos 4 km de ida y otros 4 km de vuelta. Es una ruta sencilla, sin dificultad técnica, pero hay que recordar que se hará en parte de noche y por caminos de tierra.
Desde la Fuente del Palacio de Vargas caminaremos hacia el interior de la Casa de Campo. Dejaremos atrás el entorno del Puente del Rey y entraremos poco a poco en ese Madrid que parece campo sin dejar de ser ciudad.
La subida al Cerro de Garabitas no es dura, pero exige ir con calzado cómodo, algo de atención y una mínima costumbre de caminar. No es una ruta de montaña, pero tampoco un paseo urbano por acera iluminada. Hay tierra, algo de desnivel, caminos oscuros y tramos en los que habrá que mirar bien por dónde se pisa.
El Cerro de Garabitas es uno de esos lugares donde Madrid cambia de escala. Desde allí la ciudad se entiende de otra manera: el caserío al fondo, la Casa de Campo como una masa oscura alrededor, el cielo abierto encima y la sensación de estar lejos sin haber salido realmente de Madrid.
Allí cenaremos de picnic, descansaremos, haremos fotos y buscaremos la mejor orientación para ver la Luna Azul subiendo por el sureste. La contemplación será gradual: primero la ciudad encendida, después el cielo más oscuro, luego la Luna ganando altura. No será tanto un golpe de efecto como una escena que se va construyendo.
La vuelta la haremos ya de noche, por lo que será imprescindible llevar linterna frontal o linterna de mano. Regresaremos hacia el entorno de Madrid Río y el Puente del Rey, cerrando una ruta sencilla, urbana y campestre a la vez.
20:30 h. Encuentro en la Fuente del Palacio de Vargas, junto a la Puerta del Río y el Puente del Rey.
20:45 h. Salida puntual hacia el Cerro de Garabitas.
21:19 h aprox. Salida de la Luna en Madrid por el este-sureste. Estará todavía muy baja sobre el horizonte.
21:37 h aprox. Puesta de sol en Madrid.
22:00 h – 23:15 h aprox. Cena de picnic, descanso, fotos y observación de la Luna Azul desde la zona del Cerro de Garabitas. Durante esta franja la Luna estará baja, subiendo por el sureste y sur-sureste.
22:09 h aprox. Final del crepúsculo civil. A partir de ese momento será necesario usar linterna para caminar con comodidad.
23:15 h – 00:00 h aprox. Regreso hacia Madrid Río / Puente del Rey.
Una noche calurosa: recomendaciones importantes
La previsión para el sábado 30 de mayo en Madrid apunta a una jornada muy calurosa, con máxima alrededor de 36 °C y mínima en torno a 19 °C.
A la hora de quedar, sobre las 20:30 h, es razonable esperar todavía bastante calor. En Madrid ciudad podríamos estar aproximadamente entre 31 y 33 °C, y quizá algo menos en el entorno de la Casa de Campo. No es una noche para improvisar sin agua.
Por eso esta excursión debe hacerse con cabeza. La Luna está muy bien, el picnic también, las fotos aún más, pero la deshidratación no tiene ninguna épica. Saldremos tarde precisamente para evitar las horas más duras del calor, caminaremos con ritmo tranquilo y haremos las paradas que sean necesarias.
Qué llevar
Calzado cómodo para caminar por caminos de tierra.
Agua abundante. Muy importante.
Cena de picnic individual.
Linterna frontal o linterna de mano.
Ropa ligera para caminar.
Una prenda fina por si refresca al estar parados en el cerro.
Algo para sentarse: pañuelo grande, esterilla ligera o manta pequeña.
Móvil cargado.
Opcionalmente, cámara de fotos.
También puede ser interesante llevar alguna aplicación de cielo nocturno, como Stellarium, SkyView Lite o similar, para localizar la Luna, planetas o constelaciones.
Sobre la visibilidad de la Luna
La Luna saldrá en Madrid a las 21:19 h, pero desde el Cerro de Garabitas no vamos a vender la idea de una salida limpia y perfecta desde el horizonte. Sería poco serio. La Luna estará baja al principio y puede quedar parcialmente condicionada por el relieve, el arbolado o la propia orientación concreta del punto en el que estemos.
Lo que sí tendremos es una orientación general favorable: el mirador abre hacia el este y hacia el sur, y la Luna subirá precisamente por el sector sureste / sur-sureste. Durante la cena iremos viendo cómo gana altura. Entre las 22:00 h y las 23:15 h pasará aproximadamente de unos 6° a unos 15° sobre el horizonte, cada vez más visible.
La experiencia no consiste en perseguir una foto imposible. Consiste en caminar juntos hasta un lugar alto de la Casa de Campo, ver Madrid encenderse, cenar al aire libre y contemplar la Luna Azul subiendo lentamente sobre la noche.
Ese es el plan. Y, sinceramente, es un plan precioso.
Punto de encuentro
Fuente del Palacio de Vargas. Casa de Campo. Junto a la Puerta del Río y el Puente del Rey.
Quedaremos allí a las 20:30 h y saldremos puntualmente a las 20:45 h.
Se ruega puntualidad. La luz del atardecer, el horario de la Luna y el sentido común no esperan demasiado. Quien llegue tarde nos alcanzará por el camino si puede, pero la ruta saldrá a su hora.
Precio y reservas
Precio de la excursión: 5 €.
Gratis para socios de Happening Madrid.
Información y reservas por WhatsApp: Ángel – 640 743 115.
Crearemos también un grupo de WhatsApp específico para la excursión, donde daremos las indicaciones finales, ubicación exacta del punto de encuentro, previsión meteorológica actualizada y cualquier cambio de última hora.
Happening Madrid: caminar la ciudad de otra manera
Happening Madrid propone experiencias culturales, urbanas, musicales y gastronómicas para descubrir Madrid desde una mirada distinta. Paseamos, debatimos, escuchamos música, vemos cine, comemos, bailamos y salimos al encuentro de la ciudad.
Esta excursión forma parte de esa manera de vivir Madrid: sin convertirlo todo en consumo rápido, sin reducir la ciudad a una postal, sin perder el placer de caminar juntos. La Casa de Campo, el Cerro de Garabitas, el calor de final de mayo, la ciudad encendiéndose al fondo y una Luna Azul subiendo por el sureste.
No hace falta irse muy lejos para que Madrid vuelva a parecer misterioso.
El sábado 30 de mayo nos vemos bajo la Luna Azul. Te espero.
My Blueberry Nights, dirigida por Wong Kar-wai en 2007, es una historia sencilla que te deja con un fuerte impacto emocional. Es como contemplar un bellísimo cuadro en movimiento. Parte de una ruptura amorosa, recorre una geografía de cafeterías nocturnas, bares, moteles, casinos y carreteras, y termina componiendo una pequeña crónica sobre la necesidad de tomar distancia para recomponer una vida. Pero más que una road movie al uso es un viajes por los caminos del corazón. El el viaje desde el desamor por la noche americanda con la mirada de Wong Kar-Wai.
La película ocupa un lugar singular dentro de la carrera del director. Es su primera obra rodada en inglés y supone el traslado de su universo habitual —el deseo aplazado, la memoria, los encuentros fugaces, los amores incompletos— a Estados Unidos. Wong Kar-wai cambia Hong Kong por una América de neones, jukeboxes, barras de bar y habitaciones de paso, aunque mantiene intacta su preocupación principal: el modo en que las personas sobreviven a lo que desean y a lo que pierden.
La protagonista es Elizabeth, interpretada por Norah Jones. Tras una decepción sentimental, abandona Nueva York e inicia un viaje por distintas ciudades norteamericanas. En ese recorrido conoce a personajes marcados por la pérdida, la dependencia afectiva, el alcohol, el juego y la dificultad de aceptar el final de una relación. Su itinerario físico se convierte en un proceso de aprendizaje emocional.
My Blueberry Nights puede verse como una película menor dentro de la filmografía de Wong Kar-wai. Sería injusto colocarla a la altura de Chungking Express, Happy Together o In the Mood for Love. También sería pobre despacharla como un simple capricho estilizado. Su interés reside precisamente en esa zona intermedia: la de un gran cineasta probando otro idioma, otro país y otro reparto, con resultados desiguales, pero con una capacidad visual y musical de enorme fuerza.
Darius Khondji; segunda unidad / fotografía adicional: Kwan Pun-leung, según créditos del BFI
Montaje y diseño de producción
William Chang Suk Ping
Música y canciones
Selección de temas de Norah Jones, Cat Power, Ry Cooder, Otis Redding, Ruth Brown, Cassandra Wilson, Mavis Staples, Amos Lee y Gustavo Santaolalla, entre otros
Reparto principal
Norah Jones, Jude Law, David Strathairn, Rachel Weisz y Natalie Portman
Duración
95 minutos en la versión de circulación habitual; la ficha de Cannes registra 111 minutos para la versión presentada en el festival
Género
Drama romántico, road movie íntima, melodrama contemporáneo
Acerca de la película
My Blueberry Nights arranca en una pequeña cafetería de Nueva York. Elizabeth descubre que su pareja la ha engañado y empieza a visitar por la noche el local de Jeremy, un camarero británico que guarda las llaves abandonadas por clientes que han dejado atrás una relación, una casa o una vida. En la vitrina queda siempre una tarta de arándanos que casi nadie pide. Ese detalle se convierte en uno de los símbolos centrales de la película: aquello que queda al margen, aquello que espera una mirada distinta, aquello que tal vez recupere su valor cuando alguien lo elige.
El primer tramo de la historia se mueve alrededor de esa cafetería. Jeremy escucha, observa y conserva restos de historias ajenas. Elizabeth llega herida, desorientada y con la necesidad de entender por qué una relación puede terminar sin que el mundo se detenga. La intimidad entre ambos se construye a través de conversaciones breves, silencios y pequeños rituales nocturnos.
Después, la película se abre al viaje. Elizabeth cambia de ciudad, de empleo y de nombre cotidiano. Trabaja como camarera, envía postales, ahorra para comprar un coche y se va cruzando con figuras heridas. En Memphis conoce a Arnie, un policía alcohólico incapaz de aceptar la ruptura con Sue Lyn, su exmujer. Más adelante aparece Leslie, una jugadora profesional que se protege mediante la desconfianza, el cálculo y la apuesta.
Cada encuentro muestra una relación distinta con la pérdida. Arnie vive atrapado en un amor convertido en dependencia. Sue Lyn intenta sobrevivir al resentimiento y a la culpa que dejan ciertas relaciones. Leslie ha transformado el riesgo en una forma de defensa. Jeremy permanece asociado a la paciencia y a la memoria de quienes se marchan. Elizabeth atraviesa esas vidas y aprende de ellas sin grandes discursos ni revelaciones solemnes.
La estructura de la película es episódica. Funciona por estaciones emocionales más que por una progresión dramática clásica. Esta decisión ofrece algunos de sus mejores momentos y también sus límites. El relato gana intensidad cuando se concentra en los rostros, los espacios, la música y las atmósferas. Pierde fuerza cuando los personajes secundarios quedan reducidos a una herida muy reconocible y demasiado concentrada.
El tema principal es la distancia. Elizabeth necesita alejarse para comprender. El viaje le permite observar otras formas de dolor, reconocer otros modos de apego y regresar a Nueva York con una percepción distinta de sí misma. El regreso al café de Jeremy adquiere entonces un sentido nuevo: el lugar inicial permanece, pero la mirada de la protagonista ha cambiado.
La dirección de Wong Kar-wai: historia, estilo y traslado a Estados Unidos
Wong Kar-wai nació en Shanghái en 1958 y se trasladó con su familia a Hong Kong siendo niño. Esa experiencia de desplazamiento cultural aparece de manera indirecta en buena parte de su cine. Sus películas suelen estar habitadas por personajes desubicados, sujetos que viven en una ciudad intensa, cambiante y llena de señales, pero que arrastran una soledad difícil de expresar.
Antes de dirigir, Wong trabajó como guionista. Debutó en el largometraje con As Tears Go By en 1988 y fue definiendo su personalidad autoral durante los años noventa. Days of Being Wild, Chungking Express, Fallen Angels y Happy Together fijaron algunos de sus rasgos más reconocibles: narración fragmentaria, personajes marcados por el deseo no resuelto, uso expresivo de la música, voz en off, montaje elíptico, colores intensos, cámara nerviosa o contemplativa según la emoción de la escena, y una atención casi obsesiva a los gestos mínimos.
Su consagración internacional llegó con Happy Together, premiada en Cannes por su dirección en 1997, y con In the Mood for Love, una de las obras mayores del cine contemporáneo. En esa etapa, Wong Kar-wai consolidó una idea de cine basada en la memoria sentimental. Sus historias rara vez avanzan por grandes acontecimientos externos. Avanzan por retrasos, encuentros, pérdidas, objetos, canciones, relojes, pasillos y miradas.
My Blueberry Nights traslada esa poética a Estados Unidos. El cambio es decisivo. En Hong Kong, Wong filma una ciudad que conoce desde dentro, con sus códigos, su velocidad, su cultura popular y sus espacios íntimos. En Estados Unidos trabaja desde una mirada extranjera. Recorre una América de cafeterías, carreteras, moteles, bares sureños y casinos de Nevada, filtrada por referencias musicales y visuales muy reconocibles.
El propio origen del proyecto revela esa operación de traslado. Según las notas del BFI, Wong partió de un cortometraje titulado In the Mood for Love 2001, centrado en un encuentro en una tienda de Hong Kong, y empezó a pensar en mover esa historia a Estados Unidos tras conocer a Norah Jones. El director también explicó que trabajaba más desde la construcción de personajes que desde la arquitectura cerrada de una trama.
La dirección mantiene muchas marcas de su cine: la importancia del tiempo emocional, la repetición de motivos, los personajes que hablan alrededor de aquello que realmente les duele, la música como estructura invisible y la presencia de objetos que condensan memoria. Las llaves guardadas por Jeremy, la tarta de arándanos, las postales, los vasos y las fichas de casino funcionan como depósitos sentimentales.
La película también muestra los riesgos de ese traslado. La América que aparece en pantalla tiene una belleza seductora, pero a veces parece más una mitología imaginada que un territorio habitado. La estilización visual, tan característica del director, roza en algunos momentos la postal emocional. Ese límite resulta interesante para el debate: My Blueberry Nights muestra a Wong Kar-wai en un terreno nuevo, con intuiciones brillantes y con zonas de fragilidad narrativa.
Los actores principales
Norah Jones: Elizabeth
Norah Jones realiza aquí su debut cinematográfico. Su elección resulta llamativa porque llega al cine desde la música, con una imagen pública asociada a la intimidad vocal, el jazz-pop y una sensibilidad melancólica. Wong Kar-wai aprovecha esa presencia. Elizabeth es un personaje reservado, más observador que expansivo, marcado por una tristeza contenida. La actuación de Jones funciona mejor en los silencios, en los trayectos, en la escucha y en la relación con la música de la película.
Su inexperiencia también se percibe. Frente a intérpretes de gran oficio, su registro puede parecer plano en algunos pasajes. Al mismo tiempo, esa falta de técnica actoral convencional le da al personaje una cualidad frágil, casi desprotegida. Elizabeth parece aprender a estar en la película al mismo tiempo que aprende a estar de nuevo en el mundo.
Jude Law: Jeremy
Jude Law interpreta a Jeremy, el dueño de la cafetería neoyorquina. Su personaje representa la espera, la escucha y la posibilidad de cuidar sin invadir. Jeremy guarda las llaves de clientes que han abandonado relaciones o casas, y esa costumbre lo convierte en una figura casi archivística: conserva restos de vidas ajenas mientras su propia vida permanece detenida.
Law aporta encanto, ligereza y una cierta calidez de cuento urbano. Su personaje está construido con una delicadeza algo idealizada, pero funciona como contrapunto a la deriva de Elizabeth. El café de Jeremy es el punto de partida y de regreso, el lugar donde la herida inicial se transforma en otra posibilidad afectiva.
David Strathairn: Arnie
David Strathairn ofrece uno de los trabajos más intensos de la película. Arnie es un policía destruido por el alcohol, la culpa y la incapacidad de aceptar el final de su matrimonio. Su presencia introduce el tramo más oscuro del relato. Frente a la estilización general de la película, Strathairn aporta una fisicidad cansada, quebrada, profundamente humana.
El personaje permite hablar de dependencia emocional, masculinidad herida y autodestrucción. Arnie vive aferrado a una historia ya terminada. Su tragedia nace de la confusión entre amor, posesión, nostalgia y derrota.
Rachel Weisz: Sue Lynne
Rachel Weisz interpreta a Sue Lynne, una mujer marcada por una relación destructiva y por la necesidad de recuperar una identidad propia. Su aparición aporta tensión, sensualidad amarga y una rabia que atraviesa la pantalla. El personaje podría haber quedado reducido a una figura de melodrama sureño, pero Weisz le da fuerza, contradicción y una notable presencia emocional.
Sue Lynne es importante porque obliga a mirar el amor roto desde otro ángulo. Para Arnie, ella representa la pérdida. Para ella, Arnie representa una jaula afectiva de la que necesita salir. En esa diferencia se abre uno de los conflictos más interesantes de la película.
Natalie Portman: Leslie
Natalie Portman interpreta a Leslie, una jugadora profesional que se mueve entre casinos, coches, apuestas y mentiras defensivas. Su personaje introduce otra energía en la película. Frente a la melancolía de Elizabeth y al dolor alcohólico de Memphis, Leslie aporta velocidad, ironía, cálculo y desconfianza.
Portman trabaja desde una máscara de dureza. Leslie parece controlar todas las situaciones porque sabe leer el riesgo. La película revela poco a poco que esa seguridad también es una forma de protección. Su relación con Elizabeth abre el tema del juego como metáfora afectiva: confiar implica apostar, y apostar exige aceptar la posibilidad de perder.
Cat Power / Chan Marshall: presencia musical y breve aparición
Chan Marshall, conocida artísticamente como Cat Power, aparece brevemente en la película y ocupa un lugar decisivo en la banda sonora. Su presencia refuerza la conexión entre imagen y música. En una obra tan marcada por el estado de ánimo, Cat Power aporta una textura de vulnerabilidad, cansancio y dignidad rota que encaja con el corazón sentimental del filme.
La fotografía de Darius Khondji: neón, cristal y melancolía
La fotografía de My Blueberry Nights es uno de los grandes atractivos de la película. Wong Kar-wai trabaja aquí con Darius Khondji, director de fotografía de enorme prestigio, conocido por su capacidad para construir imágenes densas, atmosféricas y muy sensoriales. Su labor resulta decisiva para trasladar el universo sentimental del cineasta a un territorio nuevo.
Khondji construye una imagen dominada por luces artificiales, colores saturados, reflejos, cristales, barras de bar, escaparates, ventanas y superficies brillantes. La película se mueve en una paleta de azules, rojos, amarillos y verdes nocturnos. La luz procede de rótulos luminosos, lámparas interiores, faros de coche, máquinas de casino y vitrinas de cafetería. Esa iluminación crea una atmósfera cargada de intimidad, deseo y cansancio.
La cámara observa con frecuencia a los personajes a través de cristales, puertas, mostradores o encuadres parciales. Esa elección visual refuerza la sensación de distancia. Los personajes comparten espacios, conversaciones y silencios, pero cada uno permanece encerrado en una zona privada de dolor. La fotografía expresa esa separación mediante capas visuales: reflejos, transparencias, desenfoques y composiciones fragmentadas.
El café de Jeremy en Nueva York funciona visualmente como un refugio. La barra, las llaves guardadas, las tartas, la luz cálida del local y la noche exterior crean un espacio íntimo, casi suspendido. Frente a ese ámbito cerrado, el viaje posterior abre otros registros: bares de Memphis, habitaciones impersonales, casinos y carreteras donde la luz se vuelve más dura, más móvil y más inestable.
La forma de filmar los rostros resulta especialmente importante. Norah Jones aparece iluminada con suavidad, asociada a una vulnerabilidad contenida. Rachel Weisz recibe una luz más dramática, atravesada por el desgaste y la tensión emocional. Natalie Portman queda vinculada a una imagen más seca y eléctrica, relacionada con el juego, la velocidad mental y la defensa afectiva. Cada personaje tiene un tratamiento visual acorde con su lugar dentro del recorrido de Elizabeth.
La película convierte también los objetos en signos narrativos. Las llaves abandonadas, la tarta de arándanos, las copas, las fichas de casino, los billetes, los espejos y las ventanas adquieren un peso simbólico. En el cine de Wong Kar-wai, los objetos guardan memoria. En My Blueberry Nights, esos elementos cotidianos funcionan como restos materiales de historias sentimentales.
La excelencia visual resulta indiscutible, aunque conviene matizar su alcance. La imagen es muy poderosa, pero en ciertos momentos bordea el exceso de estilización. Algunos espacios parecen diseñados para ser contemplados antes que habitados. Esa tensión forma parte del debate que propone la propia película: la belleza puede intensificar una emoción y también puede embellecer demasiado una herida. En este caso, Khondji sostiene buena parte del atractivo del filme y convierte el desamor en una experiencia visual marcada por el neón, el cristal y la noche.
La banda sonora: blues, soul y música para corazones en tránsito
La banda sonora ocupa un lugar fundamental en My Blueberry Nights. Wong Kar-wai construye la película alrededor de una sensibilidad musical vinculada al blues, el soul, el jazz vocal, el folk y la canción de carretera. La música ayuda a situar la historia dentro de una América nocturna, sentimental y melancólica.
El álbum de la película fue publicado en 2007 e incluye canciones e instrumentales de Norah Jones, Cat Power, Ry Cooder, Otis Redding, Ruth Brown, Cassandra Wilson, Mavis Staples, Amos Lee y Gustavo Santaolalla, entre otros artistas. La selección musical crea una continuidad emocional entre los distintos tramos del viaje de Elizabeth.
La presencia de Norah Jones resulta clave. Además de protagonizar la película, aporta el tema The Story, una canción íntima y contenida que encaja con la fragilidad reservada de su personaje. Su voz, asociada al jazz vocal y al pop sofisticado, contribuye a definir el tono de Elizabeth: una mujer herida que avanza con discreción, más desde la observación que desde la explosión dramática.
Cat Power aporta dos de los momentos musicales más importantes del conjunto: The Greatest y Living Proof. La voz de Chan Marshall introduce una textura emocional marcada por la vulnerabilidad, el cansancio y la dignidad de quien sigue adelante pese a la derrota. Sus canciones conectan muy bien con el universo de Wong Kar-wai, donde los personajes suelen cargar con deseos pendientes, decisiones aplazadas y amores mal resueltos.
La parte instrumental tiene un peso destacado gracias a Ry Cooder, músico esencial dentro del imaginario sonoro de la carretera estadounidense. Sus piezas Eli Nevada, Long Ride y Bus Ride aportan una dimensión física al trayecto de Elizabeth. Las guitarras, las resonancias fronterizas y el sentido de desplazamiento continuo acompañan la transformación de la protagonista a través de los diferentes escenarios.
El soul clásico aparece representado por Otis Redding con Try a Little Tenderness, una de las canciones más reconocibles de la banda sonora. Su presencia aporta una carga emocional directa, vinculada a la ternura, el deseo y la súplica amorosa. Ruth Brown, con Looking Back, conecta la película con la tradición del rhythm and blues y con uno de sus grandes temas: la fuerza persistente del pasado.
La versión de Harvest Moon, de Neil Young, interpretada por Cassandra Wilson, añade una capa de madurez y melancolía. La lectura de Wilson transforma la canción en una pieza serena, nocturna y cargada de memoria afectiva. Dentro de la película, contribuye a una idea esencial: el amor puede ser recordado desde la distancia con una mezcla de pérdida, gratitud y aceptación.
También resulta relevante la presencia de Yumeji’s Theme, asociado al universo de Wong Kar-wai desde In the Mood for Love. En My Blueberry Nights aparece en una versión de armónica, trasladando a esta película una melodía ya vinculada a la espera, el deseo contenido y los encuentros marcados por la imposibilidad. Su inclusión conecta esta obra con el resto de la filmografía del director.
La música cumple varias funciones. Define el paisaje estadounidense. Refuerza el carácter itinerante del relato. Acompaña los estados emocionales de Elizabeth. Aporta información sentimental sobre los personajes secundarios. En bastantes momentos, las canciones expresan mejor que los diálogos la materia íntima de la película.
La banda sonora puede entenderse como una cartografía emocional del filme. El blues aporta memoria y pérdida. El soul introduce deseo y herida amorosa. El folk y las guitarras instrumentales abren el espacio de la carretera. El jazz vocal añade intimidad y espera. A través de esa combinación, My Blueberry Nights adquiere una identidad musical muy definida.
Estreno, festivales y recepción crítica
My Blueberry Nights tuvo un estreno de gran visibilidad internacional. Fue la película inaugural del 60º Festival de Cannes, celebrado en 2007, y participó en la sección oficial a concurso. La elección tenía lógica: Wong Kar-wai mantenía una relación especialmente estrecha con Cannes, donde ya había competido con varias obras y donde había ganado el premio a la mejor dirección por Happy Together en 1997.
La presencia de la película en Cannes generó expectación por varios motivos. Era el primer largometraje en inglés de Wong Kar-wai, suponía el debut como actriz de Norah Jones y reunía a un reparto internacional muy reconocible. También había curiosidad por ver si el director podía trasladar su lenguaje visual y emocional a una geografía estadounidense.
La recepción crítica fue dividida. Una parte de la crítica destacó la belleza visual, la atmósfera, la música y algunos trabajos interpretativos, especialmente los de David Strathairn, Rachel Weisz y Natalie Portman. Otra parte consideró que el material dramático resultaba delgado y que el traslado del estilo de Wong Kar-wai a Estados Unidos producía una película más decorativa que profunda.
Esa división quedó reflejada en medios y agregadores de crítica. The Guardian publicó durante Cannes un resumen de reacciones donde recogía opiniones muy dispares: elogios a la belleza visual y a la presencia de Norah Jones, junto a críticas duras sobre la debilidad narrativa y la mirada turística hacia el paisaje estadounidense. Rotten Tomatoes recoge una valoración crítica mixta, con consenso centrado en la buena factura visual y en la fragilidad del material dramático. Metacritic sitúa la película en el rango de reseñas mixtas o medias.
En Estados Unidos se estrenó de forma limitada en abril de 2008. Su recorrido comercial fue modesto en ese mercado, aunque la película mantuvo circulación internacional y encontró un público interesado en el cine de autor, en Wong Kar-wai y en los dramas románticos de atmósfera musical.
La recepción crítica ayuda a entender el lugar actual de la película. My Blueberry Nights rara vez se cita entre las grandes obras de Wong Kar-wai, pero conserva atractivo por su apartado visual, su banda sonora y su condición de experimento transnacional. Es una película discutible, y por eso mismo muy útil para un cine fórum: permite hablar tanto de sus logros como de sus límites.
Legado posterior y películas similares
El legado de My Blueberry Nights es discreto dentro de la carrera de Wong Kar-wai. Su filmografía suele recordarse a través de Chungking Express, In the Mood for Love, Happy Together, Days of Being Wild o 2046. Esta película queda en una posición lateral, aunque valiosa: la de una obra de tránsito, un ensayo norteamericano del autor, un desplazamiento de su melancolía habitual hacia una road movie sentimental.
Con el paso del tiempo, la película ha ganado interés para quienes estudian la circulación internacional del cine de autor. Muestra a un director asiático de enorme prestigio trabajando con actores occidentales, con un guion en inglés y con una iconografía estadounidense. También permite observar cómo ciertos rasgos autorales sobreviven al cambio de idioma y de paisaje, mientras otros pierden precisión.
Su legado musical quizá sea más fuerte que su legado narrativo. La banda sonora funciona como un álbum autónomo y muy coherente, con una mezcla de blues, soul, folk y jazz vocal que ha mantenido vida propia. La película también permanece asociada a una estética reconocible: neones, tartas, cristales, bares, carreteras y rostros filmados desde una intimidad muy elaborada.
Para preparar el debate, puede ser útil relacionarla con otras películas que dialogan con sus temas o con su forma:
Chungking Express, de Wong Kar-wai: rupturas amorosas, comida, música popular, espacios urbanos y personajes que convierten el desamor en pequeños rituales.
In the Mood for Love, de Wong Kar-wai: deseo contenido, memoria, repetición musical, objetos cargados de significado y emoción filmada desde la distancia.
Paris, Texas, de Wim Wenders: carretera, pérdida, América mirada desde una sensibilidad extranjera y presencia decisiva de Ry Cooder en el imaginario sonoro.
Lost in Translation, de Sofia Coppola: soledad, desplazamiento, encuentro fugaz y relación entre intimidad emocional y espacio extranjero.
Before Sunrise, de Richard Linklater: viaje, conversación, encuentro breve y construcción de una intimidad marcada por el tiempo limitado.
Broken Flowers, de Jim Jarmusch: road movie fragmentaria, personajes encontrados en el camino y búsqueda personal atravesada por el pasado.
Wendy and Lucy, de Kelly Reichardt: una América de tránsito, precariedad y desplazamiento, con una mirada mucho más seca y menos estilizada.
Thelma & Louise, de Ridley Scott: viaje, huida y transformación, aunque desde una energía política, feminista y de ruptura mucho más explícita.
La comparación con estas películas ayuda a precisar el lugar de My Blueberry Nights. Su fuerza está en la atmósfera, la música y la imagen. Su debilidad aparece cuando los conflictos parecen demasiado definidos por símbolos y estados de ánimo. Aun así, esa mezcla de belleza, fragilidad y artificio la convierte en una obra interesante para pensar el cine romántico contemporáneo y la capacidad del viaje para ordenar una experiencia de pérdida.
Temas para el debate
1. La ruptura amorosa y la necesidad de distancia
¿Qué papel juega el viaje en la recuperación emocional de Elizabeth? ¿Alejarse ayuda a comprender mejor una herida sentimental? ¿Qué diferencia hay entre huir y tomar distancia?
2. La tarta de arándanos como símbolo
La tarta que casi nadie elige se convierte en uno de los elementos centrales de la película. ¿Qué representa dentro del relato? ¿Qué relación tiene con el rechazo, la espera y la posibilidad de ser mirado de otra manera?
3. Los espacios de paso
La película transcurre en cafeterías, bares, moteles, casinos y carreteras. ¿Qué tipo de personajes habitan esos lugares? ¿Por qué los espacios de tránsito resultan tan adecuados para hablar de soledad y transformación?
4. Amor, dependencia y autodestrucción
La historia de Arnie y Sue Lynne introduce una visión más amarga del amor. ¿Dónde empieza la dependencia afectiva? ¿Por qué algunas relaciones sobreviven en forma de resentimiento, culpa o recuerdo destructivo?
5. El juego y el riesgo emocional
Leslie vive en el mundo de las apuestas y del cálculo. ¿Qué relación establece la película entre el juego y los vínculos afectivos? ¿Arriesgar en el amor exige aceptar la posibilidad de perder el control?
6. La fotografía y la construcción de una atmósfera
La imagen está marcada por neones, cristales, reflejos y colores saturados. ¿La belleza visual intensifica la emoción de la historia? ¿En algún momento la estética se impone al desarrollo dramático?
7. La música como relato emocional
La banda sonora reúne blues, soul, jazz vocal, folk y música de carretera. ¿Qué canciones definen mejor el estado emocional de la película? ¿La música ayuda a comprender mejor a Elizabeth y a los personajes que encuentra?
8. Wong Kar-wai fuera de Hong Kong
¿Qué ocurre cuando Wong Kar-wai traslada su universo sentimental a Estados Unidos? ¿Funciona el cambio de geografía, idioma y cultura? ¿Qué elementos conectan esta película con otras obras del director?
9. La mirada extranjera sobre América
La película mira Estados Unidos desde una sensibilidad exterior. ¿Esa mirada produce una América más poética o más artificial? ¿Dónde está el límite entre una visión estilizada y una postal cultural?
Para cerrar
My Blueberry Nights es una película sobre el tiempo que sigue a una pérdida. Wong Kar-wai filma ese periodo de confusión con delicadeza, estilización y melancolía. La historia de Elizabeth avanza a través de encuentros, canciones, luces nocturnas y espacios de paso. Su viaje por Estados Unidos se convierte en una forma de aprendizaje sentimental.
La película tiene límites evidentes. Algunos personajes quedan definidos con excesiva rapidez y la belleza visual puede resultar más potente que el conflicto dramático. Aun así, su atmósfera, su fotografía y su banda sonora la convierten en una obra muy sugerente para el debate. Habla de rupturas, espera, deseo, dependencia, memoria y posibilidad de empezar de nuevo.
En nuestro cine fórum, My Blueberry Nights nos permitirá conversar sobre el desamor, la distancia, los viajes interiores, la música de la pérdida y esa extraña capacidad que tienen algunos lugares —una cafetería, una barra, una carretera, una canción— para ayudarnos a comprender quiénes éramos antes de rompernos y quiénes podemos llegar a ser después.
Enlaces
Fuentes utilizadas para contrastar datos de ficha, estreno, recepción crítica, contexto de producción y banda sonora:
El punto de encuentro será en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) el próximo martes a las 20:00h.
Las veladas se dividirán en tres partes. La primera media hora la dedicaremos a tomar algo, a presentar la película y a conocernos. Después, a las 20:30h, tendremos la proyección. Todas las proyecciones se realizan en VOSE. Para finalizar, tendremos un coloquio que durará hasta las 24:00h.
¿Cómo será el coloquio?
Los encuentros son participativos y queremos conocer vuestra opinión para que se pueda generar un debate abierto y constructivo. No es necesario tener conocimientos de cine para participar. Lo importante aquí no es pontificar, sino compartir lo que una película nos despierta, nos sugiere o nos remueve.
A partir del tema de discusión y de lo visto en la película, las historias personales son bienvenidas. Porque el cine, cuando de verdad funciona, no se queda en la pantalla: se mezcla con nuestras propias experiencias, nuestros deseos, nuestros recuerdos y nuestras preguntas.
¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas
El coste de inscripción a la sesión es de 5€ con debate y coloquio. La sesión es gratuita para los socios de Happening Madrid. Las plazas son muy limitadas.
Happening Madrid es una comunidad de experiencias culturales y sociales en la ciudad. Un espacio para encontrarnos a través del cine, la música, las fiestas, las conversaciones y todo aquello que hace de Madrid una ciudad vivida y compartida.
Una película incómoda, carnal y trágica sobre el amor como experiencia física, la libertad sexual, la mirada masculina, la enfermedad y la fragilidad de los vínculos humanos.
En nuestro cine debate Un Conejo con Ojo proyectamos Delicias turcas, una de las películas fundamentales de Paul Verhoeven y una obra decisiva del cine neerlandés de los años setenta. Estrenada en 1973, provocadora, vitalista, sexualmente explícita y profundamente trágica, la película aborda una historia de amor atravesada por el deseo, la dependencia, la enfermedad y la muerte.
Dirigida por Paul Verhoeven y protagonizada por Rutger Hauer y Monique van de Ven, Delicias turcas adapta la novela Turks Fruit, de Jan Wolkers, con guion de Gerard Soeteman. La película fue un enorme éxito en los Países Bajos y llegó a estar nominada al Óscar a mejor película de habla no inglesa.
De todo ello hablaremos en la próxima sesión de Un Conejo con Ojo: del amor como experiencia física, de la libertad sexual, de la mirada masculina, de la juventud, de la enfermedad, de la muerte y de la manera en que Verhoeven convierte una historia sentimental en una película incómoda, carnal y difícil de domesticar.
Un Conejo con Ojo es un cine debate organizado por Big Tree Books y Happening Madrid. Un espacio para ver cine desde la reflexión, el diálogo y la experiencia compartida. Un lugar donde las películas continúan después de los créditos y el público se convierte en protagonista.
Delicias turcas es una película intensa, contradictoria y muy representativa del cine europeo de comienzos de los años setenta. Parte de una historia de amor entre Eric, un joven escultor bohemio, impulsivo y sexualmente voraz, y Olga, una mujer de familia burguesa que entra en su vida con una mezcla de frescura, deseo y fragilidad.
La película se mueve entre el romanticismo, el erotismo, la comedia amarga y la tragedia. Verhoeven filma el amor desde el cuerpo: desde el sexo, la convivencia, la enfermedad, los celos, la rabia y la pérdida. No le interesa una historia sentimental limpia. Le interesa mostrar una relación en toda su dimensión física y emocional, con sus momentos luminosos y sus zonas más desagradables.
Vista hoy, Delicias turcas conserva una gran fuerza, pero también exige una mirada crítica. Su manera de representar el deseo masculino, el cuerpo femenino y la libertad sexual pertenece claramente a su tiempo. La película puede resultar incómoda, excesiva y problemática. Precisamente por eso sigue siendo interesante para el debate.
Sinopsis
Eric es un joven escultor de carácter libre, caótico y provocador. Vive al margen de las convenciones burguesas y se relaciona con el mundo desde el deseo, la rabia y la creación artística. Un día conoce a Olga, una joven vital, sensual y aparentemente más integrada en el mundo familiar y social del que él huye.
Entre ambos nace una relación apasionada, marcada por la atracción física, la convivencia, los choques de carácter y una dependencia emocional cada vez más intensa. Lo que comienza como una historia de deseo y libertad deriva hacia un vínculo complejo, doloroso y finalmente trágico, cuando la enfermedad irrumpe en la vida de Olga y transforma por completo el sentido de aquella relación.
Ficha técnica
Título original
Turks Fruit
Título en español
Delicias turcas
Año
1973
País
Países Bajos
Dirección
Paul Verhoeven
Guion
Gerard Soeteman
Novela original
Jan Wolkers
Música
Rogier van Otterloo
Fotografía
Jan de Bont
Montaje
Jan Bosdriesz
Reparto principal
Rutger Hauer, Monique van de Ven, Tonny Huurdeman, Wim van den Brink, Hans Boskamp, Dolf de Vries
Género
Drama, romance, cine erótico
Duración
108 minutos
Idioma original
Neerlandés
Tráiler
El director: Paul Verhoeven
Paul Verhoeven es uno de los cineastas europeos más provocadores y reconocibles de la segunda mitad del siglo XX. Su cine ha trabajado de forma constante sobre el sexo, la violencia, el poder, el deseo, la manipulación y las contradicciones morales de la sociedad contemporánea.
Antes de su etapa internacional con películas como RoboCop, Desafío total, Instinto básico, Showgirls, Starship Troopers, El libro negro, Elle o Benedetta, Verhoeven ya había demostrado en los Países Bajos una capacidad muy singular para combinar éxito popular, provocación formal y conflicto moral.
Delicias turcas fue una de las películas que consolidó su nombre. Su mezcla de erotismo frontal, humor salvaje, tragedia sentimental y crítica a la moral burguesa anticipa muchas de las tensiones que recorrerán su obra posterior. En Verhoeven nunca hay inocencia pura. Los personajes desean, mienten, se contradicen, se dañan y se exponen. Su cine suele incomodar porque no separa fácilmente víctimas y culpables, libertad y abuso, placer y destrucción.
Los actores
Gran parte de la fuerza de Delicias turcas procede de sus dos protagonistas. Rutger Hauer interpreta a Eric con una energía física arrolladora. Su personaje es seductor, creativo, inmaduro, posesivo y muchas veces antipático. Hauer no lo suaviza. Lo muestra como un hombre atravesado por el deseo, la rabia y una incapacidad evidente para amar sin apropiarse de aquello que ama.
Monique van de Ven encarna a Olga, personaje central de la película y objeto principal de la mirada de Eric. Su presencia combina vitalidad, sensualidad y vulnerabilidad. Es importante subrayar que la película la muestra muchas veces desde el punto de vista masculino, como cuerpo deseado, imagen idealizada y figura perdida. Esa mirada forma parte del interés de la película, pero también de sus problemas.
Ambos intérpretes debutaron en el cine con esta película, que supuso un punto de partida decisivo para sus carreras. En el caso de Hauer, la colaboración con Verhoeven continuaría en otros títulos importantes del cine neerlandés antes de su salto internacional.
La música: melancolía, jazz y libertad
La banda sonora de Delicias turcas está compuesta por Rogier van Otterloo, músico neerlandés que construye una partitura muy reconocible, situada entre el lirismo melancólico, el jazz ligero y una expresividad directa que acompaña el tono vitalista y trágico de la película. La música no funciona como simple fondo sentimental. Tiene un papel decisivo en la manera en que recordamos la historia de Eric y Olga.
Uno de los elementos más importantes de esta banda sonora es la presencia de Toots Thielemans, gran armonicista belga y figura esencial del jazz europeo. Su sonido aporta a la película una cualidad muy particular: algo entre la ligereza, la nostalgia y la fragilidad. La armónica y el silbido no subrayan la pasión de forma solemne, sino que introducen una emoción más ambigua, casi cotidiana. Hay alegría, pero una alegría que parece llevar ya dentro una sombra de pérdida.
La música acompaña especialmente bien la dimensión urbana de la película. Delicias turcas es también una película de Ámsterdam, de calles, bicicletas, talleres, interiores modestos y espacios abiertos donde los cuerpos parecen moverse con una libertad recién conquistada. La banda sonora no se limita a vestir las imágenes: les da respiración, ritmo y memoria.
Esa música tiene algo profundamente setentero, pero no en un sentido decorativo. No estamos ante una partitura de grandes gestos sinfónicos ni ante una colección de canciones utilizadas para ilustrar una época. Van Otterloo compone una música flexible, con aire jazzístico, que sabe pasar de la ligereza al drama sin romper el tono de la película. En algunos momentos parece acompañar la energía sexual y juvenil de los personajes; en otros, anticipa la tristeza que acabará imponiéndose sobre la historia.
El contraste es fundamental. La película empieza dominada por el deseo, la provocación y la exaltación del cuerpo. La música, sin embargo, introduce desde el principio una sensibilidad más vulnerable. Es como si la banda sonora supiera antes que los personajes que esa libertad no va a durar. Por eso resulta tan eficaz: no contradice la vitalidad de la película, pero la rodea de una melancolía discreta.
En Delicias turcas, la música ayuda a convertir una historia carnal y desordenada en una memoria emocional. El sexo, la risa, los celos y la enfermedad quedan atravesados por melodías que no buscan embellecer artificialmente la película, sino darle una respiración más humana. Verhoeven filma el cuerpo con crudeza; Van Otterloo le añade una tristeza luminosa. Esa combinación explica buena parte de la fuerza perdurable de la película.
Amor, deseo y cuerpo
Uno de los aspectos más llamativos de Delicias turcas es su manera de entender el amor como experiencia corporal. La película no presenta el deseo como algo decorativo o secundario. El deseo lo invade todo: la forma de mirar, de hablar, de tocar, de discutir, de recordar.
En ese sentido, la película pertenece claramente a un momento histórico marcado por la revolución sexual, la crisis de la moral tradicional y la voluntad de mostrar en pantalla aquello que durante décadas había permanecido oculto o suavizado. Verhoeven lleva esa libertad hacia un terreno incómodo. No filma el sexo como postal romántica, sino como fuerza vital, como desorden, como impulso y como conflicto.
La relación entre Eric y Olga tiene momentos de alegría, de juego y de ternura, pero también está marcada por la posesión, los celos y la desigualdad. La película permite debatir hasta qué punto el amor aparece aquí como encuentro entre dos personas libres o como una relación donde una de ellas acaba convertida en imagen, recuerdo y obsesión de la otra.
La libertad sexual y sus sombras
Delicias turcas fue recibida en su momento como una película audaz y liberadora. Su franqueza sexual rompía con muchas convenciones del cine más tradicional. Sin embargo, vista desde hoy, esa libertad necesita ser revisada.
La película habla de una época en la que el deseo se presentaba muchas veces como forma de emancipación frente a la familia, la religión y la moral burguesa. Pero también muestra, quizá sin proponérselo del todo, los límites de esa liberación. La libertad sexual no siempre implicó una verdadera igualdad entre hombres y mujeres. En muchas ocasiones, sirvió para ampliar el margen de acción del deseo masculino sin cuestionar suficientemente sus privilegios.
Por eso Delicias turcas resulta tan útil para el debate actual. No conviene verla únicamente como una celebración de la libertad. Conviene verla también como una obra que revela las contradicciones de esa libertad cuando queda atrapada en una mirada masculina dominante.
La mirada masculina
Uno de los grandes temas de la película es la forma en que Eric mira a Olga. La desea, la ama, la recuerda, la convierte en modelo artístico y la transforma en figura central de su mundo emocional. Pero esa intensidad tiene un reverso inquietante: Olga aparece muchas veces filtrada por la fantasía masculina de Eric.
La película puede leerse como una historia de amor, pero también como la historia de una apropiación simbólica. Eric no siempre ve a Olga como una persona autónoma. A menudo la ve como cuerpo, como musa, como pérdida, como prueba de su propio dolor.
Este punto es fundamental para un coloquio contemporáneo. ¿Hasta qué punto la película cuestiona esa mirada? ¿Hasta qué punto la reproduce? ¿Estamos ante una crítica del narcisismo masculino o ante una obra que participa de él? Probablemente las dos cosas conviven en la película, y ahí está buena parte de su incomodidad.
Enfermedad, fragilidad y muerte
La parte final de Delicias turcas desplaza el centro de la película. El cuerpo que antes era deseo se convierte en cuerpo vulnerable. La energía sexual del comienzo deja paso a la enfermedad, al deterioro y a la conciencia de la muerte.
El título de la película alude a los dulces turcos que Olga acepta comer cuando está enferma. Ese detalle aparentemente menor concentra una parte importante del sentido de la obra. El placer queda reducido a algo blando, pequeño, casi infantil. El cuerpo deseado se vuelve frágil. La pasión se convierte en cuidado, pérdida y duelo.
Ahí la película alcanza su dimensión más trágica. Verhoeven no abandona su crudeza, pero introduce una melancolía muy poderosa. La historia deja de ser únicamente una provocación erótica para convertirse en una reflexión sobre la desaparición de aquello que amamos.
Estreno, recepción e importancia
Delicias turcas fue uno de los grandes éxitos del cine neerlandés. Su importancia no procede únicamente de sus cifras de taquilla. Marcó una forma de hacer cine popular, adulto, provocador y frontal. Contribuyó a situar a Verhoeven como un director capaz de conectar con grandes audiencias sin renunciar al conflicto, la incomodidad y la ambigüedad moral.
También ocupa un lugar relevante en la historia cultural de los Países Bajos. La película condensó muchas de las transformaciones de su época: la ruptura con la moral conservadora, la centralidad del cuerpo, la crisis de la familia tradicional, la presencia de una juventud menos obediente y una nueva manera de representar el sexo en la pantalla.
Vista con medio siglo de distancia, la película conserva su potencia porque no ha quedado reducida a documento de época. Sigue planteando preguntas muy actuales sobre el deseo, la autonomía, la masculinidad, la memoria amorosa y la forma en que el cine ha construido históricamente el cuerpo femenino como objeto de fascinación.
Temas para el debate
En esta sesión hablaremos del amor, del deseo, de la libertad sexual, de la mirada masculina, del cuerpo como espacio de placer y fragilidad, de la enfermedad y de la muerte. También nos preguntaremos cómo vemos hoy una película nacida en plena efervescencia de los años setenta y qué aspectos siguen vivos, discutibles o incómodos.
El amor como pasión y dependencia
La relación entre Eric y Olga nace desde una atracción física inmediata. Hay deseo, impulso, fascinación y una energía vital muy fuerte. Pero esa pasión no tarda en mezclarse con la posesión, los celos y la dependencia emocional.
La película permite debatir sobre la diferencia entre amar a alguien y necesitar que esa persona sostenga nuestra propia identidad. Eric parece amar a Olga, pero también parece necesitarla como confirmación de sí mismo, como musa y como centro de su propio relato sentimental.
¿Estamos ante una gran historia de amor o ante una relación profundamente desequilibrada?
¿Dónde termina el amor y dónde empieza la posesión?
La libertad sexual y sus contradicciones
Delicias turcas fue una película muy audaz para su tiempo por la manera directa en que mostraba el sexo y el deseo. Esa libertad forma parte de su valor histórico. Sin embargo, también abre preguntas incómodas.
La película pertenece a una época en la que la liberación sexual se vivía como ruptura con la moral conservadora. Pero esa ruptura no siempre garantizó relaciones más justas. En el caso de Eric y Olga, la libertad aparece mezclada con inmadurez, egoísmo y desigualdad.
¿Qué idea de libertad sexual plantea la película?
¿La sexualidad aparece como emancipación, como conflicto o como ambas cosas?
¿Ha envejecido bien la representación del deseo?
¿Qué aspectos resultan hoy más problemáticos?
La mirada masculina y el cuerpo femenino
Olga ocupa el centro emocional de la película, pero muchas veces aparece vista a través de Eric. Es amante, musa, cuerpo deseado, recuerdo y pérdida. Esa construcción permite hablar de la mirada masculina en el cine y de cómo muchas películas han representado a las mujeres desde el deseo, la fantasía o el dolor de los hombres.
La cuestión interesante es que Delicias turcas no es una película simple. Puede verse como una obra que reproduce esa mirada, pero también como una película que deja al descubierto el narcisismo de Eric y su incapacidad para amar de forma generosa.
¿Cómo mira Eric a Olga?
¿La película concede a Olga una voz propia suficiente?
¿Verhoeven critica la mirada masculina o queda atrapado en ella?
¿Cómo cambia nuestra lectura de la película desde una sensibilidad actual?
El cuerpo: placer, enfermedad y muerte
Pocas películas muestran con tanta claridad la continuidad entre deseo y mortalidad. En Delicias turcas, el cuerpo aparece primero como territorio de placer, juego y provocación. Después se convierte en espacio de enfermedad, miedo y deterioro.
Ese tránsito es uno de los elementos más duros de la película. El cuerpo amado no puede permanecer como imagen ideal. Cambia, enferma, se debilita y desaparece. La película obliga a mirar aquello que muchas historias románticas prefieren evitar: la fragilidad física de todo vínculo amoroso.
¿Qué papel tiene el cuerpo en la película?
¿Cómo cambia nuestra percepción de Olga cuando aparece la enfermedad?
¿La película trata la muerte con sentimentalismo o con crudeza?
¿Qué relación establece entre amor, carne y pérdida?
Juventud, inmadurez y destrucción
Eric y Olga viven su relación con una intensidad muy propia de la juventud. Todo parece urgente, absoluto y definitivo. Pero esa energía también tiene algo inmaduro. Eric, especialmente, parece incapaz de gestionar el deseo, la frustración y el abandono.
La película permite hablar de la juventud como fuerza creadora y destructiva. Hay belleza en esa intensidad, pero también hay irresponsabilidad, egoísmo y daño. Verhoeven no idealiza del todo a sus personajes. Los muestra vitales, pero también torpes y crueles.
¿La película idealiza la juventud o la muestra con dureza?
¿Eric es un personaje romántico o profundamente inmaduro?
¿Puede una relación intensa ser también una relación destructiva?
¿Qué papel juega el arte en la forma en que Eric vive el amor?
La música y la memoria emocional
La banda sonora permite debatir cómo una música aparentemente ligera puede alterar la percepción de una historia áspera. El jazz, la armónica y el tono melancólico de Van Otterloo introducen una fragilidad que compensa la brusquedad de muchas escenas.
¿La música suaviza la crudeza de la película o la vuelve más dolorosa?
¿Qué aporta la presencia de Toots Thielemans al tono emocional de la obra?
¿Cómo se relaciona la banda sonora con la libertad urbana y juvenil que muestra la película?
¿Por qué algunas melodías parecen anticipar la pérdida desde el comienzo?
Verhoeven y el cine incómodo
Delicias turcas permite entrar de lleno en el universo de Paul Verhoeven. Su cine rara vez busca la comodidad del espectador. Le interesa el deseo cuando se vuelve turbio, la violencia escondida bajo la normalidad, la hipocresía social y la dificultad de establecer juicios morales simples.
En esta película ya están muchas de sus obsesiones posteriores: sexo, poder, cuerpo, provocación, ambigüedad moral y crítica a las convenciones sociales. Verhoeven no filma desde la neutralidad. Empuja las situaciones, exagera los contrastes y obliga al espectador a posicionarse.
¿Qué rasgos del Verhoeven posterior aparecen ya en Delicias turcas?
¿Por qué su cine suele resultar tan incómodo?
¿La provocación de la película tiene sentido dramático o busca simplemente escandalizar?
¿Qué lugar ocupa esta obra dentro del cine europeo de los años setenta?
Una película para el debate
Delicias turcas sigue siendo una película viva porque no se deja cerrar fácilmente. Puede emocionar, irritar, incomodar y fascinar. Puede leerse como una historia de amor radical, como un retrato de la juventud, como una película sobre el deseo masculino, como una crítica de la moral burguesa o como una tragedia sobre la fragilidad del cuerpo.
Su mayor interés para un cine debate está precisamente ahí: no es una obra cómoda ni redonda en un sentido pacífico. Tiene aristas. Tiene excesos. Tiene escenas que hoy resultan difíciles. Pero también posee una energía cinematográfica enorme y una capacidad poco frecuente para unir sexo, humor, dolor y muerte en un mismo movimiento.
Verhoeven filma el amor como una experiencia física y contradictoria. Amar, en Delicias turcas, no significa encontrar un refugio limpio frente al mundo. Significa entrar en una zona de exposición, deseo, pérdida y fragilidad. Una zona donde el cuerpo celebra, se equivoca, enferma y desaparece.
Y quizá por eso la película sigue importando. Porque debajo de su escándalo, de su erotismo y de su violencia emocional, late una pregunta sencilla y terrible: qué queda del amor cuando el cuerpo que deseamos ya no puede sostener nuestra fantasía.
Punto de encuentro y planning de la velada
El punto de encuentro será en Big Tree Books (C/ Dos Hermanas, 17) el próximo martes a las 20:00h.
Las veladas se dividirán en tres partes. La primera media hora la dedicaremos a tomar algo, a presentar la película y a conocernos. Después, a las 20:30h, tendremos la proyección. Todas las proyecciones se realizan en VOSE. Para finalizar, tendremos un coloquio que durará hasta las 24:00h.
¿Cómo será el coloquio?
Los encuentros son participativos y queremos conocer vuestra opinión para que se pueda generar un debate abierto y constructivo. No es necesario tener conocimientos de cine para participar. Lo importante aquí no es pontificar, sino compartir lo que una película nos despierta, nos sugiere o nos remueve.
A partir del tema de discusión y de lo visto en la película, las historias personales son bienvenidas. Porque el cine, cuando de verdad funciona, no se queda en la pantalla: se mezcla con nuestras propias experiencias, nuestros deseos, nuestros recuerdos y nuestras preguntas.
¿Cuánto cuesta la sesión? Reservas
El coste de inscripción a la sesión es de 5€ con debate y coloquio. La sesión es gratuita para los socios de Happening Madrid. Las plazas son muy limitadas.
Happening Madrid es una comunidad de experiencias culturales y sociales en la ciudad. Un espacio para encontrarnos a través del cine, la música, las fiestas, las conversaciones y todo aquello que hace de Madrid una ciudad vivida y compartida.
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